Denuncio al mondo ed ai posteri con i miei libri tutte le illegalità tacitate ed impunite compiute dai poteri forti (tutte le mafie). Lo faccio con professionalità, senza pregiudizi od ideologie. Per non essere tacciato di mitomania, pazzia, calunnia, diffamazione, partigianeria, o di scrivere Fake News, riporto, in contraddittorio, la Cronaca e la faccio diventare storia. Quella Storia che nessun editore vuol pubblicare. Quelli editori che ormai nessuno più legge.

Gli editori ed i distributori censori si avvalgono dell'accusa di plagio, per cessare il rapporto. Plagio mai sollevato da alcuno in sede penale o civile, ma tanto basta per loro per censurarmi.

I miei contenuti non sono propalazioni o convinzioni personali. Mi avvalgo solo di fonti autorevoli e credibili, le quali sono doverosamente citate.

Io sono un sociologo storico: racconto la contemporaneità ad i posteri, senza censura od omertà, per uso di critica o di discussione, per ricerca e studio personale o a scopo culturale o didattico. A norma dell'art. 70, comma 1 della Legge sul diritto d'autore: "Il riassunto, la citazione o la riproduzione di brani o di parti di opera e la loro comunicazione al pubblico sono liberi se effettuati per uso di critica o di discussione, nei limiti giustificati da tali fini e purché non costituiscano concorrenza all'utilizzazione economica dell'opera; se effettuati a fini di insegnamento o di ricerca scientifica l'utilizzo deve inoltre avvenire per finalità illustrative e per fini non commerciali."

L’autore ha il diritto esclusivo di utilizzare economicamente l’opera in ogni forma e modo (art. 12 comma 2 Legge sul Diritto d’Autore). La legge stessa però fissa alcuni limiti al contenuto patrimoniale del diritto d’autore per esigenze di pubblica informazione, di libera discussione delle idee, di diffusione della cultura e di studio. Si tratta di limitazioni all’esercizio del diritto di autore, giustificate da un interesse generale che prevale sull’interesse personale dell’autore.

L'art. 10 della Convenzione di Unione di Berna (resa esecutiva con L. n. 399 del 1978) Atto di Parigi del 1971, ratificata o presa ad esempio dalla maggioranza degli ordinamenti internazionali, prevede il diritto di citazione con le seguenti regole: 1) Sono lecite le citazioni tratte da un'opera già resa lecitamente accessibile al pubblico, nonché le citazioni di articoli di giornali e riviste periodiche nella forma di rassegne di stampe, a condizione che dette citazioni siano fatte conformemente ai buoni usi e nella misura giustificata dallo scopo.

Ai sensi dell’art. 101 della legge 633/1941: La riproduzione di informazioni e notizie è lecita purché non sia effettuata con l’impiego di atti contrari agli usi onesti in materia giornalistica e purché se ne citi la fonte. Appare chiaro in quest'ipotesi che oltre alla violazione del diritto d'autore è apprezzabile un'ulteriore violazione e cioè quella della concorrenza (il cosiddetto parassitismo giornalistico). Quindi in questo caso non si fa concorrenza illecita al giornale e al testo ma anzi dà un valore aggiunto al brano originale inserito in un contesto più ampio di discussione e di critica.

Ed ancora: "La libertà ex art. 70 comma I, legge sul diritto di autore, di riassumere citare o anche riprodurre brani di opere, per scopi di critica, discussione o insegnamento è ammessa e si giustifica se l'opera di critica o didattica abbia finalità autonome e distinte da quelle dell'opera citata e perciò i frammenti riprodotti non creino neppure una potenziale concorrenza con i diritti di utilizzazione economica spettanti all'autore dell'opera parzialmente riprodotta" (Cassazione Civile 07/03/1997 nr. 2089).

Per questi motivi Dichiaro di essere l’esclusivo autore del libro in oggetto e di tutti i libri pubblicati sul mio portale e le opere citate ai sensi di legge contengono l’autore e la fonte. Ai sensi di legge non ho bisogno di autorizzazione alla pubblicazione essendo opere pubbliche.

Promuovo in video tutto il territorio nazionale ingiustamente maltrattato e censurato. Ascolto e Consiglio le vittime discriminate ed inascoltate. Ogni giorno da tutto il mondo sui miei siti istituzionali, sui miei blog d'informazione personali e sui miei canali video sono seguito ed apprezzato da centinaia di migliaia di navigatori web. Per quello che faccio, per quello che dico e per quello che scrivo i media mi censurano e le istituzioni mi perseguitano. Le letture e le visioni delle mie opere sono gratuite. Anche l'uso è gratuito, basta indicare la fonte. Nessuno mi sovvenziona per le spese che sostengo e mi impediscono di lavorare per potermi mantenere. Non vivo solo di aria: Sostienimi o mi faranno cessare e vinceranno loro. 

Dr Antonio Giangrande  

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ANNO 2020

LA SOCIETA’

QUARTA PARTE

DI ANTONIO GIANGRANDE

L’ITALIA ALLO SPECCHIO

IL DNA DEGLI ITALIANI

L’APOTEOSI

DI UN POPOLO DIFETTATO

Questo saggio è un aggiornamento temporale, pluritematico e pluriterritoriale, riferito al 2019, consequenziale a quello del 2018. Gli argomenti ed i territori trattati nei saggi periodici sono completati ed approfonditi in centinaia di saggi analitici specificatamente dedicati e già pubblicati negli stessi canali in forma Book o E-book, con raccolta di materiale riferito al periodo antecedente. Opere oggetto di studio e fonti propedeutiche a tesi di laurea ed inchieste giornalistiche.

Si troveranno delle recensioni deliranti e degradanti di queste opere. Il mio intento non è soggiogare l'assenso parlando del nulla, ma dimostrare che siamo un popolo difettato. In questo modo è ovvio che l'offeso si ribelli con la denigrazione del palesato.

IL GOVERNO

UNA BALLATA PER L’ITALIA (di Antonio Giangrande). L’ITALIA CHE SIAMO.

UNA BALLATA PER AVETRANA (di Antonio Giangrande). L’AVETRANA CHE SIAMO.

PRESENTAZIONE DELL’AUTORE.

LA SOLITA INVASIONE BARBARICA SABAUDA.

LA SOLITA ITALIOPOLI.

SOLITA LADRONIA.

SOLITO GOVERNOPOLI. MALGOVERNO ESEMPIO DI MORALITA’.

SOLITA APPALTOPOLI.

SOLITA CONCORSOPOLI ED ESAMOPOLI. I CONCORSI ED ESAMI DI STATO TRUCCATI.

ESAME DI AVVOCATO. LOBBY FORENSE, ABILITAZIONE TRUCCATA.

SOLITO SPRECOPOLI.

SOLITA SPECULOPOLI. L’ITALIA DELLE SPECULAZIONI.

L’AMMINISTRAZIONE

SOLITO DISSERVIZIOPOLI. LA DITTATURA DEI BUROCRATI.

SOLITA UGUAGLIANZIOPOLI.

IL COGLIONAVIRUS.

L’ACCOGLIENZA

SOLITA ITALIA RAZZISTA.

SOLITI PROFUGHI E FOIBE.

SOLITO PROFUGOPOLI. VITTIME E CARNEFICI.

GLI STATISTI

IL SOLITO AFFAIRE ALDO MORO.

IL SOLITO GIULIO ANDREOTTI. IL DIVO RE.

SOLITA TANGENTOPOLI. DA CRAXI A BERLUSCONI. LE MANI SPORCHE DI MANI PULITE.

SOLITO BERLUSCONI. L'ITALIANO PER ANTONOMASIA.

IL SOLITO COMUNISTA BENITO MUSSOLINI.

I PARTITI

SOLITI 5 STELLE… CADENTI.

SOLITA LEGOPOLI. LA LEGA DA LEGARE.

SOLITI COMUNISTI. CHI LI CONOSCE LI EVITA.

IL SOLITO AMICO TERRORISTA.

1968 TRAGICA ILLUSIONE IDEOLOGICA.

LA GIUSTIZIA

SOLITO STEFANO CUCCHI & COMPANY.

LA SOLITA SARAH SCAZZI. IL DELITTO DI AVETRANA.

LA SOLITA YARA GAMBIRASIO. IL DELITTO DI BREMBATE.

SOLITO DELITTO DI PERUGIA.

SOLITA ABUSOPOLI.

SOLITA MALAGIUSTIZIOPOLI.

SOLITA GIUSTIZIOPOLI.

SOLITA MANETTOPOLI.

SOLITA IMPUNITOPOLI. L’ITALIA DELL’IMPUNITA’.

I SOLITI MISTERI ITALIANI.

BOLOGNA: UNA STRAGE PARTIGIANA.

LA MAFIOSITA’

SOLITA MAFIOPOLI.

SOLITE MAFIE IN ITALIA.

SOLITA MAFIA DELL’ANTIMAFIA.

SOLITO RIINA. LA COLPA DEI PADRI RICADE SUI FIGLI.

SOLITO CAPORALATO. IPOCRISIA E SPECULAZIONE.

LA SOLITA USUROPOLI E FALLIMENTOPOLI.

SOLITA CASTOPOLI.

LA SOLITA MASSONERIOPOLI.

CONTRO TUTTE LE MAFIE.

LA CULTURA ED I MEDIA

LA SCIENZA E’ UN’OPINIONE.

SOLITO CONTROLLO E MANIPOLAZIONE MENTALE.

SOLITA SCUOLOPOLI ED IGNORANTOPOLI.

SOLITA CULTUROPOLI. DISCULTURA ED OSCURANTISMO.

SOLITO MEDIOPOLI. CENSURA, DISINFORMAZIONE, OMERTA'.

LO SPETTACOLO E LO SPORT

SOLITO SPETTACOLOPOLI.

SOLITO SANREMO.

SOLITO SPORTOPOLI. LO SPORT COL TRUCCO.

LA SOCIETA’

GLI ANNIVERSARI DEL 2019.

I MORTI FAMOSI.

ELISABETTA E LA CORTE DEGLI SCANDALI.

MEGLIO UN GIORNO DA LEONI O CENTO DA AGNELLI?

L’AMBIENTE

LA SOLITA AGROFRODOPOLI.

SOLITO ANIMALOPOLI.

IL SOLITO TERREMOTO E…

IL SOLITO AMBIENTOPOLI.

IL TERRITORIO

SOLITO TRENTINO ALTO ADIGE.

SOLITO FRIULI VENEZIA GIULIA.

SOLITA VENEZIA ED IL VENETO.

SOLITA MILANO E LA LOMBARDIA.

SOLITO TORINO ED IL PIEMONTE E LA VAL D’AOSTA.

SOLITA GENOVA E LA LIGURIA.

SOLITA BOLOGNA, PARMA ED EMILIA ROMAGNA.

SOLITA FIRENZE E LA TOSCANA.

SOLITA SIENA.

SOLITA SARDEGNA.

SOLITE MARCHE.

SOLITA PERUGIA E L’UMBRIA.

SOLITA ROMA ED IL LAZIO.

SOLITO ABRUZZO.

SOLITO MOLISE.

SOLITA NAPOLI E LA CAMPANIA.

SOLITA BARI.

SOLITA FOGGIA.

SOLITA TARANTO.

SOLITA BRINDISI.

SOLITA LECCE.

SOLITA POTENZA E LA BASILICATA.

SOLITA REGGIO E LA CALABRIA.

SOLITA PALERMO, MESSINA E LA SICILIA.

LE RELIGIONI

SOLITO GESU’ CONTRO MAOMETTO.

FEMMINE E LGBTI

SOLITO CHI COMANDA IL MONDO: FEMMINE E LGBTI.

LA SOCIETA’

INDICE PRIMA PARTE

GLI ANNIVERSARI DEL 2020.

Cosa resta dell’anno passato. I Festeggiamenti.

Cosa resta dell’anno passato. La Politica.

Cosa resta dell’anno passato. La Cultura. 

Cosa resta dell’anno passato. L’Immigrazione.

Cosa resta dell’anno passato. Le Notizie.  

Cosa resta dell’anno passato. I Fatti.

Cosa resta dell’anno passato. I Personaggi.

Cosa resta dell’anno passato. Le Parole.

Cosa resta dell’anno passato. Le cose.

Cosa resta dell’anno passato. Lo Sport.

Cosa resta dell’anno passato. Gli Eventi.

Cosa resta dell’anno passato. I Disastri.  

Cosa resta dell’anno passato. I Morti sul Lavoro.

Le Previsioni e le Profezie.

INDICE SECONDA PARTE

GLI ANNIVERSARI DEL 2020.

Gli anniversari.  

500 anni dalla morte di Raffaello Sanzio.

400 anni dalla nascita di Masaniello.

250 anni dalla morte di Giambattista Tiepolo.

250 anni dalla nascita di Ludwig van Beethoven.

200 anni dalla nascita di Pellegrino Artusi.

200 anni dalla nascita di Vittorio Emanuele II.

150 anni dalla nascita di Maria Montessori.

150 anni dalla morte di Alexandre Dumas.

150 anni dalla nascita di Lenin.

150 anni dalla morte di Charles Dickens.

150 anni dalla nascita di Rosa Luxemburg.

130 anni dalla morte di Carlo Collodi.

120 anni dalla nascita di Eduardo De Filippo.

120 anni dalla nascita di Antoine de Saint Exupery.

120 anni dalla nascita di Ignazio Silone.

100 anni dalla morte di Amedeo Modigliani.

100 anni dalla nascita di Papa Giovanni Paolo II.

100 anni dalla nascita di Carlo Alberto Dalla Chiesa.

100 anni dalla nascita di Emilio Colombo.

100 anni dalla nascita di Carlo Azeglio Ciampi.

100 anni dalla nascita di Salvo D’Acquisto.

100 anni dalla nascita di Charlie Parker.

100 anni dalla nascita di Gianni Rodari.

100 anni dalla nascita di Charles Bukowski.

100 anni dalla nascita di Nilde Iotti.

100 anni dalla nascita di Gesualdo Bufalino.

100 anni dalla nascita di Enzo Biagi.

100 anni dalla nascita di Ray Bradbury.

100 anni dalla nascita di Franco Lucentini.

100 anni dalla nascita di Giorgio Bocca.

100 anni dalla nascita di Federico Fellini.

100 anni dalla nascita di Alberto Sordi.

100 anni dalla nascita di Isaac Asimov.

100 anni dalla nascita di Tonino Guerra.

100 anni dalla nascita e 20 dalla morte di Walter Matthau.

100 anni dalla nascita di Bruno Maderna.

100 anni dalla nascita di Renato Carosone.

100 anni dalla nascita di Helmut Newton.

83 anni dalla nascita dell’Ikea.

75 anni da Hiroshima.

66 anni dalla morte di Eddie Sanders.

60 anni dall'impresa del batiscafo “Trieste”.

60 anni dalla morte di Albert Camus.

60 anni dalla morte di Fausto Coppi.

60 anni dalla morte di Fred Buscaglione.

58 anni dalla morte di Marylin Monroe.

60 anni dalla nascita morte di “Tutto il calcio minuto per minuto”.

60 anni dall’Olimpiade di Roma.

50 anni dalla Woodstock italiana.

50 anni dalla morte di Janis Joplin.

50 anni dalla morte di  Jimi Hendrix.

50 anni dalla separazione dei Beatles.

50 anni dalla morte di Angelo Rizzoli “il Vecchio”.

47 anni dalla morte di Renzo Pasolini.

46 anni dalla morte di Pietro Germi.

43 anni dalla morte di Maria Callas.

43 anni dalla morte di Elizabeth «Lee» Miller.

41 anni dall’uscita di Apocalypse Now.

41 anni dalla morte di Bob Marley.

40 anni dalla morte di Peter Sellers.

40 anni dalla morte di James Cleveland Owens.

40 anni dalla morte di Alfred Hitchcock.

40 anni dalla morte di Steve McQueen.

40 anni dalla morte di Romain Gary.

40 anni dalla morte di Peppino De Filippo.

40 anni dalla morte di Mario Amato, il giudice tradito dallo Stato.

40 anni dall’uscita di “The Blues Brothers”.

38 anni dalla morte di Giuseppe Prezzolini.

38 anni dalla morte di Gilles Villeneuve.

34 anni dalla morte di Elio De Angelis.

33 anni dalla morte di Giovanni Arpino.

32 anni dalla morte di Nico (Christa Päffgen).

32 anni dalla morte di John Holmes.

31 anni dalla morte di Sergio Leone.

31 anni dalla morte di Silvana Mangano.

30 anni dalla morte di Rocky Graziano.

30 anni dalla morte di Keith Haring.

30 anni dalla morte di Ugo Tognazzi.

30 anni dalla morte di Stefano Casiraghi.

29 anni dalla morte di Freddie Mercury.

29 anni dalla morte di Miles Davis.

29 anni dalla morte di Maria Zambrano. la filosofa eversiva.

28 anni dalla morte di John Cage.

27 anni dalla morte di Frank Zappa.

26 anni dalla morte di Massimo Troisi.

26 anni dalla morte di Ayrton Senna.

26 anni dalla morte di Kurt Cobain.

26 anni dalla morte di Aldo Braibanti.

26 anni dalla morte di Moana Pozzi.

25 anni dalla morte di Carlos Monzon.

25 anni dalla morte di Goliarda Sapienza.

25 anni dalla morte di Arturo Benedetti Michelangeli.

25 anni dalla morte di Mia Martini.

24 anni dalla morte di Ivan Graziani.

23 anni dalla morte di Gianni Versace.

23 anni dalla morte di William Burroughs: lo scrittore del Rock.

23 anni dalla morte di Ian Curtis.

22 anni dalla morte di Marcello Geppetti.

22 anni dalla morte di Lucio Battisti.

21 anni dalla morte di Franco Gasparri.

21 anni dalla morte di Stanley Kubrick.

21 anni dalla morte di Robert Bresson.

21 anni dalla morte di Fabrizio De Andrè.

20 anni dalla morte di Vittorio Gassman.

20 anni dalla morte di Enrico Cuccia.

20 anni dalla morte di Attilio Bertolucci.

20 anni dalla morte di Gino Bartali.

20 anni dalla morte di Victor Cavallo.

19 anni dalla morte di Indro Montanelli.

18 anni dalla morte di Francisco Ramón Lojácono.

18 anni dalla morte di Carmelo Bene.

18 anni dalla morte di Joe Strummer.

17 anni dalla morte di Giorgio Gaber.

15 anni dalla morte di Sergio Endrigo.

13 anni dalla morte di Luciano Pavarotti.

12 anni dalla morte di Ruslana Korshunova.

12 anni dalla morte di Tony Rolt.

10 anni dalla morte di Joe Sarno.

10 anni dalla morte di Raimondo Vianello.

10 anni dalla morte di Sandra Mondaini.

10 anni dalla morte di Pietro Taricone.

10 anni dalla morte di Edmondo Berselli.

10 anni dalla morte di Franz-Hermann Bruener.

10 anni dalla morte di Maurizio Mosca.

9 anni dalla morte di Giuseppe D'Avanzo.

9 anni dalla morte di Elizabeth Taylor.

9 anni dalla morte di Leda Colombini.

8 anni dalla morte di Whitney Houston.

7 anni dalla morte di Alberto Bevilacqua.

7 anni dalla morte di Franco Califano.

7 anni dalla morte di Enzo Jannacci.

6 anni dalla morte di Robin Williams.

6 anni dalla morte di Philip Seymour Hoffman.

6 anni dalla morte di Giorgio Faletti.

5 anni dalla morte di Francesco Rosi.

5 anni dalla morte di Pino Daniele.

4 anni dalla morte di Anna Marchesini.

4 anni dalla morte di Bud Spencer.

4 anni dalla morte di Marta Marzotto.

4 anni dalla morte di David Bowie.

4 anni dalla morte di Ettore Bernabei.

4 anni dalla morte di Marco Pannella.

4 anni dalla morte di George Michael.

3 anni dalla morte di Tomas Milian.

3 anni dalla morte di Nicky Hayden.

3 anni dalla morte di Paolo Villaggio.

3 anni dalla morte di Charles Manson.

3 anni dalla morte di Tullio De Mauro.

2 anni dalla morte di Stephen Hawking.

2 anni dalla morte di Sergio Marchionne.

2 anni dalla morte di Bernardo Bertolucci.

2 anni dalla morte di Marco Garofalo.

1 anno dalla morte di Karl Lagerfeld.

1 anno dalla morte di Jeffrey Epstein.

1 anno dalla morte di Massimo Bordin.

1 anno dalla morte di Franco Zeffirelli.

1 anno dalla morte di Luke Perry.

1 anno dalla morte di Nadia Toffa.

In memoria de Bee Gees.

I Compleanni.

I 60 anni di Snoopy.

Lada-VAZ 2101: storia e foto della Fiat 124 sovietica. I suoi primi quarant'anni.  

Fiat Panda: i suoi primi quarant'anni.  

Le auto più brutte.

50 anni fa nasceva lo Statuto dei lavoratori.

L'Sos di 50 anni fa: così Danilo Dolci inventò la radio libera.

25 anni di Ruggito del Coniglio.

Vent’anni di Grande Fratello.

MEGLIO UN GIORNO DA LEONI O CENTO DA AGNELLI? (Ho scritto un saggio dedicato)

Le Famiglie influenti.

ELISABETTA E LA CORTE DEGLI SCANDALI. (Ho scritto un saggio dedicato)

Le Famiglie Reali.

INDICE TERZA PARTE

I MORTI FAMOSI.

La sfiga.

Le “Pulizie della Morte”.

La Morte Libera.

Il cervello è l’ultimo a morire.

Effimeri. Dimmi come muori e ti dirò chi sei.

Parlare con i morti.

I complottisti della morte.

La maledizione del "club 27".

E’ morto il musicista Claude Bolling.

È morto lo stilista Pierre Cardin.

È morto Giorgio Galli, professore di Storia delle dottrine politiche.

È morto il wrestler Brody Lee.

E’ morto George Blake, la spia rinnegata.

È morta la modella Stella Tennant.

E’ morto l’attore Claude Brasseur.

E’ morto il Serial Killer Donato Bilancia.

È morto l’ex ministro Enrico Ferri.

Morto lo scrittore John le Carré.

E’ morto il regista Kim Ki-duk.

E’ morto Paolo Rossi. Il Pablito Mundial.

E’ morto Maradona. E’ morto il calcio.

E’ morto Valéry Giscard d’Estaing.

E’ morto Alfredo Pigna.

E’ morto Vincent «Vince» Reffet. Paracadutista jetman.

E’ morta Daria Nicolodi, attrice e sceneggiatrice.

E’ morto Andrea Merloni. 

E’ morta Joan Moncada di Paternò, nata Whelan, vedova del fotografo di moda Johnny Moncada.

E’ morto Dino Da Costa. 

E’ morto Ro Marcenaro.

E’ morto Sergio Matteucci, storico telecronista dei match di Holly & Benji e Mila & Shiro.

E’ Morto Stefano D’Orazio dei Pooh.

E' morto l'ex presidente della Corte dei conti Luigi Giampaolino.

E' morto Gigi Proietti.

È morto Sean Connery.

E' morto Pino Scaccia, storico inviato della Rai.

Morta Diane Di Prima, poetessa e attivista Beat.

E’ morto Lee Kun-hee, presidente di Samsung Electronics.

Morto Frank Horvat, l’ultimo grande fotografo classico del ‘900.

È morto l’attore e cantante Gianni Dei.

E’ morto Enzo Mari: artista e disigner.

E’ morto Alfredo Cerruti, fondatore e voce degli Squallor.

E' morto l'ex bassista degli AC/DC Paul Matters.

È morta la presidente della Regione Calabria, Jole Santelli.

Morto il giornalista Gianfranco De Laurentiis.

È morto il principe Giuseppe Lanza di Scalea.

E’ morto il cantante Anthony Galindo Ibarra.

E' morto Marco Diana, militare in lotta contro lo Stato per l'uranio impoverito.

È morto Johnny Nash.

E’ Morto Eddie van Halen.

E’ morto l’attore Thomas Jefferson Byrd.

Morto lo stilista Kenzo Takada.

È morto Quino, il disegnatore di Mafalda.

Addio a Juliette Greco.

È morto il direttore della fotografia Michael Chapman.

Ron Cobb rip.

Michael Lonsdale rip.

E’ morto il compagno Peppino Caldarola.

E’ morta la compagna femminista  Rossana Rossanda.

Addio a Ruth Bader Ginsburg, icona femminista della Corte suprema.

Addio Enzo Golino, giornalista e critico letterario.

E' morto lo scrittore Winston Groom, autore di "Forrest Gump".

È morta la sessuologa Shere Hite.

E’ morto il regista Marco Vicario.

Morto Toots Hibbert, pioniere del reggae.

E’ morta l’attrice Diana Rigg.

E’ morta l’architetto Maria Cristina Mariani Dameno, coniugata Boeri.

E’ morto Franco Maria Ricci.

Addio a Ronald Bell, fu uno dei fondatori dei Kool & the Gang.

Addio al «re del grano» Pasquale Casillo.

È morto il dj Erick Morillo.

E’ morto Philippe Daverio.

E’ morto l’attore Chadwick Boseman.

È morto il giornalista Arrigo Levi.

E’ morto Sandro Mazzinghi, mito della Boxe.

E’ morto il brigatista Mario Marano.

E’ morto il regista Augusto Caminito.

È morto Ben Cross, l’attore di Momenti di Gloria.

Addio all'attrice barese Mariolina De Fano.

E’ morto il giornalista Stefano Malatesta.

L’attrice Linda Manz rip.

E' morto Cesare Romiti.

Addio a Trini Lopez, il musicista e attore.

E’ morto Stefano Pernigotti.

E’ morto Alberto Bauli.

E’ morto il wrestler James Harris, conosciuto come Kamala.

E’ morta Franca Valeri.

E’ morto Ivo Galletti, il papà della mortadella.

E’ morto Sergio Zavoli.

E’ morto l’attore Reni Santoni.

Addio a John Hume, il Nobel che portò la pace in Irlanda del Nord.

E’ morto l’ingegnere William "Bill" English, l'inventore del mouse.

E’ morta l’attrice hard Alessandra Bregoli in arte Alexy Brey.

E’ morto l’attore Wilford Brimley reso celebre da «Cocoon».

E’ Morta la principessa Giorgiana Corsini.

E’ morto Giulio Maceratini, esponente storico del Msi e di An.

E’ morta Luisa Mandelli, moglie di Guido Crepax.

E' morta Valentina Crepax, nipote di Guido.

Addio a Tataw, capitano del Camerun a Italia '90.

È morto a 76 anni il regista Alan Parker.

E' morta Diana Russell, la sociologa e criminologa che coniò il concetto di femminicidio.

E’ morto Maurizio Calvesi, Storico dell’Arte.

Addio al rapper Malik B, tra i fondatori dei The Roots.

E’ Morto Kansai Yamamoto, lo stilista che ha vestito il rock.

E’ morto l’attore Gianrico Tedeschi.

E’ morto l’attore John Saxon.

È morta Olivia de Havilland, diva di Hollywood.

È morto Regis Philbin, leggendario conduttore della tv Usa.

E’ morto Peter Green: fondatore dei Fleetwood Mac.

Morto Paolo Finzi, l'avvocato anarchico della Milano degli Anni di Piombo.

Morto Massimo Signoretti, voce storica di Radio Rai.

E’ morto a 104 anni Giuseppe Ottaviani: recordman tra i masters di atletica.

E' morto Oreste Casalini, artista e scultore.

È morta Giulia Maria Crespi, la fondatrice del Fai.

E’ morta Zizi Jeanmaire. La regina del music-hall parigino.

È morto John Lewis, icona dei diritti civili negli Stati Uniti.

Addio a Mario Scotti Galletta, baffo d’oro della pallanuoto italiana.

E’ morta Naya Rivera, attrice di «Glee».

E’ Morta Kelly Preston, la moglie di John Travolta.

Addio a Paolo Giovagnoli, Pm delle nuove Br e del caso Pantani.

E’ morto Emanuele Ferrario, presidente di Radio Maria.

E’ morto il norvegese Jagge, sconfisse Tomba ad Albertville '92. 

Addio all'attore canadese Nick Cordero.

Morto l’avvocato Mauro Mellini: il radicale che denunciò il “partito dei magistrati”.

Ennio Morricone è morto.

INDICE           QUARTA PARTE

I MORTI FAMOSI.

Addio a Carlo Flamigni il guru il fecondazione assistita.

E’ morta la ciclista Roberta Agosti.

È morta Ida Haendel, leggenda del violino.

E’ morto il campione di poker Matteo Mutti.

E' morto Loris Meliconi, l'inventore del guscio per il telecomando.

Addio a Carl Reiner, comico da record di Emmy e amico di Mel Brooks.

È morto Freddy Cole, grande jazzista e fratello di Nat King.

È morta Linda Cristal, star dei western e della serie tv "Ai confini dell'Arizona".

E’ morta L'attrice Vittoria De Paoli. Recitò con la Capotondi.

E’ morta Taryn Power, sorella di Romina.

E’ morto il grafico Milton Glaser.

E’ morto “l’immortale” Marc Fumaroli.

E’ morto Alfredo Biondi, storico leader del Partito liberale.

È morto il regista Joel Schumacher.

È morto Charles Webb, l'autore ribelle del Laureato.

E' morto Pierino Prati.

E' morto Mario Corso.

Addio allo scrittore Carlos Ruiz Zafon.

È morto Ian Holm, Bilbo Baggins del "Signore degli anelli".

E’ Morta Jean Kennedy, era l’ultima dei fratelli di Jfk.

È morto Tibor Benedek: lutto nel mondo della Pallanuoto.

E’ morto l’avvocato Gianfranco Dosi, fondatore di Aiaf.

È morto Giulio Giorello.

E’ morto Stefano Bertacco, senatore di FdI.

È morto Luigi Spagnol: scoprì per primo Harry Potter.

E’ morto il cantante Pau Donés dei Jarabe de Palo.

E’ morto Rademacher, il recordman della boxe.

Addio al maestro Marcello Abbado, fratello maggiore di Claudio.

Addio a Chris Trousdale, voce della boyband Dream Street.

E’ morto il semiologo Paolo Fabbri.

E' morto Carlo Ubbiali, leggenda del motociclismo italiano.

È morto Roberto Gervaso.

È morto Tinin Mantegazza, creatore del pupazzo Dodò dell'Albero azzurro.

E’ morto Morrow: fu il primo a eguagliare la leggenda Owens.

È morto l'artista Christo.

Morto Beppe Barletti: volto storico di “90° minuto”. 

È morto il chitarrista Bob Kulick, "quinto" membro dei Kiss.

E’ morto l’attore Anthony James.

E’ morto Franco Raselli, uno degli orafi più importanti nel mondo.

E’ morta Alice Severi: ex bimba prodigio del piano.

È morto Larry Kramer, sceneggiatore.

Addio all'attore Richard Herd, comandante supremo dei "Visitors".

E’ morto Prahlad Jani, l’indiano che sosteneva di non mangiare e bere dal 1940.

E’ Morto Stanley Ho. Addio al re dell'azzardo.

E' morto Bruno Bernardi, storica firma de La Stampa.

È morto Jimmy Cobb, tra i più grandi batteristi della storia del jazz.

È morto John Peter Sloan, il comico insegnante d'inglese più famoso d'Italia.

È morto Alberto Alesina, economista italiano che ha conquistato Harward.

Addio a Sergio Siglienti, ex presidente di Banca Commerciale Italiana.

Morto Carlo Durante, ex campione paralimpico di maratona.

Morta Cristina Pezzoli, la regista che amava la sperimentazione.

E’ Morto Antonello Riva: regista e chef.

È morta Anna Bulgari.

Addio all'editore Piero Manni.

Morto Wilson Roosevelt Jerman, maggiordomo di undici presidenti Usa. 

Addio a Claudio Ferretti, voce storica di "Tutto il calcio minuto per minuto".

È morto padre Adolfo Nicolas, era stato «papa nero» dei Gesuiti.

E’ morto Shad Gaspard ex lottatore di wrestling.

Morta Hana Kimura, la lottatrice di wrestling.

Morto Gigi Simoni.

Tennis: è morto Ashley Cooper, leggenda della racchetta anni '50.

Basket, Nba in lutto: è morto Jerry Sloan, leggenda di Utah.

Morto il giornalista Stefano Carrer.

È morto Mory Kanté: cantante guineano celebre per «Yeke Yeke».

E’ morto l’attore Hagen Mills.

E’ morto il giornalista Cesare Barbieri.

Giorgio Stegani rip.

È morto Gregory Tyree Boyce, attore di Twilight.

E’ morta Ann Mitchell,  la scienziata che decriptò Enigma.

È morto l’attore Michel Piccoli.

E’ morta la fotografa tedesca Astrid Kirchherr.

Addio a Mauro Sentinelli,  il pioniere dei cellulari. Inventò la ricaricabile.

Morta Lynn Shelton, regista di «Little Fires Everywhere» e «Glow».

E’ morto l’attore Fred Willard, da Beautiful a Modern family.

E’ morta Norma Doggett, ballerina di "Sette spose per sette fratelli".

È morto Phil May, frontman e cofondatore dei Pretty Things.

È morto Sandro Petrone, storico conduttore del Tg2.

E’ morto Ezio Bosso.

È morto Giulio Savelli, editore di "Porci con le ali".

Addio a Jerry Stiller.

E’ morta Costanza Rossi in Ichino.

Morta Betty Wright, regina del soul.

È morto Little Richard, principe trasgressivo del rock'n'roll.

E’ morto Piero Gelli, il risvolto snob dell'editoria.

Morto Franco Cordero, il giurista che inventò il "Caimano".

E' morto "El Trinche" Carlovich: idolo di Maradona.

Morto Luca Nicolini, il libraio che inventò il Festivaletteratura di Mantova.

Morto il rapper Ty.

E' morto Bob Krieger, il fotografo di Agnelli e Armani.

E’ morto Vincenzo Abbagnale.

È morto Florian Schneider, fondatore dei Kraftwerk.

Addio a Michael McClure, principe della Beat Generation.

Morto l’attore Mimmo Sepe.

Addio al barese Matteo De Cosmo, art director della «Marvel» a New York.

Morto McNamara: campione Nba di basket.

E’ Samantha Fox, la porno attrice.

È morto Sam Lloyd, l'avvocato di Scrubs.

È morto l'attore BJ Hogg.

È morto il batterista Tony Allen.

Morto Fra' Giacomo Dalla Torre: Gran Maestro del Sovrano Ordine di Malta.

E’ morto l’attore Irrfan Khan.

Addio a Germano Celant.

È morto Giulietto Chiesa, giornalista e politico.

Claudio Risi rip.

Addio al giornalista Nicola Caracciolo.

Addio al regista Luca De Mata.

E’ morto il filosofo Aldo Masullo.

Morto Giuseppe Gazzoni Frascara: Ex presidente del Bologna Calcio.

È morta Shirley Knight, attrice di cinema e serie tv. 

E’ morto Sirio Maccioni: re della cucina italiana in America.

E’ morto a 82 anni Peter Beard, fotografo naturalista.

E’ morto il bassista Henry Grimes.

E’ morto l'attore francese Philippe Nahon.

Se ne va Gene Deitch, 95 anni, regista, disegnatore, produttore di cartoon.

È morto Sergio Fantoni.

Morto l’attore Brian Dennehy: lo sceriffo di "Rambo". 

Addio a Lee Konitz, uno degli ultimi grandi del jazz mondiale.

E’ morto Luis Sepulveda.

E’ Mario Donatone, uno dei cattivi del cinema italiano.

E' morto Franco Lauro, volto noto di Rai sport.

E’ morto Mirko Bertuccioli, detto "Zagor", cantante dei Camillas.

Morta Patricia Millardet, la giudice della "Piovra".

Morto il giornalista Giuseppe Zaccaria.

E’ morto Stirling Moss leggenda dell'automobilismo.

E’ morto Luciano Pellicani.

E' morto il fotografo Victor Skrebneski.

È morto Enzo Carrella, cantautore romano.

E’ morto Armando Francioli.

E’ morto l’architetto Massimo Terzi.

Rip la costumista Brunetta Parmesan.

E’ morto Donato Sabia, fu due volte finalista olimpico.

E’ morta Linda Tripp, la talpa dello scandalo Lewinsky.

Allen Garfield rip.

Morta l'astrofisica Margaret Burbidge.

Morta Susanna Vianello, figlia di Edoardo e Wilma Goich.

Coronavirus: è morta Cinzia Ferraroni, storica attivista del M5s. 

È morto Alessandro Rialti, voce storica della Fiorentina. 

Morta Honor Blackman, la Pussy Galore di James Bond. 

Morto l'ex premier libico Mahmoud Jibril. 

Morto Lorenzo Sanz, ex presidente del Real Madrid.

Morto Bernard Gonzalez, calcio francese in lutto.

Addio ad Ezio Vendrame, il George Best italiano.

Morto Bill Withers, voce di "Ain't No Sunshine".

È morto Sergio Rossi: ucciso dal Coronavirus il maestro della calzatura.

Coronavirus, morto Mario Bresciani, capitano d’industria delle calze.

Turchia, morta Helin Bolek: attivista e cantante.

Addio Gerald Freedman, regista del primo Hair a Broadway.

Addio a Bill Withers, rappresentante della black music.

Morto Piero Gratton, papà del Lupetto della Roma.

Morto Gaetano Rebecchini, fu tra i fondatori di Alleanza nazionale.

Morto Ellis Marsalis, un gigante del jazz.

Morto Goyo Benito: stella del Real Madrid negli anni ’70.    

Morto Andrew Jack della saga di Star Wars.

 Coronavirus, addio al musicista Adam Schlesinger, celebre leader dei Fourtains of Wayne.

E' morta Maria Antonietta Muccioli.

Addio a Franco Crepax.

È morto Filippo Mantovani, il figlio del presidente della Sampdoria.

Morto Attilio Bignasca, leghista ticinese.

Morto Angelo Rottoli, ex campione europeo dei massimi leggeri.

È morto Krzysztof Penderecki, compositore polacco.

E’ morto Luigi Roni: il cantante lirico.

E se n'è andata anche Annunziata Chiarelli, per tutti Mirna Doris.

Morto Michel Hidalgo: c.t. campione d'Europa nell'84 con la Francia.

Morto Massimo Vincenzi de La Repubblica.

Addio a Flavio Campo di Avanguardia.

Morto a Parma Massimo Zannoni, docente e uomo di cultura.

Morto Mark Blum, recitò anche in "Mr. Crocodile Dundee".

Morto il principe Raimondo Orsini d’Aragona.

Perdiamo anche Detto Mariano.

Morto Corrado Sfogli.

È morto Joe Amoruso, il pianista del gruppo di Pino Daniele.

E’ morto Paolo Micai, giornalista e cineoperatore.

Se ne va anche Alfio Contini.  

Bepi Covre è morto: era conosciuto come il “leghista eretico”.

Coronavirus, morto Terrence McNally: scrisse “Paura d’amare”.

Morto il regista americano Stuart Gordon.

E’ morto il sassofonista Manu Dibango.

Fumetti, addio ad Albert Uderzo: era il "padre" di Asterix.

Morto Luigi Pallaro, "el senador" che affondò Prodi II.

E' morto Carlo Casini, fondatore del Movimento per la Vita.

E’ morto Alberto Arbasino.

E’ morta Lucia Bosè.

E' morto il regista Tonino Conte.

É morto Kenny Rogers.

Nazareno (Neno) Zamperla rip.

Morto Gianni Mura, raccontò il calcio e il ciclismo.

Joaquin Peiró è morto.

Addio Eduard Limonov.

Se ne va Stuart Whitman.

E' morto l'architetto Vittorio Gregotti.

Atletica, morta Dana Zatopek.

Bruno Armando è morto.

Morto Max von Sydow.

Morta Suor Germana.

Francesca Milani è morta.

Morto l’attore e culturista David Paul.

E’ morto Perez de Cuellar ex segretario generale dell’Onu.

Morto Ulay. L’artista storico compagno di Marina Abramovic.

Elisabetta Imelio è morta a 44 anni: Prozac+ e Sick Tamburo in lutto.

Addio al fisico e matematico visionario Freeman Dyson.

Egitto, morto l'ex presidente Hosni Mubarak.

Addio a Katherine Johnson, la scienziata della Nasa che portò l'uomo nello spazio.

Lego, morto Nygaard Knudsen inventore degli omini del colosso dei giochi.

Addio a Nando Ceccarini, maestro della cronaca per 20 anni.

Morto a 99 anni Jean Daniel, il fondatore dell'Obs.

Amaretto Disaronno, è morto il patron Augusto Reina.

Napoli, è morto l’ex campione Mario Occhiello. 

È morto lo scrittore Clive Cussler, maestro dell'avventura.

Metropolitana di New York, è morto il padre della mappa iconica.

Si è spenta Claire Bretécher, una delle prime donne ad affermarsi nel mondo dei fumetti.

E’ morta Caroline Flack, uno dei volti più noti della televisione britannica.

È morto José Mojica Marins. Il maestro dell'orrore.

Morto Flavio Bucci, fu Ligabue nella fiction tv.

Addio a Barry Hulshoff, il pilastro dell’Ajax di Cruyff.

Usa, si schianta col suo missile: muore Mike Hughes, sostenitore della Terra piatta.

E’ morta Nikita Pearl Waligwa, l'attrice ugandese vista nel film «Queen of Katwe».

Morto Max Conteddu,  il poeta dei social.

È morto Larry Tesler, il “padre” dei comandi copia-incolla-taglia.

Si è spento Gianni Rotondo, decano dei giornalisti di Taranto.

Addio a Stanley Cohen, Nobel per la Medicina con Levi Montalcini.

Addio a Poeti Norac, astro nascente del surf.

Se ne va anche Dyanne Thorne, cioè Ilsa la belva delle SS.

Addio alla scultrice Beverly Pepper, regina della Land Art.

È morto Luciano Capelli, storica voce di Radio Alice.

La scomparsa di Emanuele Severino.

Morta il soprano Mirella Freni.

Addio a George Steiner, maestro della critica. 

Morto a 100 anni Mike Hoare, il mercenario più famoso del mondo.

Morto il produttore Gianni Minervini.

Luciano Gaucci, morto ex presidente del Perugia.

Morta Germana Giacomelli, la super mamma che curava i bambini.

Addio a Giancarlo Morbidelli, papà di leggendarie moto da corsa.

Morto Benito Sarti, addio allo storico terzino della Juventus.

Morto Giovanni Cattaneo, è stato il primo «Capitan Findus».

Morto Kirk Douglas, aveva 103 anni.

Morto Paolo Guerra, storico agente e produttore.

Harriet Frank Jr rip.

Kobe Bryant è morto.

E' morto Robbie Rensenbrink: fu uno dei fuoriclasse della grande Olanda di Cruyff.

Morto Narciso Parigi.

Addio a Stefano Scipioni, voce di Radio Radio.

È morto Terry Jones, fondatore e regista dei Monty Python.

Morto Gianluigi Patrini, ex calciatore.

È morto Jimmy Heath, in arte Little Bird.

Addio ad Emanuele Severino, gigante della filosofia italiana.

E' morto Pietro Anastasi.

Morto Pietro Antonio Migliaccio, il nutrizionista dei salotti tv.

Morto Christopher Tolkien, figlio dell’autore del «Signore degli Anelli».

Morto Stan Kirsch.

E’ morto il giornalista e scrittore Giampaolo Pansa.

E’ morto il filosofo Roger Scruton.

Morto Giovanni Custodero, l’ex calciatore malato di cancro.

Morto Capuozzo, 40 anni, campione d’Italia nel calcio a cinque.

Dakar 2020: morto il motociclista Edwin Straver.

Dakar, morto Paulo Gonçalves.

Morto Giovanni Paolo Martelli, addio al maestro che scoprì la Xylella.

Addio a Neil Peart, uno dei più grandi batteristi di sempre.

Morto Edd Byrnes, l’attore interpretò Vince Fontaine in «Grease».

Aveva soltanto 27 anni, Harry Hains. 

Lorenza Mazzetti, che se ne è andata a 92 anni.

Se ne va Buck Henry, 89 anni.

Morta Elizabeth Wurtzel.

Musica, è morto a 67 anni Neil Peart: storico batterista dei Rush.

Morto Qaboos bin Said al-Said, sultano dell’Oman.

Morto Francesco Claudio Averna: il suo amaro è famoso in tutto il mondo.

Commissario Montalbano, morta l'attrice Nellina Laganà.

Morto a 86 anni Italo Moretti, storico giornalista Rai.

Morto Alessandro Cocco, il re gentile dei presenzialisti della tv.

Franco Ciani morto suicida.

Addio a Georges Duboeuf «Papa del Beaujolais».

È morto Vittorio Fusari, rinomato chef.

Basket, è morto David Stern: l'uomo che ha reso planetaria l'Nba.

LA SOCIETA’

INDICE QUARTA PARTE

·        Addio a Carlo Flamigni il guru il fecondazione assistita.

La fecondazione assistita perde il guru. Addio a Carlo Flamigni, maestro di bioetica e paladino della medicina militante. Stefano Zurlo, Lunedì 06/07/2020 su Il Giornale. Definirlo solo un ginecologo sarebbe riduttivo. Forse, sarebbe più corretto parlare di un maestro se il vocabolo non fosse divisivo sulle frontiere dei cosiddetti nuovi diritti: dall'aborto alla fecondazione eterologa. Carlo Flamigni, morto all'età di 87 anni, era più compiutamente uno scienziato da prima linea. Innovatore & divulgatore: studiava, firmava pubblicazioni su pubblicazioni affrontando questo o quel tema, poi distillava in una frase pillole di saggezza progressista, oggi si direbbe liberal, destinate a suscitare standing ovation da una parte e anatemi dall'altra. Un giorno, nel 2014, osservando lo scontro davanti al Policlinico Sant'Orsola di Bologna fra un gruppetto di cattolici che pregavano contro l'aborto e le femministe che intonavano Bella ciao, il professore se ne uscì con un giudizio molto acuminato e offensivo per la sensibilità di chi non la pensava come lui: «Quelle preghiere sono espressione di una chiesa medioevale. Le femministe reagiscono a una provocazione cattiva che umilia le donne». Così. Tranchant. Come il profeta di un nuovo ordine imbevuto nel fonte battesimale di un neopositivismo tutto ottimismo. «Dietro a un aborto - aggiunse a Repubblica - c'è sofferenza. É una scelta complicata. Ricordo le donne a testa bassa che non vogliono essere viste. Chiedo a chi recita le preghiere dove è la loro compassione, di considerare queste donne, vittime di fidanzati imprudenti, di mancanza di educazione. Dietro c'è l'egoismo, l'ignoranza, l'indolenza degli uomini». Questo era Flamigni: il bisturi era la bacchetta magica di una nuova era che faceva a pezzi millenni di tradizione, di morale, di religione. E prospettava un'epoca in cui le donne, affrancate dalla condizione subalterna, avrebbero potuto scegliere quale strada prendere ai confini della vita. Esattamente come poi è avvenuto, nel nome del femminismo e della contemporaneità, anche se non è affatto detto che tutto sia andato per il meglio. Anzi. L'aborto è diventato nei fatti quasi uno strumento di contraccezione, la sofferenza si è mischiata ad altri stati d'animo, non sempre così drammatici, soprattutto la natalità, non più difesa come prima, è crollata aprendo un buco nella società e generando problemi giganteschi. Più grandi di quelli che dovevano essere risolti. Come è successo anche ad altri generosi pionieri, Flamigni ha coltivato il mito di un nuovo umanesimo, senza accorgersi che così, pur collezionando vittorie su vittorie, la società sarebbe andata a sbattere. Ma lui è andato avanti imperterrito. Fino alla fine. «Che rabbia» esclamó davanti alle titubanze della Regione Emilia nell'imboccare la via dell'eterologa, suo cavallo di battaglia. Nessun dubbio etico scuoteva queste certezze: «Non conta la genetica, conta chi cresce il bambino». E ancora, convinto di vedere più in là, affermava con una certa temerarietà: «Le regole morali di oggi non sono uguali a quelle di ieri. E in futuro saranno ancora diverse. Non c'è una morale scritta. Ma è dettata dal senso comune. Che si modifica come la scienza. Oggi sta arrivando l'utero artificiale». Insomma, per tutta la vita, Flamigni non ha mai perso quell'immagine di camice bianco militante, immerso nella sua missione e poi nei libri, nella docenza, nelle battaglie civili che hanno segnato più di una generazione. Il ginecologo, in realtà un intellettuale, lascia uno stuolo di ammiratori. Ma anche una serie di previsioni stonate. Perché il perimetro dell'uomo è più grande di quello che aveva identificato e circoscritto. Operando una riduzione, quella sì dalle conseguenze disastrose.

Da "La Stampa" il 5 luglio 2020. È morto a 87 anni Carlo Flamigni, medico, ginecologo, scrittore, padre della fecondazione assistita, già membro del Comitato nazionale di Bioetica. Una vita spesa per i diritti delle donne, per la libertà di scelta, per la difesa di leggi come quella sull'aborto. Viveva a Forlì nella sua casa di famiglia. E proprio nella città romagnola verrà allestita la camera mortuaria: lunedì dalle 14 alle 19 e martedì dalle 7 alle 14. Flamigni, fra i massimi esperti mondiali di fecondazione assistita, ha preso parte in modo attivo al dibattito che si era sviluppato in Italia ai tempi dell'approvazione della legge 40 del 2004 che ha introdotto l'uso di queste tecniche nel nostro paese, e nel successivo lavoro per modificarla. Nato a Forlì il 4 febbraio 1933, Flamigni si era laureato in Medicina e Chirurgia presso l'Università degli Studi di Bologna nel luglio del 1959, con successivo diploma di specialista in Ostetricia e Ginecologia. Docente di diversi insegnamenti presso l'Alma Mater, è stato direttore della Clinica Ostetrica e Ginecologica dell'Università degli Studi di Bologna dal novembre 1994 al dicembre 2001. Imponente la sua produzione scientifica, con oltre mille memorie originali, numerose monografie e alcuni libri di divulgazione. Ha pubblicato numerosi articoli su vari problemi di bioetica. Dal 1990 al 1994 e dal 1999 al 2004 è stato Presidente della SIFES - Società Italiana di Fertilità e Sterilità e Medicina della Riproduzione. Già membro anche del Comitato Nazionale per la Bioetica. Da dicembre 2015 era anche membro del Comitato Etico Università Statale di Milano. Esperto esterno della Fondazione Veronesi. Temi di ricerca degli ultimi anni: la contraccezione maschile; le tecniche di fecondazione assistita; i problemi della bioetica e dell'etica medica. 

Morto Carlo Flamigni: una vita per la libertà di scelta delle donne. Il Dubbio il 5 luglio 2020. Carlo Flamigni è morto a 87 anni: era medico, ginecologo e padre della fecondazione assistita e difensore dei diritti delle donne e della legge sull’aborto. L’annuncio della morte del professor Carlo Flamigni è arrivata dal figlio che ha scritto un post su facebook: “Ciao papà , speravo che questo momento non arrivasse mai, il dolore è grande almeno quanto il bene che ti ho voluto…ma un giorno ci rivedremo prof..ne sono sicuro…sempre nel mio cuore…sempre…sempre…”. Carlo Flamigni aveva 87 anni Carlo Flamigni ed era medico, ginecologo e padre della fecondazione assistita, membro del Comitato nazionale di Bioetica. Ha passato la sua vita di medico a difendere la libertà di scelta delle donne e in difesa della legge sull’aborto. Nato a Forlì il 4 febbraio 1933, Flamigni si era laureato in medicina con la specializzazione in ostetricia e ginecologia presso l’Università di Bologna dove ha intrapreso la carriera universitaria. E’ stato docente di endocrinologia ginecologica, direttore del servizio di Fisiopatologia della riproduzione e poi direttore clinica ostetrica e ginecologica dell’Università degli Studi di Bologna. Fu componente del Comitato Nazionale di Bioetica dal 1990 al 2017 e poi componente del Comitato etica dell’università di Milano.

E’ stato presidente della Società Italiana di Fertilità e Sterilità. Ha ricoperto la carica di presidente onorario dell’Aied, associazione italiana per l’educazione demografica, dell’Unione degli Atei e Agnostici Razionalisti, e socio onorario della Consulta di Bioetica. E’ stato autore di numerose pubblicazioni riguardanti la tutela della salute della donna, aventi come tema la riproduzione e la fecondazione assistita. Ha scritto anche libri per l’infanzia, e nel 2011 ha vinto il premio letterario Serantini per il suo “Un tranquillo Paese di Romagna”. Alle elezioni europee del 2009 si e’ candidato nella lista “Sinistra e Libertà” per il collegio dell’Italia nord-orientale. Carlo Flamigni fu “un maestro a tutto tondo. Un profilo scientifico altissimo”. E’ il ricordo che affida ad AGI il suo allievo, Carlo Bulletti, specialista in ginecologia e ostetricia, ora professore incaricato alla Yale University.  “Compassionevole e Persona con la P maiuscola, capace di studi scientifici rilevanti e di offrire un cuscino con un sussurro allo orecchio a chi si svegliava dalla anestesia di una 194”, aggiunge Bulletti che si dice “onorato di esserne stato allievo e grato per essergli stato vicino fino alla fine”.

È morto Carlo Flamigni, una vita per i diritti per le donne. Pubblicato domenica, 05 luglio 2020 da La Repubblica.it. È morto a 87 anni Carlo Flamigni, medico, ginecologo, scrittore, padre della fecondazione assistita, già membro del Comitato nazionale di Bioetica e direttore della clinica ostetrica dell'Università di Bologna. Una vita spesa per i diritti delle donne, per la libertà di scelta, per la difesa di leggi come quella sull'aborto. Viveva a Forlì nella sua casa di famiglia. E proprio nella città romagnola verrà allestita la camera mortuaria: domani, lunedì 6 luglio, dalle 14 alle 19 e martedì dalle 7 alle 14. Alle 15 ci sarà un breve saluto. Il figlio, Carlo Andrea, su Facebook lo ricorda così: "Ciao papà, speravo che questo momento non arrivasse mai, il dolore è grande almeno quanto il bene che ti ho voluto... ma un giorno ci rivedremo prof". "Ero con lui ieri sera, è una perdita da molti punti di vista incommensurabile, è uno degli ultimi veri maestri sia sul piano scientifico che personale ed umano: sapeva insegnare cose di mestiere e saggezza di vita, un uomo di spessore raro”, lo ricorda l'allievo Carlo Bulletti, specialista in ginecologia e ostetricia, ora professore incaricato alla Yale University.Eterologa, Flamigni: "Non conta la genetica, ma chi cresce il bambino" in riproduzione.... Condividi   Anche Corrado Melega, ex direttore della maternità dell'ospedale Maggiore di Bologna, già consigliere comunale del Pd, era un suo discepolo. Lo ricorda così: “Se n'è andato un pezzo della mia vita e della storia della medicina bolognese e italiana. Un uomo importante, innovativo, polemista, di rottura. Lavorava ancora, non tanto come ginecologo ma era diventato esperto di bioetica, si interessava di problemi che riguardavano l'etica della riproduzione, della genitorialità. Si è battuto per i diritti delle donne, era un grande paladino della laicità. Sono rimaste famose le sue battaglie contro il conservatorismo, il conformismo, un certo tipo di cattolicesimo di retroguardia. O ancora la sua attività a difesa della 194 e per la fecondazione assistita. Inseriva questi temi in un orizzonte più generale di tolleranza, di libertà d'espressione e di scelta: tutte quelle cose che in Italia, in questo momento, sono in pericolo”.

Le battaglie. "Quelle preghiere sono espressione di una chiesa medievale. Le femministe reagiscono a una provocazione cattiva che umilia le donne", disse a Repubblica nel 2014, commentando lo scontro davanti al policlinico Sant'Orsola tra i cattolici che pregavano contro l'aborto e le femministe che rispondevano intonando “Bella Ciao”. Perché dietro a un aborto, disse, c'è “sofferenza. È una scelta complicata. Ricordo le donne a testa bassa, che non vogliono essere viste. Chiedo a chi recita le preghiere dove è la loro compassione, di considerare queste donne, vittime di fidanzati imprudenti, di mancanza di educazione. Dietro c'è l'egoismo, l'ignoranza, l'indolenza degli uomini, c'è la responsabilità sociale di come educhiamo i nostri figli maschi a non rispettare le bambine, sorelle, compagne". "Che rabbia", esclamò, sempre quell'anno, quando l'Emilia tentennava sulla fecondazione eterologa. Criticava "scelte senza coraggio" mentre le coppie "sono costrette ad andare all'estero". Imputava alla politica di mettersi di traverso, e di non garantire, dunque, un diritto. Professava la laicità, perché "le regole morali di oggi non sono uguali a quelle di ieri. E in futuro saranno ancora diverse. Non c'è una morale scritta. Ma è dettata dal senso comune. Che si modifica, come la scienza. Oggi sta arrivando l'utero artificiale, si congelano gli ovociti da giovani quando i difetti genetici non sono ancora espressi per poter fare i figli più tardi. Sono questioni che vanno al di là della morale scritta in alto da chissà chi".

Una vita per i diritti. Gli stessi che la moglie del medico, la sociologa Marina Mengarelli Flamigni, ha raccontato in un libro uscito da poco in libreria per Pendragon, "Diritti che camminano. Uno sguardo sui diritti civili in Italia dal 1968 ad oggi attraverso gli occhi di Carlo Flamigni". La narrazione delle battaglie da lui vissute in prima persona in Italia: la rivoluzione della sessualità, la contraccezione, la riproduzione, l’inizio e la fine della vita. "Una vera e propria storia delle lotte per i diritti civili nel nostro Paese".

·        E’ morta la ciclista Roberta Agosti.

L'anno nero dei ciclisti: morta contro un camion. Travolta Roberta Agosti, moglie dell'ex pro Marco Velo: "La bici ci aveva uniti, ora ci ha divisi". Pier Augusto Stagi, Domenica 05/07/2020 su Il Giornale. Ancora una volta un camion, ancora una volta una tragica fatalità. Mentre Alex Zanardi sta lottando in un letto d'ospedale di Siena da quindici giorni, Roberta Agosti ha perso la vita ieri mattina sulle strade del bresciano in seguito all'impatto violento con un camion-cisterna adibito al trasporto del latte. Uno scontro frontale, avvenuto attorno a mezzogiorno, quando la Agosti, ciclista appassionata, compagna di vita dell'ex professionista Marco Velo (è stato anche compagno di squadra di Marco Pantani alla Mercatone Uno, ndr) e oggi collaboratore di Davide Cassani per le squadre azzurre, ha perso il controllo della bicicletta ed è andata a sbattere violentemente contro il mezzo che proveniva in senso contrario. Roberta Agosti aveva 51 anni, insegnava yoga ed educazione teatrale ai bambini e amava la bicicletta in tutte le sue espressioni, dalle passeggiate alle gran fondo agonistiche. È morta sul colpo, a nulla sono serviti gli immediati soccorsi e l'arrivo dell'elisoccorso. Era tesserata per il Team Millenium di Brescia e a Castel Venzago, tra il Santuario della Madonna della Scoperta e Lonato, la sua vita è stata in un attimo spezzata. Dalle prime testimonianze, il gruppo di amici di Velo e dell'Agosti stava pedalando in tutta sicurezza in un tratto di strada tranquillo nella campagna bresciana, su un rettilineo che puntava leggermente all'insù. «Sono a pezzi, non ho parole ha spiegato a il Giornale Marco Velo, che è anche l'uomo della sicurezza al Giro d'Italia, il regulator del gruppo -. Eravamo in mezzo alla campagna, dove il traffico in pratica non c'è. Avevamo proprio scelto quelle strade isolate per pedalare in tutta sicurezza. Eravamo un gruppetto di amici che procedeva pian pianino senza forzare, al momento dell'incidente non andavamo più di 23 chilometri all'ora. Salivamo su una strada all'1%, ad un certo punto sono caduti in 3 o 4, Roberta per evitarli si è allargata, ha sbandato e si è portata verso sinistra dove stava sopraggiungendo esattamente in quel momento il camion cisterna che le ha tolto la vita. È stata una tragica fatalità. Il camionista, poveretto, non c'entra assolutamente niente, ma per me da quel momento è in cominciato un incubo. Sono devastato. Il ciclismo ci aveva fatto conoscere e il ciclismo ci ha separato. Io e Roberta stavamo bene assieme, era un anno e mezzo che ci frequentavamo, entrambi venivamo da due matrimoni finiti. Adesso mi trovo a piangere una donna che amavo e dentro di me ho solo un profondo e incontenibile senso di fine». Una nuova tragedia sulle nostre strade, ancora una volta a farne le spese un ciclista. Strade periferiche, lontane dal traffico caotico della città, ma l'appuntamento con quel camion-cisterna era segnato. «Credo che il destino sia davvero scritto nelle stelle ci dice Velo con la voce rotta dall'emozione -. Penso che se fossimo andati a giocare a golf le sarebbe successo ugualmente qualcosa. È stata una tragica fatalità, ma questo non mi dà pace. Niente e nessuno può lenire il mio dolore».

Davide Romani per la Gazzetta dello Sport il 5 luglio 2020. «Due anni fa ho conosciuto Roberta andando in bicicletta. Entrambi uscivamo da storie importanti. Stavamo insieme da un anno e mezzo. Ora la bicicletta me l' ha portata via». Straziato dal dolore Marco Velo racconta così l' incidente mortale che ha coinvolto la sua compagna, Roberta Agosti. La donna insieme al compagno - ex professionista e oggi assistente del c.t. azzurro Davide Cassani - e a un gruppo di amici, stava svolgendo un allenamento mattutino. Da Madonna della Scoperta il gruppo pedalava verso Lonato, lungo una stretta strada di campagna nel bresciano. «La strada saliva all' 1%, andavamo piano, intorno ai 25 km/h. Eravamo su un lungo rettilineo senza buche. Davanti a Roberta sono caduti 3-4 compagni di allenamento e lei per evitarli ha scartato a sinistra. In quel momento è arrivato in direzione opposta il camion». Roberta, è stata investiva frontalmente dal mezzo che trasportava latte. Inutile l' intervento di un elicottero del 118. «Di solito non lasciava mai la mia ruota mentre in questo caso io mi trovavo davanti al gruppetto mentre lei era nelle retrovie. Ho provato a rianimarla ma non c' è stato nulla da fare». La donna era un punto di riferimento delle bike academy di Cassani (stage sportivi organizzati a Gran Canarie, in Spagna). E proprio durante questi eventi raccoglievano grande successo le sue lezioni di yoga al tramonto. Yoga che insieme all' educazione teatrale, Roberta insegnava anche ai bambini. «Eravamo in una situazione di massima sicurezza - continua il 46enne professionista dal 1996 al 2010 e compagno di squadra di Pantani alla Mercatone Uno -. Avevamo scelto quella strada in mezzo ai vigneti, in 50 km avremo incontrato 5 macchine. In questo caso non si può parlare di scarsa sicurezza stradale». Lo stesso concetto ribadito dal c.t. della Nazionale Davide Cassani. «Credo si possa parlare di una fatalità. Non stavano andando forte, la strada saliva leggermente e non c' erano curve». L' incidente di Roberta segue a meno di 24 ore quello che ha coinvolto Nicolas Chiola. Il 19enne di Cepagatti (Pescara), è stato investito a Chieti Scalo da un fuoristrada guidato da una donna mentre si stava allenando. Nicolas ha battuto violentemente la testa sull' asfalto. Al momento si trova ricoverato in prognosi riservata all' ospedale Santo Spirito di Pescara per un trauma cranico. Anche se quello di Roberta Agosti al momento viene catalogata come una fatalità, i due incidenti riportano d' attualità il tema della sicurezza stradale per i ciclisti. Nel 2019 sono stati 300 i morti con lo stesso Davide Cassani e Alex Zanardi che si sono spesi più volte in richiami alla sicurezza stradale e ad una maggiore prudenza per chi è alla guida. Un triste gioco del destino per Velo. Terminata la carriera da professionista si è proprio dedicato alla sicurezza in gara diventando il "regolatore di corsa" del Giro d' Italia e delle altre gare organizzate da Rcs. A lui il compito, insieme al direttore di corsa, di stabilire chi passa e chi no nella carovana di mezzi al seguito della corsa nei punti più delicati del percorso, dove si fermano anche i fotografi e le telecamere per provare a ridurre al massimo i pericoli per i ciclisti in gara.

·        È morta Ida Haendel, leggenda del violino.

È morta Ida Haendel, leggenda del violino del Ventesimo secolo. Pubblicato giovedì, 02 luglio 2020 da La Repubblica.it. La musicista polacca naturalizzata britannica Ida Haendel, leggendaria enfant prodige del violino negli anni Trenta, considerata una delle più grandi violiniste del Ventesimo secolo, è morta nella sua casa di Miami, in Florida. Aveva 91 anni. L'annuncio della scomparsa è stato pubblicato dalla stampa inglese. Nata il 15 dicembre 1928 a Chelm, in Polonia, da una famiglia ebrea, autentica bambina prodigio, a 5 anni Ida Haendel, il cui talento è stato paragonato a quello di brillanti esecutori come Yehudi Menuhin e Isaac Stern, vinse la medaglia d'oro del Conservatorio di Varsavia, suonando il Concerto di Beethoven, e la prima edizione del Premio Hubermann. A soli 7 anni, duellò con virtuosi del calibro di David Oistrakh e Ginette Neveu per aggiudicarsi il Concorso Henryk Wienawski del 1935. Ammessa a soli 7 anni al Conservatorio di Varsavia, fu allieva a Parigi di Carl Flesch e George Enescu. Arrivata a Londra nel 1937, Ida Haendel debuttò alla Queen's Hall con sir Henry Wood sul podio. Durante la seconda guerra mondiale suonò nelle fabbriche e per le truppe inglesi e americane. La sua carriera decollò dopo la guerra. Quando Jean Sibelius ascoltò l'esecuzione del suo Violin Concerto alla radio, inviò a Ida un biglietto di congratulazioni, lodando il suo lavoro. Nel 1992 la Società Sibelius la insignì della Medaglia Sibelius come riconoscimento per sua raffinata interpretazione. L'anno precedente, nel 1991, la regina Elisabetta l'aveva nominata Comandante dell'Ordine dell'Impero Britannico. Per le sue interpretazioni, Haendel aveva una predilezione per la musica tedesca: nel 1948-49 registrò il Concerto per violino di Beethoven con la Philarmonia Orchestra diretta da Rafael Kubelik. In seguito altri grandi successi discografici sono state le escuzioni del Concerto per violino di Brahms con la London Symphony Orchestra diretta da Sergiu Celibidache e il Concerto per violino di Tchaikovsky con la National Symphony Orchestra diretta Basil Cameron. Tra le sue ultime incisioni, le Sonate e Partite per violino solo di Johann Sebastian Bach. Per oltre 20 anni ha collaborato con il Festival Internazionale di Pianoforte di Miami. Nel 1993 ha debuttato in concerto con i Berliner Philharmoniker. Nel 2006 si esibì per Papa Benedetto XVI nell'ex campo di concentramento nazista di Auschwitz-Birkenau. Suonava su uno Stradivari del 1699. Nel 1970 scrisse l'autobiografia intitolata "Donna con il violino". Alla sua carriera sono stati dedicati libri e il documentario "Io sono il violino" del 2004.

·        E’ morto il campione di poker Matteo Mutti.

Il campione di poker Matteo Mutti morto per Coronavirus. Notizie.it il 02/07/2020. A soli 29 anni aveva sconfitto la leucemia, ma Matteo Mutti è morto a causa delle complicanze da Coronavirus. Il destino a volte è davvero beffardo e ti sfida come in una partita a poker. Lì dove Matteo Mutti era un grandissimo campione: con la sua forza aveva sconfitto la leucemia, che lo aveva colpito in giovane età. Ma nulla ha potuto contro il Coronavirus. È morto a soli 29 anni il campione di poker italiano. A un anno di distanza dalla terribile diagnosi sulla leucemia arriva l’ennesima doccia fredda in casa Mutti. Matteo è morto a causa delle complicanze da Coronavirus lunedì 29 giugno. Lo scorso aprile il ricovero in terapia intensiva a causa dei danni ai polmoni per le complicanze dell’infezione. Ma anche qui sembrava aver avuto lui la meglio: l’ultimo tampone era negativo. Poi le complicanze e il tracollo dei suoi parametri. I funerali si sono svolti a Tirano, sua città natale dove viveva con mamma Franca e papà Francesco. I fratelli più grandi piangono la dipartita del giovane 29enne, così come i nipotini. Ma è un lutto che colpisce anche il mondo del poker. Matteo era un vero e proprio asso: il suo curriculum parla chiaro. Vittoria nel Main Event del Wsop international circuit del 2016 a Campione d’Italia, il Main event dell’Italian poker tour conquistato a Nova Gorica nel 2015, un titolo Ipt e un side Ept con 40 bandierine in carriera: 300 mila dollari portati a casa dal vivo, senza contare i successi online. Poi gli ultimi mesi strazianti di vita: “Per 70 giorni i genitori non hanno potuto vederlo a causa delle rigide regole imposte dall’emergenza Covid, che non consentivano di entrare in ospedale. Matteo era solare, altruista, un campione che amava la vita”, è il ricordo dello zio Marco. “Papà quando mi porti a casa? È stata l’ultima frase che mi ha detto. Gli tenevo la mano, era intubato, eppure si sforzava di parlarmi”, altro non riesce ad aggiungere il padre Francesco alle cronache locali.

·        E' morto Loris Meliconi, l'inventore del guscio per il telecomando.

E' morto Loris Meliconi, l'inventore del guscio per il telecomando. Pubblicato martedì, 30 giugno 2020 ‐ La Repubblica.it. E' morto a 90 anni l'imprenditore Loris Meliconi, patron dell'omonima azienda di Granarolo Emilia (Bologna) che ha inventato, tra l'altro, il guscio salva-telecomando reso celebre da uno spot televisivo in cui veniva fatto rimbalzare. La Meliconi, nata nel 1967, aveva come missione trovare soluzioni e idee innovative per la vita casalinga quotidiana, come ad esempio la 'scopa-gomma', arrivando negli ultimi anni alle smart tv, agli accessori audio-video come cuffie e auricolari di design studiati per il mobile. Loris Meliconi, classe 1930, faceva il portiere della Pistoiese in serie C fino a 32 anni quando smise di giocare e iniziò con le invenzioni per la casa. L'azienda ora è guidata dai figli Patrizia e Riccardo.

·        Addio a Carl Reiner, comico da record di Emmy e amico di Mel Brooks.

Addio a Carl Reiner, comico da record di Emmy e amico di Mel Brooks. Pubblicato martedì, 30 giugno 2020 da La Repubblica.it. Carl Reiner, attore, regista, produttore, padre del regista Rob Reiner, è morto per cause naturali lunedì sera nella sua casa di Beverly Hills, a 98 anni. Era stato il vincitore del più alto numero di Emmy, di cui cinque per The Dick Van Dyke Show. I suoi film più famosi come regista includevano Bentornato dio, con George Burns, nel 1977, Lo straccione con Steve Martin, nel 1979, Ho sposato un fantasma con Martin e Lily Tomlin, nel 1984. L'ultimo film da regista lo aveva firmato nel 1997, Questo pazzo sentimento con Bette Midler. Da attore aveva continuato a lavorare  lungo, partecipando alla trilogia Ocean’s Eleven  e in televisione con ruoli ricorrenti nelle sitcom Due uomini e mezzo e The Cleveland show. Nato nel Bronx, si era diplomato al liceo a 16 anni e aveva lavorato come macchinista mentre studiava recitazione. Dopo brevi periodi di lavoro estivo era entrato nell'esercito durante la Seconda guerra mondiale. Le sue doti di attore lo avevano portato nell'unità dei servizi speciali di Maurice Evans, dove Reiner ha incontrato per la prima volta Howard Morris. È diventato famoso come membro del cast regolare di Your Show of Shows di Sid Caesar, per il quale ha vinto due Emmy nel 1956 e 1957 nella categoria di supporto. In quel periodo consoce Mel Brooks con il quale è nata un'amicizia di lunga data e una commedia fatta di sketch di The 2000 Year Old Man.

Carl Reiner rip. Marco Giusti per Dagospia il 30 giugno 2020. “Qualcuno mi disse: Se non sei nei necrologi, fai colazione. Così controllo i necrologi ogni mattina. Per prima cosa. Un sacco di gente lo fa. Ma io osservo. Controllo la loro età per vedere esattamente se li ho superati. Ti ho battuto io… Ti ho battuto io… Mi hai battuto te…”. Se ne va una leggenda della comicità americana. Carl Reiner, 98 anni, newyorkese eccellente, almeno 200 show in tv, una marea di film da attore, una ventina da regista. Un totale di 9 Emmy, tre da attore, quattro da scrittore, due da produttore. 1 Grammy per il disco concepito assieme a Mel Brooks “The 2.000 years Old Man”. Lo avevamo appena visto esibire proprio assieme a Mel Brooks, suo vecchio amico e socio, le magliette Black Lives Matter. Da buon democratico e da veterano della Seconda Guerra Mondiale, non si era mai arreso. L’ultimo tweet, poco prima di spegnersi serenamente, è stato ancora una volta per Trump. “Quando mi sono alzato alle 7:30 di questa mattina, mi sono rattristato per rivivere il giorno che ha portato all'elezione di un uomo d'affari bancarottiere e corrotto che non aveva le qualifiche per essere il leader di qualsiasi paese del mondo civile ...”.E tra tanti ricordi eccellenti di oggi, Alan Alda, Rosanna Arquette, Edgar Wright, Andrew Cuomo, vedo che la scrittrice newyorkese Joyce Carol Oates glielo ha proprio scritto: “Sono proprio dispiaciuta che questo grande commediante non sia riuscito a vedere la caduta di Txxxp”. Carl Reiner, nato nel Bronx nel 1922, era figlio di un orologiaio ebreo-austriaco e di una mamma rumena-ebrea. Appena finita la guerra, assieme a Mel Brooks, Nel Simon, Woody Allen, Imogen Coca, Sid Caesar, Larry Gelbart si dedica anima e corpo alla costruzione dei grandi show televisivi americani. Lavora come autore e attore al leggendario “Your Show of the Shows” dal 1950, al “Caesar’s Hour” con Sid Caesar dal 1954, al “The Steve Allen Show” dal 1956, al “The Dick Van Dyke Show” dal 1961, che seguirà per tutti gli anni ’70. Per il mondo dello spettacolo americano è una vera e propria rivoluzione. Molto presto Hollywood cercherà di riproporre la comicità newyorkese di Carl Reiner e quella più parodistica di Mel Brooks al cinema. Non sarà facilissimo. Anche se Reiner è in grado di recitare da comico e di scrivere per i comici con la stessa grazia. Lo vediamo attore in “Questo pazzo, pazzo, pazzo mondo” di Stanley Kramer, anzi era uno dei due comici rimasti in vita, “L’arte di amare” di Norman Jewison, “Arrivano i Russi, arrivano i Russi” di Norman Jewison con Alan Arkin. Da regista debutta con “Enter Laughing” nel 1967 con José Ferrer, Shelley Winters e Elaine May, prosegue con “The Comic” con Dick Van Dyke che non fu il successo sperato, ma andò benissimo, invece, “Senza un filo di classe” con George Segal che vive nel Bronx con la vecchia mamma ebrea, Ruth Gordon. Un capolavoro di comicità, seguito da “Bentornato Dio” con George Burns, “Un tipo straordinario” con Henry Winkler e da “Lo straccione” con Steve Martin. Proprio con Steve Martin troverà il suo interprete ideale. Lo dirigerà in “Il mistero del cadavere scomparso”, “Ho perso la testa per un cervello”, “Ho sposato un fantasma”. Ma la gag che ricordo con più piacere di “Lo straccione” è quella iniziale, con Steve Martin, bianco, figlio adottivo di neri poveri del sud, che pensa di essere nero. “È una delle mie persone preferite al mondo”, ha detto Reiner di Steve Martin, “perché è cool cat. Un gatto morto. Sembra un ragioniere, ma è uno dei pensatori più acuti. Pensa in un modo che nessun altro pensa. Ha una mente brillante, mette insieme cose che non vanno insieme e ti fa ridere”. Ma Reiner diresse anche “Vacanze in florida” con John Candy, il parodistico “Fatal Instinct” con Armand Assante, "Questo pazzo sentimento” con Bette Midler. Grazie anche alla fortuna da regista del figlio, Rob Reiner, Carl non si è mai fermato, né come attore né come autore. Lo troviamo nel ruolo di Saul Bloom nella serie di grande successo “Ocean’s Eleven”, ma è attivo anche come voce in film come “Toy Story 4”, dove è Carl Reineroceros, “I pinguini di Madagscar”, “I Griffin”, “Hot in Cleveland”. Deve ancora uscire un suo ultimo film, animato, “Saddle up!”. Dalla moglie, Estelle Reiner, attrice e cantante, scomparsa nel 2008, ebbe tre figli, Rob, Anne e Lucas, tutti nello spettacolo. Oggi lo saluta tutto il mondo dello spettacolo americano. Tranne Trump…

·        È morto Freddy Cole, grande jazzista e fratello di Nat King.

È morto Freddy Cole, grande jazzista e fratello di Nat King. Pubblicato lunedì, 29 giugno 2020 da La Repubblica.it. Il grande pianista e cantante jazzFreddy Cole, fratello minore di Nat "King" Cole, è morto sabato ad Atlanta, all'età di 88 anni. La causa della morte è legata a complicazioni di disturbi cardiovascolari di cui soffriva, ha spiegato al Washington Post la sua manager, Suzi Reynolds. Freddy Cole, aveva iniziato la sua carriera all'ombra del suo famoso fratello, figura imponente nel jazz e nella musica popolare, con cui si era esibito a lungo. Ma ha poi guadagnato un successo individuale - comprese diverse nomination ai Grammy - con la sua carriera solista, spesa tra jazz tradizionale, swing e blues. L'anno scorso aveva ottenuto una nomination ai Grammy per il miglior album jazz vocale con My Mood Is You. "Adoro suonare ovunque possa suonare", aveva detto Cole all'Atlanta Journal-Constitution in un'intervista del 2014. Freddy Cole, nome d'arte di Lionel Frederick Cole, era nato a Chicago il 15 ottobre 1931, fratello dei musicisti Nat King Cole e Ike Cole, nonché il padre di Lionel Cole e zio di Natalie Cole. Ha inciso prevalentemente dischi jazz insieme alla sua formazione Freddy Cole Quartet, con cui ancora oggi si esibisce. I tour di Cole hanno toccato gli Stati Uniti, l'Europa, l' Estremo Oriente e il Sudamerica. La sua carriera ha superato il mezzo secolo. Cole è nato da Edward e Paulina Cole, ed è cresciuto con i fratelli Eddie, Ike e Nat King Cole. Ha iniziato a suonare il pianoforte all'età di sei anni, a Chicago, proseguendo poi gli studi musicali presso la Juilliard School of Music a New York. Cole è considerato uno dei migliori interpreti dell'American Songbook ed una vera icona della canzone afroamericana. Oltre ad essere considerato, insieme a Tony Bennett, uno dei più grandi interpreti vocali del jazz contemporaneo. Nei suoi spettacolI era in grado di spaziare da Broadway al Blues, dai classici di Jermone Kern, Cole Porter, George Gershwin e Duke Ellington, a Lionel Ritchie e Stevie Wonder.

·        È morta Linda Cristal, star dei western e della serie tv "Ai confini dell'Arizona".

È morta Linda Cristal, star dei western e della serie tv "Ai confini dell'Arizona". Pubblicato lunedì, 29 giugno 2020 da La Repubblica.it. L'attrice argentina Linda Cristal, stella di di Hollywood, di film western e protagonista della serie tv Ai confini dell'Arizona, è morta sabato scorso nella sua casa di Beverly Hills, nella contea di Los Angeles, all'età di 89 anni per cause naturali. L'annuncio della scomparsa è stato dato dal figlio Jordan Wesxler al New York Times. Era nata come Marta Victoria Moya Burges a Buenos Aires il 23 febbraio 1931 da padre francese e madre italiana, entrambi deceduti in un incidente automobilistico nella capitale argentina (dal quale solo lei, 13enne, si salvò miracolosamente), da molti considerato un doppio suicidio. Dopo una carriera sfolgorante, soprattutto negli anni Cinquanta e Sessanta, si era ritirata dalle scene nel 1985. Linda Cristal inizia la carriera recitando in spettacoli itineranti, dove è scoperta dal regista messicano Miguelito Aleman che la fa esordire, senza essere menzionata Cuando levanta la niebla (1952). In quattro anni gira nove film, tutti di scarsa rilevanza, ma il suo modo di agire sulle scene è notato da emissari della Universal, i quali senza esitazioni la convincono a trasferirsi a Hollywood, dove firma un contratto con lo studios e debutta nel film La saga dei Comanches (1956) del regista George Sherman. Due anni dopo è già nota al pubblico americano per la recitazione offerta in Una storia del West, sempre diretto da Sherman, e nel 1959 si fa apprezzare ancor più nel noir Il portoricano di Paul Stanley. Nel frattempo In licenza a Parigi (1958) di Blake Edwards le permette di vincere il premio Golden Globe per la migliore attrice debuttante. Con permessi speciali Linda Cristal raggiunge l'Italia, ed è protagonista a Cinecittà in tre kolossal storico-mitologici, Le legioni di Cleopatra (1959, di Vittorio Cottafavi), La donna dei faraoni (1960, diretto dal russo Viktor Tourjansky) e, più tardi, in Le verdi bandiere di Allah (1963, di Giacomo Gentiluomo e Guido Zurli). Linda Cristal ha recitato nel western di grande successo La battaglia di Alamo (1960) di John Wayne e l'anno successivo è nel cast di un altro grande classico western, Cavalcarono insieme di John Ford. Negli anni '60 Linda Cristal passa alla televisione: famoso il suo ruolo nelle 97 puntate della serie Ai confini dell'Arizona (1967-71), dove veste i panni della protagonista, Victoria Cannon. I Cannon vivono nel ranch The High Chaparral, e il capofamiglia, Big John, è sposato con la figlia dei Montoya, Victoria. I Montoya vivono invece nel Montoya Ranch, sotto l'egida di Don Sebastian, padre di Victoria. Questo ruolo le farà vincere il premio Golden Globe per la miglior attrice in una serie drammatica. In tv ha poi recitato in episodi dei telefilm Bonanza, Sulle strade della California e Fantasilandia. Sempre più sporadici saranno per Linda Cristal i ritorni al cinema, come testimoniano i film Panico nella città (1968) e, soprattutto, A muso duro (1974), al fianco di Charles Bronson. Nel 1985 torna in Argentina, protagonista della telenovela Rossé. Poi il definitivo addio alla professione artistica interrotto solo nel 1988 per una piccola parte per la serie tv General Hospital, dove aveva recitato nel 1963. Per oltre 30 anni Linda Cristal ha vissuto da pensionata di lusso nella sua residenza di Palm Springs, tornando spesso nella sua villa di Buenos Aires. L'attrice è stata amante dell'attore Adam West e di due uomini d'affari, Arthur Symington e Marshall Shellhardt. È stata sposata tre volte con due divorzi e un annullamento: primo matrimonio con Charles Collins (annullato), poi con l'industriale Robert W. Champion, infine con Yale Wexler (si era separata nel 1966), da cui ha avuto due figli, Gregory e Jordan.

·        E’ morta L'attrice Vittoria De Paoli. Recitò con la Capotondi.

Vittoria De Paoli morta in un incidente in Vespa: aveva 14 anni, recitò con la Capotondi su Rai1. Stefania Piras Domenica 28 Giugno 2020 su Il Messaggero. Aveva 14 anni Vittoria De Paoli e un futuro davanti non solo come teenager ma anche come attrice eclettica, la ragazzina di Maser (Treviso) morta nella notte a Farra di Soligo dopo essere uscita di strada, assieme ad un amico, a bordo di uno scooter. Capelli lunghi, biondissimi, il sorriso di Vittoria se lo ricordano bene i telespettatori di Raiuno nella fiction di "Di padre in figlia" con Cristiana Capotondi,  Alessio Boni e Stefania Rocca andata in onda nel 2016. La tragica dinamica. Vittoria De Paoli era andata ad una festa di coetanei e ad un certo punto, con un suo amico 17enne, si è allontanata dicendo che sarebbero tornati subito. I due sono saliti su una Vespa 125, guidata dal ragazzo, e all'altezza di una curva sono usciti di strada andando a sbattere contro un lampione. Un botto terribile che ha svegliato chi abitava in zona, ed è stato subito allarme. Sul posto sono giunte un'auto medica e due ambulanze con i sanitari del Suem 118. Immediata la corsa verso gli ospedali vicini. Vittoria, giunta a quello di Conegliano in condizioni disperate, è morta poco dopo, il suo amico è ora al Cà Foncello di Treviso in terapia intensiva in gravissime condizioni. Sul posto, poco dopo lo schianto, sono giunti anche gli amici con cui erano alla festa ed è stata una scena di strazio, dolore e pianto di fronte all'incredulità per l'accaduto. Il gruppo ha trovato i loro amici vicini, sull'asfalto, privi di sensi e coperti di sangue. Vittoria, appassionata di equitazione, era diventata famosa prima per aver partecipato ad una pubblicità di una nota marca di scarpe da ginnastica e poi, seguita dalla mamma manager Paola, per aver fatto parte del cast della serie Tv «Di padre in figlia» girato anche nella vicina Bassano del Grappa recitando a fianco di Cristina Capotondi, Alessio Boni e Stefania Rocca. In mente tanti progetti che oltre a farla eccellere al liceo classico "Levi" di Montebelluna, dove era segnalata come studentessa modello, c'era l'impegno per crescere come attrice dedicandosi con sacrificio ai corsi di canto, recitazione, danza (Hip hop su tutti) ed imparando a suonare la batteria per un futuro che si stava costruendo da professionista dello spettacolo. Il padre Moreno, bancario mentre la mamma fa la parrucchiera, ha detto che «ora non ha alcun senso vivere, voglio morire». Il sindaco Claudio Benedos ha immediatamente inviato un messaggio di cordoglio a nome della cittadinanza. Intanto i Carabinieri di Vittorio Veneto cui sono affidate le indagini indagano sulle cause dell'incidente e non è escluso che sia sul ragazzo che sul corpo della 14enne vengano fatti gli esami tossicologici per stabilire se avessero bevuto alcolici in modo eccessivo. 

L'attrice Vittoria De Paoli muore in incidente stradale, recitò in una fiction con la Capotondi. La 14enne aveva partecipato a diverse produzioni Rai, l'ultima "Di padre in figlia". L'incidente stradale la scorsa notte durante un giro in Vespa con un amico di 17 anni, adesso ricoverato in gravissime condizioni. La Repubblica il 28 giugno 2020. Aveva un futuro da star, l'ha uccisa nella notte uno schianto in Vespa a Farra di Soligo, in provincia di Treviso. Così è morta Vittoria De Paoli, attrice di 14 anni. Vittoria, nel 2016, aveva partecipato ad una fiction Rai "Di padre in figlia" girata nel Bassanese e che vedeva nel cast anche l'attrice Cristiana Capotondi. Il 17enne che era alla guida della Vespa è ricoverato in terapia intensiva dell'ospedale Cà Foncello di Treviso. La ragazza, invece, è spirata poco dopo essere giunta all'ospedale di Conegliano con un ambulanza del Suem 118. I due giovani erano ad una festa a Farra di Soligo e avevano detto che si sarebbero allontanati per pochi minuti. Sul posto, poco dopo l'incidente, sono giunti anche gli amici con cui erano alla festa ed è stata una scena di strazio, dolore e pianto di fronte all'incredulità per l'accaduto. Il gruppo ha trovato i loro amici vicini, sull'asfalto, privi di sensi e coperti di sangue. Vittoria, nata a Maser (Treviso), appassionata di equitazione, era diventata famosa prima per aver partecipato a una pubblicità di una nota marca di scarpe da ginnastica e poi, seguita dalla mamma manager Paola, per aver fatto parte del cast della serie Tv "Di padre in figlia" girato anche nella vicina Bassano del Grappa recitando a fianco di Cristina Capotondi, Alessio Boni e Stefania Rocca. In mente tanti progetti che oltre a farla eccellere al liceo classico 'Levi' di Montebelluna, dove era segnalata come studentessa modello, c'era l'impegno per 'crescere' come attrice dedicandosi con sacrificio ai corsi di canto, recitazione, danza (Hip hop su tutti) ed imparando a suonare la batteria per un futuro che si stava costruendo da professionista dello spettacolo. Il padre Moreno, bancario mentre la mamma fa la parrucchiera, ha detto che "ora non ha alcun senso vivere, voglio morire". Il sindaco Claudio Benedos ha immediatamente inviato un messaggio di cordoglio a nome della cittadinanza. Intanto i Carabinieri di Vittorio Veneto cui sono affidate le indagini indagano sulle cause dell'incidente e non è escluso che sia sul ragazzo che sul corpo della 14enne vengano fatti gli esami tossicologici per stabilire se avessero bevuto alcolici in modo eccessivo.

Da "ilmessaggero.it" il 29 giugno 2020. Una festa tra ragazzini, il desiderio di concluderla con un giro in Vespa e la tragedia, complice il fatto che nessuna delle due coppie che ha partecipato alla scampagnata a due ruote per le stradine di Farra nella prima sera davvero estiva della stagione, indossava il casco. Una leggerezza imperdonabile anche se il gruppetto si era allontanato solo di poche centinaia di metri dal luogo del ritrovo. Ora le indagini cercheranno di stabilire cosa è successo, ricostruendo lo schianto mortale da tutte le angolazioni possibili. Sulla dinamica c’è poco da dire: la Vespa di A.S. è andata dritta, senza frenare, schiantandosi contro un lampione. Restano da accertare le cause della fatale perdita di controllo del mezzo, compito che spetterà ai carabinieri che hanno eseguito i rilievi sul posto fino all’alba. Fondamentali saranno le testimonianze degli amici che hanno assistito all’incidente  e alla morte di Vittoria De Paoli e del gruppo più ampio che, pochi minuti dopo, ha raggiunto in massa in luogo della tragedia chiamato dai superstiti. Lo scooter si trova ora in un’autorimessa a Moriago, sotto sequestro: anche le analisi sul mezzo potranno contribuire a ricostruire l’accaduto e il motivo per il quale i giovani viaggiassero senza casco. A ieri non erano state formalizzate accuse con rilevanza penale. Sabato sera Vittoria era arrivata a Farra accompagnata dai genitori Moreno e Paola Salvador per partecipare a una festa organizzata da amici. Sarebbero tornati a prenderla a mezzanotte. Alle 22.45 invece un boato ha squarciato il silenzio. All’incrocio tra via Rialto, via Cal Nova e via Borgata Grotta, dove si dipartono le strade verso le vigne, uno scooter è piombato con violenza su un palo della luce e una ringhiera. Il mezzo, una Vespa Piaggio 125, proveniva da via Rialto ed era diretto in via Cal Nova, perciò avrebbe dovuto affrontare una leggera svolta a destra. Esattamente dal lato opposto è invece andato a infilarsi, come avesse allargato troppo la curva. Sull’asfalto nessun accenno di frenata, ma i corpi esanimi di due ragazzi. Hanno appena trent’anni in due: sono Vittoria, 14 anni di Maser, e un amico di Valdobbiadene, A.S. 17 anni ancora da compiere. Alla guida della Vespa c’era il ragazzo, che a bordo di quello scooter di proprietà del padre si muoveva abitualmente e che aveva usato per raggiungere la festa. Sul sellino posteriore, stretta a lui, Vittoria. Nessuno dei due aveva il casco. E non lo indossavano nemmeno i due amici che a quel tremendo incidente hanno assistito in prima persona. Quattro erano infatti i ragazzi che si erano allontanati dalla festa. I due maschi avevano inforcato i rispettivi scooter e caricato le ragazze. In questo, nessuna violazione: compiuti i 16 anni è possibile guidare motocicli con cilindrata fino a 125 cc e, dal 2015, anche trasportare un passeggero (a patto che il mezzo sia omologato).

Vittoria si è alzata e ha parlato. A trovarli pochi istanti dopo sono stati alcuni residenti, richiamati dal fragore, che hanno prestato loro i primi soccorsi e chiamato il 118. Nei confronti di Vittoria e del 16enne sono state praticate le manovre di rianimazione e, una volta stabilizzati, sono stati e trasferiti rispettivamente al Ca’ Foncello di Treviso e all’ospedale di Conegliano. Fin da subito le loro condizioni sono parse gravissime. Il ragazzo per l’intera durata delle operazioni è rimasto incosciente. Aveva una gamba rotta e respirava a fatica, mentre Vittoria dopo i primi minuti priva di sensi si è parzialmente ripresa tanto da mettersi a sedere contro la ringhiera e da scambiare qualche parola. Aveva riportato pesanti ferite al viso e al collo, ma tra i due è stato inizialmente il giovane amico a far temere maggiormente per la sua vita. Invece, due ore dopo, il cuore della 14enne ha smesso di battere. All’1.10 il tragico verdetto: Vittoria è morta.

·        E’ morta Taryn Power, sorella di Romina.

Da leggo.it il 28 giugno 2020. Un giorno di grande dolore per Romina Power. La sorella Taryn è morta dopo un anno e mezzo di battaglia contro la Leucemia. Ad annunciarlo è la stessa Romina dal suo profilo Instagram. «Mia sorella Taryn - scrive la Power allegando un video in cui canta in auto insieme alla amata sorella - ha raggiunto i nostri genitori alle 9:53 ieri a casa sua nel Wisconsin circondata da i suoi quattro figli e quattro nipoti dopo aver combattuto una dura battaglia di un anno e mezzo contro la Leucemia. Lascerà un vuoto immenso poichè era una creatura di luce, una madre eccezionale, nonna amorevole e sorella unica per via del suo humour, generosità e amore per gli animali , la natura e per i meno fortunati. La migliore sorella che abbia potuto avere in questa vita!». Taryn Power, sorella minore della cantante, aveva 66 anni. Attrice, era una figura importante nella vita di Romina, con la quale aveva condiviso le gioie e i dolori senza voler apparire a tutti i costi. Nel 1993 rifiutò anche la proposta di Al Bano di trasferirsi in Italia.

In ricordo di Taryn, Romina Power sta pubblicando su Instagram una serie di foto e video che ritraggono la sorella o che le vedono insieme negli anni. Ancora bambine, in bianco e nero, o che duettano insieme solo pochi anni fa. E poi video in cui cantano in auto, felici e spensierate.

Marco Giusti per Dagospia il 28 giugno 2020. Non è stata fortunata Taryn Power. Né come attrice, né come cantante. Sempre all’ombra di un padre famoso morto troppo presto, di una madre possessiva, di una sorella più grande ma anche più scandalosa e più nota di lei. Nata a Los Angeles nel 1953, dalla coppia allora celebre Tyrone Power e Linda Christian, che si erano sposati con grande sfarzo a Roma nel 1949, si ritrova figlia di divorziati neanche due anni dopo, col padre che per vedere lei e Romina deve atterrare con l’aereo proveniente dai set di mezzo mondo. Orfana a soli cinque anni, dopo la morte improvvisa di Tyrone Power sul set di “Salomone e la Regina di Saba”  in Spagna, si ritrova presto al centro dei gossip testamentari. Perché il padre ha diviso sì i suoi beni tra la nuova moglie, Debora Minardos, che aspetta un figlio maschio, la sorella Anne e le sue due bambine, che riceveranno un sussidio mensile, ma non ha lasciato nulla all’ex moglie Linda Christian, “ho provveduto abbastanza generosamente per Linda in tempi recenti, ossia sino a quando sono stato in vita”, lascia scritto sul testamento, come leggiamo sui giornali del tempo. L’ex-moglie non ci sta. E inizia una serie di cause e richieste legali per avere più soldi per le bambine. Avrà presto anche altri mariti, come l’attore americano Edmund Purdom, arrivato in Italia dopo il flop del kolossal “Sinuhe l’egiziano”. Mentre Romina inizia una carriera con apparizioni piuttosto audaci in film come “Come imparai ad amare le donne” di Luciano Salce e “Justine” di Jesus Franco, dove si mostrerà completamente nuda, ma Franco non la riteneva giusta per la parte, per poi diventare compagna e partner di Al Bano, Taryn è tentata dalla stessa carriera. Ma, non ancor a ventenne, rifiuta i ruoli che avevano offerto alla sorella e alle belle ragazze del tempo. “Non ho mai accettato i compromessi e non mi sono mai spogliati” dirà anni dopo. E’ vero. Rifiuto un ruolo da protagonista in una ricca produzione di Carlo Ponti, “Cugini carnali”, diretta da Sergio Martino, ritenendola “una storia disgustosa con situazioni volgari, viscide. Perfino mia madre che pure non si scandalizza facilmente, mi ha sconsigliato di accettare”. Insomma, niente nudo, come accadde a Romina. Preferisce rimanere nel suo appartamento in affitto, si legge, alla periferia di Roma ad aspettare buone proposte. Ponti ci rimane malissimo. Il suo ruolo andrà a una americanina bionda che non farà carriera, Susy Player. Fioccano però, sui giornali, le notizie die suoi primi amori. Si parla di un operatore, tal Dario Semeraro, di un regista francese, Jean-Pail Gibon, del figlio di Silvana Mangano e Dino De Laurentiis, che morirà tragicamente qualche anno dopo. Non volendosi spogliare finisce in una produzione melodrammatica messico-colombiana, “Una vita un amore” diretta da Tito Davison dove è la protagonista, Maria. E’ il suo primo film, seguito due anni dopo da una commedia giovanile argentina, “Un viaje de locos” di Rafael Cohen, mai visto da nessuno. Intanto, in Italia, si tenta di costruirle una nuova carriera da cantante come partner, magari compagna, di Kocis, fratello di Al Bano. Cantano anche in quattro. La vediamo in qualche programma della Rai, come “Una canzone un sorriso”, presentato da Romina e Gianfranco funari nel maggio del 1972. Con Kocis non si capisce bene. Sarà stata lei a lasciare lui o lui a lasciare lei? O, forse, non sono mai stati insieme. Irrequieta, Taryn torna al cinema. Sarà Valentine de Villefort in una grande produzione televisiva americana, “Il conte di Montecristo” con Richard Chamberlain, Trevor Howard, Louis Jordan, Tony Curtis, Angelo Infanti. Si dice che si sia fidanzata con il pritagonista, il bellissimo Chamberlain. Lei dice che sono solo buoni amici, che con lui si confida. Dopo il coming out dell’attore, adorato da tutte le spettatrici del tempo, pensiamo che Taryn dicesse la verità. Gira anche, stavolta in Italia, “Bordella”, curioso film di Pupi Avati con Christian De Sica, e poi parte per Hollywood dove girerà un buon film di Vietnam e pazzia, “Tracks”, diretto dal giovane Henry Jaglom, grande amico di Orson Welles, prodotto da Beet Schneider, lo stesso di “Easy Rider”, interpretato da Dennis Hopper e Dean Stockwell. Dirà che è “un film abbastanza importante, di qualità, ma che non mi ha soddisfatto completamente…”. Ormai lanciata si ritrova come bellezza esotica nel divertente fantasy “Simbad e l’occhio della tigre” di Sam Wanamaker con Patrick Wayne, figlio di John, Jane Seymour, Donald Pleasance. La sua carriera sembrerebbe partita, ma Taryn si sposa. Prima con lo strampalato regista Norman Seef, dal quale avrà dal quale avrà una figlia, Tai Dawn (1978), poi con l’attore e cantante Tony Fox Sales, dal quale avrà due figli, Anthony Tyrone (1982) e Valentina (1983), infine con William Greendeer, dal quale avrà la sua quarta figlia, Stella Bianca (1993). Con tutti questi figli non sarà facile seguire il cinema. Farà qualcosa, come il Godzilla spagnola “Serpiente de ma” diretto da Amando De Ossorio nel 1985 con Timothy Bottoms e Ray Milland. Poi tornerà a recitare con Henry Jaglom nel 1990 in “Eating”. Leggo che avrebbe finito un film proprio quest’anno, già malata di leucemia, in Italia, “Sulle mie spalle” di Antonello Belluco, dove è protagonista. Chissà se uscirà mai..

·         E’ morto il grafico Milton Glaser.

Marco Belpoliti per “la Repubblica” il 28 giugno 2020. Era seduto in un taxi, secondo la leggenda, quando gli venne in mente la possibile soluzione e schizzò su un foglio quello che sarebbe diventato il più famoso marchio di città dalla fondazione di Roma a oggi. Era il 1978 e New York, la città dove era nato durante la grande crisi del 1929, stava toccando il suo punto più basso: crisi fiscale, fuga dei ceti abbienti, disoccupazione, rapine per le strade, e l'anno precedente il black out aveva lasciato senza luce per due giorni il centro. Così quando il sindaco chiese all'agenzia pubblicitaria Wells Rich Greene e Milton Glaser d'inventarsi uno slogan, un manifesto, un logo, per rendere interessante NY, e ridare un po' di fiducia a tutti, Milton cominciò subito a pensarci. Aveva in mente l'icona pop di Robert Indiana del 1964, diventata nove anni dopo una cartolina natalizia del MOMA, a suo modo già un brand. Se una cosa Glaser ha sempre manifestato è quella di possedere una mente rapida e veloce, capace d'afferrare quello che è nell'aria, e che nessuno ancora vede. Qualche minuto prima che appaia a tutti, l'idea è già nella sua mente e diventa un'immagine. Glaser pensa per immagini. Indiana aveva già impaginato in senso verticale la parola LOVE. Si trattava di fare un passo in più. Non facile, ma Glaser è sempre stato un maestro nell'unire emozione ed icona: emoticon. La parola non c'era, ma il cuore rosso, così evidente e palese per dire "amore", è esattamente un emoticon. Bastava aggiungere quel I, parola chiave nell'età del narcisismo - il libro di Christopher Lasch è del 1979 - e New York in acronimo, scrivere col font Typewriter, e il gioco era fatto. Facile dirlo dopo, ma provateci voi. La rapidità è probabilmente una dote che Milton aveva affinato nel Bronx, dove era nato da una famiglia ebraica d'immigrati ungheresi; lì per sopravvivere erano richieste qualità simili: attenzione desta, occhio svelto, fiuto. Il tutto non disgiunto da quella passione per il narrare storie, che è proprio dell'ambiente yiddish. Di quella educazione ricevuta nella comunità immigrata del caseggiato gli è rimasto anche un senso di leggerezza, il piacere del vivere e l'allegria. Se si sfoglia il libro Posters , composto da lui stesso e uscito pochi anni fa, dove ha raccolto 427 manifesti realizzati nel corso della sua carriera, si capisce che non c'è nessun poster triste o cupo, anche quello che sintetizza l'argomento più grave e pesante vola sempre, si solleva leggero per aria come per grazia ricevuta, tanto da far pensare a una lievità alla Chagall, un tocco che è prima di tutto coloristico, come nel resto della sua opera. Sembra che nel suo archivio avesse qualcosa come 200-300 mila manifesti, tutti usciti dal suo studio, il mitico Pushpin Studio, forse non tutti di mano sua, sicuramente da lui rivisti e licenziati. Un lavoro immenso, per cui non si dava arie, perché per lui l'importante era lavorare ogni giorno: pensare e inventare, creare e più spesso ricreare. Del mondo yiddish recava anche quel senso degli affari, che fa parte delle strategie di sopravvivenza degli immigrati nel Nuovo Mondo approdati dalle sponde del Vecchio, così che ora, che non c'è più, oltre a lodare il suo stile inconfondibile di graphic designer, bisogna dire che è stato colui che per primo ha brandizzato la cultura, ovvero ha sposato pubblicità e arte, commercio e invenzione grafica. Non un pubblicitario, perché questo Glaser non lo è stato, ovvero un creatore d'immagini atte a rendere interessante qualcosa o qualcuno, piuttosto d'immagini che diventavano con semplicità icone, come nel caso eclatante di NY. Creare dei brand non è un'arte facile, perché i brand si consumano rapidamente, oppure non funzionano, per quanto sostenuti da campagne martellanti. Poi spesso non sono belli. Il ragazzo nato nel Bronx li ha sempre fatti belli, non solo i manifesti, ma anche i loghi. Il suo karma funziona là dove dipinge, perché, per quanto tendesse alla stilizzazione, e usasse il colore come un campo magico, Glaser è prima di tutto un pittore. Era anche colto; conosceva l'arte in generale, e quella italiana in particolare, perché da giovane dopo aver studiato alla Cooper Union di New York nel 1951 era stato in Italia a Bologna con una borsa di studio, lì dove insegnava uno dei grandi pittori del Novecento, Giorgio Morandi. Nei manifesti che ha poi realizzato in seguito si sente sempre la presenza della pittura rinascimentale, soprattutto nei dettagli, perché Milton Glaser era un grande divoratore di dettagli, come si capisce dal suo lavoro, in particolare in quello degli anni Sessanta e Settanta. In Italia tornerà poi a lavorare per alcune industrie importanti e graficamente significative: Olivetti e Campari; e si occuperà anche della promozione di città come Rimini, e in Italia esporrà varie volte i suoi lavori. Nel 1967 disegna il poster infilato nel vinile Greatest Hits, il ritratto più veritiero di Bob Dylan. Cosa sono quei capelli ricci che si levano dalla testa del cantante se non pensieri scomposti, e impertinenti, e tracce della rivoluzione psichedelica iniziata da poco, e poi resti fluttuanti della Pop Art, che sta celebrando il suo trionfo e anche la sua repentina fine? Glaser afferra tutto al volo e trasposta dalle gallerie d'arte alle camerette dei fans il segno carismatico di quell'epoca dedita agli Acid test. La contestazione studentesca è già cominciata nelle università americane e il graphic designer la registra con la sua lievità. Tutto in quel periodo vola per aria e nell'aria Glaser è a suo agio. Nella sua carriera d'inventore di immagini e brand c'è anche quella di creatore della prima rivista cittadina, quel New York Magazine, che realizza nel 1968 con altri, e su cui tiene per vari anni una rubrica molto cool senza esserlo, "The Undergrond Gourmet", dedicata ai ristoranti economici della città. La più letta dell'intero foglio; ancora una volta una trovata linguisticamente perfetta: due parole ossimoriche tra loro. Il fantasioso designer le ha messe insieme. C'è tuttavia un tratto che segna il suo lavoro, come quello di moltissimi grafici e designer: creare immagini che tutti conoscono, ma che quasi nessuno, salvo i cultori o gli addetti ai lavori, sa chi le ha prodotte. Lavoro umile quello del grafico e dell'illustratore, perché, se va bene, tutti conosceranno il marchio, ma il nome e cognome dell'autore, quello no. A Glaser, figlio della umile cultura yiddish americana, questo importava poco. La stessa invenzione del logo di New York è stata da parte sua un gesto di generosità, dal momento che l'ha regalato alla sua città che amava enormemente, e dove è morto ieri. Il logo di città più imitato al mondo, come è capitato a un altro disegnatore e artista, anche lui ebreo, Saul Steinberg, per cui il suo più famoso disegno, dedicato alla medesima città, è stato copiato e riprodotto moltissime volte. Del resto le idee migliori, salvo per il copyright, appartengono a tutti.

·        E’ morto “l’immortale” Marc Fumaroli.

Stefano Montefiori per corriere.it il 25 giugno 2020. A dare la notizia è l’Académie française che lo accolse tra gli «Immortali» venticinque anni fa: «Il segretario perpetuo (Hélène Carrère d’Encausse, ndr) e i membri dell’Accademia hanno la tristezza di comunicare la scomparsa del loro collega Marc Fumaroli, deceduto il 24 giugno a Parigi. Aveva 88 anni. Era stato eletto nel marzo 1995 sulla poltrona già di Eugène Ionesco». Con Marc Fumaroli scompare uno specialista del Seicento di fama mondiale, un grande storico della letteratura, e il più erudito interprete di quel filone di pensiero insofferente verso la modernità che in Francia ha da sempre enorme successo. Uomo di straordinaria gentilezza, Fumaroli era comunque capace di annichilire con poche e feroci parole celebrità come Damien Hirst o Jeff Koons, da lui definiti «i recenti industriali americani e inglesi della segnaletica scambiata per opera d’arte». Coltissimo, aveva di buona parte dell’arte contemporanea la stessa opinione che si può raccogliere presso il pubblico meno avvertito, realizzando così, alla fine, una specie di comune sentire tra il grande aristocratico delle lettere e il popolo. È la massa, che a Fumaroli non piaceva, e ancora meno la «cultura di massa», pop, di stampo anglosassone. «L’Europa, magari a cominciare dall’ Italia, potrebbe riprendere coscienza della sua identità, senza lasciarsi americanizzare ancora di più», aveva detto in un’intervista al «Corriere» di qualche anno fa. E a chi gli ricordava i capolavori contemporanei, nel cinema e nella letteratura, di autori come Robert Altman o Philip Roth rispondeva sorridendo «ma loro sono d’accordo con me! L’Europa aveva la tradizione di numerose culture popolari. Artigianali e genuine tanto quanto la cultura di massa è industriale e prefabbricata. La cultura popolare riposa su un’adesione spontanea del suo pubblico; la cultura di massa utilizza il bombardamento pubblicitario, dalla nascita alla morte, per imporsi. L’Europa aveva le sue canzoni, e non piccoli selvaggi che montano in scena urlando fino a rischiare di rompersi la vena della tempia, prendendosi per Dioniso o Rimbaud. La pretesa dei Rolling Stones di essere geni fino a cent’anni non mi pare nella tradizione di Rimbaud». Nato l’8 giugno 1932 a Marsiglia in una famiglia di origini corse, Marc Fumaroli è cresciuto in Marocco, a Fès, dove suo padre era funzionario dell’amministrazione francese e sua madre istitutrice, prima di tornare in Francia, terminare il liceo a Marsiglia, studiare alle università di Aix en Provence e Parigi e poi insegnare letteratura a Lille, alla Sorbona e al Collège de France dove aveva la cattedra di «Retorica e società in Europa nei secoli XVI e XVII». Fumaroli ottenne quella cattedra grazie al fondamentale saggio del 1980 L’età dell’eloquenza: retorica e res literaria dal Rinascimento alle soglie dell’epoca classica (edito in Italia da Adelphi come quasi tutta la sua opera), ripercorrendo l’arte di dire e di convincere riscoperta dagli umanisti nel Rinascimento e portata allo splendore nel Grand Siècle, il Seicento tanto amato da Fumaroli. In Il salotto, l’accademia, la lingua: tre istituzioni letterarie, Fumaroli ha analizzato l’importanza dell’arte della conversazione privata, dell’Académie française fondata nel 1634 per volere di Richelieu, e della lingua francese, considerata non uno strumento di espressione accanto ad altri ma un universo unico e incomparabile. Con Le api e i ragni Fumaroli ha indagato sulla disputa degli Antichi e dei Moderni ricorrendo a un’immagine di Jonathan Swift: mentre gli Antichi come le api sanno ricavare dai fiori il miele e le sostanze necessarie alla felicità, i Moderni come i ragni secernono escrementi che diventano tele e tranelli mortali. Nella Repubblica delle lettere l’autore ha dato espressione al suo particolare europeismo, quello legato alla cultura e alle lettere, descrivendo una comunità autonoma dagli Stati nazionali, unita dalle biblioteche e dalla conversazione. L’opera forse più conosciuta al di fuori dell’ambito accademico, quella dalle conseguenze più importanti nel dibattito contemporaneo, è Lo Stato culturale pubblicato nel 1991, un grande schiaffo al potentissimo ministro dell’epoca Jack Lang e al presidente François Mitterrand. «Mai stato ostile all’intervento dello Stato in questo campo, tutt’altro — aveva spiegato Fumaroli nell’intervista al «Corriere» —. Ho solo denunciato che lo Stato francese allargava la sua responsabilità patrimoniale a rock, rap, graffiti e altri prodotti commerciali. Lo Stato deve a mio parere preoccuparsi della Comédie Française e di restaurare le cattedrali, invece di rincorrere l’hip-hop e simili pericolosi giocattoli. Si diffondono anche troppo da soli». Marc Fumaroli poi non sopportava l’altro tormentone contemporaneo di «avvicinare il mondo della scuola a quello del lavoro» e citava a questo proposito Giambattista Vico, «che nel 1708 pronunciò la celebre conferenza che ogni europeo dovrebbe conoscere a memoria, “Sul metodo negli studi del nostro tempo”. Dopo i successi della nuova scienza di Galileo e Cartesio, protestava Vico, ormai insegniamo ai bambini la matematica prima ancora della poesia e dell’arte. Un errore allora, ma ancora più grave oggi. Chi si occupa adesso di formare la sensibilità, l’immaginazione, i sentimenti dei giovani? Più che la scuola, o la famiglia, spesso impotenti, temo che siano i videogiochi, i reality show, l’iPhone e l’iPad». Grande amante dell’Italia come molti francesi colti e non, Fumaroli individuava nel patrimonio artistico italiano un’occasione sprecata, «non occupa il rango che gli spetta, non è capito come una forza spirituale per l’oggi... Quando invece potrebbe allontanare dalla cultura pop molti europei».

Marc Fumaroli è morto. Storico della letteratura, saggista e intellettuale di piano internazionale, ha sempre puntato il dito contro gli eventi culturali di massa. Carlo Franza il 26 giugno 2020 su Il Giornale. Lo storico della letteratura Marc Fumaroli è morto il 24 giugno, a Parigi, all’età di 88 anni, compiuti lo scorso 10 giugno 2020. Professore, accademico, saggista e ricercatore di fama internazionale, aveva denunciato le minacce che riteneva gravassero sulla cultura causate dalla dissoluzione dell’elitarismo. Lo avevo incontrato l’ultima volta nel marzo 2019 a Parigi,  e devo dire che dialogare con lui era sempre un fattore importante, perché gran signore e vulcano di sapere. Fumaroli era stato eletto al Collège de France nel 1986 e all’Académie française nel 1995, dove era succeduto a Eugène Ionesco, e all’Académie des inscriptions et belles lettere nel 1998. Aveva accumulato molti onori, tra cui la presidenza della Società degli amici del Louvre nel 1996, e in Italia aveva ricevuto la laurea Honoris causa dalle università di Napoli nel 1994, Bologna nel 1999 e Genova nel 2004. Nato a Marsiglia il 10 giugno 1932 da una famiglia corsa, Fumaroli era cresciuto a Fez, in Marocco, dove suo padre, Jean, era un funzionario pubblico e sua madre, un’insegnante, la quale gli insegnò a leggere e scrivere e gli trasmise l’amore per il libro che circoscriverà il suo universo per tutta la vita. Il saggio «Lo Stato culturale, una religione moderna» pubblicato nel 1991 da Fallois in Francia e in Italia da Adelphi, lo aveva fatto conoscere ad un vasto pubblico: una feroce denuncia contro gli eventi culturali di massa promossi dai ministri André Malraux prima e Jack Lang poi, che riteneva una deviazione disonorevole dalla nozione di cultura e un abbassamento dello spirito a scapito della conoscenza. Quando si è costretti a scrivere tra virgolette la parola “cultura”, vuol dire che la cultura è davvero mal ridotta. Quando la differenza fra la promozione turistica, mediatica, celebrativa e la cultura non viene più chiaramente percepita, vuol dire che la “cultura” trionfa. Quando di un libro, di una mostra, di un concerto non si parla più per dire ciò che rispettivamente sono, ma solo per discutere su quanto pubblico hanno attirato e con quali modalità, vuol dire che il senso dei libri, dell’arte e della musica si allontana in una nebbia indefinita. Tutto questo succede ogni giorno sotto i nostri occhi. E talvolta accade – come oggi in Francia – che sia lo Stato stesso a fomentarlo e amministrarlo, trasformandosi in imprenditore che gareggia in sontuosità e inventiva con l’imprenditore privato, con un gesto di apparente devozione alla cultura e una celata volontà di manomissione della stessa, per utilizzarla ai propri fini. In breve, tutto sembra congiurare perché venga dimenticata l’impeccabile intuizione di Jacob Burckhardt secondo cui lo Stato e la cultura sono potenze naturalmente nemiche e tali devono rimanere, per il bene di entrambe. Per valutare questo fenomeno, che è planetario ma assume forme diverse in ciascun paese (e ovviamente ben diverse da quelle francesi in Italia, dove lo Stato si è rivelato incapace perfino di garantire la sopravvivenza fisica delle testimonianze della cultura), occorre uno sguardo capace di abbracciare vasti insiemi, di riconoscere sia che cos’è la cultura sia che cos’è la «cultura». Marc Fumaroli ci è riuscito, con appassionata verve polemica, con solidissimo giudizio storico, con felice insofferenza. La sua analisi si concentra sulla Francia, risalendo alle origini di un fenomeno che si è manifestato platealmente negli anni di Mitterrand pur essendo già predisposto negli anni di Malraux. Ma il discorso va molto più in là e si applica a tutto quel sottile e onnipresente involucro di plastica che ci avvolge e tenta di soffocarci con le migliori intenzioni. Quell’involucro si chiama “cultura”. Il libro  “Lo Stato culturale”  è apparso per la prima volta nel 1991. È stato uno dei maggiori storici e interpreti della letteratura e della civiltà, ma soprattutto il più grande esperto di retorica del ‘600. Di più: è a lui che si deve la rinascita di questa disciplina nella sensibilità e nella cultura di oggi. Docente al Collège de France per quasi un ventennio, membro dell’Académie française dal 1995, al posto che fu di Eugène Ionesco, era anche socio straniero dei Lincei, amando – come non si stancava di ripetere – l’Italia come sua seconda patria, della quale riconosceva il ruolo preponderante nella formazione della civiltà europea. Fumaroli era nato a Marsiglia nel 1932, ma cresciuto nel Marocco coloniale dove i suoi genitori si erano trasferiti. Tornato in Francia si dedica alla ricerca e poi diventa docente universitario, consacrando la propria opera allo studio della tradizione letteraria europea. Con “L’età dell’eloquenza”, apparsa nel 1980, restituisce alla retorica la sua centralità non solo nell’epoca rinascimentale, ma ne fa un rimedio contro l’impoverimento della parola che costituisce uno dei mali più insidiosi del mondo attuale. Fumaroli è stato il primo infatti a rilanciare gli studi di retorica in Francia, ripristinandone l’insegnamento al Collège de France. È di un decennio dopo l’altra sua opera fondamentale: “Lo stato culturale”, dove con appassionata verve polemica, unita però a un solidissimo giudizio storico, prendendo le mosse dalla spettacolarizzazione della produzione artistica Fumaroli ci mette davanti a un’analisi puntuale di quell’onnipresente “involucro”, che ci avvolge costantemente – rischiando talvolta di soffocarci pur con le migliori intenzioni – e che si chiama “cultura”. Tra le altre opere da ricordare, “La scuola del silenzio” (1994),  testo che mi ha accompagnato per diversi mesi,  dove riflette sulla diffusione delle immagini nel diciassettesimo secolo e soprattutto sul ruolo di alcuni grandi – da Guido Reni a Caravaggio a Poussin – e, il suo ultimo lavoro, “La Repubblica delle Lettere”, tradotto in Italia nel 2018. Per anni collaboratore di Repubblica, nel 2001 Marc Fumaroli ha ricevuto il premio Balzan per la storia e la critica letteraria del XVI secolo. Eccezion fatta per Eroi e oratori, pubblicato dal Mulino nel 1990, tutte le sue opere sono state tradotte da Adelphi. Carlo Franza

·        E’ morto Alfredo Biondi, storico leader del Partito liberale.

Claudio Del Frate per corriere.it il 24 giugno 2020. E’ morto Alfredo Biondi, storico leader del Partito liberale e poi tra gli esponenti di punta di Forza Italia. Era nato il 29 giugno del 1928, quindi avrebbe compiuto 92 anni lunedì prossimo. Vicepresidente della Camera, era stato ministro della Giustizia del primo governo Berlusconi. Pisano di nascita, genovese d’adozioni , Biondi è stato una figura «ponte» tra la prima e la seconda repubblica. Debutto come deputato alla camera nel 1968 sui banchi del Partito liberale, di cui fu anche segretario tra il 1985 e il 1986. Fu anche ministro in uno dei governi di Amintore Fanfani (politiche comunitarie) e nel primo governo Craxi (ecologia). Il salto di qualità avviene però con la seconda repubblica: Biondi è tra i primi ad aderire al progetto politico di Silvio Berlusconi del Polo delle libertà ed entra in Parlamento nel 1994 . Diventerà ministro ricoprendo il ruolo chiave di ministro della giustizia. Verrà sempre rieletto fino al 2008, passando al Senato nell’ultima legislatura. Il nome del defunto ministro è legato al decreto che porta il suo nome e che, in piena stagione di Mani Pulite, interveniva cancellando la custodia cautela in carcere per il reato di corruzione e rendeva segreta l’informazione di garanzia fino all’atto di conclusione delle indagini. Il 13 luglio in consiglio dei ministri approda il cosiddetto «decreto Biondi». Il guardasigilli distribuì a tutti i presenti il testo e Berlusconi, secondo le ricostruzioni giornalistiche disse «O passa all’unanimità o lo ritiro». Il provvedimento passò senza opposizioni, complice - secondo un malizioso retroscena - il fatto che proprio quella sera era in programma la semifinale Italia-Bulgaria ai Mondiali di calcio Usa. Il decreto Biondi ha come primo effetto la scarcerazione di circa 2000 persone che erano in custodia cautelare in carcere (tra cui l’ex ministro De Lorenzo, ex collega di partito del guardasigilli). Il provvedimento è all’origine anche del primo scontro tra Forza Italia e Lega: Roberto Maroni, allora ministro dell’interno sconfessa il decreto sostenendo che a lui era stata fornita una versione differente al testo poi approvato. La bufera esplode: il pool Mani Pulite di Milano minaccia di dimettersi leggendo un comunicato in diretta tv, emergono forti perplessità all’interno della stessa maggioranza e alla fine il decreto Biondi avrà vita breve: il 21 luglio viene bocciato alla Camera a larghissima maggioranza (418 no, 33 sì e 41 astenuti).

Morto Alfredo Biondi, fu ministro della Giustizia durante il primo governo Berlusconi. Avrebbe compiuto 92 anni fra pochi giorni. Prima di aderire a Forza Italia fece parte del Partito liberale. Durante la sua carriera politica ha ricoperto anche l'incarico di vicepresidente della Camera. Fi: "Fu una colonna del liberismo e del garantismo autentico". Il Pd: ha speso la sua carriera politica a difesa delle istituzioni e della democrazia. La Repubblica il 24 giugno 2020. Lutto nel mondo della politica. È morto Alfredo Biondi, storico leader del Partito liberale e poi tra gli esponenti di punta di Forza Italia. Avrebbe compiuto 92 anni fra pochi giorni. Infatti Biondi era nato il 29 giugno del 1928 e nel corso della sua carriera ha ricoperto il ruolo di vicepresidente della Camera e, durante il primo governo presieduto dall'allora premier Silvio Berlusconi, era stato ministro della Giustizia.

La carriera politica. Nel 1968 fu eletto, per la prima volta, alla Camera nelle fila del Partito liberarale e tornò a Montecitorio nel 1979,per essre poi riconfermato ininterrottamente come deputato dall'ottava alla quattordicesima legislatura. Nel 1994 aderì a Forza Italia. A Montecitorio per quattro legislature ricoprì l'incarico di vicepresidente dell'Assemblea: dal 1987 al 1994, e poi dal 1996 al 2006. Nell'82 fu ministro delle Politiche comunitarie nel quinto governo Fanfani e durante il primo esecutivo dell'allora premier Bettino Craxi guidò il dicastero dell'Ambiente dal 1983 all'85. Fu nominato ministro della Giustizia nel primo gabinetto presieduto da Silvio Berlusconi e in quegli anni Alfredo Biondi fu al centro di numerose politiche per il  il decreto legge che prese il suo nome. Dal 2006 al 2008 fu eletto senatore, mentre la decisione di tornare nelle fila del Partito liberare risale al 2011.

Le reazioni. "Biondi è stato una colonna del liberalismo, un garantista autentico e un galantuomo che ha illuminato per decenni la politica italiana", scrivono in una nota i senatori di Forza Italia. "È stato - proseguono - un grande esempio di coerenza con i valori della civilta' giuridica, e il suo insegnamento resta un'ereditàpreziosa da coltivare in questi tempi di giustizialismo senza limiti e senza regole. Noi siamo in campo per continuare le sue battaglie". E il leader di Forza Italia, Silvio Berlusconi, aggiunge: "Piango un grande amico. Le sue idee sulla giustizia sono attualissime". Per Andrea Marcucci, capogruppo del Pd al Senato. "Con la morte di Alfredo Biondi se ne va uno degli ultimi grandi liberali, un combattente nato che ha speso la sua lunga carriera politica a difesa delle istituzioni e della democrazia". E Ettore Rosato, presidente di Italia Viva, parla di Biondi sottolineando che fu "un vero liberale, apprezzato in maniera trasversale".

Ricordo di Alfredo Biondi, che nostalgia! Andrea Apollonio su Il Riformista il 26 Giugno 2020. Ho incontrato Alfredo Biondi per l’ultima volta nel febbraio di tre anni fa, nella sua splendida casa di Genova: una casa piena di ricordi, di tracce di un percorso politico orientato esclusivamente al liberalismo. Mi ero recato lì armato di registratore, perché avevamo in mente di scrivere a quattro mani (o meglio: mie le mani, suoi i pensieri) un libretto sulla “giustizia penale liberale”. Un’astrazione impalpabile, un ossimoro forse: un concetto che poteva essere solo ragionato e non applicato. Eppure lui riusciva ad esercitare – nella professione forense, come nella politica – questa forma di liberalismo, lente attraverso la quale lui vedeva e interpretava il mondo. Dopo quella lunga chiacchierata, sui temi appunto della “giustizia liberale”, avevo steso una dozzina di cartelle fitte fitte: il resoconto di quel pomeriggio. Gliele avevo inviate (per posta ordinaria) subito dopo, con l’accordo che ci saremmo ritrovati il mese successivo; non siamo mai riusciti a terminare quel lavoro, per le sue via via più frequenti indisposizioni ed anche perché il mese successivo – inaspettatamente – ero già alle prese con i temibili orali del concorso in magistratura. Quando poi gli comunicai (prima per telefono, poi scrivendogli una lettera) che avevo superato quel concorso, lui mi spedì un biglietto, scritto con il suo tratto ormai incerto su di una raffinata carta intestata, in cui si diceva convinto che avrei esercitato le mie funzioni ossequiando i principi del diritto penale liberale; né cambiò idea, quando gli dissi che avevo scelto di fare il pubblico ministero, anzi ribadì le sue certezze con maggior vigore. Non posso negare di essermi chiesto più d’una volta, se la fiducia che Alfredo Biondi riponeva sulla mia persona, e sull’esercizio di quelle particolari funzioni inquirenti, fosse ben riposta. Non l’ho più visto, e lo sentivo sempre meno, con crescente rimpianto per i pranzi e le cene in cui raccontava, senza alcun ordine, quarant’anni di politica e giustizia, col suo fare eccentrico e autorevole al tempo stesso, con la sua galanteria, la sua coerenza nelle idee liberali coltivate fin da giovanissimo, e fino alla fine. Credo di aver imparato molto da lui. Per un po’ ho continuato a cercarlo, chissà che non fossimo riusciti a chiudere il nostro (recte: “suo”) libretto: ma il suo è stato un graduale congedo da un mondo in cui non si riconosceva più. E rileggendo le cartelle di un progetto editoriale abortito sul nascere, mi rendo conto, oggi, che il suo attaccamento all’ideologia liberale, declinata nella politica e nella giustizia, l’attaccamento ai principi di libertà di cui mi parlava sempre, ed in quel pomeriggio a Genova, era in realtà il distacco di chi non voleva finire nel calderone dell’ideologia qualunquista, e del populismo a qualunque costo. Ricordare Alfredo Biondi vuol dire dare corso alla nostalgia del tempo in cui la politica, pur con tutti i difetti dei fenomeni umani, si occupava delle complessità sociali, e cercava di inquadrare i problemi in una cornice teorica, in cui venivano affermati e trattati principi di natura ideologica; di ideologie che non hanno più maestri e di cui oggi, sfortunatamente, abbiamo perso le tracce. Quel libretto mai pubblicato voleva dare ossigeno – nel chiuso della sua casa vicino al mare ligure – al suo modo di pensare, anacronistico forse, e sarebbe cominciato così, perché così egli aveva introdotto il tema: «Con giustizia liberale non intendiamo soltanto una concezione progressista e garantista del diritto, ma qualcosa di più ampio. È vero che, nel pensiero comune, la parola garantismo designa la dottrina liberale del diritto penale, ma è vero anche che ben poche sono state le elaborazioni a tutto tondo della giustizia liberale. D’altronde, il liberalismo è sempre stato connesso, principalmente, ai fenomeni dell’economia, mentre ai fenomeni del diritto, e del diritto penale in particolare, ci si riferisce evocando indistintamente concetti come quelli di garantismo, illuminismo o, appunto, liberalismo. Il discorso che ci apprestiamo a svolgere tenterà dunque di chiarire quale può – o dovrebbe – essere lo spirito del giurista liberale, e i principi che lo muovono». È davvero anacronistico pensare, oggi, a quali debbano essere i principi su cui deve improntarsi lo spirito del giurista liberale? E, in definitiva, ad un modo diverso di esercitare la giustizia? Forse, Alfredo Biondi, nonostante il suo ritiro dalle scene, lontano dai riflettori, continuava ad essere più attuale di quanto si immaginasse; e, per la granitica coerenza che ha sempre contraddistinto il suo pensiero, continuerà ad esserlo.

Addio ad Alfredo Biondi, l’ultimo guardasigilli garantista. Il Dubbio il 24 giugno 2020. Alfredo Biondi aveva 92 anni. Era stato ministro della giustizia del primo governo Berlusconi e avvocato. Storico leader del Partito Liberale nella prima repubblica, per poi diventare uno degli elementi portanti di Forza Italia con l’avvento alla politica di Silvio Berlusconi.  Alfredo Biondi è morto alla vigilia del suo 92esimo compleanno. Pisano di nascita ma genovese di adozione, Biondi aveva mosso i suoi primi passi politici tra le file del PLI (di cui divenne segretario tra il 1985 e il 1986), entrando in Parlamento nel 1968 tra i banchi della Camera. Fu ministro alle politiche Comunitarie in uno dei governi Fanfani e responsabile dell’eco ligia nel primo governo Craxi, ma il salto di qualità li fece nella Seconda Repubblica come ministro della Giustizia nel governo Berlusconi. La sua opera in qualità di Guardasigilli è legata soprattutto alla cancellazione della custodia cautelare in carcere, il cosiddetto decreto Biondi. “Oggi piango la scomparsa del grande amico, prima che del politico Alfredo Biondi. Un autentico liberale, che dopo un brillante percorso ai vertici del Partito Liberale, ha aderito sin dalla sua nascita a Forza Italia, condividendone lo spirito e portandovi il suo bagaglio di idee, valori e l’autorevolezza che lo ha sempre contraddistinto”, commenta su Facebook il presidente di Forza Italia Silvio Berlusconi.

Alfredo Biondi morto a 92 anni, il cordoglio della politica. L’ho voluto alla guida del ministero della Giustizia dove svolse coraggiose battaglie di matrice garantista; negli anni non ho mai smesso di confrontarmi con lui sui temi di attualità e in particolare sulle anomalie del sistema giudiziario italiano – aggiunge -. Alla luce delle recenti notizie di cronaca, le sue idee in fatto di diritti e di Giustizia appaiono ancora attualissime. Mancherà molto a me e a tutta la comunità di Forza Italia che lui stesso ha contribuito a far nascere. Ciao Alfredo”. “Desidero esprimere profondo cordoglio per la scomparsa di Alfredo Biondi, storico esponente liberale del nostro Paese. Avvocato, più volte ministro, vicepresidente della Camera, Senatore e Deputato, spese gran parte della sua vita al servizio del Paese, contribuendo alla sua crescita sociale ed economica. Ai familiari esprimo la mia vicinanza”, dice il presidente del Senato Elisabetta Casellati. “Lascia un vuoto in tutti coloro che credono nei valori liberali. E’ stato un esempio unico di attaccamento ai valori della civiltà giuridica. Il suo insegnamento resta un’eredità preziosa, specie in questi tempi di giustizialismo senza controllo”, ha scritto il capogruppo al Senato di Forza Italia Anna Maria Bernini sui suoi profili social. Un apprezzamento, quello per Biondi, che ha superato anche le barriere politiche, visto che anche il capogruppo del Pd al Senato Andrea Marcucci ha sottolineato: “Con la morte di Biondi se ne va uno degli ultimi grandi liberali, un combattente nato che ha speso la sua lunga carriera politica a difesa delle istituzioni e della democrazia”.

Luigi Bisignani, il ricordo di Alfredo Biondi: "Quell'incontro con Giulio Andreotti..." Luigi Bisignani su Libero Quotidiano il 26 giugno 2020. Caro direttore, c'è un episodio inedito degli anni '80 nella vita di Alfredo Biondi, l'ultimo grande liberale che è scomparso ieri a 91 anni, che merita di essere ricordato. Ne esalta, infatti, le qualità non solo di parlamentare e ministro di lungo corso ma soprattutto di avvocato garantista. Quando era vicepresidente della Camera, chiese un appuntamento urgente al premier Giulio Andreotti che glielo diede subito per le 6.45 a piazza in Lucina. Un'ora andreottiana ma un po' insolita per Biondi, che amava la sera cantare fino a tardi al Tartarughino assieme a colleghi come Altissimo, De Michelis e Martelli. Arrivò un po' strattonato ma puntuale, il Paese era in piena emergenza terrorismo e si parlava molto delle leggi sui pentiti. Biondi non ne fece cenno con nessuno. Il colloquio durò pochi minuti. Solo molti anni dopo, un pomeriggio Andreotti si lasciò andare ad una confidenza: «Forse avrei dovuto dare più peso a quello che una mattina mi disse Biondi, ma con Cossiga decidemmo che non si poteva fare perché l'emergenza era drammatica». Ma che cosa gli aveva detto Alfredo Biondi? Che non ci poteva essere lo stesso avvocato per più pentiti perché altrimenti la prova non sarebbe stata più genuina. E cosa d'altro? Che le spese che lo Stato elargiva per i pentiti e le loro famiglie dovevano avere una forma di controllo, magari attraverso la figura garante di un alto magistrato. Entrambi i suggerimenti di Biondi non vennero ascoltati e la stagione dei pentiti forse, a parte gli straordinari risultati ottenuti, ha fatto mettere in un angolo lo stato di diritto per una giustizia premiale a volte troppo allegra. Ne sentiremo la mancanza. 

Ritratto di Alfredo Biondi, il liberale che sfidò le toghe e fu sconfitto. Tiziana Maiolo su Il Riformista il 25 Giugno 2020. Un amico. Un fratello. Un maestro. Il dispiacere per non averti potuto vedere novantenne, caro Alfredo, quando adducevi dolore alle ginocchia. Eravamo pronti a partire per Genova Memmo e io, che con te avevamo formato il primo “gruppo giustizia” del governo Berlusconi del 1994. Ci hai dissuaso e non ti abbiamo voluto forzare. Peccato. Rimane dentro di me il rimorso, insieme all’altro, quello più antico, per non aver saputo asciugare le tue lacrime quando soffrivi per la sorte di quel decreto che portava il tuo nome e che ai tuoi occhi rappresentava la distruzione di un’onorata e brillante carriera di parlamentare, di ministro, di dirigente del Partito liberale, di famoso avvocato penalista. Quel che non avresti mai voluto vedere, sono i titoli con cui vieni ricordato oggi, da chi ti ha stimato e da chi non ha condiviso quel provvedimento sulla custodia cautelare, che non fu affatto una soluzione per tangentopoli, ma un tentativo di risolvere, per tutti, il problema degli eccessi del carcere preventivo. Ti ci eri impegnato, nonostante fosse chiaro che, se c’era un ruolo che nella vita non avresti mai voluto svolgere, era quello di Ministro della giustizia. Avresti gradito la Difesa, in quel 1994.  “Mi piacciono i generaloni”, dicevi ridacchiando con la consueta verve. Poi più seriamente: “gli uomini dell’esercito sono leali”. Quasi a dire che nel mondo dei processi, che lui frequentava con la sua toga di avvocato, i colpi alla schiena erano più frequenti delle sciabolate a viso aperto. Il destino avverso ebbe le sembianze del Presidente della repubblica Oscar Luigi Scalfaro, il Grande Miracolato degli ultimi mesi della Prima repubblica, rotolato dal nulla alla presidenza della Camera e subito dopo al Quirinale. Scalfaro interloquì parecchio nella formazione del primo governo Berlusconi (anche io fui una sua vittima, quando mi cancellò dalla lista dei sottosegretari alla giustizia e mi preferì Borghezio) e sancì che il Premier non potesse designare il proprio avvocato, cioè Cesare Previti, a fare il Guardasigilli. L’argomento non era del tutto infondato, e Biondi dovette sacrificarsi. Fu attuato lo scambio tra i due: Biondi alla giustizia e Previti alla difesa. Memmo Contestabile, che poi divenne sottosegretario, e io, che fui eletta Presidente della Commissione giustizia della Camera, eravamo entusiasti. Era il nostro Ministro. Alfredo no, non era proprio contento. Perché, al contrario di Silvio Berlusconi, che esibiva ancora la baldanza un po’ ingenua del neofita, e l’illusione che la vecchia casta politica si sarebbe arresa alla forza elettorale della “società civile”, Biondi aveva già annusato l’aria e non aveva sottovalutato le nubi nere che cominciavano a colorare l’orizzonte. Ma soprattutto l’avvocato Alfredo Biondi conosceva i magistrati. Non si era illuso di essere intoccabile, nonostante la sua reputazione -che comunque non fu mai scalfita – di persona integerrima. E dovrà sopportare le battutine del potente procuratore milanese Saverio Borrelli, che, non riuscendo a inviargli un’informazione di garanzia, insinuava che lui non fosse lucido “a una certa ora della sera”. Piccoli uomini, piccoli magistrati. Proprio perché era lucidissimo a tutte le ore, Biondi era preoccupato. E non si fidava. Aveva alle spalle l’undicesima legislatura, l’ultima della prima repubblica, e ancora negli occhi come era andata e come era finita. Era stata la stagione in cui avevano comandato sulla politica i pubblici ministeri di Milano, i più puri tra i puri, che si proclamarono Mani Pulite senza tener conto che quarantun suicidi, quanti furono quelli di tangentopoli, forse qualche macchia possono averla lasciata. Ma era stata la stagione in cui, insieme agli arresti e alle conseguenti fiaccolate di entusiasmo di quella famosa “società civile” che tanto era piaciuta a Berlusconi, il Parlamento rispondeva chinando il capo, togliendo dal proprio corpo ogni giorno un nuovo pezzetto di sé. Un pezzetto dei propri diritti, della propria autonomia, delle proprie libertà. Nel 1993 tre importanti eventi seppellirono sotto terra il Parlamento e sua dignità. Così si presentava la galleria dei ministri che avevano amministrato la giustizia quando arrivò Alfredo Biondi, fresco di elezione con Forza Italia nell’inizio della seconda repubblica. Una voce telefonica aveva svolto il ruolo di cecchino e licenziato con un’informazione di garanzia il ministro di giustizia Claudio Martelli, il socialista che aveva voluto al suo fianco il magistrato Giovanni Falcone e che aveva messo al primo punto della sua politica sulla giustizia la lotta alla mafia. Forse aveva sbagliato tema, fatto sta che Borrelli lo mandò a casa. Era poi arrivato il ministro “tecnico”, quel galantuomo di Giovanni Conso, voluto personalmente da Scalfaro e in seguito da lui medesimo gettato nel circo in pasto ai leoni. Era stato lo stesso Presidente della repubblica, con una regia neanche troppo occulta, insieme al Presidente del consiglio Giuliano Amato, a proporre un’uscita politica da tangentopoli. Ma aveva sbagliato i tempi, perché in contemporanea anche i pubblici ministeri di Milano, accolti come principi in quel salotto buono dello Studio Ambrosetti che ogni anno si riunisce a Cernobbio, luogo pensoso sulle rive del lago, avevano presentato la propria proposta. Che comportava la gogna e l’umiliazione dei politici. Al contrario del “decreto Conso”, che depenalizzava il reato di finanziamento pubblico e prevedeva una sorta di patteggiamento allargato per gli altri reati contro la Pubblica Amministrazione. Ma i pubblici ministeri volevano la gogna, non l’uscita dignitosa delle politica. Bastò che il procuratore di Milano Borrelli andasse in tv a dichiarare sdegnato che il decreto Conso era un “colpo di spugna” perché tutti i giornali in coro scrivessero “colpo di spugna”, e riprendessero le fiaccolate. E gli avvisi di garanzia e i suicidi. Ma i suicidi non furono solo quarantuno, in quell’anno, ma quarantuno più novecentoquarantacinque, il numero dei parlamentari che, voto più voto meno, uccisero se stessi, la propria dignità, la propria autonomia dagli altri poteri dello Stato, insieme all’immunità prevista dalla Costituzione. Andammo al patibolo, vittime della furia giacobina che invadeva il Paese, ma anche della nostra debolezza. Ecco perché il mio amico Alfredo, pur non avendo voluto mai andare a occupare quel posto dove erano già stati ghigliottinati Martelli e Conso, rialzò la testa quando, da avvocato e da liberale, decise di affrontare il problema della custodia cautelare. Chi dice che il “decreto Biondi” (in realtà era “decreto Biondi-Maroni”, prima che il ministro della Lega facesse il suo “disconoscimento di paternità”, come lo definì lo stesso Guardasigilli) fu scritto per favorire la politica, mente spudoratamente. Lo dicono i numeri: dei 2750 detenuti che furono scarcerati in quei giorni, solo 43 erano stati arrestati per fatti legati a tangentopoli. Ma il dato più eclatante è il seguente: quando il governo fu costretto a ritirare il decreto, meno del 10% delle persone che erano state scarcerate fu di nuovo ammanettato. Tanto era indispensabile la custodia cautelare di massa. Alfredo ha sofferto molto, per quella vicenda. Memmo Contestabile, che ha un senso dello humor simile a quello del nostro amico che da ieri ci ha lasciati, ricorda episodi esilaranti. «Nel breve tragitto che eravamo costretti a fare dalla Camera al Senato, dovevamo subire insulti continui. I cittadini si insinuavano tra noi e le nostre scorte e ci riempivano di sputi. Arrivavamo in Parlamento tutti bagnati di saliva». Ma c’era poco da ridere. E fu di nuovo la regia perfetta dei pubblici ministeri di Milano a far scattare la mannaia. Se ai tempi del decreto Conso era stata la figura un po’ ieratica del procuratore Borrelli, con occhialini d’oro e foglietto in mano, a uccidere il ministro e la sua legge, a Biondi fu elargita un’immagine selvaggia di quattro giovanotti scarmigliati e con la barba lunga. I pm Di Pietro, Colombo, Greco e Davigo dissero che senza manette loro non potevano lavorare, quindi erano costretti a chiedere il trasferimento. La regia televisiva comportò anche che, mentre i quattro parlavano, scorressero alle loro spalle le immagini di persone famose come l’ex ministro De Lorenzo (che comunque non fu più riarrestato) che lasciavano il carcere. La gogna andava in onda su ogni rete. Il “decreto Biondi” visse sei giorni. Nacque di mercoledì, il 13 luglio 1994. Morì il 19, quando Giuliano Ferrara, ministro per i rapporti con il Parlamento, lo ritirò ufficialmente. Ma molti di noi di Forza Italia lo votammo lo stesso. Avevamo preso coraggio, rispetto ai tempi (un anno prima) della prima repubblica. E lo dobbiamo alla forza di un uomo come Alfredo Biondi. È vero, aveva un nodo in gola e non riusciva a parlare, la notte precedente la bruciante sconfitta, quando Berlusconi lo chiamò a Palazzo Chigi per prendere la decisione. Ma era il nodo in gola di una persona dignitosa e sempre attenta alle garanzie di tutti. Che aveva dedicato la vita a realizzare i principi liberali con cui era cresciuto, dall’economia alla giustizia, e che vedeva la sua vita improvvisamente ristretta e vincolata a un solo episodio. A qualcosa in cui credeva, a un processo giusto in cui accusa e difesa potessero avere lo stesso peso e in cui non si sbattesse la gente in galera prima di esser stata giudicata. Tutte cose difficili da capire sia da quella sinistra di allora che sosteneva le campagne di moralizzazione dei pubblici ministeri ma poi prendeva i soldi da Mosca, che da quattro giovanotti con la barba lunga che in fondo avevano solo vinto un concorso. E che non avevano nella propria cultura giuridica – neanche quello che si fa chiamare “dottor Sottile” – neanche un grammo di quei principi che hanno caratterizzato la vita intera di questo grande novantaduenne che ci ha lasciato. E che vogliamo ricordare anche scrivendo ogni giorno un giornale che è anche un po’ il frutto di quel che Alfredo Biondi ci ha lasciato.

·        È morto il regista Joel Schumacher.

Gloria Satta per “il Messaggero” il 23 giugno 2020. È morto Joel Schumacher, regista di film di culto come St. Elmo's Fire, Un giorno di ordinaria follia, Batman Forever, Batman & Robin. Originario di New York, aveva 80 anni e da alcune stagioni combatteva contro il cancro. Entrato nel cinema come costumista (lavorò a Il dormiglione e Interiors di Woody Allen), diventato poi sceneggiatore, approdò alla regia nel 1981 dirigendo The Incredible Shrinking Woman. Ma la notorietà doveva venire nel 1985 grazie a St. Elmo's Fire, storia corale sullo stile del Grande freddo, in cui recitavano un manipolo di giovani attori del cosiddetto Brat Pack tra cui le future star Demi Moore e Rob Lowe. Nel 1993, fa scalpore e accende il dibattito nel mondo intero Un giorno di ordinaria follia, forse il suo film migliore in cui un uomo esasperato dalle avversità, interpretato da un drammatico Michael Douglas, reagisce scegliendo la violenza. Ma il successo globale arriva quando Schumacher sostituisce Tim Burton alla regia di due episodi della saga di Batman: il primo è Batman Forever che, interpretato da Val Kilmer, Tommy Lee Jones, Jim Carrey e Nicole Kidman, nel 1995 incassa 300 milioni di dollari. Segue due anni dopo Batman & Robin in cui George Clooney interpreta il Cavaliere oscuro: ma le polemiche si sprecano perché il regista, gay dichiarato, ha immaginato che tra Batman e Robin (Chris O' Donnel) ci fosse un legame omosessuale. «Effettivamente ho interpretato il mio personaggio come se fosse gay», confermò lo stesso Clooney alla giornalista tv Barbara Walters. In Flowless-senza difetti (1999), Schumacher affida a Robert DeNiro il ruolo di un uomo devastato da un ictus e destinato a trovare sostegno nel vicino di casa, un travestito (Philip Seymour-Hoffman) che aveva sempre disprezzato. Il fantasma dell'Opera, adattamento del musical di Lloyd-Webber, nel 2004 ottiene tre nomination all'Oscar. Sono horror The Lost Boys e Flatliners. E Colin Farrell è protagonista di due film: Tigerland, sul Vietnam, e il thirller Phone Boots - In linea con l'assassino ambientato tutto in una cabina telefonica. Nel 2011 il regista dirige l'ultimo film, Trespass, e tra i suoi impegni recenti figurano due episodi della serie Netflix House of Cards.

Marco Giusti per Dagospia il 24 giugno 2020. Ha diretto grandi successi internazionali, grazie ai suoi due Batman supergay definiti “spudoratamente camp e insolitamente queer”, “Batman Forever”, “Batman & Robin”, all’operistico “Il fantasma del palcoscenico”, ai grandi thriller anche complessi, “Un giorno di ordinaria follia”, “8 mm”, “In linea con l’assassino”, “Il cliente”, ai film generazionali, “St. Elmo’s Fire”, “Ragazzi perduti”, “Linea di confine”, che raccontarono i ragazzi cresciuti malamente negli anni ’80 tra i video e Ronald Reagan e le voglie di liberazione gay. Ha scoperto o valorizzato attori come Julia Roberts, Kiefer Sutherland, Colin Farrell, Jim Carrey, Matthew McConaughey. Joel Schumacher, che se ne è andato nella sua New York dove era nato 80 anni fa, può vantare di aver fatto un cinema spesso commerciale, anche molto commerciale per colpa delle majors, ma sempre anche molto autoriale proprio come messa in scena, costruzione delle scene, dei costumi, uso dello schermo panoramico, direzione degli attori. Sforando spesso nel camp proprio con i personaggi di Batman, se si pensa all’Enigmista di Jim Carrey e alla Poison Ivy di Uma Thurman, disegnata in una prima versione come dominatrice bisessuale dalla pelle di spinosa di cactus. Non banale, insomma. Come dimostrano appunto sia i suoi due clamorosi Batman, con i quali subentrò a un maestro del fantasy come Tim Burton, sia i suoi tanti thriller sempre un po’ fuori dagli schemi classici, sempre originali. Per non parlare dei suoi video per gli Smashing Pumpkins, per gli Innx, per Lenny Kravitz. Newyorkese, figlio di genitori di origini tedesche, da parte di padre, e russo-ebree, da parte di madre, si interessa da subito di moda e design. Studia alla Parson’s School of Manhattan e lavora nella moda, allestendo anche vetrine dei negozi newyorkesi. Entra nel cinema nei primi anni ’70, diventando presto costumista per registi come Frank Perry (“Play It As It Lays”), Paul Mazursky (“Blume in Love”), Herbert Ross (il fondamentale “The Last of Sheila”), Woody Allen (“Il dormiglione”), scenografo per Curtis Harrington (“Killer Bees”) e sceneggiatore per film anche importanti come “Car Wash” e “The Wiz” di Sidney Lumet , ad esempio, versione musicale nera de “Il mondo di Oz” con Michael Jackson protagonista. Passa alla regia molto presto, nel 1974 con “Virginia Hall”, con Harvey Keitel come il gangster Bugsy Siegel e Dyan Cannon come la sua amante Virginia Hall, seguito da “Amateur Night at the Dixie Bar” con Don Johnson. E’ già un film importante “The Incredible Shrinking Woman” con Lily Tomlin nel 1981, versione femminile di un celebre film di fantascienza anni ’50 tratto da un racconto di Richard Matheson con un uomo che ogni giorno diventa più piccolo di cinquanta centimetri, poi “D.C.Cabb” con Max Gail e Mister T. Il primo vero successo è “St. Elmo’s Fire” con Demi Moore, Rob Lowe, Andie MacDowell, Andrew McCarthy, ritratto della generazione americana degli anni ’80. “Loro si aspettavano di realizzarsi e di avere enormi carriere davanti. Erano gli anni della Reaganomics”. Ma non andò così. Anche se parla di vampiri, per Schumacher “gli unici mostri hot del cinema”, grazie al cast giovanile, Jason Patric e Kiefer Sutherlannd, è un film generazionale anche il successivo “Ragazzi perduti”, per non parlare di “Linea mortale”, con Kiefer Sutherland e Kevin Bacon che civettano con la morte. E’ lì che scopre e lancia Julia Roberts. “Quando Julia entrò in casa mia con questi jeans tagliati, senza trucco, a piedi nudi, i capelli raccolti in testa, sapevo una cosa: sapevo di non aver mai incontrato nessuno come lei. Ho pensato: "Come ho vissuto senza conoscere questa ragazza". La ritroveremo nel mélo  “Scelta d’amore” l’anno dopo. “La domanda che mi fanno sempre”, diceva Schumacher, “è: Come fai a sapere che questi giovani diventeranno delle stelle? Non lo sai. Sai solo che non c'è nessuno come loro. Se Julia Roberts entra nel tuo ufficio a 20 anni e tu non la assumi, non devi far parte del mondo del cinema”. E’ un remake un po’ piatto di un film francese “Cugini” con Ted Danson, Isabella Rossellini, Sean Young, ma è un gran film dedicato al  cittadino medio che esce fuori di capoccia “Un giorno di ordinaria follia” con Michael Douglas nel ruolo della sua vita. Lo seguirà “Il cliente” con Susan Sarandon e Tommy Lee Jones, bella trasposizione cinematografica di un giallo di John Grisham. Con “Batman Forever” e “Batman & Robin” si trova a prendere il posto di Tim Burton, che aveva diretto due capolavori. Non era un compito facile. La sua idea, dice, è già quella di un Batman più dark alla Frank Miller, e, da gay dichiarato,  puntare esplicitamente a una componente omo nel rapporto con Robin, e a fare di certi personaggi delle regine del queer, ma la produzione glielo permette fino a un certo punto, spingendo invece nella linea di un supereroe per tutta la famiglia. Nei due Batman, però, Schumacher realizza una piena fusione tra la sua idea di cinema e quella di scenografo-costumista, sviluppando una grande visione ultracamp e ultragay come dimostrano gli apprezzamenti dei suoi fan sui social. “Le immagini surreali in alcuni dei miei film”, dirà “sono state spesso attribuite alle mie esperienze di droga, l'ho sentito dire da varie parti. Non so... quel mondo è abbastanza lontano rispetto a me adesso. Quello era il mio percorso e quando fai i conti con l'essere un tossicodipendente e un alcolizzato, ti rendi conto che tutto quello che fai dipende solo da te”. La componente gay e quella del film sui diritti civili torna in un bel thriller sudista tratto dal primo romanzo di John Grisham, “Il momento di uccidere”, girato tra i due Batman, dove Matthew McConaughey, avvocato gay con assistente nero, torna a casa nel profondo sud, a Canton nel Mississipi, e difende un nero accusato di aver ucciso due bianchi che gli avevano stuprato la figlia. Con lui troviamo anche Sandra Bullock, Samuel L. Jackson, Kevin Spacey, Donald e Kiefer Sutherland. Un film sicuramente maggiore è il thriller dedicato al mondo degli snuff movie, quelli dove si film un vero omicidio, “8mm – Delitto a luci rosse” con Nicholas Cage, Joaquin Phoenix e James Gandolfini. Un film, dirà più tardi Scumacher che “non verrebbe mai realizzato oggi. Penso che sia un film davvero audace, molto controverso, come molti dei miei film”. Schumacher dirigerà poi “Flawless” con Robert De Niro e Philip Seymour Hoffman, “Tigerland” con Colin Farrell, “Veronica Guerin” con Cate Blanchett, l’operistico “Il fantasma del palcoscenico” con Gerald Butler, l’ottino thriller “Number 23” con Jim Carrey ossessionato dal numero 23. “Blood Creek”,  dove Michael Fassbender è uno scienziato nazista zombi che combatte con Henry Cavill, “Twelve”, fino a “Trespass”, che è il suo ultimo film. Dirigerà poi due episodi della celebre serie “House of Cards”, prima di ammalarsi qualche anno fa. “Penso di essere una delle persone più fortunate che siano mai vissute”, dirà commentando la sua carriera. “Ho il mio sogno. L'ho ottenuto molto più grande di quanto avrei potuto nemmeno immaginarlo. In fondo, sono solo un bambino i cui genitori sono morti molto giovani, che era da solo ed è cresciuto dietro un cinema prima della TV, e volevo raccontare quelle storie e guardare cosa succedeva”. Su twitter leggo quello che ha scritto Jim Carrey, che lo ebbe come regista in “Batman” e in “Number 23”: “Joel Schumacher se ne è andato. Lui ha visto cose molto più profonde in me di quante ne vedesse la gente e ha vissuto una vita meravigliosamente creativa e eroica. Sono grato di averlo avuto come amico”.

·        È morto Charles Webb, l'autore ribelle del Laureato.

È morto Charles Webb, l'autore ribelle del Laureato. Lo scrittore americano è scomparso a 81 anni. Divenuto famoso per il romanzo, poi film celebre con Dustin Hofmann, regalò tutte le sue ricchezze per vivere in povertà e nell'anonimato. Antonello Guerrera il 22 giugno 2020 su La Repubblica. Come nella “Solitudine del maratoneta” di Alan Sillitoe, Charles Webb è l’icona del ribelle irriducibile, anche quando il successo, il denaro e una placida vita sembrano scontati. Come in tutti i rimpianti esistenziali, dopo esser caduto nella miseria, nell’anonimato anti-borghese e nell’anticonformismo più carnale, ci mancherà molto questo inimitabile scrittore americano, l’autore del romanzo e poi film mondiale Il Laureato, scomparso a 81 anni il 16 giugno - ma si è venuto a sapere oggi - nel Sussex, in Inghilterra, per cause ignote. Molti conoscono Webb proprio per quel romanzo, il suo capolavoro, successivamente diventato la ricchissima pellicola di una generazione americana grazie al regista Mike Nichols, agli attori Dustin Hoffman, Anne Bancroft, Katharine Ross e allo sceneggiatore Buck Henry, morto lo scorso gennaio. Non tutti, però, sanno cosa accadde dietro le quinte di quel blockbuster che macinò 100 milioni di dollari al cinema. Perché l’incredibile vita di Webb, dietro quel suo disinteressato ennui (noia), è una storia di privazioni volontarie, di follie familiari, di affamato disagio. Ma bisogna partire dall’inizio per essere - e capire - Charles Webb. Che nasce il 9 giugno 1939, a San Francisco, per poi trasferirsi presto a Los Angeles. Famiglia benestante, alta borghesia, padre celebre cardiologo, madre abbonata ai salotti buoni. La sua vita è già scritta: progressismo radical chic, studi in un’eccellente università “Ivy League”, la laurea. Ecco, no grazie. Perché a Webb tutti questi privilegi non stanno bene. “Mi veniva la depressione”, raccontò in una rara intervista al quotidiano inglese Daily Telegraph nel 2005, “ogni cosa per me era stata decisa. “Il laureato” parla anche di questo casino: un ragazzo nevrotico, maniaco, depresso”. Webb si laurea presto anche lui, in letteratura al Williams College, in Massachusetts. Ottiene una borsa di studio di scrittura creativa. E nel 1963 dà alla luce “The Graduated”, il “Laureato”. Descrizione della casa editrice: “Un romanzo sulla gioventù di oggi, come non l’avete mai letta”. Dove Benjamin Braddock - alias Dustin Hoffman - è evidentemente un suo alter ego, sebbene Webb abbia sempre tenuto a precisare di non aver mai avuto una storia con “Mrs Robinson” (nel film Anne Bancroft): una donna molto più grande di lui, immortalata nella storia della musica da Simon & Garfunkel, nella fiction moglie del socio del padre e madre di Elaine, cioè Katharine Ross, protagonista con Benjamin della fuga finale, in un bus al tramonto. “No, mi sono ispirato alla moglie di un collega di mio padre che giocava a bridge”, racconterà poi Webb, oltre a sua suocera che non voleva fargli vedere la figlia, avatar letterario di Elaine, e sua futura compagna di una vita. Ma il padre di Charles non la prende affatto bene, teme che l’opera getti discredito e vergogna a tutta la rispettata famiglia. Allora prende una copia del “Laureato” che gli ha dato il figlio Charles, la scaglia a terra e urla: “È una merda!”. Non proprio, visto il successo che avrà il romanzo, pervaso da quella vacuità emotiva, dai dialoghi tediosi come nel “Guardiano” di Harold Pinter e dalle incertezze generazionali in un contesto destabilizzante come la Guerra del Vietnam. Il libro ottiene recensioni e vendite dignitose per un esordio. Ma Webb vende i diritti cinematografici ai produttori legati al celebre Larry Turman per soli 20mila dollari. Non solo: si lega le mani pure per un eventuale seguito, che dovrà essere revisionato e approvato da quella che poi sarà Canal+ in Francia, che ne avrà gli introiti maggiori. Al produttore di Hollywood Turman, che decide di finanziare il film del Laureato dopo aver comprato quel romanzo in aeroporto, Webb fa così pena che, dopo i 100 milioni incassati al botteghino, gli regala 10mila dollari. Lo scrittore li rifiuta, come tutte le successive royalties, donate all’ong ebraica “Anti-Defamation League”. Webb rifiuta persino di andare alla premiere del film e regala i biglietti a uno sconosciuto. È solo l’inizio del suo anti-materialismo cosmico e del pauperismo antagonista che segneranno la sua vita: “Quando finisci il denaro è un’esperienza purificatoria”, dirà Webb, “perché fa bene alla mente come nient’altro. A volte rimpiangi non avere in banca titoli di Stato o altri beni materiali. Ma poi raggiungi un livello per cui riesci a vedere dentro le cose”. Difatti, Webb rinuncia all’eredità del padre. Si sbarazza della sua casa al mare fuori Los Angeles. Lo stesso fa di almeno altre tre “oppressive” proprietà di sua moglie Eve Rudd, artista, discendente di pellegrini della Mayflower e eccentrica ereditiera della East Coast, conosciuta all’università dove entrambi amano lo sceneggiatore censurato Ring Lardner. Primo appuntamento della coppia: in un cimitero. I Webb si disfano anche di opere d’arte di Warhol e Rauschenberg, ereditate dalle loro famiglie. Tutto regalato a terzi, associazioni o a sconosciuti, pur di sbarazzarsi di qualsiasi bene o avere. Persino i regali del matrimonio vengono restituiti agli invitati. Charles e Eve Webb iniziano a vivere in motel, in luoghi di fortuna, nell’indigenza o in comuni nudiste (anche in Francia). Fanno gli accattoni e i lavori più umili - dagli operai alla raccolta nei campi. Hanno presto i due figli, John e David. Non chiamatela Eve, però. Perché sua moglie cambia presto nome in Fred, in primis contro la “dittatura femminile” cui era sottoposta, e poi in onore di un gruppo di “self-help” per uomini con bassa autostima. I Webb, sempre uniti fino all’ultimo giorno dello scrittore, si sposano nel 1962, nello stesso anno in cui Charles scrive “Il Laureato”. Anche se l’anno prima hanno organizzato un altro matrimonio lampo all'improvviso causa gravidanza di lei, poi annullato dopo un aborto spontaneo. Alla fine, i due divorziano, ma solo formalmente, nel 1981. Il motivo non è chiaro, ma sono due le principali e contrastanti versioni che i due hanno fornito: per protestare contro la legittimità dell’istituzione matrimonio e, seconda ipotesi, per invocare gli stessi diritti anche per le persone dello stesso sesso. Subito dopo “Il laureato”, i Webb si trasferiscono vicino New York e in Massachusetts, perché vogliono educare in casa i figli e ciò in California non è permesso. Uno di loro, un “performance artist”, un giorno mangerà letteralmente una copia del romanzo capolavoro di suo padre con la salsa di mirtilli. È l’inizio di una vita povera e peripatetica, di un nomadismo operaio e situazionista. Più tard, il trasferimento in Francia, il ritorno in America e infine, dal 1999, l’Inghilterra. “Perché ci sembrava un bel posto, anche se non conoscevamo nessuno”. Prima Brighton in un monolocale sopra un negozio di cibo per animali, poi in una casetta misera nella vicina Eastbourne, nell’East Sussex. E le altre opere di Charles Webb? Il suo stile distaccato e idiosincratico mal si adegua ai romanzi successivi: “Affettuosamente, Roger” (1969), “Il matrimonio di un giovane agente di cambio” (1970), “Orphans and Other Children” (1975), “The Abolitionist of Clark Gable Place” (1976), “Elsinor” (1977), “Il grande slam” (1979). I libri vanno male, anche perché Webb rinuncia alle promozioni (“sarebbe come cibare mucche con carcasse di mucche pazze, il mondo editoriale vuole sempre, sempre di più!”) e addirittura rifiuta di far scrivere sulle copertine “dall’autore del Laureato”: “Sarebbe stato sfruttamento”, spiegherà in seguito. Curiosamente, però, gli ultimi due romanzi lo fanno riemergere dalla palude editoriale. Nel 2002 è il turno di “Volare via”, amato da Nick Hornby, che sarà il film “Hope Springs” con Colin Firth. I soldi ricavati, però, Webb li regala per l’istituzione di un nuovo premio per le “minoranze creative” che andrà all’artista inglese Dan Shelton: il quale, come opera d’arte vincente, spedirà se stesso Tate Britain sigillato in un pacco. Infine, nel 2007, l’attesissimo sequel del Laureato, e cioè “Home School” (in italiano “Bentornata, Mrs. Robinson”) che il Times serializza, aiutandone la pubblicazione e finanziando la causa legale con Canal+ per i diritti ceduti negli anni Sessanta. Webb racimola 30mila sterline con cui paga i debiti ed evita lo sfratto. Il resto, lo regala ancora una volta al primo che passa. Rimpianti? “No”, spiegò sempre al Telegraph, "se avessi avuto 100 milioni di dollari li avrei buttati via con la stessa velocità di 20mila”. God bless you, please, Mr. Webb.

·        E' morto Pierino Prati.

Da gazzetta.it il 22 giugno 2020. Dopo Mario Corso, il calcio italiano perde in pochi giorni un altro grande giocatore degli Anni '60 e '70. Se ne è andato, a 73 anni, Pierino Prati, ex attaccante di Milan, Roma e Fiorentina, campione d'Europa con la Nazionale nel 1968 e primo giocatore italiano capace di realizzare una tripletta in una finale di Coppa nel Campioni (con i rossoneri, nel 1969). Nato a Cinisello Balsamo nel 1946, Prati cresce nelle giovanili del Milan e, dopo un debutto fugace e due prestiti formativi a Salernitana e Savona in Serie B, si afferma in rossonero, sotto la guida del "Paròn" Rocco, nella stagione 1967-68. Con i suoi 22 gol in 38 partite, Pierino trascina il Milan alla vittoria dello scudetto e della Coppa delle Coppe. Guadagnatosi sul campo la convocazione in Nazionale per l'Europeo casalingo, Prati si laurea Campione con gli azzurri, anche se trova poco spazio, essendo considerato la riserva di Gigi Riva. La sua stagione di grazia, però, è quella successiva: nel 1968-69 Prati realizza 6 gol in 7 partite nella vittoriosa Coppa dei Campioni rossonera, diventando il primo giocatore italiano a realizzare una tripletta in finale contro l'Ajax (4-1 il finale). A seguire arriva anche la Coppa Intercontinentale e, nel 1970, il secondo posto al Mondiale con la Nazionale. Pierino Prati resta al Milan fino alla stagione 1972-73 e aggiunge nella sua bacheca due Coppe Italia e un'altra Coppa delle Coppe. La sua avventura in rossonero si chiude con 102 gol in 209 partite. Passato alla Roma, gioca 4 stagioni nella Capitale, non riuscendo a ripetere le prestazioni ottenute in rossonero: chiuderà, comunque, con 41 gol in 101 gare. Il declino, poi, è repentino: passa alla Fiorentina, quindi chiude al Savona, in Serie C2, con un breve inframezzo nel campionato americano coi Rochester Lancers. Anche da allenatore, Prati non riesce a replicare quanto di buono aveva fatto in area di rigore: le sue esperienze sono tutte nelle serie minori. Rimasto sempre molto legato al Milan, Prati ha continuato a seguire e commentare le prestazioni dei rossoneri fino ai suoi ultimi giorni di vita. Nonostante una lunga malattia che oggi se l'è portato via.

Milan e calcio italiano in lutto: è morto Pierino Prati, il bomber di Nereo Rocco. Libero Quotidiano il 22 giugno 2020. Calcio italiano in lutto: è morto a 73 anni Pierino Prati, storico attaccante del Milan di Nereo Rocco a cavallo degli anni Sessanta e Settanta. Pierino "La peste" era nato a Cinisello Balsamo nel 1946 e da tempo era malato. Cresciuto nelle giovanili rossonere, dopo essersi fatto le ossa nel Savona è tornato al Milan nel 1967, risultando subito decisivo per la vittoria dello scudetto e diventando grande protagonista in tandem con Sormani e Hamrin, davanti a Rivera. Fino al 1973 ha giocato 141 partite e segnato 72 reti, vincendo, tra l'altro la Coppa Campioni 1969 (suoi 3 dei 4 gol all'Ajax di un giovanissimo Cruyff nella finale di Madrid), l'Intercontinentale nel 1970 e la Coppa delle Coppe nel 1973, mancando però la conquista della "Stella", anche a causa della celebre Fatal Verona. Passato poi alla Roma, Prati nella Capitale gioca fino al '77 totalizzando 82 presenze e 28 gol. È stato anche campione d'Europa con la Nazionale nel 1968 e finalista mondiale nel 1970. Il cordoglio di Bruno Conti su Instagram: "Riposa in pace". Da allenatore aveva guidato Lecco, Solbiatese, Sporting Bellinzago e Pro Patria.

Aveva 73 anni. E’ morto il bomber Pierino Prati, “la peste” di Milan e Roma. Redazione su Il Riformista il 22 Giugno 2020. Si è spento all’età di 73 anni Pierino Prati, ex attaccante, tra gli anni ’60 e ’70, di Milan, Roma e della nazionale italiana. L’annuncio della sua morte lo rende noto Bruno Conti, ex giocatore e dirigente della Roma, attraverso il suo profilo Instagram accompagnato dalla frase “Riposa in pace grande Pierino”. Nato a Cinisello Balsamo (Milano), il 13 dicembre 1946, soprannominato "Pierino la peste", debutta in Serie A con la maglia del Milan nella stagione 1966-1967. Dopo una stagione in prestito al Savona, torna in rossonero nel 1967. E’ il periodo d’oro del Milan di Nereo Rocco, di cui Prati è il centravanti titolare fino al 1973. In questo periodo colleziona 143 presenze segnando 72 reti: con la maglia rossonera vince 1 Scudetto, 2 coppe Italia, 2 Coppe dei Campioni, 1 Coppa delle Coppe e 1 Coppa Intercontinentale. La sua carriera verrà condizionata da una serie di infortuni che gli impediranno di giocare con continuità. Nel 1967/68 è capocannoniere della Serie A con 15 reti. Ceduto alla Roma, gioca 82 partite con 28 reti fino al 1977. Poi un passaggio alla Fiorentina, il ritorno al Savona per due parentesi di fine carriera con in mezzo una esperienza negli Stati Uniti con i Rochester Lancers. Con la maglia della nazionale, causa anche la concomitanza di Gigi Riva, Prati colleziona 14 presenze con 7 reti: è campione d’Europa nel 1968 e finalista ai Mondiali del 1970. “VITTORIA DEDICATA A LUI” – “Prati? Voglio ricordarlo a nome di tutto il club, dedichiamo questa vittoria a lui, siamo vicini ai suoi familiari”. Così Stefano Pioli intervenuto a Sky Sport nel postpartita di Lecce-Milan.

E' morto Pierino Prati: bomber del Milan mondiale e della Roma. È stato anche campione d’Europa con la Nazionale italiana nel 1968, fece parte della spedizione in Messico nel 1970 ma senza mai giocare. Luigi Panella il 22 giugno 2020 su La Repubblica. Pochi giorni dopo Mario Corso, il calcio italiano perde un altro dei suoi miti. All'età di 73 anni dopo una lunga malattia è morto Pierino Prati. Milan e Roma le squadre simbolo di una carriera che ha avuto parentesi con Fiorentina, Salernitana, Savona e, sia pure solamente per qualche partita, con i nordamericani dei Rochester Lancers. Spazi importanti anche in Nazionale: campione d’Europa nel 1968, fu tra i 22 della spedizione al mondiale in Messico nel 1970. Il nome di 'Pierino la peste' (il suo alias) è legato a tanti gol e, fondamentalmente, a due allenatori: Nils Liedholm e Nereo Rocco. Nel Milan fu lo svedese a prenderlo quando era responsabile del settore giovanile. Ma fu Rocco, dopo una bonaria perplessità iniziale ("Pensavo di aver preso un giocatore e non un cantante", disse quando lo vide arrivare con i pantaloni a zanna d'elefante ed i capelli lunghi) a valorizzarne le qualità di bomber. Gianni Rivera era, non ci sarebbe bisogno di dirlo, il faro di quella squadra. Prati, nonostante partisse decentrato, il finalizzatore insieme a Sormani: 102 gol in 209 partite, le più importanti nella finale di Coppa dei Campioni del 1969 a Madrid, quando con una tripletta occupò quasi interamente il tabellino dei marcatori contro l'Ajax di un giovanissimo talento di nome Johan Cruyff. Emblematica la rete del 4-1 che sigillò il trionfo: un colpo di testa dopo un ricamo infinito del Golden Boy nel tempio del Santiago Bernabeu. Ma Prati non sapeva solo trasformare in oro solo le trovate degli altri, il gol infatti sapeva anche costruirselo, ed in tutte le salse. L'esempio sempre nella stessa notte spagnola: ne inventò uno con una bomba da fuori area che non concesse il tempo di un amen al portiere olandese Bals. Oltre al titolo di campione d'Europa, in rossonero arrivò uno scudetto (nel 1968, insieme alla classifica dei cannonieri con 15 reti), due coppe Italia, due Coppe delle Coppe, una Coppa Intercontinentale. Era in campo alla Bombonera di Buenos Aires nella finale di ritorno con l'Estudiantes, quando la sfide tra le più forti di Europa e Sudamerica erano più una guerra di culture che partite di calcio. Il Milan aveva vinto 3-0 all'andata e dovette subire una caccia all'uomo degli argentini, che non riuscirono a prendersi il trofeo ma causarono danni a parecchi giocatori milanisti. Combin quello maggiormente brutalizzato, ma anche Prati subì un violento colpo alla testa. Quando alcuni problemi fisici sembravano avergli fatto iniziare la fase discendente della carriera, ecco rispuntare Nils Liedholm, che gli regalò una seconda giovinezza con la Roma. Erano anni in cui nella Capitale andava più di moda la Lazio, campione d'Italia nel 1974. Nella stagione successiva però, nonostante una partenza difficile, proprio le reti di Prati, che vicino a sè vedeva crescere stelle del calibro di Di Bartolomei e Bruno Conti, consentirono ai giallorossi di conquistare un insperato terzo posto alle spalle di Juventus e Napoli. Era la Roma che cercava di scrollarsi di dosso l'etichetta di 'Rometta', delle sgroppate 'olandesi' di Rocca sulla fascia e delle intuizioni di Picchio De Sisti a centrocampo. Una squadra ancora adesso amatissima dai tifosi giallorossi dai cinquanta in su: nella mente soprattutto frammenti delle due vittorie nei derby, la seconda proprio con una rete di Prati, una delle 41 in 110 gare. In Nazionale dovette confrontarsi con la presenza a dir poco ingombrante di Gigi Riva. Esordì però in maniera eclatante, decisivo nel doppio confronto dei quarti di finale con la Bulgaria, che consentì all'Italia di passare alla fase a quattro da giocare in casa. Segnò a Sofia la rete che rese ribaltabile la sconfitta (3-2), quindi nella gara di ritorno aprì le marcature. Prati giocò la prima finale contro la Jugoslavia, ma dopo lo scialbo pareggio (1-1 targato Domenghini in extremis), Valcareggi ne cambiò cinque e non lo confermò nella gara replay dando spazio, nonostante le incerte condizioni fisiche, a Riva che lo ripagò con una delle due reti del trionfo. Inizialmente non selezionato per il Mondiale del Messico del 1970 dopo una stagione con più ombre che luci, venne chiamato da Valcareggi all'ultimo momento per sostituire Anastasi, che si era banalmente infortunato dopo un gioco con il massaggiatore Tresoldi. La cosa curiosa è che insieme a Prati fu chiamato anche a Boninsegna, cosa che per evidenti ragioni di sovrannumero, costò la celebre esclusione di Lodetti. Prati comunque la partita del secolo con la Germania Ovest ed in generale tutte le gare degli azzurri in quella Coppa Rimet le assaporò solo da spettatore: Valcareggi, che in precedenza lo aveva sempre preferito a Boninsegna, scelse diversamente.

Stefano Mancini per “la Stampa” il 23 giugno 2020. Pochi giorni dopo Mariolino Corso, ci ha lasciato anche Pierino Prati. Il derby dei numeri 11, la Milano del calcio che negli Anni Sessanta domina in Italia e in Europa, ha perso due protagonisti particolarmente amati dalle due metà del tifo, che a entrambi avevano attribuito il diminutivo. Prati è morto a 73 anni dopo una lunga malattia. Nato a Cinisello Balsamo nel 1946, con la maglia della Nazionale vinse gli Europei del 1968 e visse dalla panchina la finale ai Mondiali di Messico 1970 contro il Brasile. In azzurro non ebbe mai molto spazio, chiuso com’era da un certo Gigi Riva a sinistra e Boninsegna in centro, ma riuscì comunque a ritagliarsi quattordici presenze impreziosite da sette reti. È con la maglia rossonera che ha lasciato un segno indimenticabile. Fu preso che era un ragazzino e poi mandato in prestito prima alla Salernitana e poi al Savona. Di ritorno al Milan nel 1967, ancora ventenne, fu presentato dai dirigenti a Nereo Rocco, che chiedeva rinforzi in attacco ma non c’erano i soldi per fare grandi acquisti. Prati si presentò in stile figlio dei fiori, con una sgargiante camicia hawaiana. Il Paron lo fulminò così: «Go domanda’ un attaccante, non un cantante». Come andò è storia. Il giovanotto scese in campo e cominciò a segnare a raffica, 15 reti in 23 partite, capocannoniere nella stagione del debutto in Serie A. Quell’anno il Milan mise in bacheca campionato e Coppa Italia, nella stagione successiva arrivò la Coppa dei Campioni: celebre la finale al Santiago Bernabeu, tre gol all’Ajax di Crujiff (altro giovincello che farà la storia del calcio), l’ultimo di testa su assist telecomandato di Rivera. Poi arrivò anche l’Intercontinentale nella doppia, drammatica finale contro gli argentini dell’Estudiantes, per un en plein che non sarà più ripetuto fino all’era Berlusconi. Nel Milan, Pierino vinse ancora Coppa Italia e Coppa delle Coppe nel 1973, fallendo il triplete nella fatal Verona: la sconfitta 5-3 che regalò in extremis lo scudetto in volata alla Juve, e una delusione che brucia ancora in casa rossonera. Prati lasciò Milano alla fine di quella stagione per lui tormentata da una serie di infortuni. Ma non furono né la delusione né la sensazione che il suo talento stesse entrando nella parabola discendente a indurre la società a liberarsene dopo 209 partite e 102 gol. Albino Buticchi, presidente rossonero oltre che petroliere, era stato investito dalla crisi del petrolio. Andreotti gli promise il suo aiuto, ma volle in cambio Prati alla Roma. Affare fatto. Pierino si trasferì nella Capitale, dove in giallorosso segnò 28 reti in 82 partite di campionato, senza però vincere più nulla. Nella serata sono arrivati messaggi di cordoglio. «Dal Bernabeu alla Bombonera: Piero Prati ha dato lustro in tutto il mondo ai colori rossoneri. Ciao Piero». Con questo tweet il Milan ha salutato il suo grande attaccante, mentre Stefano Pioli gli ha dedicato il successo per 4-1 a Lecce, alla ripresa del campionato dopo la lunga sosta. «Riposa in Pace Grande Pierino» ha scritto invece Bruno Conti sul proprio profilo Instagram, postando una foto che lo ritrae con Prati ai tempi della Roma, due generazioni di campioni.

Addio Pierino, quella peste del Diavolo. Prati aveva 73 anni. Col Milan aveva vinto tutto. Poi la Roma. Nel '68 l'Europeo. Elia Pagnoni, Martedì 23/06/2020 su Il Giornale. L'amaro destino dei numeri 11. A tre giorni da Mariolino Corso, piange anche l'altra metà di Milano, un'altra ala sinistra completamente diversa ma altrettanto intimamente legata al cuore e ai trionfi di una squadra. Se n'è andato Pierino Prati, sei anni meno di Corso, ma rivale di tanti derby, e come l'interista protagonista dei successi europei e mondiali di Milano. Non solo, ma unito all'interista anche dalla moda dei calzettoni abbassati oltre che nel poco spazio trovato in Nazionale, l'uno per le scelte dei ct, l'altro perché davanti si è trovato un monumento azzurro come Gigi Riva. Eppure Pierino Prati per almeno una decina d'anni è stato un bomber inarrestabile, dal Pierino la Peste del Milan di Rocco, al Prati di fine carriera che comunque ha regalato gol e soddisfazioni anche alla Roma. Poco azzurro, dicevamo, solo 14 presenze ma con ben 7 gol e soprattutto la conquista del titolo europeo nel '68, quando giocò la prima finale con la Jugoslavia e segnò due reti decisive nei quarti con la Bulgaria, e la partecipazione a Messico '70 pur senza essere mai utilizzato da Valcareggi. La sua apoteosi calcistica resta però la finale di coppa Campioni del '69, la magica notte del Bernabeu quando il Milan travolge l'Ajax di Cruijff per 4-1 con una tripletta proprio di Pierino. La notte magica di quel Milan era la consacrazione di un modulo che in quegli anni funzionava a occhi chiusi, i lanci di Gianni Rivera, l'esplosività di Prati. Una coppia affiatatissima come se ne sono viste poche nella storia rossonera, una coppia che faceva sognare la gente del Diavolo e che si completava alla perfezione con Hamrin e Sormani. Se Corso era il re delle foglie morte, un undici atipico, Prati era un undici vero, un'ala in grado di travolgere le difese in potenza e velocità, di segnare di testa e in acrobazia ma soprattutto con un tiro fulminante che non si allontanava molto da quello di Riva. Centodue gol in 209 partite con la maglia rossonera lo pongono di diritto nel pantheon dei bomber milanisti. Ma a Prati restano legate anche quelle epiche battaglie con l'Estudiantes per la coppa Intercontinentale, il leggendario gol di Glasgow in contropiede nella vittoria sul Celtic che spianò la strada verso la conquista della coppa del '69, lo scudetto dell'anno precedente, ma anche due coppe delle Coppe fino alla fatal Verona in cui non giocò ma che segnò il suo addio al Milan.

·        E' morto Mario Corso.

E' morto Mario Corso, il fenomenale mancino della Grande Inter. Avrebbe compiuto 79 anni il prossimo 25 agosto. Una vita in nerazzurro. Franco Vanni il 20 giugno 2020 su la Repubblica. Lo disse Gyula Mándi, commissario tecnico della nazionale israeliana, dopo avere perso contro l'Italia: "Siamo stati bravi, ma ci ha battuti il piede sinistro di Dio". Era il 15 ottobre 1961, il piede divino che aveva castigato Israele era quello Mario Corso. Il veronese, che il prossimo 25 agosto avrebbe compiuo 79 anni - è morto ieri, dopo giorni di ricovero in ospedale. E se ne va così un altro dei campioni della Grande Inter, che negli anni Sessanta vinsero tutto. É scomparso Mario Corso, interista, campione eterno dotato di infinita classe. Con il suo sinistro ha incantato il mondo in una squadra che ha segnato un’epoca. I pensieri e l’affetto di tutti noi vanno alla famiglia in questo momento difficile #FCIM. Trequartista, prima che il termine esistesse, Corso fu definito da Gianni Brera con un gioco di parole "il participio passato del verbo correre": non gli serviva sgroppare in fascia (quella dei numeri 11 era per tradizione la sinistra) per fare la differenza in campo. Più che girare per il campo come una trottola, faceva girare il pallone, quasi sempre di sinistro. Specialista nei calci da fermo, perfezionò quel tiro a "foglia morta" che sarebbe divenuto non solo il suo marchio di fabbrica, ma anche una delle armi più temute dagli avversari dell'Inter di Herrera. Con l'Inter giocò sedici stagioni consecutive, dal 1957 al '73, per poi finire la carriera con la maglia del Genoa. In nerazzurro ha segnato 95 reti in 509 partite, vincendo quattro campionati, due Coppe dei Campioni e due Coppe Intercontinentali. All'Inter è tornato anche come allenatore, per una stagione appena, nel 1985-1986.

Addio a Mario Corso, poeta del grande calcio italiano. Il Corriere del Giorno il 20 Giugno 2020. Dal 1957 al 1973 indossò la maglia nerazzurra vincendo quattro scudetti, due Coppe dei Campioni e due Coppe Intercontinentali. Avrebbe compiuto 79 anni il prossimo 25 agosto. Grave lutto nel mondo del calcio: è morto all’età di 78 anni  l’ex calciatore dell’ Inter, Mario Corso per tutti “Mariolino”, che era ricoverato in ospedale da giorni, ma purtroppo non ce l’ha fatta. Era nato a Verona il 25 agosto 1941 ed avrebbe compiuto 79 anni . Mariolino ha raggiunto Sarti, Picchi, Facchetti, Peirò, Tagnin, Milani, Landini… i suoi vecchi compagni di squadra protagonisti di quella Grande Inter del “patron” Angelo Moratti, che ha caratterizzato gli anni Sessanta con i suoi successi in Italia, in Europa e in Sudamerica.  Uno squadrone di campioni, certo, ma Mario era il più dotato per la sua innata classe: dal soprannome “il mancino di Dio” si capisce già tutto. Corso è stata la stella più luminosa del firmamento nerazzurro. Corso fu protagonista assoluto della Grande Inter di Helenio Herrera  degli anni ’60, con la maglia nerazzurra 4 quattro scudetti (1963, 1965, 1966, 1971), due Coppe dei Campioni (1964, 1965), 2 Coppe Intercontinentali (1964, 1965). Il campione nerazzurro ha praticamente segnato la sua carriera: ha infatti indossato la casacca dell’Inter dal 1957 al 1973 prima di trasferirsi al Genoa dove ha chiuso la carriera nel 1975. Divenne celebre una sua invenzione: la punizione “a foglia morta“. Non era un atleta “fisico”. Da Mario Corso non potevi aspettarti che rincorresse il suo avversario anche perché all’epoca il terzino destro, cioè il suo marcatore diretto, non varcava mai la metà campo. Il mister Helenio Herrera, che pure esigeva molto dai suoi ragazzi sul piano della corsa, era indulgente con lui. Ed i suoi compagni accettavano senza fiatare l’ordine di scuderia: “Mariolino” andava lasciato libero di giocare il calcio a modo suo. Che non era fatica. Era arte pura. Corso non ebbe molta fortuna e gloria con la Nazionale perché era un giocatore atipico e non tutti erano disposti a correre per lui. Il dopo calcio è l’attività di allenatore-insegnante per i giovani. Soprattutto col Napoli, la sua prima esperienza durata quattro stagioni, riuscendo a trasmettere ai Primavera la sua tecnica raffinata. Siede anche sulla panchina della sua Inter durante la presidenza di Ernesto Pellegrini, ma gli riesce complicato guidare i calciatori già affermati per via del suo carattere schivo e sopratutto troppo “signorile”. “É scomparso Mario Corso, interista, campione eterno dotato di infinita classe. Con il suo sinistro ha incantato il mondo in una squadra che ha segnato un’epoca. I pensieri e l’affetto di tutti noi vanno alla famiglia in questo momento difficile. Ci sono delle persone destinate a rimanere nella leggenda, campioni eterni e talenti unici di cui è impossibile non innamorarsi. Ciao Mario, ci mancherà tutto di te”. Così l’Inter ha reso omaggio e ricordato sul proprio profilo  la stella della Grande Inter. Anche l’ex capitano nerazzurro, ora vicepresidente, Javier Zanetti ha voluto omaggiare Corso: “Un pensiero di vero cuore per una splendida persona, un mito della nostra Inter. Ricorderò sempre tanti bellissimi momenti insieme. Ciao Mario”. l’inventore della punizione a “foglia morta” e stella della Grande Inter. Anche l’ex capitano nerazzurro, ora vicepresidente, Javier Zanetti ha voluto rendere omaggio Corso: “Un pensiero di vero cuore per una splendida persona, un mito della nostra Inter. Ricorderò sempre tanti bellissimi momenti insieme. Ciao Mario”. Corso chiuse la carriera a Genova, sponda rossoblù. Due stagioni (1973-74 e 1974-75) che sono però bastate per essere inserito nella Hall of Fame del club. Il Genoa, nel giorno della sua morte, lo ha voluto omaggiare su Twitter: “Addio a Mario Corso, campione meraviglioso che indossò la maglia del Genoa”. La Figc e il presidente federale Gabriele Gravina si sono uniti al cordoglio dei familiari di Mario Corso, : “Se ne è andato un grande campione – dichiara Gravina – la sua classe, il suo stile e il suo sinistro magico rimarranno per sempre dei simboli straordinari del nostro calcio”. “Mario Corso se ne è andato. È stato un calciatore che ha fatto sognare la mia generazione. Ma oggi io ho perso un amico, una delle più belle persone che la vita mi ha fatto incontrare”, ricorda il sindaco di Milano Beppe Sala in un tweet. Omaggio anche da parte della Lega Serie A: “Ci ha lasciati uno dei grandi protagonisti del calcio, Mario Corso, fantasista della grande Inter che dominò gli anni sessanta vincendo due Coppe dei Campioni. Oltre ai successi in Europa in nerazzurro Corso conquistò due Coppe Intercontinentali e 4 Scudetti, guadagnandosi il soprannome di ‘piede sinistro di Dio’ per l’abilità nel disegnare col mancino le sue famose punizioni a foglia morta e per la capacità di trovare corridoi per i compagni che solo lui riusciva a vedere”. Lo si legge in una nota della Lega Serie A, che “porge ai familiari le più sentite condoglianze per la perdita di Mario, poeta del calcio”. Corso vincendo la sua nota timidezza e riservatezza, ha calcato la scena dei salotti televisivi, facendo l’opinionista in varie emittenti lombarde. È un ruolo che gli piace e nel quale si cala sempre meglio: mai una parola gridata o un giudizio troppo severo. Mario Corso è stato raffinato anche nella vita di tutti i giorni: un vero signore, il cui stile mancherà al calcio ed a tutto lo sport italiano. I nerazzurri lo omaggeranno domani sera portando il lutto al braccio nella gara contro la Sampdoria e con un minuto di raccoglimento.

Giampiero Mughini per Dagospia il 20 giugno 2020. Caro Dago, e a parte il magnifico libro/emblema che su di lui scrisse Edmondo Berselli, la memoria che io ho di Mariolino Corso è straziante. Era successo nei miei vent’anni che io avessi assorbito alcune porcate del modo di ragionare “impegnato” in voga nella mia generazione. Uno di questi teoremi cialtroneschi era che lo sport fosse un affare non talmente degno di attenzione, qualcosa che allontanava dai pensieri validi e corretti, quelli di cambiare la società a forza di scioperi operai eccetera. Uno che avesse a cuore questi cambiamenti non poteva perder tempo a guardare e appassionarsi di quel che succedeva su un campo da gioco. E dunque io – che pure nello sport avevo avuto l’esperienza la più fondante della mia adolescenza, e che di sport agonistico ne avevo praticato molto – smisi di leggere le pagine sportive. Per tre o quattro anni non ne lessi più una riga, non sapevo più nulla di quel che succedeva nel nostro campionato di calcio. Finché un pomeriggio non mi accadde di affrontare un esame universitario e di averne un voto che io giudicavo inferiore a quel che avevo dimostrato e me ne sentivo terribilmente frustrato. La pativo come un’ingiustizia. E dunque nel tornarmene a casa passai dalla libreria di Ciccio D. e Carmelo Volpe, la libreria dove noi ventenni catanesi “de sinistra” passavamo almeno una volta al giorno. Erano le sei o le sette di sera, e Ciccio D. mi disse che sarebbero andati a casa sua a vedere in tv una partita di ritorno della Champions a Milano, una partita in cui la Grande Inter di Helenio Herrera (una squadra di cui non sapevo nulla di nulla) avrebbe cercato di riscattare contro una squadra inglese (il Liverpool) un sonante 1-3 subito a casa loro. Ripeto, erano tre o quattro anni che non vedevo più una partita di calcio. E comunque dissi di sì, perché stare assieme a degli amici a vedere una partita di calcio mi avrebbe aiutato a placare il magone che avevo dentro. Andammo. La partita cominciò. Ovvio che io tifassi per l’Inter, e benché juventino dall’età di dieci anni. Ci mancava altro che non tifassi per la squadra italiana. Ripeto, non sapevo nulla di Mariolino Corso, di Giacinto Facchetti, di Armando Picchi e degli altri campioni di quella squadra/monstre. Erano passati pochi minuti dall’inizio, e accadde che l’Inter dovesse battere una punizione da pochi metri di distanza della linea dell’area avversaria. Accadde in un attimo. Quel giocatore di cui non sapevo nulla e che aveva un’andatura un tantino ciancicante colpì la palla di sinistro, la palla si alzò, curvò, scese in picchiata, affondò all’incrocio della porta difesa dal portiere del Liverpool. Una meraviglia, un capolavoro, una visione da estasi. Così come da estasi fu tutto quello che seguì, il secondo e il terzo gol dell’Inter, una squadra di cui tutto funzionava come in un orologio svizzero. 3-0, e dunque l’Inter passava il turno. Dio, la gioia mia e nostra. M’ero dimenticato di quel voto che ancor oggi mi brucia da quanto lo considero ingiusto. Addio, Mariolino. E grazie ancora della malìa con cui hai curato quel mio dolore di mezzo secolo fa.

·        Addio allo scrittore Carlos Ruiz Zafon.

Addio allo scrittore Carlos Ruiz Zafon. L'autore del bestseller L'ombra del vento, tra gli autori spagnoli più letti al mondo, è morto a Los Angeles dopo una lunga malattia. Aveva 55 anni. Lara Crinò il 19 giugno 2020 su La Repubblica. Si è spento a Los Angeles, a 55 anni, dopo una lunga malattia, lo scrittore catalano Carlos Ruiz Zafón, famoso in tutto il mondo per il suo romanzo L'ombra del vento. La notizia è stata data dal suo editore spagnolo, Planeta: "Oggi è un giorno molto triste per tutta la casa editrice: nei vent'anni in cui ci siamo conosciuti e abbiamo lavorato insieme, si è creata un'amicizia che trascende il rapporto professionale".  Sul profilo Twitter dello scrittore la notizia della morte è accompagnata da una sua frase: "Ogni libro, ogni tomo che vedi ha un'anima. L'anima di chi l'ha scritto e l'anima di chi l'ha letto, vissuto e sognato". L'ombra del vento è stato il primo best seller spagnolo della sua generazione ad avere un successo commerciale mondiale, insieme alla Cattedrale del mare di Ildefonso Falcones. In questi vent'anni (il romanzo fu pubblicato nel 2001), il libro ha venduto oltre 15 milioni di copie nel mondo, oltre un milione soltanto in Italia, ed ha avuto un centinaio di edizioni estere. Dal romanzo è nata una quadrilogia intitolata Il Cimitero dei libri dimenticati, che dopo L'ombra del vento è proseguita con Il gioco dell'angelo (2008), Il prigioniero del cielo (2012), concludendosi con Il labirinto degli spiriti (2016), tutti editi da Mondadori e tradotti da Bruno Arpaia.

Gli ingredienti del successo. Cresciuto negli anni Sessanta a Barcellona, non lontano dalla Sagrada Familia, aveva sempre mantenuto un legame fortissimo con la città, nonostante negli ultimi anni si fosse trasferito in California per lavorare per il cinema, altra sua grande passione, come sceneggiatore. La sua città, trasfigurata da elementi fantastici ma anche raccontata nelle sue vicende più tragiche, è rimasta come elemento forte delle sue trame. Insieme ad un altro autore spagnolo, l'Arturo Pérez-Reverte del Club Dumas, Zafón può essere considerato tra gli artefici di un intero sottogenere, quello dei romanzi incentrati sul potere quasi magico della letteratura e dei libri, che ha visto numerosissimi epigoni cercare negli ultimi due decenni di replicare la notorietà dei suoi romanzi. Nel primo tomo della quadrilogia già lo scrittore metteva in scena gli ingredienti che avrebbero reso così popolare la sua scrittura: utilizzando l'espediente narrativo del libro ritrovato, la trama mescolava fantasy, realismo ed elementi gialli. Il giovane protagonista Daniel, che vive nella Barcellona del 1945 provata dalla guerra civile, dal franchismo e dalla povertà, viene infatti portato dal padre, proprietario di una bottega di libri usati, alla scoperta del Cimitero dei Libri Dimenticati, il luogo in cui sono conservati centinaia di volumi destinati all'oblio. Quello che Daniel sceglierà, L'ombra del vento del misterioso scrittore Julián Carax lo accompagnerà fino all'età adulta, spingendolo in un vortice di scoperte e pericoli.

L'esperienza nella pubblicità, l'amore per il cinema. Lo scrittore si era dedicato anche alla narrativa per ragazzi; anzi, era proprio con un romanzo per ragazzi che aveva esordito, nel 1993, Il principe della nebbia, cui erano seguiti Il palazzo della mezzanotte e Le luci di settembre. La narrativa era stata il punto di approdo dopo una bella carriera nel mondo della pubblicità, prima come copywriter e poi come direttore creativo. Sul quotidiano spagnolo El País, in un'intervista del 2008, aveva lui stesso tracciato un legame tra queste esperienze: "La pubblicità è stata il mio primo lavoro, avevo 19 o 20 anni: ho iniziato come una copy e sono finito come direttore creativo; Ho imparato molto e ho fatto una buona vita ... Molti scrittori, come Don Delillo, hanno lavorato nella pubblicità, perché tocca la letteratura. Impari a vedere la lingua, le parole come immagini. È lo stesso per i romanzieri che sono stati giornalisti. Michael Connelly, un autore che mi interessa molto, era un cronista prima di diventare scrittore di gialli, e senza quella formazione la sua letteratura sarebbe stata molto diversa, senza dubbio. Ma ciò che influisce sul mio lavoro e non si dice mai è il mio interesse per il cinema". All'amore per il cinema era tornato, trasferendosi a Malibù per lavorare a Hollywood. Non ha avuto il tempo di far immaginare al suo pubblico la porta di un altro mondo fantastico.

Da corriere.it il 19 giugno 2020. È morto lo scrittore Carlos Ruiz Zafón nella sua residenza a Los Angeles — dove viveva dal 1993 —, a causa del cancro, come riportato dai media spagnoli. «Oggi è una giornata molto triste per l’intero team Planeta che lo conosceva e ha lavorato con lui per vent’anni, durante i quali è stata forgiata un’amicizia che trascende la professionalità», ha dichiarato l’editore Planeta che ha dato la notizia. Ruiz Zafón, che aveva 55 anni, a Los Angeles lavorava in veste di sceneggiatore per l’industria di Hollywood. Aveva raggiunto la notorietà internazionale con il suo romanzo L’ombra del vento, vincitore di numerosi premi e selezionato nella lista fatta nel 2007 da 81 scrittori e critici latinoamericani e spagnoli con i migliori 100 libri in lingua spagnola degli ultimi 25 anni. Le sue opere sono state tradotte in oltre quaranta lingue. In Italia i suoi libri sono pubblicati da Mondadori. La sua carriera ebbe inizio nel 1993 con una serie di libri per bambini e ragazzi, fra i quali soprattutto Il principe della nebbia (l’ispirazione pare gli venne dal suo lavoro precedente come insegnante di asilo). Alla narrativa per adulti arriva soltanto otto anni dopo, nel 2001 quando pubblica L’ombra del vento. Otto milioni di copie vendute e un successo internazionale raggiunto con il passaparola, perché il lancio all’uscita non fu di quelli a cinque colonne. Nel 2005 (nel frattempo era stato tradotto in 35 lingue) ha vinto il Premio internazionale Barry, per il miglior romanzo di esordio. Planeta nel 2008 pubblica il secondo romanzo, El juego del angel, che viene tradotto alcuni mesi dopo da Mondadori con il titolo Il gioco dell’angelo. L’anno dopo esce il suo Marina. Nel 2010 Mondadori decide di ripescare un vecchio lavoro: è El palacio de la mediano che e risale a 1994, che esce in Italia come Il palazzo della mezzanotte. Nel 2011 Planeta porta sugli scaffali delle librerie Il prigioniero del cielo. Passano cinque anni per arrivare al titolo successivo Il labirinto degli spiriti (Mondadori, 2016) che è l’ultimo volume di una tetralogia dedicata al Cimitero dei libri dimenticati.

Morto lo scrittore spagnolo Carlos Ruiz Zafon. Autore del best seller "L'Ombra del Vento" lo scrittore catalano Carlos Ruiz Zafon si è spento all'età di 55 anni a Los Angeles dopo una lunga malattia che da tempo stava combattendo. Nicola De Angelis, Venerdì 19/06/2020 su Il Giornale. È morto all'età di 55 anni dopo una lunga battaglia contro il cancro, lo scrittore catalano Carlos Ruiz Zafon si è spento a Los Angeles. Erano anni che era malato. Il suo libro più famoso "L'Ombra del Vento" è stato un best seller mondiale che aveva venduto milioni di copie e aveva posto Zafon sull'Olimpo degli autori più letti della nostra epoca. La notizia della sua dipartita è stata annunciata da El Paìs che riporta, riprendendo le parole della casa editrice dello scrittore: "Oggi è una giornata molto triste per l'intero team Planeta che lo conosceva e ha lavorato con lui per vent'anni, in cui è stata forgiata un'amicizia che trascende la professionalità". Zafon ha fatto la sua fortuna e quella della casa editrice con la pubblicazione de "L'Ombra del Vento", libro che nel 2001 ebbe un successo clamoroso in tutto il mondo tanto che lo stesso scrittore decise di realizzarne successivamente una tetralogia dal titolo Il Cimitero dei Libri Dimenticati. L'autore era entrato nel mondo della letteratura dopo aver militato per un periodo in quelli cinematografico e pubblicitario, mondo al quale era tornato successivamente. Si trovava a Los Angeles proprio per ragioni lavorative, avendo intrattenuto per anni rapporti con il mondo di Hollywood per la scrittura di alcune sceneggiature: "Ho iniziato la mia carriera come pubblicitario. Avevo circa 19 o 20 anni. Dopo pochissimo tempo mi sono ritrovato come direttore creativo dell'azienda dove lavoravo. Successivamente ho cambiato, mi sono buttato sul cinema. Ho scritto molte sceneggiature. È stata molto importante per me l'esperienza nel mondo pubblicitario", si legge in una sua vecchia intervista per El Paìs, "Moltissimi scrittori hanno lavorato in questo campo prima di iniziare a scrivere. Come per esempio Don Delillo. La pubblicità serve a vedere la lingua, le parole, come immagini. Stessa situazione per i giornalisti che successivamente diventano scrittori. Prendiamo Michael Connelly. Era giornalista di cronaca a Los Angeles". Poche ore fa l'annuncio anche sul profilo Twitter ufficiale di Carlos Ruiz Zafon. Era molto riservato avendo rilasciato, durante la sua carriera letteraria, pochissime interviste sostenendo che: "Il mondo letterario è per l'1% letterario e per il 99% mondiale". In Italia il suo editore era la Mondadori che ha scritto sui principali canali social: "Una notizia che ci spezza il cuore".

·        È morto Ian Holm, Bilbo Baggins del "Signore degli anelli".

È morto Ian Holm, Bilbo Baggins del "Signore degli anelli". Il grande attore aveva 88 anni. Tra i suoi film Alien, Brazil e La pazzia di re Giorgio. Fu candidato agli Oscar per Momenti di gloria, ma il suo volto è legato allo hobbit protagonista della prima trilogia di Peter Jackson. Silvia Fumarola il 19 giugno 2020 su La Repubblica. È morto l'attore britannico Ian Holm, noto per il ruolo dello hobbit Bilbo Baggins nella prima trilogia Il Signore degli anelli, apparso anche nella seconda, Lo Hobbit. Holm, 88 anni, è stato uno straordinario protagonista a teatro e al cinema, con la saga tratta da J. R. R. Tolkien era diventato popolarissimo. Era malato di Parkinson. All'inizio di questo mese, racconta il Guardian, aveva espresso il suo rammarico per non poter partecipare a una riunione virtuale per il film: "Mi dispiace non vedervi di persona, mi mancate tutti e spero che le vostre avventure vi abbiano portato in molti luoghi, sono in lockdown nella mia casa di hobbit". Il ruolo di Bilbo lo aveva trasformato in divo, ma era il primo a stupirsi del successo. "Sono completamente stupito dalla reazione" spiega in un'intervista all'Independent. "Ricevo molta posta dei fan indirizzata a Bilbo e talvolta a Sir Bilbo - in realtà non è quasi mai indirizzata a Ian Holm. Il mio direttore commerciale redige le risposte, quindi faccio un salto in ufficio e firmo 'Bilbo'. Ma, naturalmente, non ha cambiato la mia vita. Niente potrebbe cambiare la mia vita". Tra i tanti film che ha interpretato Alien (1979), Brazil (1985), Ballando con uno sconosciuto (1985), Enrico V (1989) e Frankenstein di Mary Shelley (1994), Amleto (1990), Il pasto nudo (1990), La pazzia di Re Giorgio (1994), Il quinto elemento (1997), Il dolce domani (1997). Nel 1981 interpreta Sam Mussabini nel film Momenti di gloria di Hugh Hudson, interpretazione che gli vale una candidatura agli Oscar come miglior attore non protagonista. Nel 1998 la regina Elisabetta II gli conferisce il titolo di baronetto per meriti artistici. Padre psichiatra, Holm cresce nell'Essex, nella clinica dove lavorava il papà. Ha definito la sua infanzia "idilliaca", ma la sua passione è il teatro: quando si trasferisce a Londra si iscrive alla London's Royal Academy of Dramatic Art, dove si diploma nel 1954. Debutta nello stesso anno a teatro con la Royal Shakespeare Company, che seguirà per oltre dieci anni. È la star dei palcoscenici più importanti nel Regno Unito e negli Stati Uniti; grande interprete dei lavori di Harold Pinter, si aggiudica il Tony Award. Nel 1970 abbandona le scene (torna in teatro nel 1990 con Re Lear), per dedicarsi al cinema e alla televisione. Vita privata intensa - ha avuto quattro mogli - è passato dai classici ai film di denuncia alle commedie. È stato diretto da Zeffirelli, Soderbergh, Branagh, Attenborough, Terry Gilliam, Atom Egoyan, Mike Newell, Woody Allen, Cronenberg, Luc Besson. Talento straordinario, anche nei piccoli ruoli lascia il segno: come in Greystoke - La leggenda di Tarzan in cui interpreta il ruolo dell'esploratore belga che trova il giovane aristocratico John Clayton cresciuto dalle scimmie. Indimenticabile nel film Il dolce domani di Egoyan, in cui veste i panni di un avvocato che cerca di convincere i genitori dei bambini morti in un incidente - l'autobus della scuola su cui viaggiavano è precipitato in un lago ghiacciato - a fare causa per ottenere un risarcimento. Sulla recitazione aveva le idee chiare: "Guardo Brando e De Niro, ma non sono 'la mia tazza di tè'. Sono più della vecchia scuola, riassunto dal famoso commento di Laurence Olivier a Dustin Hoffman mentre giravano Il maratoneta: 'Prova a recitare, caro ragazzo'. Dopotutto, si deve solo fingere. La recitazione del metodo può anche richiedere molto tempo. Se tutti sono pronti per l'inizio di una ripresa, tranne un attore che è intenzionato a raggiungere il fondo della propria anima, può essere un po' fastidioso".

Morto Ian Holm, fu Bilbo Baggins nella saga del Signore degli anelli. Ian Holm si è spento all'età di 88 anni. L'attore inglese era diventato famoso in tutto il mondo per aver interpretato l'hobbit Bilbo Baggins nella trilogia de Il Signore degli Anelli. Novella Toloni, Venerdì 19/06/2020 su Il Giornale. "È morto pacificamente in ospedale, con la sua famiglia accanto. Affascinante, gentile e di grande talento, ci mancherà moltissimo", con queste parole è stata annunciata la morte dell'attore Ian Holm. A pronunciarle il suo agente, che ha reso noto il decesso dell'interprete inglese, divenuto celebre per l'interpretazione dell'hobbit Bilbo Baggins nella popolare saga fantasy Il Signore degli Anelli e in seguito de "Lo Hobbit". Nato a Goodmayes nel settembre del 1931, Ian Holm scopre di avere una profonda passione per il teatro, che lo spinge a iscriversi alla London's Royal Academy of Dramatic Art, una delle scuole di recitazione più illustri e longeve di Londra. Grazie ai suoi studi esordisce ben presto sul palco, dove conquista il pubblico e la critica, ottenendo addirittura un Tony Award come migliore attore protagonista. Negli anni '70, però, decide di cambiare strada ed entra nel mondo della cinematografia dove interpreterà, nel corso della sua carriera, svariati ruoli da protagonista. Attore carismatico e versatile, in grado di passare da ruoli drammatici a quelli di personaggi della fantascienza, Ian Holm diventa celebre impersonando l'androide Ash nel film Alien del 1979, per poi impegnarsi in pellicole come Enrico V del 1989, Amleto del 1990, Il quindo elemento del 1997 e ancora Momenti di Gloria, nel 1981, che gli valse la candidatura al premio Oscar come miglior attore. È però l'ingresso nel cast della trilogia de Il Signore degli Anelli che lo consacra al grande pubblico mondiale, per l'interpretazione dell'hobbit Bilbo Baggins. Ruolo poi confermato nel film Lo Hobbit, prequel di successo della saga della compagnia dell'Anello. L'attore britannico, morto a 88 anni a causa delle complicazioni dovute al morbo di Parkinson, si era ritirato dalla scena cinematografica nel 2001. Dopo aver interpretato Sir William Gull, il famoso serial killer della Londra antica, nel film La vera storia di Jack lo squartatore, Ian Holm aveva scoperto di avere un tumore alla prostata e per curarlo aveva scelto di abbandonare la carriera per dedicarsi alla guarigione. Nel 1998 la regina Elisabetta II gli conferisce il titolo di baronetto per meriti artistici.

Marco Giusti per Dagospia il 20 giugno 2020. Non era bello, non era alto, non era neanche particolarmente inglese. Ma in ogni ruolo che ha interpretato, a teatro o al cinema, fosse Napoleone o Bilbo Baggins, Puck o l’Ash di Alien, Ian Holm, scomparso oggi a 89 anni, non era solo perfetto. Era profondamente umano.” Sono sempre stato un minimalista” , diceva, “rispetto la massima di Humphrey Bogart, se stai pensando la cosa giusta, la macchina da presa lo prenderà”. Baronetto, membro storico della Royal Shakespeare Company, star a teatro prima che al cinema, nominato all’Oscar per il ruolo di Sam Mussabini di “Momenti di gloria”,  vincitore di una serie di BAFTA, gli Oscar inglesi, Holm resterà nella storia del cinema soprattutto per essere stato Bilbo Baggins, con quei piedoni impossibili, nella grande saga de “Il Signore degli anelli” di Peter Jackson. Ma è lui che trasmette al personaggio quella incredibile carica umana che avrà il suo Bilbo. Ma lo avevamo già visto in tanti film di successo, e ogni volta era come se lo scoprissimo di nuovo. Penso a “Brazil” di Terry Gilliam, a “Alien” di Ridley Scott dove si rivela un meraviglioso non-umano, in “The Aviator” di Martin Scorsese, in “Un’altra donna” di Woody Allen, stretto tra Gena Rowlands e Mia Farrow, in “Ballando con uno sconosciuto” di Mike Newell, ne “Il quinto elemento” di Luc Besson, nello sfortunato “Kafka” di Steven Soderbergh, nel tristissimo “Il dolce domani” di Atom Egoyan, dove è finalmente protagonista. Negli ultimi anni, grazie a “Alien” e al “Quinto elemento”, si era specializzato nel fantasy, ma avrebbe potuto interpretare qualsiasi ruolo. Del resto a teatro aveva fatto qualcosa come cento personaggi shakespeariani diversi. Non poteva fare il protagonista bello, è vero, ma è stato un Napoleone perfetto in ben quattro film, il più celebre era “I vestiti nuovi dell’imperatore” di Alan Taylor, e Stanley Kubrick avrebbe voluto solo lui per il suo Napoleone mai realizzato. Quattro mogli, anzi quasi cinque, una era l’attrice Penelope Wilton con la quale fece “The Borrowers- I Graffignoli”, cinque figli, Ian Holm era nato a Goodmayes nell’Essex nel 1931, da un padre psicanalista e da una mamma infermiera. A sette anni si trasferisce coi suoi a Londra e scopre il teatro. Alla fine degli anni ’50 riesce a tener testa a qualsiasi attore della Royal Shakespeare Company e nel “Coriolanus” si ferisce a un dito duellando sulla scena con Laurence Olivier. Nel 1965 è Riccardo III in una versione tv di “Thge War of Roses”, mentre vince il suo primo BAFTA nel 1969 con “The Boforo Guns”. Al cinema lo troviamo in film come “Oh, che bella guerra!” e “Gli anni dell’avventura” di Richard Attemborough, in “Robin e Marian” e “Huggernaut” di Richard Lester, nel “Sogno di una notta di mezza estate” di Peter Hall. Mentre recita a teatro “The Iceman Cometh” viene colpito da una sorta di panico da palcoscenico e farà solo cinema. Ritornerà sulle scene solo tre volte, per un memorabile “Zio Vanya” nel 1979, per “Moonlight” di Harold Pinter nel 1993 e per un “King Lear” per il quale verrà premiato col premio Laurence Olivier. Una consacrazione. Ma è nel cinema, ripresa con grande vigore dopo l’addio al teatro, che otterrà i suoi più grandi successi. La candidatura all’Oscar per “Momenti di gloria” di Hugh Hudson nel 1981 gli apre tutte le porte. Lo troviamo nell’”Henry V” di Kenneth Branagh, nell’”Amleto” di Franco Zeffirelli, che già lo aveva voluto nel “Ges§” televisivo, per Terry Gilliam in “Brazil”. Fino ai grandi successi di “Alien”, “Il pasto nudo”, “The Aviator”, “La pazzia di Re Giorgio”. Poi arriverà Bilbo Baggins e la nomina a Baronetto. Se ne va colpito da un Parkinson che lo aveva da un po’ allontanato dalle scene. Buon viaggio, Bilbo Baggins.

·        E’ Morta Jean Kennedy, era l’ultima dei fratelli di Jfk.

Morta Jean Kennedy, era l’ultima dei fratelli di Jfk ancora in vita. Notizie.it il 19/06/2020. È morta a Manhattan all'età di 92 anni Jean Kennedy, l'ultima dei fratelli dell'ex presidente Usa John Fitzgerald Kennedy ad essere ancora in vita. Nella giornata del 18 giugno è morta all’età di 92 anni Jean Kennedy: ultima superstite dei fratelli dell’ex presidente degli Stati Uniti John Fitzgerald Kennedy. Jean Kennedy, anch’essa figura di spicco della politica americana malgrado la sua proverbiale riservatezza, fu nel corso dei decenni fidata consigliera dei fratelli John, Bob e Ted e negli anni 90 venne scelta dal presidente Bill Clinton come ambasciatrice degli Usa in Irlanda, terra d’origine del clan dei Kennedy. Nata il 20 febbraio del 1928 con il nome di Jean Ann Kennedy, la donna era l’ottava dei nove figli di Joseph P. Kennedy e di Rose Fitzgerald Kennedy e per tutta la sua vita contribuì allo sviluppo delle brillanti carriere politiche dei fratelli, pur operando da dietro le quinte. Fu tra le altre cose proprio Jean a presentare al fratello John una sua amica, Jacqueline Bouvier, che quest’ultimo poi sposò nel 1953 portandola in seguito alla Casa Bianca come First Lady quando venne eletto presidente nel 1960.Successivamente alla morte di John Kennedy nel 1963, Jean seguì personalmente la campagna elettorale del fratello Robert, conclusasi tragicamente con l’assassinio di questi nel 1968 presso l’Ambassador Hotel di Los Angeles. Sotto la presidenza del democratico Bill Clinton, Jean Kennedy ebbe l’opportunità di svolgere un incarico di primo piano per il proprio paese, servendo come ambasciatrice in Irlanda dal 1993 al 1998. Fu proprio durante questi anni che grazie al suo intervento si rese possibile la firma di un trattato di pace tra i governi irlandese, britannico e dell’Irlanda del Nord per la fine di ogni tipo di ostilità tra gli unionisti nordirlandesi e i nazionalisti dell’Ira, noto come Accordo del Venerdì Santo. Ritiratasi dalla politica attiva con la fine dell’esperienza come ambasciatrice, nel 2011 il presidente Barack Obama la insignì della Medaglia Presidenziale per la Libertà, la più alta onorificenza civile americana.

·        È morto Tibor Benedek: lutto nel mondo della Pallanuoto.

È morto Tibor Benedek: lutto nel mondo della Pallanuoto. Notizie.it il 18/06/2020. La pallanuoto piange il fuoriclasse che fu della Pro Recco: è morto Tibor Benedek. Lutto nel mondo della pallanuoto: è morto il fuoriclasse ungherese Tibor Benedek. Di ruolo attaccante, aveva soli 47 anni: era malato di cancro e nelle ultime settimane le sue condizioni sono peggiorate in modo repentino. Figlio d’arte, il papà recitava con Enrico Montesano, fu il primo sportivo di famiglia con due fratelli attori cinematografici. Tibor Benedek ha mosso le sue prime bracciate in vasca, nel Bel Paese, nel 1996 quando è diventato l’attaccante della Roma: qui ha vinto uno scudetto nel 1999, battendo in finale il Posillipo. Ma la carriera del fuoriclasse ungherese diventa memorabile con la Pro Recco, a Genova. In terra ligure Benedek, in otto stagioni, vince praticamente tutto quello che c’è da mettere in bacheca. Nel palmarés del fuoriclasse dell’Ungheria si contano ben quattro Champions League, sei Scudetti, quattro Coppe Italia, quattro Supercoppe Europee e una Lega Adriatica. Come se non bastasse, Tibor Benedek è stato anche capace di trascinare la propria nazionale al trionfo in tre rassegne a cinque cerchi consecutive (Olimpiadi di Sydney 2000, Atene 2004 e Pechino 2008). E la Pro Recco vuole ricordare così il compianto attaccante: “Tibor era un uomo straordinario anche fuori dall’acqua, un professionista umile e carismatico che ha dimostrato nei fatti la partecipazione e il coinvolgimento alla causa recchelina – è la nota di cordoglio della Pro Recco –. Le più sentite condoglianze da parte di tutta la società a familiari e amici. Addio grande Tibor, hai scritto un pezzo della nostra storia: non ti dimenticheremo mai!”.

·        E’ morto l’avvocato Gianfranco Dosi, fondatore di Aiaf.

E’ morto l’avvocato Gianfranco Dosi, fondatore di Aiaf. Il Dubbio il 14 giugno 2020. Magistrato e legale, è stato un punto di riferimento per il diritto di famiglia. E’ mancato prematuramente l’ex magistrato e poi avvocato Gianfranco Dosi, fondatore dell’Associazione italiana degli avvocati per la famiglia e per i minori e notissimo familiarista. Entrato in magistratura nel 1978, vi è rimasto fino al 1992, quando si è iscritto all’ordine degli avvocati di Roma. Si è sempre occupato esclusivamente di diritto di famiglia e nel 1993 ha fondato insieme ad altri colleghi Aiaf, che ha presieduto fino al 2001. E’ stato presidente dal 2003 al 2016 dell’Osservatorio nazionale sul diritto di famiglia associazione forense di ricerca e documentazione sul diritto di famiglia ed è autore di moltissimi studi e pubblicazioni in materia di diritto di famiglia e minorile. Il presidente dell’Ordine di Roma, Antonino Galletti: “La famiglia forense romana piange per la prematura scomparsa del Collega Avv. Gianfranco Dosi. Punto di riferimento per tutti gli Avvocati della Famiglia e operatore di un forte cambiamento nel settore. Le più sentite condoglianze di tutto il Consiglio e della Commissione Famiglia ai suoi familiari e ai collaboratori del suo studio”.

Autentico, appassionato e fuori dal comune: addio Gianfranco Dosi. Donato Di Campli su Il Dubbio il 15 giugno 2020. Gianfranco Dosi è stato un uomo fuori dal comune, che ha scelto la professione forense per vocazione, valorizzando anche nel suo lavoro le esperienze personali da educatore di giovani e le esperienze professionali da giudice minorile, con l’obiettivo di garantire la piena affermazione dei diritti dei minori e dei soggetti deboli in ambito familiare. Ci lascia Gianfranco Dosi, un uomo autentico, mai banale e sempre proiettato nel futuro, affascinante da ascoltare in ogni occasione. Una perdita per la comunità dei giuristi e una perdita soprattutto per l’Avvocatura. Non avremo più occasione di incontrarlo fisicamente, ma la sua opera rimarrà nel patrimonio culturale di tutti quelli che hanno avuto l’opportunità di leggere i suoi scritti o di assistere alle sue conferenze. Gianfranco Dosi è stato un uomo fuori dal comune, che ha scelto la professione forense per vocazione, valorizzando anche nel suo lavoro le esperienze personali da educatore di giovani e le esperienze professionali da giudice minorile, con l’obiettivo di garantire la piena affermazione dei diritti dei minori e dei soggetti deboli in ambito familiare. Tutta la sua vita è stata dedicata alla innovazione del diritto di famiglia, grazie ad una non comune capacità di prevedere il futuro con sguardo lungimirante. Gianfranco Dosi è stato nei primi anni duemila un precursore della mediazione in ambito familiare, nella piena consapevolezza che solo attraverso l’incontro delle parti e la soluzione condivisa della controversia è possibile il recupero del rapporto tra le persone e la pacificazione sociale. Gianfranco Dosi è stato anche un precursore dell’approccio partecipativo all’amministrazione della giustizia. E’ stato tra i primi in Italia ad introdurre il metodo concertativo, con l’adozione dei protocolli per consentire un migliore esercizio della funzione giudiziaria, tramite la partecipazione attiva dell’Avvocatura. Gianfranco Dosi ha avuto sempre uno sguardo di particolare attenzione verso i giovani avvocati, spendendosi molto per la loro formazione, con la felice intuizione che solo attraverso la competenza e la specializzazione i giovani professionistiavrebbero avuto una prospettiva. Perdiamo in un momento particolare, nel quale si andranno a delineare i futuri scenari della giustizia in Italia, un punto di riferimento importante che avrebbe sicuramente saputo indicare la retta via.

·        È morto Giulio Giorello.

È morto il filosofo Giulio Giorello. Era stato ricoverato e poi dimesso per il Covid. A 75 anni è morto Giulio Giorello, filosofo della scienza con la passione per Tex Willer. Si è spento dopo due mesi di ricovero per Covid-19. Francesca Galici, Lunedì 15/06/2020 su Il Giornale.  È morto oggi, a 75 anni, Giulio Giorello, docente presso l'Università Statale di Milano. È morto per le conseguenze del coronavirus, dopo un ricovero di due mesi per l'infezione da Covid-19, che sembrava fosse riuscito a superare, seppure con qualche fatica. È stato uno dei filosofi più acuti che la scuola italiana contemporanea abbia conosciuto ed era un difensore delle libertà umane in qualunque forma. Giulio Giorello ha conseguito due lauree presso l'Università Statale di Milano, una in filosofia e una in matematica. Già da questa sua estrosità nel percorso di studi si capisce come il pensiero e l'opera di Giorello non fossero mai banali o scontati. Chi lo ha conosciuto ama definirlo come un filosofo della scienza e forse non esiste una definizione più giusta per un uomo che ha saputo coniugare in maniera così armonica il suo sapere in due campi così diversi, contaminando l'uno con l'altro per dare vita a un pensiero totalmente nuovo e innovativo. Alle sue spalle ha avuto una lunga carriera come insegnante di materie scientifiche presso le facoltà di Scienze e di Ingegneria e ha ottenuto in seguito la cattedra in filosofia della scienza nella sua amata Statale di Milano. È stato sempre molto attivo nel panorama intellettuale e scientifico italiano, senza mai sottrarsi al confronto. I più direbbero che era spinto da una vena polemica, che non è cert un difetto in questi ambienti, anzi. Tuttavia, seppure nella sua costante critica e polemica, Giulio Giorello non perdeva mai il suo noto garbo ed educazione. Così lo ricordano tutti quelli che hanno avuto il piacere di confrontarsi, e talvolta scontrarsi con lui, che a lungo è stato Presidente della SILFS (Società Italiana di Logica e Filosofia della Scienza). Oltre ad avere il sapere, Giulio Giorello aveva il dono della divulgazione e lo dimostrava sulle pagine del Corriere della sera, dove ha collaborato per la redazione delle pagine di cultura. Era convinto che qualunque argomento, anche quello più complicato e ostico, avesse una chiave di lettura semplice e popolare che potesse coinvolgere anche il lettore non specialista. Una delle grandi doti di Giulio Giorello era quella di non prendersi mai troppo sul serio e lo dimostra la sua sconfinata passione per i fumetti, soprattutto per Tex Willer, nonostante fosse un appassionato fruitore dei prodotti Disney. Giorello era anche un grande viaggiatore ma se c'era un Paese che amava più di tutti era l'Irlanda, per il suo fascino e le sue leggende. Era una personalità poliedrica capace di adattarsi a qualunque contesto, sempre pronto al dialogo su qualunque argomento, alto o basso che fosse. Giorello amava confrontarsi con i giovani sui temi di stretta attualità e anche sullo spettacolo, per continuare a nutrire la sua anima che non aveva mai smesso di essere curiosa sul mondo intorno a lui.

È morto il filosofo Giulio Giorello. Pubblicato lunedì, 15 giugno 2020 da La Repubblica.it. E' scomparso a Milano, per le conseguenze del coronavirus che aveva contratto nei mesi scorsi, il filosofo Giulio Giorello. Aveva 75 anni e tre giorni fa aveva sposato la compagna, Roberta Pelachin. Allievo del marxista Ludovico Geymonat, è stato il suo successore nella cattedra di Filosofia della Scienza all'Università Statale milanese. Ex presidente della Società italiana di logica e filosofia della scienza, responsabile per l’editore Cortina della collana Scienza e Idee, laureato in Filosofia prima e poi in Matematica, aveva fatto del superamento della barriera tra discipline umanistiche e scientifiche il tratto saliente della sua personalità accademica, con un curriculum di insegnamenti variegato e unico: dapprima Meccanica Razionale presso la Facoltà di Ingegneria dell'Università degli studi di Pavia, seguita dalla Facoltà di Scienze presso l'Università di Catania, fino a quella di Scienze naturali presso l'università dell'Insubria e al Politecnico di Milano. Interessato alle neuroscienze, alla psicologia evolutiva, alla bioetica ma anche alla mitologia e all’antropologia, era però capace di mescolare all’interesse rigoroso per le discipline “alte” la curiosità  per la cultura popolare, dalla musica ai fumetti, in particolare il mondo Disney a cui aveva dedicato qualche anno fa il suo Filosofia di Topolino (Guanda). Attraverso il suo sguardo divertito e colto, Mickey Mouse si tramutava, attraverso le sue molteplici avventure nel corso di un Novecento imprevedibile, tragico e farsesco, in un filosofo involontario ma efficace. Lontano da ogni ortodossia, amante e studioso di figure filosofiche “eretiche” come Baruch Spinoza, , aveva espresso la sua visione e il suo credo nel massimo rispetto per le libertà individuali in Di nessuna chiesa, rifiutando la contrapposizione tra laici e credenti e mettendo in guardia contro il dogmatismo che può viziare anche una visione laica. Nel 1981 ha curato con Marco Mondadori l'edizione italiana di Sulla libertà di John Stuart Mill. Sulle ragioni dell'ateismo e di una laicità non dogmatica Giorello ha scritto, tra gli altri, Senza Dio. Del buon uso dell'ateismo (Longanesi, 2010); Libertà. Un manifesto per credenti e non credenti (con Dario Antiseri), edito da Bompiani e Di nessuna chiesa. La libertà del laico (Cortina).

È morto Giulio Giorello, filosofo tra scienza e Topolino. Aveva 75 anni. Si è spento a Milano per le conseguenze del coronavirus che aveva contratto nei mesi scorsi. Erede di Geymonat, sapeva tenere insieme epistemologia, antropologia e cultura pop. Lara Crinò il 15 giugno 2020 su La Repubblica. È scomparso a Milano, per le conseguenze del coronavirus che aveva contratto nei mesi scorsi, il filosofo Giulio Giorello. Aveva 75 anni e tre giorni fa aveva sposato la compagna, Roberta Pelachin. Allievo di Ludovico Geymonat, era stato il suo successore nella cattedra di Filosofia della Scienza all'Università Statale milanese. Ex presidente della Società italiana di logica e filosofia della scienza, collaboratore del Corriere della Sera, responsabile per l'editore Cortina della collana Scienza e Idee, si era laureato in Filosofia nel 1968 e successivamente in Matematica, nel 1978. Raccoglieva così il testimone della Scuola di Milano e del maestro Ludovico Geymonat, con la sua tradizione antifascista e marxista, e faceva del superamento della barriera tra discipline umanistiche e scientifiche il tratto saliente della sua personalità accademica. Un tratto rispecchiato da un curriculum di insegnamenti variegato e unico: dapprima Meccanica razionale presso la facoltà di Ingegneria dell'Università degli studi di Pavia, seguita dalla facoltà di Scienze presso l'Università di Catania, fino a quella di Scienze naturali presso l'università dell'Insubria e al Politecnico di Milano. Interessato alle neuroscienze, alla psicologia evolutiva, alla bioetica ma anche alla mitologia e all'antropologia, era però capace di mescolare all'interesse rigoroso per le discipline "alte" la curiosità  per la cultura popolare, dalla musica ai fumetti, in particolare il mondo Disney a cui aveva dedicato qualche anno fa il suo Filosofia di Topolino (Guanda). Attraverso il suo sguardo divertito e colto, Mickey Mouse si tramutava, con le sue molteplici avventure nel corso di un Novecento imprevedibile, tragico e farsesco, in un filosofo involontario ma efficace. Lontano da ogni ortodossia, appassionato di poesia inglese, amante e studioso di figure filosofiche "eretiche" come Baruch Spinoza, nel 1981 ha curato con Marco Mondadori l'edizione italiana di Sulla libertà di John Stuart Mill. Sulle ragioni dell'ateismo e di una laicità non dogmatica Giorello ha scritto, tra gli altri, Senza Dio. Del buon uso dell'ateismo (Longanesi, 2010); Libertà. Un manifesto per credenti e non credenti (con Dario Antiseri), edito da Bompiani e Di nessuna chiesa. La libertà del laico (Cortina). Giulio Giorello è deceduto. Filosofo raffinato, epistemologo, grande appassionato delle questioni riguardanti il “metodo” della scienza. Ha riflettuto intensamente anche su etica, politica, religione. L’Italia perde un grande pensatore, mai banale. Ci restano le sue dense pagine. Anche il premier Giuseppe Conte si è unito al lutto per la sua scomparsa, scrivendo su Twitter definendolo "filosofo raffinato, epistemologo, grande appassionato delle questioni riguardanti il "metodo" della scienza. Ha riflettuto intensamente anche su etica, politica, religione. L'Italia perde un grande pensatore, mai banale. Ci restano le sue dense pagine".

Dagoreport il 16 giugno 2020. Non si poteva non amare Giulio Giorello, Peter Pan dell’epistemologia, professore libero e fuori linea, libero pensatore come un inglese del Settecento in parrucca (ma i suoi folti capelli bianchi erano veri) e, diciamolo con il cuore colmo di sentimento, talento sprecato. Due lauree (matematica e filosofia) e già questo, oggi, dai Commissari dei concorsi a cattedra sarebbe visto con sospetto (è della nostra confraternita o dell’altrui?). Fu allievo di Geymonat, che prese a ironizzare su di lui molto presto. Giorello si iscrisse, come tutti allora, al Pci (ci si poteva iscrive al Pci oppure al Partito Comunista italiano) ma Geymonat divenne maoista e prese le distanze dall’ortodossia e con l’allievo andò in fredda. A quei tempi Giorello faceva coppia con Simona Morini, docente oggi di "Teoria delle decisioni razionali e dei giochi" allo Iuav di Venezia… e qui apriamo una parentesi: settimana scorsa, Angela Vettese (Iuav) è stata bocciata perché la sua produzione è stata giudicata “divulgativa” e rea di scrivere per “Il Sole 24 ore”. Nel curriculum pubblicato dalla Morini su se stessa si legge: “Si occupa di divulgazione della cultura scientifica organizzando mostre ed eventi culturali e collabora con il quotidiano Il sole 24 Ore” (quindi se devi diventare ordinario non vanno bene divulgazione e “Sole 24 ore”; ma se sei ordinario metti in evidenza divulgazione e “Sole 24 ore”). Ma torniamo a Giorello. Il bravo Giulio assecondò la carriera academica della Morini che, una volta strutturata, lasciò questo epistemologo per un altro, il più giovane collega Marco Mondadori, figlio di Alberto fondatore del Saggiatore, prematuramente scomparso. Giorello non deve essersela presa molto perché collaborò lungamente con Il Saggiatore. La Postmodernità trasformò Giorello in un Umberto Eco senza il successo pop del “Nome della rosa”. Sparirono gli studi e le pubblicazioni che in università si definiscono “scientifiche” e Giulio si tuffò nella Gaia scienza di un Pensiero debole, fatto di alto cazzeggio intellettuale, gioco colto e libero (libero anche dal Pci). Divenne presidente della Società italiana di logica e filosofia della scienza, direttore di collane di libri, curatore di altre, commentatore e giornalista per il “Corriere della Sera”, soprattutto, appassionato di fumetti, di Topolino (“Filosofia di Topolino”, 2013), di Tex Willer (l’amico degli indiani), turista nella verde Irlanda negli anni in cui le Isole Aran (quelle cantate dalla Mannoia) divennero una specie di Mecca cultural chic. Il suo libro di riferimento divenne il Book of Kells. E poi i Rolling Stones, Cromwell…Non dico che si sprecò, ma una volta che hai sdoganato Feyerabend come epistemologo di riferimento (il motto di Feyerabend è “anything goes”) tutto era lecito. La divulgazione soppiantò lo studio anche metodologico e scientifico – se mai ci sia stato –: pubblicò mille libri e mai una monografia che segni la storia dell’Epistemologia. Così eterodosso, trovò in John Stuart Mill, in Popper e nei liberi pensatori anglosassoni la sua misura di essere Filosofo. Nel 2005 pubblicò il libro “Di nessuna chiesa”, rivendicazione al laicismo contro le tendenze neoconfessionali, sebbene anche lui fosse appartenuto, da giovane, alla Chiesa rossa. Il suo libro “Lussuria”, del 2010, rivelò un’anima anche libertina, tipica dei poligrafi settecenteschi, ma non Bon vivant perché Giulio viveva dell’essenziale, dei suoi sogni e chimere e passò gran parte della sua vita a casa con la madre, figura mitica che gli fece da segretaria sino a quando scomparve. Quando cercavi Giorello chiamavi la mamma. “Solo per colpa di cristiani impostori la lussuria è stata classificata tra i crimini” ricorda Giorello in ripresa dal marchese De Sade, “quando i lumi della ragione hanno già ceduto il passo alle lanterne del terrore” (p.149). La lussuria sadiana è vista da Giorello come sviluppo radicale della “Etica” di Spinoza e il pensiero “politico” del divin marchese viene collegato alla nascita della teoria liberale dello Stato minimo (p.151). Sempre amico degli studenti, pronto ad offrirti una birra, sempre di corsa a parlare di libertà, difesa di Darwin e Galileo… si trasformò nel portabandiera della libera Scienza e del Libero pensiero. Preso da Covid, era stato ricoverato per un mese al Policlinico, da dove era stato dimesso (andiamo bene). Ne approfittò per scrivere un articolo sul Covid per il “Corriere della Sera” e per sposare (il 12 giugno) la compagna di lungo corso Roberta Pelachin, poetessa e scrittrice ma laureata in Filosofia della Scienza, ovviamente. Giulio è rimasto sempre un ragazzo, credo che non avrebbe mai voluto invecchiare e a 75 anni non era invecchiato né nell’aspetto e neppure nelle idee. Le sue pagine non sono “dense” (come scrive in un suo tweet il Presidente del Consiglio) ma leggere, a volte troppo leggere, sino a volare via, volare in alto, nei cieli liberi, là, dove tu ora sei.

Paolo Parente per lanostratv.it il 16 giugno 2020. Chiunque stesse seguendo la puntata di oggi, martedì 16 giugno, di Io e Te, siamo sicuri a un certo punto non abbia potuto fare a meno di alzare il volume e sgranare gli occhi davanti alla scena inedita di Vittorio Sgarbi in lacrime. E’ morto Giulio Giorello, filosofo, matematico ed epistemologo tra i più autorevoli e il critico d’arte più celebre della televisione italiana, ospite di Pierluigi Diaco, si è trascinato dietro una copia de La Repubblica in cui un altro filosofo, da Sgarbi definito molto sensibile, lo ha ricordato con parole che lui stesso non avrebbe saputo trovare. Dopo averle lette, mentre raccontava l’animo rimasto sempre giovane di Giorello, Vittorio Sgarbi non ha potuto trattenere le lacrime. La sua voce si è rotta mentre pronunciava: E’ vero che anche io appartengo a quelle persone mature che si comportano sempre come ragazzi, ma in lui era veramente una dimensione quasi… insomma, non doveva morire.

Pierluigi Diaco ha invitato i pochi presenti in studio a far partire un applauso e Vittorio Sgarbi ha commentato: Non ho pianto molte volte e forse non sto piangendo neanche adesso.

Vittorio Sgarbi e Pierluigi Diaco non mantengono le distanze a Io e Te. Il conduttore: “Ci saranno polemiche”. Trascinati dall’appassionante interpretazione de il Cenacolo di Leonardo Da Vinci che il critico d’arte stava concedendo al pubblico di Rai Uno, Vittorio Sgarbi e Pierluigi Diaco, durante la puntata di oggi di Io e Te, si sono alzati e hanno raggiunto i maxi schermi che stavano mostrando l’opera, dimenticandosi completamente di rispettare la distanza di sicurezza imposta dalle norme anti Covid. Tornati a sedere, Pierluigi Diaco si è rivolto a Vittorio Sgarbi e gli ha detto:

Poco fa tu ti sei avvicinato a me, ci siamo sfiorati, ci saranno tantissime polemiche perché non abbiamo rispettato le misure di sicurezza. Come ci giustifichiamo col pubblico?

Questa la risposta di Vittorio Sgarbi: Il medico di Berlusconi, Zangrillo, ha detto “il virus è clinicamente estinto”. Io cito Zangrillo. Io e Te, Vittorio Sgarbi sul suo amore con Sabrina Colle: “Una scelta che va oltre i sensi”.

Di recente Vittorio Sgarbi aveva smentito Barbara d’Urso. Non ha avuto niente da ridire, invece, quando Pierluigi Diaco, distraendolo dalle disquisizioni artistiche, lo ha richiamato sul tema del suo grande amore. Ha trovato quindi anche un po’ di tempo per parlare di Sabrina Colle, Vittorio Sgarbi nel suo intervento a Io e Te. Un amore che a un certo punto, sulla fine degli anni ’90, è diventato puramente spirituale, quando lei gli ha chiesto di non avere più rapporti sessuali, ma non per questo ha perso la sua forza: E’ una scelta che va oltre i sensi, oltre le passioni e diventa un rapporto della ragione.

L'inizio dell'articolo di Maurizio Ferraris per ''la Repubblica'', citato da Sgarbi: Giulio Giorello è per me indissociabilmente associato all' idea di giovinezza, di libertà e di libertarismo. Non avrebbe mai dovuto morire, lui che era rimasto eternamente giovane, nel vestire, nel pensare, nei gusti e nei comportamenti. Ma evidentemente, ogni umano e ogni filosofo lo sa, la libertà ha un limite, la morte, che è insieme una possibilità, un dovere di espressione, una fretta di agire. Non sono sicuro che Giulio avrebbe voluto vivere in eterno, e il suo laicismo ne è una prova. È stato un grande intellettuale e un grande amico, capace di comprendere che nulla è così alto da sfuggire all' esame razionale della filosofia, e nulla così basso da esserne escluso.

Giorello ci lascia in eredità la filosofia western di Tex. Gli ultimi scritti del professore si muovono tra pensiero alto e fumetto. E danno largo spazio al ranger solitario. Luca Gallesi, Sabato 25/07/2020 su Il Giornale. Che Tex, l'eroe arcitaliano creato da Gianluigi Bonelli e disegnato da Aurelio Galeppini, fosse diventato un mito era da tempo chiaro a tutti i suoi lettori, ma che potesse anche trasformarsi in un filosofo, non era certamente prevedibile, come ha invece, ora, dimostrato Giulio Giorello. Lo studioso e accademico recentemente scomparso ha, infatti, lasciato, parzialmente incompiuto, un volume dedicato proprio alla Filosofia di Tex, e altri saggi (Mimesis, pagg. 142, euro 14), che uscirà in tutte le librerie dal 30 luglio e di cui il giornale anticipa in questa pagina uno stralcio per gentile concessione dell'editore. Com'è noto, il docente di Filosofia della Scienza era anche, tra l'altro, un appassionato lettore di fumetti, ospite fisso a Luccacomics e autore, con Ilaria Cozzaglio, di un originale La filosofia di Topolino, pubblicato anni fa da Guanda. Volenteroso testimonial soprattutto della produzione made in Italy, Giorello è riuscito a coniugare il suo amore per la filosofia e la passione per la scienza con il mondo degli eroi di carta, ritrovando nelle strisce dei suoi beniamini conferme delle sue idee e spunti per riflessioni letterarie e filosofiche. Nelle storie di Aquila della notte, nome navaho del ranger giustiziere, Giorello trova echi shakespiriani, dalla Tempesta rievocata dal personaggio femminile di Estrella Miranda ai sortilegi del mago nero Mefisto che convalidano il celebre passo dell'Amleto secondo il quale «Vi sono in cielo e in terra assai più cose di quante ne sogna la tua filosofia». Anche davanti al sovrannaturale, però, Tex non rinuncia alla sua inscalfibile fede positivista: ogni spettro che incrocia la strada al nostro eroe non deve «commettere l'errore di capitare a tiro delle nostre Colt: nessuna magia al mondo potrebbe impedirgli di trasformarsi in cibo per vermi», parole che concludono la saga di Yama, che ha preso il posto del padre Mefisto come arcinemico di Tex. L'amore per la giustizia, la passione per la libertà e, soprattutto, una sovrana indifferenza verso la censura del politicamente corretto sono le ragioni della passione nutrita da Giorello per Tex, un eroe che, nel corso di più di settant'anni, ha mantenuto nitidamente costante la sua identità di eroe rude, senza macchia e senza paura, nato fuorilegge e diventato, grazie alla sua implacabile mira, il difensore della giustizia e il riparatore dei torti. Emblematico, a questo proposito, il confronto con un altro eroe bonelliano, Dylan Dog, che pur avendo in passato surclassato il successo del nostro pistolero, ha visto decimate le vendite dopo la sua trasformazione in icona per i diritti delle minoranze, con grande delusione del suo non più vasto pubblico. Tex Willer, nomen omen, è un uomo dai modi spicci e dalla forte volontà, incisa in volto dalla mascella squadrata e confermata dalle mani serrate a menare pugni imbattibili quando non sono impegnate a impugnare pistole. Di poche parole e di molte imprecazioni, Tex, dice Giorello, è un «filosofo pratico», seguace, come afferma lui stesso, di «Un grand'uomo, il signor Colt: una delle più grandi menti del suo paese: Samuel Colt», che, ça va sans dire, è il geniale inventore del celebre revolver a sei colpi, inseparabile compagno del ranger. Questo libro è il modo migliore di ricordare Giorello, che, al di là dei suoi meriti intellettuali e titoli accademici, è stato un filosofo senza spocchia, un intellettuale refrattario a ogni censura, un personaggio libero e generoso, proprio come il suo eroe preferito, che ha, purtroppo per noi, preceduto nelle praterie celesti.

Giulio Giorello per la Lettura – Corriere della Sera il 16 giugno 2020. Sono stato ricoverato per coronavirus il 27 marzo 2020, più precisamente alle 11.43. All'inizio mi è sembrato un brutto colpo; ma poi, fin dai primi giorni, mi è sembrato giusto prenderlo come l'inizio di una battaglia, una resistenza sempre più decisa alle insidie di questo nuovo male così sconosciuto. Sotto questo profilo la degenza al Policlinico di Milano, e una sua breve prosecuzione all'Istituto Maugeri, sono state anche un pretesto per conoscersi meglio. La mia degenza è terminata il 17 maggio. Adesso sono a casa mia, e guardo compiaciuto i miei libri come una presenza famigliare di cui continuamente mi rallegro. Ma non c'è solo questo: pur in una giornata climaticamente piuttosto triste come quella di oggi, continuo a provare un senso di liberazione. Sono infatti a casa mia e quella che contemplo è la mia libreria, ricca dei tanti volumi che ora ho l'occasione di riprendere in mano. Sotto questo profilo è una gioia e un'occasione. Peraltro, abito a non più di trecento metri dal Policlinico, e mi torna alla mente il mio sguardo verso l'ingresso dell'edificio, via Francesco Sforza 28. Ora so che anche questo è stato (e a lungo!) un oggetto del desiderio. E non c'era solo questo. La vita d'ospedale comporta tutta una serie di restrizioni che talvolta possono sembrare, anche se magari giustificate, forme di oppressione. La lontananza dai propri cari, l'isolamento, l'impossibilità di parlare «con chi è fuori» hanno finito per costituire una sorta di alienazione, certo temperata dalla attenzione del personale infermieristico e medico; ma sempre più di difficile sopportazione. Quello che io temo maggiormente oggi è una sorta di «stato medico» che vada, in nome della necessità, ben oltre il rispetto del paziente. Per carità, non come se questo fosse un disegno prestabilito ma una conseguenza magari perversa e non voluta di uno stato di necessità. Ed è questo il banco di prova non solo delle autorità mediche, ma anche dei nostri politici. Pensando ai quali non mi sento troppo ottimista.

Milano, giovedì 4 giugno. Eccome se ho combattuto. Contro un nemico invisibile e insidioso come il coronavirus. Mi sento un reduce che non ha indossato né uniforme né camice. Eppure, se devo dire la verità, io questo nemico lo continuo a vedere in forma metaforica. Perché con un nemico tradizionale tu puoi trattare, cambiare strategia, attendere. Con la malattia non puoi fare niente del genere. Non scendi mai a patti. Quindi, per certi versi, la guerra al Covid, come a qualsiasi altra malattia, resta una bella metafora. Questa idea di guerra contro nemici globali e «simbolici» si è fatta strada dopo il secondo conflitto mondiale. Perché non indirizzare le grandi risorse, anche umane, per nuove «guerre» contro i mali che affliggono i vari popoli del mondo?

Giulio Giorello per fondazioneleonardo-cdm.com.

Paperi e bombe. 6 agosto 1945: il presidente degli Stati Uniti Truman si rivolge al mondo intero con le parole che seguono. «Sedici ore fa un aeroplano ha sganciato una bomba su Hiroshima […]. Questa bomba utilizzava la potenza fondamentale dell’universo. La forza dalla quale il Sole deriva la sua potenza è stata scaricata contro coloro che hanno portato la guerra in Estremo Oriente». Tre giorni dopo che Little Boy è stata sganciata su Hiroshima, viene fatta esplodere su Nagasaki una seconda bomba, detta in codice Fatman (grassone). Così termina per il Giappone il secondo conflitto mondiale. Poco dopo, il 29 agosto Enrico Fermi in una lettera all’amico e collega Edoardo Amaldi auspica che le macchine «per produrre una reazione a catena con uranio e grafite», note come “pile atomiche”, possano venir impiegate a più pacifici scopi sul piano scientifico e applicativo; ma sottolinea pure che «l’aver contribuito a troncare una guerra che minacciava di tirar avanti per mesi o per anni è stato indubbiamente motivo di una certa soddisfazione». Anche al grande pubblico (americano) deve toccare qualche soddisfazione! Nasce in tale contesto un “genere atomico” del fumetto. Ad esempio, nel 1947 non è raro trovare nelle confezioni di cereali per la colazione dei ragazzi un albetto “by Walt Disney” intitolato “Donald Duck’s Atom Bomb”. La copertina è di Carl Buettner; la storia è, però, scritta e disegnata da Carl Barks. In Italia il titolo del tascabile suona “Paperino e la bomba”. Paperino ha costruito un’atomica casalinga mescolando un pizzico di meteore macerate, due cucchiai di polvere di cometa e succo di saetta per ottenere un esplosivo ultrapotente che detona facendo «Fut» (e non «Boom»). Un professore dall’accento tipicamente straniero gli ruba l’ordigno, e accidentalmente la bomba esplode. I suoi raggi fanno cadere i capelli alla popolazione della zona (effetto, peraltro, terrificantemente realistico). Ma la vicenda si conclude insolitamente bene per Paperino, che escogita una lozione, anch’essa atomica, che fa ricrescere le chiome, sicché il nostro eroe, mentre rifiuta qualsiasi uso militare, guadagna pacificamente un bel po’ di dollari. In ristampe più recenti, il finale è stato riadattato alla correttezza politica: Paperino diventa un benefattore che generosamente elargisce la portentosa lozione senza volere alcuna mercede.

Chimica e follia. Attorno alla Luna. Da quando era un semplice aiutante di Topolino che vendeva giornali per difesa della libertà di stampa contro delinquenti e profittatori (nell’epico “Topolino giornalista”, 1935) il nostro Papero ne ha fatta di strada. Ma non sempre è baciato dalla buona sorte. Come mostra un’altra ormai classica storia di Carl Barks, “Paperino chimico pazzo” (“Donald Duck Mad Chemist”, 1944). Se nel caso della bomba atomica gli ingredienti erano piuttosto fantasiosi, il Paperino che si dedica a un settore scientifico più tradizionale dà prova di notevole competenza. Per ironia della sorte, è un bernoccolo a causare «una febbre cerebrale» che rende il cervello del Papero «in grado di inventare qualsiasi cosa». E lui si sente ormai «il più grande chimico dell’universo! ». Così Barks si sta facendo beffa di una pretesa disciplina scientifica, la frenologia (e non la chimica), che era una mistura di spirito positivistico e di arbitraria speculazione; quella stessa cui faceva riferimento Charles Darwin nella sua “Autobiografia” quando raccontava che, stando appunto ai frenologi della sua epoca, da giovane pareva adatto «a fare il pastore» della Chiesa d’Inghilterra: un esperto aveva individuato nel cranio di chi sarebbe diventato l’autore de “L’origine delle specie” «un bernoccolo della religione così sviluppato che sarebbe stato sufficiente per dieci preti»! Ma torniamo a Paperino che si è autonominato “Prof. De Paperi”. Il suo primo risultato pare eccezionale: «Ho inventato la paperite! L’esplosivo più potente che sia stato creato», annuncia trionfante. Si badi che, inizialmente dimenticata, l’intuizione del papero verrà ripresa nel 1964, quando in un libro sulla chimica dei carbeni2 gli viene riconosciuto il merito non solo di aver ipotizzato vent’anni prima l’esistenza del metilene CH2, ma anche di averlo utilizzato in una sintesi chimica: «Se io mescolo CH2 con NH4 […] dovrei ottenere azoto spaccatutto». Da allora “Donald Duck Mad chemist” è menzionato in non poche autorevoli riviste di chimica.3 Le ambizioni del Papero tramutato in chimico geniale crescono. La sua paperite dovrebbe diventare un possente carburante per auto e velivoli; anzi, pure per un razzo destinato «a volare sulla Luna». Paperino programma questo audace viaggio in tutti i dettagli. Quando scocca l’ora zero, con un leonino ruggito parte il «Razzo a paperite». L’improvvisato astronauta se ne compiace. «Evviva! Mi sto allontanando dalla Terra alla velocità di mille chilometri al secondo!». Novello Ulisse dei cieli, Paperino si accorge via via che, però, anche il suo è un folle volo, non meno di quello dell’Ulisse dantesco. Il bernoccolo è sparito, l’ebollizione del cervello da inventore è cessata; e come Darwin non fu mai pastore della Chiesa d’Inghilterra, così Paperino non sarà mai il «più grande chimico dell’universo». E un medico ha fatto notare ai nipotini Qui, Quo e Qua che appena andato via il bernoccolo, il loro zio è ritornato «scem… volevo dire proprio com’era prima». Eppure, l’orbita intorno alla Luna era stata programmata con tale precisione che Paperino ritornerà esattamente là da dove era partito, dopo aver goduto della vista dell’altro emisfero del nostro satellite – quello che uomini come Giordano Bruno, Galileo, Keplero e molti altri dopo di loro si erano limitati a sognare. Ma il volo di Paperino – che intanto ha scordato tutto il suo sapere, e perfino cosa sia mai la paperite – non gli offre qualche vantaggio. Anzi, «tutti pensano che Paperino e i nipotini siano pazzi, e che il razzo e la paperite non siano mai esistiti». I nipotini: «Zio Paperino, davvero non ricordi come si fabbrica la paperite?». Paperino: «Chiudete il becco o vi farò vedere come si fabbricano le sculacciate!». Dall’alto del cielo la Luna – e a qualsiasi bambino qui sulla Terra il nostro satellite ricorda una faccia – sembra contemplare la scena, impassibile. Come nel “Canto notturno di un pastore errante dell’Asia” di Leopardi, essa non risponde agli interrogativi degli umani. Non è più una dea – celeste o infernale – ma una congerie di rocce senza vita, proprio come Paperino l’ha scorta dal vetro dell’abitacolo del suo razzo.

Recuperi sottomarini e brevetti mancati. Carl Barks ha cercato di rendere le proprie storie “paperesche”, oltre che divertenti e avvincenti, anche plausibili sotto il profilo scientifico e tecnologico – come dimostra la citata vicenda di Paperino chimico pazzo ma geniale. Un’altra avventura, nota come “L’eredità di Paperino” nella prima apparizione italiana (1949) negli “Albi tascabili di Topolino” n. 56 (l’originale era comparso nel maggio di quell’anno, senza titolo), presenta il Papero come capo di un’impresa di recuperi sottomarini; tuttavia gli affari non vanno affatto bene. Un giorno, però, sul fondo dell’oceano vengono avvistati i resti di uno yacht affondato. Come farà Paperino a tirarlo su, dal momento che non possiede un centesimo e il suo ricchissimo ma avarissimo zio (Paperon de’ Paperoni) si guarda bene dal finanziarlo? La soluzione viene in mente ai nipotini: «possiamo farlo riemergere con delle palline da ping pong!». Paperino con Qui, Quo e Qua si mette all’opera: riempie la stiva dello yacht con migliaia e migliaia di tali palline, e queste piano piano fanno risalire l’imbarcazione sommersa alla superficie. Era stato sufficiente sfruttare il fatto che le palline da ping pong sono cave e galleggiano! Nel 1964 il danese Karl Krøyer recupera dal fondale del porto di Kuwait City una nave carica di pecore, che dopo l’affondamento rischiava di scatenare un’epidemia, seguendo un procedimento per certi versi analogo a quello di Paperino: mediante una pompa ha riempito l’imbarcazione di schiuma di polistirolo espanso. Krøyer cercherà poi di brevettare il suo metodo; ma la richiesta verrà respinta, in quanto quel sistema era stato pubblicato su una rivista a fumetti quindici anni prima!

Parabole e catastrofi.Poincaré e Thom. Uno dei maggiori matematici di fine Ottocento, il francese Jules-Henri Poincaré si segnala (tra l’altro) per i suoi contributi allo studio delle situazioni che sono caratterizzate dalla cosiddetta «forte sensibilità alle condizioni iniziali» e che si riscontrano nei contesti più vari, dalla meteorologia alla finanza. Con le parole di Poincaré nel capitolo quarto del suo “Scienza e metodo” (1908): talvolta «può succedere che piccole differenze nelle condizioni iniziali [di un sistema] generino differenze grandissime nei fenomeni finali». A farne le spese è proprio il personaggio più interessante creato da Carl Barks, il celeberrimo Paperon de’ Paperoni (che abbiamo brevemente menzionato a proposito dell’avventura “L’eredità di Paperino”). Questo Uncle Scrooge McDuck, ispirato a un famoso personaggio di Charles Dickens, è un impetuoso e audace capitalista, che ha accumulato «tre ettari cubici di dollari» in un gigantesco deposito su una collina che sovrasta la sua città, Paperopoli. In “A Christmas for Shacktown” (1952; nello stesso anno è uscita la versione italiana, ovvero “Paperino e il ventino fatale”) il nostro sfortunato Papero è impegnato in una colletta per la sua fidanzata Paperina (Daisy Duck) che prepara una festa di Natale per i bambini poveri del quartiere Agonia, ove si concentrano abitualmente gli emarginati della città. Si rivolge persino al fortunato cugino Gastone (Gladstone Gander), il quale per una volta lo ha aiutato servendosi come talismano di un «ventino» (ma nell’originale è un dime, cioè una moneta da dieci centesimi) «riscaldato al calor rosso». Paperino tiene quella monetina per farsi beffa dello zio Paperone, che si è spinto a scimmiottare un mendicante col cappello rovesciato al suolo per raccogliere le offerte (senza tanto successo). «Un piccolo obolo» dice Paperino al parente, gettando nel cappello la monetina. Paperone la colloca nel già stracolmo deposito, sfruttando uno spiraglio del lucernario. Ma l’aggiunta di quella piccola moneta ha un grandissimo effetto! Il peso complessivo del denaro di Paperone aumentato di quel leggerissimo dime produce il crollo dello strato di roccia sottostante al deposito, e tutta la fortuna del magnate di Paperopoli viene inghiottita nelle viscere della Terra. Per recuperarla Paperone convoca vari cervelloni… solo per constatare lo scarto tra spiegazione scientifica (la meccanica del disastro è evidente) e intervento tecnologico (i mezzi abituali di recupero potrebbero solo peggiorare la situazione, facendo ulteriormente sprofondare il denaro). Ma dove la predizione scientifica riesce solo a giustificare l’impotenza, l’intuizione cerca vie non ortodosse. È la genialità di Qui, Quo e Qua a risolvere il problema: in situazioni sensibili ci vuole tecnologia delicata. I nipotini recuperano un poco alla volta il denaro utilizzando un trenino giocattolo (quello che Paperone aveva definito «stupido, scemo e inutile»). E Barks ha così reso omaggio a Poincaré, anticipando un tema che un altro grande matematico, René Thom, ha modulato nella sua teoria matematica delle catastrofi: non sempre eventi disastrosi (ma quello della storia di Barks lo era sia per Paperone che per il nipotame); però, sempre bruschi, in cui la minima variazione può, per l’appunto, rivelarsi «fatale».

Solventi e magneti. Un omaggio a Democrito. La nostra Critica della Ragion Papera non può non tener conto del fatto che il rapporto tra i Paperi e l’impresa tecnico-scientifica è proseguito rinnovandosi con i vari sceneggiatori e disegnatori che hanno raccolto l’eredità di Barks. Il suo più costante continuatore è stato Keno Don Hugo Rosa, nativo di Louisville nel Kentucky (1951) e di chiare origini italiche. Appassionato di fumetti e in particolare del mondo dei Paperi, dal 1987 Don Rosa ha articolato un lungo sodalizio, in particolare con Paperon de’ Paperoni, ripercorrendo le tappe di una vita che va dalla fanciullezza in Scozia alle avventure nel Klondike rese celebri da Barks, fino alla seconda metà del Novecento. Si badi: fin dall’inizio Don Rosa rifiuta la definizione di funny animals per i suoi personaggi; per lui «They are people!», cioè persone, non buffi animaletti. E le loro vicende devono essere realistiche anche sotto il profilo scientifico. Gli esempi non mancano. Dall’eruzione del Krakatoa, descritta con grande verosimiglianza ne “Il capitano cowboy del Cutty Sark”, episodio della vita di Paperone capitato nella zona dove tre isolotti dello Stretto della Sonda – tra Giava e Sumatra – sono tutto quel che resta di un’unica isola, squassata dall’eruzione vulcanica del 26-28 agosto 1883, alle conseguenze di una invenzione che annulla la forza d’inerzia in “Zio Paperone e un fiume di soldi” (1987, “Uncle Scrooge in «Cash Flow»”). Per non dire del “Solvente universale” (1995, “The Universal Solvent”), vero e proprio paradigma del riferimento a scienza e tecnologia in una storia a fumetti. Qui – come è ormai tradizione – Paperone entra nel laboratorio di Archimede Pitagorico (Gyro Gearloose) per farsi mostrare l’ultima invenzione: il solvente universale in grado di sciogliere qualsiasi sostanza (capace di resistergli è solo la polvere di carbonio che Archimede ottiene triturando diamanti). Spalmando la superficie di un ombrello con quel solvente, per la dimostrazione pratica l’inventore fa calare una congerie di incudini e rottami di ferro, che vengono inghiottiti dalla nera superficie e ridotti a un mucchietto di polvere. Quando Paperone si appresta a spazzar via il tutto, constata che la polvere è estremamente pesante. Solo allora Archimede spiega che il suo solvente si limita a sottrarre agli atomi il vuoto: paradossale omaggio al grande Democrito di Abdera! Il magnate di Paperopoli decide di eseguire una prova pubblica. Ma da perfetto irresponsabile lascia cadere il solvente, che scava una profonda fossa nel prato. Quella sostanza, come rivela Archimede, proseguirà la sua corsa fino al centro della Terra, con le inevitabili conseguenze. «Il nucleo della Terra è fatto di liquido fuso! Il solvente si fermerà laggiù, e lo dissolverà!» dichiara l’inventore. E uno dei nipotini: «Il nucleo fuso è responsabile del campo magnetico terrestre! Se scompare le bussole andranno in tilt!» E poi: «Quando il campo magnetico sarà definitivamente scomparso, saremo bombardati dai venti solari radioattivi!». Però, Archimede ha già escogitato una via di salvezza, che i Paperi realizzeranno con un’audacissima discesa verso il centro del nostro Globo.

Versi perversi. «La tecnica contro il romanticismo»: è il nuovo motto di Paperino quando consulta un potente cervello elettronico per meglio procedere contro un non meglio identificato «Poeta» di foggia anatrina che sembra essersi abilmente insinuato nella dimora – e nel cuore – di Paperina. Così racconta la storia intitolata “Paperino e il poeta sopraffino”, comparsa su “Topolino” libretto n. 570 del 30 ottobre 1966, soggetto e sceneggiatura di Rodolfo Cimino, matite di Romano Scarpa, chine di Giorgio Cavazzano. Queste 22 tavole si prestano a esemplificare come la Ragion Papera cerchi di districarsi nell’aggrovigliato nodo del rapporto tra le «due culture», quella tecnico-scientifica e quella più tipicamente umanistica. Sorpresa! Il congegno elettromeccanico consiglia al nostro buon Papero di «combattere il nemico con le sue stesse armi». E poiché quel cervello artificiale «non sbaglia», Paperino intraprenderà la carriera di poeta amatoriale. «Paperina! Paperina! / Io t’invoco stamattina, / porgi a me la tua manina!». Disgustati, Qui, Quo e Qua gli suggeriscono di dedicarsi «alla meccanica pesante»; ma il loro zio non demorde. Non ha tutti i torti, poiché i versi del «poetuncolo» non sono così diversi dai suoi. «Paperina… Paperina…/ alla sera e alla mattina / sei la dolce piccioncina!». Ma la sensibile Papera loda questa galanteria. Sarà solo dopo alcune traversie che Paperino, assistito dai nipotini, individua l’occasione per rovesciare a suo favore la contesa tra tecnica e poesia. All’annuale picnic di Paperopoli il poeta precede Paperino nell’invitare Paperina; ma questa volta il Papero ha il suo asso nella manica. Il poeta ha portato seco un borsone pieno di provviste; ma sono «provviste dello spirito» cioè «liriche, ballate, sonetti». La delusissima (e affamata) Papera annusa nell’aria il profumo dei «meravigliosi panini al pepe nero» che poco distante Paperino ha portato al picnic. Invano il poeta cerca di frenarla coi suoi versi: «È un poeta derelitto / chi suol cedere al soffritto». Paperina gli scaglia sulla testa il borsone colmo di capolavori letterari, trattandolo da «affamatore di fanciulle inesperte» e torna dal suo Papero, al fine vincitore.

Turisti del tempo. Come in un disegno di Escher. «Gli esseri umani sono vincolati al tempo come a qualcosa che scorre come un fiume. Disorienta pensare come un viaggiatore nel tempo possa raggiungere il passato. […] La prospettiva di viaggiare in circolo lungo la corrente del tempo ci sconvolge come un disegno di Escher». Così il fisico e cosmologo Paul Davies, nel suo “About Time”.4 E ancora: «L’indagine intorno a forme di spazio-tempo bizzarre che sembrano permettere di viaggiare nel passato rimane un attivo campo di ricerca. Fino a oggi la via d’uscita dalle leggi note dalla fisica che permetta un viaggio nel tempo sembra essere davvero molto stretta. Nel momento in cui sto scrivendo [1995] non sono noti scenari realistici di viaggi temporali. Ma […], in assenza di una buona prova di non esistenza, la possibilità deve rimanere presente alla nostra attenzione. Finché tale possibilità rimarrà valida, dovremo convivere con i suoi paradossi».5 Vediamo come lo fanno i nostri Paperi. In una raccolta di storie a fumetti, “Quel Tesoro dello Zione” (Topostorie n. 70, Editore Panini, Modena, dicembre 2016), trovo un’affascinante vicenda, “Paperino e il tesoro dal passato… presente” (testo di Sergio Tulipano, disegni di Lucio Leoni), che incomincia nel modo tradizionale (Zio Paperone spedisce in missione l’indebitato Paperino e i tre nipotini) per poi immergere Paperi e lettori in un contesto degno appunto di Escher. Paperon de’ Paperoni incarica il nipotame di rintracciare una sua bananiera scomparsa in una zona oceanica che ricorda non poco il famigerato Triangolo delle Bermude. I Paperi affrontano tempeste e onde agitate da fortissimi venti, per imbattersi infine in una «nave pirata» in cui il capitano e la ciurma indossano abiti «obsoleti». Scampati al loro assalto e a una violenta burrasca, tornano a Paperopoli per riferire il tutto a Paperone, non privo di un forte scetticismo. Gli ribattono Qui, Quo e Qua: «Devi crederci! Ci siamo imbattuti in una banda di pirati appartenenti a un’altra epoca». Paperone consulta come «esperto» Archimede Pitagorico che – un po’ come Paul Davies – non esclude la possibilità di «un varco temporale». I Paperi – questa volta accompagnati dallo zio multimiliardario – tornano in quella zona pericolosa, recuperano l’equipaggio della bananiera e apprendono per telefono da Archimede che quel varco è con tutta probabilità intermittente, poiché si formerebbe «di tanto in tanto per brevi intervalli di tempo». Per raggiungerlo i Paperi sono costretti ad andare «avanti e indietro» nella zona critica, in mezzo a «svariati fortunali», finché in un’isola, abitata «da gente poco raccomandabile» riscoprono quegli obsoleti tipacci che avevano incontrato nella prima crociera. Provvisto della più moderna tecnologia, Paperone riesce a sconfiggere la masnada, abile nella pirateria ma del tutto impreparata al nuovo tipo di conflitto; e si fa consegnare il loro tesoro. Rientrato a Paperopoli, riponendo quel che ha acquistato nel suo deposito, scorge improvvisamente «un angolo vuoto». Sono ancora una volta i nipotini a svelare l’arcano allo zio: «viaggiando a ritroso nel tempo» questi ha modificato «il corso della sua storia personale». Probabilmente Paperone aveva già recuperato a suo tempo quello stesso tesoro; e aggiungono i nipotini, «adesso che l’hai preso di nuovo tornando indietro nei secoli, hai vanificato il precedente ritrovamento». Meno accademicamente compassato di Paul Davies, lo zio Paperone commenta con un laconico sberequack. E con qualcosa di analogo ci congediamo anche noi (per ora!) dalla schiatta dei Paperi. Sapendo, però, che la Critica della Ragion Papera non si conclude mai, e c’è sempre la possibilità di un nuovo capitolo, capace di farci rimettere in gioco qualsiasi aspetto della realtà in cui viviamo. Per quanto tranquillo e sonnolento possa sembrare.

Glosse. L’intuizione del Prof. De Paperi, inizialmente dimenticata, verrà ripresa nel 1964, quando in un libro sulla chimica dei carbeni gli viene riconosciuto il merito non solo di aver ipotizzato vent’anni prima l’esistenza del metilene CH2, ma anche di averlo utilizzato in una sintesi chimica “Paperino e il poeta sopraffino” si presta a esemplificare come la Ragion Papera cerchi di districarsi nell’aggrovigliato nodo del rapporto tra le «due culture», quella tecnicoscientifica e quella più tipicamente umanistica.

Ritratto di Giulio Giorello, scettico spensierato che amava la libertà. Corrado Ocone su Il Riformista il 17 Giugno 2020. Non era una persona comune Giulio Giorello e te ne accorgevi ascoltandolo, frequentandolo, discutendo con lui, casomai andandoci a cena. La convivialità e la socialità erano, infatti, il tratto peculiare del suo carattere. La cosa che più ti colpiva era la capacità che egli aveva di rendere interessanti intellettualmente anche gli argomenti più semplici, però senza che tu potessi minimamente giudicare fuori luogo o noiosa la profondità culturale che sapeva profondere nella “civile conversazione”. Era per molti versi, forse quasi tutti, agli antipodi del maestro con cui si era formato e che, pur nella diversità, sempre onorò: quel Ludovico Geymonat che aveva ottenuto a Milano nel 1956 la prima cattedra italiana di Filosofia della scienza, a cui Giorello poi successe nel 1978. Tanto marxista ortodosso nel senso del materialismo dialettico (il famigerato Diamat) da Accademia delle Scienze l’uno, tanto aperto ai più disparati e “anarchici” esiti dell’epistemologia contemporanea l’altro; tanto chiuso nei recinti della filosofia e delle scienze sociali “forti” il maestro, tanto liberamente scorrazzante sulle vaste praterie della letteratura, dell’arte (la musica di ogni genere soprattutto) e persino delle forme di intrattenimento pop (i fumetti) l’allievo (gustosissimo e coltissimo è La filosofia di Topolino, che scrisse con Ilaria Cozzaglio nel 2013). D’altronde, come Giorello stesso scrisse in una autopresentazione filosofica, sin da piccolo aveva amato il mondo delle fiabe, degli eroi e delle leggende: «la mitologia e la sua controparte scientifica, la cosmologia» non avevano mai smesso di attrarlo (Prometeo, Ulisse, Gilgamesh. Figure del mito è un suo coltissimo libro del 2004). Sarà per questo che amava tanto la verde Irlanda, terra di elfi e gnomi, o anche forse perché lì fecero le loro prove tanti di quegli spiriti eretici e persino eccentrici, liberi pensatori, che tanto vicini erano al suo spirito. L’alchimia e la magia rappresentavano per lui un po’ questo, la rottura delle barriere erette dai dogmi delle Chiese di ogni tipo, la base di quel metodo scientifico che per lui doveva divenire il cardine della stessa libertà politica, civile, e soprattutto individuale (Di nessuna chiesa: la libertà del laico, 2005). Fu per questo che il marrano Baruch Spinoza, con la sua Ethica more geometrica demonstrata, in fuga dai poteri costituiti di mezza Europa, divenne per lui il simbolo dell’unione indissolubile della scienza e della filosofia con la libertà (Libertà. Un manifesto per credenti e non credenti, con Dario Antiseri, 2008) E fu così che, finiti gli anni del liceo Berchet a Milano, si avvicinò alla filosofia, sempre seguendo la linea dei “pensatori irregolari” della modernità: gli illuministi ribelli e federalisti nordamericani come Thomas Paine e Thomas Jefferson, i libertini francesi prerivoluzionari fino all’“eversivo” Marchese De Sade; gli utilitaristi anticonformisti alla Jeremy Bentham e soprattutto alla John Stuart Mill, l’autore del libro Sulla libertà che era un altro dei suoi riferimenti costanti; il logico e matematico ma anche anarchico e pacifista Bertrand Russell, che studiò in maniera non banale; i letterati filosofi come il nostro Italo Svevo e soprattutto il suo maestro dublinese James Joyce; fino al “fascista” Ezra Pound, il suo poeta preferito. Si può dire che, pur appartenendo per ambiente e istinto all’alta borghesia progressista milanese, Giulio Giorello fosse quanto di più lontano si possa immaginare dal “politicamente corretto” (oltre che dallo “scientificamente corretto”, ovviamente). Era però troppo scettico e disincantato per fare anche della “scorrettezza” un dogma o un habitus. Il risultato era quella colta e ironica, nonché raffinatissima, “leggerezza” che pure contraddistingueva la sua personalità. Anche lui era uno “scettico spensierato”, come ebbe a definire un altro dei suoi Maestri, lo scozzese David Hume: amante della vita e non disperato e pessimista come il Leopardi che pure apprezzava come filosofo naturalista. Dopo quella in Filosofia nel 1968, prese, su suggerimento di Geymonat, anche la laurea in Matematica tre anni dopo. Insegnò Geometria a Pavia, Matematiche complementari a Catania e nel 1978 successe appunto a Geymonat sulla cattedra di Filosofia della scienza a Milano. Pubblicò in quegli anni libri che gli valsero nella sua disciplina, e in quelle affini, una supremazia di fatto in Italia: Il pensiero matematico e l’infinito, 1982; Lo spettro e il libertino. Teologia, matematica, libero pensiero, 1985; Filosofia della scienza, 1992; Introduzione alla filosofia della scienza, 1994; La filosofia della scienza nel XX secolo, con Donald Gilies, 1995. Intanto, nei suoi frequenti viaggi in Gran Bretagna, soprattutto a Oxford, aveva preso familiarità con il razionalismo critico di Karl Raymund Popper e con le varie epistemologie postpopperiane, soprattutto l’“anarchismo metodologico” di Paul Feyerabend, della cui spregiudicatezza intellettuale era a dir poco affascinato. Il metodo scientifico a cui Giorello fa rifermento si precisò allora sempre più, in una direzione lontana dal newtonianesimo e dalla scienza protomodena, come fabbilista. La fantasia, la creatività eccentrica, l’innovazione spiazzante, il dubbio, l’errore, l’imperfezione, il caos (che aveva appreso direttamente da Réné Thom), l’errore (a cui è dedicato anche l’ultimo libro, scritto con Pino Donghi e uscito qualche mese fa) diventano sempre più i perni attorno a cui ruota ormai la sua visione del mondo. Il suo naturalismo ed evoluzionismo lo portava a essere ateo e relativista, ma era troppo amante della libertà e attento alle sfumature per non rendersi conto che anche l’ateismo poteva diventare, in mano poco accorte, un dogmatismo più intollerante di quelli clericali. Fu forse per questo che divenne amico e dialogo con il cristiano (anch’egli liberale e relativista) Antiseri e con il grande teologo monsignor Bruno Forte con cui scrisse nel 2006 Dove fede e ragione si incontrano?. Quanto al relativismo, egli lo faceva proprio ma distinguendo nettamente il relativismo culturale da quello etico. Credeva, infatti, fermamente nel valore assoluto e interculturale dei diritti civili e delle libertà occidentali, a cominciare da quelle di pensiero ed espressione. Lo stesso rischio poteva, d’altro canto, per lui assumere un’altra delle idee centrali del suo universo di pensiero: quella di laicità. In ogni caso, Giorello era un liberale nel preciso senso che aveva un gusto innato per la libertà, che non banalizzava mai. In qualche modo, essa, per lui, coincideva con l’idea di amore. Non a caso, il passo filosofico che teneva più caro, come ebbe a dire, è quell’aforisma di Umano, troppo umano in cui Friedrich Nietzsche definiva l’amore il «capire e rallegrarsi che un altro viva, opera e senta in modo diverso e contrario al nostro». Come dire: tutto il contrario del fanatismo. E questo è il lascito più importante che Giorello ci lascia.

Giulio Giorello: "Vivo accanto a filosofia e matematica e non mi sono mai sentito solo". Intervista al filosofo, matematico ed epistemologo tra i più autorevoli in Italia. È stato inoltre presidente della Silfs, la Società Italiana di Logica e Filosofia della Scienza. Antonio Gnoli il 25 settembre 2016 su La Repubblica. Il giorno in cui Marco Mondadori si inabissò con la repentinità di un colpo duro e inaspettato, Giulio Giorello era lontano dall'amico fraterno. "La morte distante degli altri", oggi dice, "manca spesso di chiaroscuro: un neon lontano che brilla in modo uniforme e opaco. Non è la propria morte con la quale siamo prossimi. Ho vissuto quella di Marco nella scansione secca di un click: prima era vivo, poi non c'era più. E ora che ci penso so che quella fine mi ha sfiorato, toccato, reso per un attimo il più inebetito tra gli uomini". Solo qualche mese fa Giulio ha rischiato di morire per un accidente al cuore. Ci conosciamo da anni. Ammiro la sua versatilità. Il suo essere sulle barricate dell'infanzia, come un ragazzo della via Pal e un attimo dopo diventare il serio professore che anima i discorsi di logica e di filosofia, che sguiscia con compunta leggerezza tra i classici della letteratura e quelli del fumetto.

Cos'è per te la versatilità?

"Se fossi stato uno sportivo avrei praticato il decathlon. È un modo di stare tra le discipline e la vita. Nella mia niente è stato inaccessibile. Come se tutto fosse a portata di mano".

È il privilegio delle persone intelligenti.

"Ma anche fortunate, trovare i giusti maestri, sfruttando le occasioni in qualche modo irripetibili".

Chi sono stati i tuoi maestri?

"In primis Ludovico Geymonat. A lui devo tutto: il gusto per la curiosità che non è solo scientifica, l'apertura anche a quelli con cui non si è d'accordo. Mi laureai con lui nel 1968, con una tesi di filosofia matematica. Era l'autunno. C'erano state agitazioni studentesche a Roma e a Milano. Cortei in Francia, manifestazioni negli Stati Uniti. Il mondo sembrava che stesse cambiando".

Mentre tu studiavi matematica.

"Feci una tesi sull'ipotesi del continuo avanzata da Georg Cantor. Approfittai degli ultimi anni di filosofia per occuparmi anche di geometria e algebra. Dopo la laurea in filosofia passai a studiare matematica a Pavia. E lì c'era un'altra figura eccezionale: Enrico Magenes, matematico ed ex partigiano cattolico. Magenes aveva relazioni strettissime con i più grandi matematici francesi, russi e americani".

Hai conosciuto André Weil?

"Purtroppo no, ma ho divorato i suoi testi sulla teoria dei numeri. Sono di una bellezza e nitore straordinari".

Tra l'altro era fratello di Simone Weil.

"Di tre anni più grande. Nato nel 1906, morì negli anni Novanta a Princeton dove si era trasferito. Sono state due figure straordinarie per il talento con cui nei rispettivi campi hanno pensato. Di lui mi parlò a lungo il suo amico Jean Dieudonné, che fondò insieme ad altri matematici il gruppo Bourbaki. Gran personaggio. Per un certo periodo gli fui accanto all'università di Nizza. Era un uomo collerico e geniale".

Mi ha sempre incuriosito la formazione di questo gruppo di matematici che si firmava Nicolas Bourbaki.

"I primi approcci risalgono alla metà degli anni Trenta. Anche Simone Weil partecipò a qualche riunione. Poi negli anni Cinquanta il gruppo cominciò ad avere influenza sul mondo matematico. Provò a darne un nuovo impianto".

Nuovo in che senso?

"Maggiore chiarezza nelle dimostrazioni e dunque maggiore formalismo. Il loro obiettivo era presentare i ragionamenti matematici in forma assiomatica".

Ti senti un matematico?

"Non credo di esserlo. Dieudonné sosteneva che la matematica è una pratica di vita. Non sono mai stato un matematico a tempo pieno che risolve problemi e dimostra teoremi. L'ho fatto sporadicamente, nella consapevolezza che comunque il primo amore restava la filosofia".

E la matematica era un tradimento?

"No, affatto. Non mi sentivo un bigamo delle due culture. Ho utilizzato la matematica come fosse una cassetta di attrezzi per trattare in modo nuovo vecchi problemi della filosofia".

Colpisce una certa solitudine del matematico.

"Cosa intendi?"

Numeri e forme, così perfetti, sembrano imprigionarlo.

"È un mondo chiuso e aperto contemporaneamente. È vero che i matematici godono di un certo isolamento. Ma poi condividono le passioni di tutti, hanno le medesime curiosità intellettuali, mi viene in mente il mio amico René Thom".

L'uomo delle catastrofi.

"Ma sai, l'espressione "Teoria delle Catastrofi" non l'ha inventata lui. Mi pare che fu Pieter Zeeman a coniarla".

Però "bucava".

"Ah certo! Ci sono locuzioni che colpiscono la fantasia e sconfinano dal loro ambito specialistico. Pensa a espressioni come "Neuroni Specchio", "Teoria delle stringhe", o il più gettonato "Bosone di Dio", immediatamente comprendi che un contenuto complicatissimo può involontariamente attrarre la gente comune".

Dicevamo di René Thom.

"Seguii per un certo periodo le sue lezioni in una università non distante da Parigi. Andai a trovarlo in Alsazia dove viveva. Ricordo un certo impaccio iniziale, una timidezza che poteva essere scambiata per freddezza. In realtà si dimostrò un uomo generoso, oltreché studioso di talento. Mi chiese con chi avevo lavorato in precedenza. Gli dissi che uno dei miei riferimenti era stato Dieudonné. Ah! Esclamò, raccontandomi di una feroce polemica che aveva avuto con il grande matematico".

Cos'è che non gli andava?

"L'eccesso di formalismo che considerava vuoto e rigido. Aggiunse che il gruppo Bourbaki aveva imbalsamato la matematica riducendola a una mummia. Curiosamente si interessò alle teorie di Thomas Kuhn e gli sembrava oltremodo utile la considerazione che ci sono momenti in cui la scienza ripensa radicalmente se stessa".

A questo proposito tu sei stato uno degli artefici del dibattito epistemologico degli anni Settanta.

"Invitai Thom a Spoleto per un confronto pubblico con Paul Feyerabend che aveva da poco pubblicato in italiano Contro il metodo".

Feyerabend si definì un epistemologo anarchico, il che non faceva che aumentare la confusione.

"Tu dici? Ho l'impressione che "epistemologia anarchica" sia un'altra di quelle locuzioni particolarmente efficaci per arrivare al grande pubblico. Mi confessò che l'aveva inventata apposta. E che conteneva un senso polemico contro l'affermazione che la scienza fosse lo strumento indispensabile per trovare un ordine del mondo. Molto banalmente Paul rivendicava la necessità di non farsi condizionare dalle regole scientifiche. Contro il metodo fu un libro importante nel dibattito di quegli anni. Rifiutato da Einaudi e pubblicato da Feltrinelli".

Sai perché fu respinto?

"Boh, i misteri dei mercoledì einaudiani quando il sinedrio si riuniva e decideva la politica culturale. Temo che nei riguardi di Feyerabend ci fosse il sospetto che avesse flirtato con i nazisti".

Ed era vero?

"Penso sia una sciocchezza. Si arruolò come soldato austriaco nell'esercito tedesco e durante un incursione aerea fu ferito perdendo l'uso delle gambe. Fu anche consulente di Bertolt Brecht per il dramma su Galileo. Mi raccontò che amava Wittgenstein e che avrebbe volentieri studiato con lui se non fosse morto. "Mi toccò andare con Popper!" commentò ironico. Alla fine divenne molto amico di Imre Lakatos, che fu un grandissimo filosofo della scienza".

Ricordo un episodio piuttosto oscuro nel quale Lakatos fu coinvolto.

"Ti riferisci probabilmente alla tragica storia di una ragazza diciannovenne che si avvelenò con una pasticca di cianuro. Il suo nome era Eva Iszàk".

Sì, è lei.

"Non ne so molto, ma la sorella tirò fuori il vero motivo di un suicidio apparentemente incomprensibile. Sia Imre che Eva erano ungheresi. Ed entrambi facevano parte di un gruppo anticomunista. Lei venne scoperta e fu deciso, affinché non rivelasse i nomi degli altri componenti, che ingerisse del cianuro. Una scelta terribile".

Forse anche indecente visto che furono gli amici a indurcela.

"Sono d'accordo. Comunque Lakatos andò via dall'Ungheria nel 1956 per rifugiarsi a Londra. Con Feyerabend avrebbe dovuto scrivere Pro e contro il metodo. Ma non fece in tempo: morì nel 1974, dopo avere insegnato a lungo alla London School of Economics".

A parte i tuoi interessi scientifici hai rivendicato l'importanza di John Stuart Mill. Negli anni in cui cerchi di occupartene la cultura di sinistra va in tutt'altra direzione.

"Con Marco Mondadori scoprimmo il saggio Sulla libertà di Mill e lo pubblicammo nel 1981. Ci attaccarono da tutte le parti. Il Pci e i suoi intellettuali spararono a palle incatenate. Il più rissoso fu il fisico Carlo Bernardini, col quale in seguito saremmo diventati amici".

Cosa li aizzava?

"Mill era un liberale, utilitarista. A noi piaceva molto l'idea della "sovranità del consumatore", per cui ciascuno è arbitro di ciò che gli piace o non gli piace. Unico giudice della propria vita. È il principio della società aperta. Ma spiegare questa cosa alla fine degli anni Settanta, nel fumo delle ideologie sinistrorse, fu impossibile".

Accennavi alla presenza di Marco Mondadori.

"Fu come un fratello. Ci conoscemmo al liceo Berchet. Ricordo che il nostro professore di religione era Don Giussani. L'antipatia nei suoi riguardi rinsaldò la nostra amicizia".

Antipatia dovuta a cosa?

"Era una figura a suo modo carismatica e intollerante. Metteva molto entusiasmo nelle cose che faceva e ho l'impressione che riuscisse a fare breccia soprattutto negli animi più fragili. Con lui sia Marco che io avemmo ripetuti scontri".

Andare al Berchet di Milano era da ragazzi molto privilegiati.

"Il padre di Marco era Alberto Mondadori che creò il Saggiatore, mio padre era un semplice assicuratore che poi sarebbe diventato dirigente. Non è che godessi di tutti questi privilegi".

Marco Mondadori morì in che anno?

"Nel 1999. Fu una morte improvvisa. Si afflosciò mentre sistemava dei volumi in una libreria. Erano i giorni di Pasqua. Dal luogo di vacanza dov'ero ricevetti la telefonata. La linea era disturbata. Non capivo se era morto o no. Alla fine compresi. Allo stupore subentrò un dolore indicibile. La sua vita è stata breve, intensa e schiva".

Pensi mai alla morte?

"A volte sì. Per cavarmela con una battuta suggerirei di imparare a giocare a scacchi molto bene, prima di incontrarla. Fuori di metafora continuo a cercare piacere nel vivere. Soprattutto ora che ho avuto un incidente di percorso".

Ti va di parlarne?

"Non c'è nulla di segreto. Qualche mese fa ho avuto una trombosi alla gamba sinistra e un doppio principio di infarto. Mi sono salvato grazie alla prontezza e abilità dei medici".

Che cosa ricordi di quel momento?

"Nulla, proprio nulla. Buio prima e dopo. È strano. Ma è come se una forma di vuoto mi protegga da quel trauma. Le conseguenze sono state un po' pesanti. Ho cercato di recuperare le mie attività: scrivere, leggere, fare lezione, partecipare a qualche seminario, viaggiare. Mi piace ancora molto viaggiare. Sono stato recentemente in Portogallo e a Dublino".

Ti sei occupato di un sacco di cose. Sei dispersivo?

"In me ha funzionato lo stimolo della curiosità e il bisogno di non lasciarsi intrappolare dalle cose".

Al punto da mettere insieme Milton, Gilgamesh e Topolino?

"Perché no? Milton è stato uno dei due grandi fari del seicento inglese. L'altro era Shakespeare. Mi piace Milton: non fa sconti ai reazionari. Gilgamesh è un mito sumerico che ci sta alle spalle. Me ne parlava mia madre e non ho mai capito da dove avesse tirato fuori le sue conoscenze accadico sumeriche. Topolino è la mia infanzia. Pensa, che attraverso la grande parodia dell'inferno di Topolino, scoprii per la prima volta l'esistenza di Dante".

Cosa leggevi a scuola?

"Al liceo invece di leggere Manzoni leggevo l'Ulisse di Joyce e a Pascoli preferivo i Canti pisani di Pound".

Ti tuffavi nel difficile.

"Sono due opere profondamente architettoniche, solo che è un'architettura volutamente rovesciata, quindi hai questa impressione a labirinto. Non a caso uno dei protagonisti del romanzo di Joyce si chiama Dedalus, l'artista che costruisce il suo labirinto intellettuale. Lo stesso accade con Pound che mi dà l'impressione di cantare come una cicala su una specie di ammasso di rifiuti che è l'Europa con le sue crisi. Pound gioca con l'arte del frammento, Joyce con il labirinto, ma in entrambi scorgi un grande disegno unitario".

Come definiresti la tua vita?

"Non sono un'isola, ma un arcipelago. Non mi sento mai solo, né autonomo. A volte penso che avrei voluto un figlio. Da giovane non mi interessava. Credo di avere avuto molto dalla vita. E sarebbe stato interessante trasmettere qualcosa a un figlio. Ma è tardi. Ogni tanto mi visita questo strano sentimento. Non è desiderio. È soltanto nostalgia".

L'intervista del 2011. Ricordo di Giulio Giorello e la sua intervista su Dylan Dog. Lucrezia Ercoli su Il Riformista il 28 Giugno 2020. Scoprii casualmente, dopo averlo conosciuto in un’occasione accademica durante i miei studi universitari, che quello che per me era il prof. Giulio Giorello – blasonato filosofo della scienza e stimato docente universitario – era un appassionato e onnivoro lettore dei fumetti, oltre che una persona di rara umanità e di straordinaria cultura. Nel 2011, in occasione della prima edizione del mio festival Popsophia, lo chiamai – non senza un po’ del timore reverenziale che si ha per i veri Maestri – per invitarlo a cimentarsi in un’operazione squisitamente antiaccademica: tratteggiare un ritratto pop filosofico di quello che, per me, era il vero “pensatore del sospetto” del mondo dei fumetti nostrani, Dylan Dog. Pensavo storcesse il naso all’idea di intervenire sulla filosofia dell’indagatore dell’incubo. Ma non ci fu bisogno di convincerlo: accettò subito con entusiasmo. Venne fuori questa bellissima intervista, ancora oggi cliccatissima su YouTube, in cui Giulio utilizza le battute icastiche di Groucho, i comportamenti anarchici di Dylan e le provocazioni di Xabaras per riflettere, con l’acume e la profondità che lo caratterizzavano, sul senso stesso della filosofia e della sua passione per la libertà.

Dylan Dog attraversa una Londra misteriosa popolata da bizzarri personaggi e si trova a risolvere enigmi che sfidano il buon senso. L’antieroe inventato da Tiziano Scavi riflette continuamente su se stesso, s’interroga ossessivamente sul senso dei casi che tenta di risolvere. Tuttavia, il suo approccio è “strano”, tutt’altro che convenzionale. Per ragionare Dylan utilizza il suo “quinto senso e mezzo”, va oltre la logica lineare del linguaggio. Potremmo dire che, a suo modo, Dylan Dog è un filosofo pop?

«Credo di sì. Anzitutto diamo un esempio di come ragiona Dylan Dog. Partiamo dal primo incontro con uno dei nemici storici, Xabaras, personificazione di Satana e forse vero padre naturale di Dylan (o comunque possessore della chiave del suo destino). I due, seduti su delle comuni sedie, stanno discutendo: a un certo punto, Xabaras fa la mossa tipica del filosofo idealista e dice: “Guarda che tutto quello che ci circonda, comprese queste sedie, è una produzione della mia mente, una creazione del mio pensiero”. A questo scatenato idealismo Dylan ribatte: “Beh, visto che le hai pensate tu stesso, potevi anche pensarle un po’ meno dure”. Dylan Dog lavora, così, dentro le pieghe della filosofia, e ironizza su quella che abbiamo imparato dai manuali, la filosofia delle formule scontate. Queste formule, svuotate e rigirate, diventano nuove, interessanti, perfino provocatorie. Per esempio, quante volte abbiamo visto l’immagine del cavaliere solitario che, sulla riva del mare, gioca a scacchi con la morte? Basta pensare alle memorabili inquadrature del Settimo sigillo di Ingmar Bergman. Anche Dylan Dog fa la sua partita con la morte e ci ricorda che il mondo è una scacchiera, come ci ha insegnato Wittgenstein. In un fumetto ci sono anche i disegni. È questo il bello: il fumetto mette insieme parole e figure in sequenze temporali. È proprio questo ci fa riflettere. Aristotele direbbe che la contemplazione delle forme “ci fa imparare e ci fa ragionare”. Anche Dylan ci fa imparare e ci fa ragionare, in aggiunta con un grande piacere: il piacere dell’ironia».

L’ironia è arma filosofica molto antica. Da Socrate in poi è stata usata per smascherare la retorica su cui si fonda ogni discorso che pretende di dire la Verità. In che modo particolare vi ricorrono Dylan e i suoi compagni di viaggio?

«Per primo bisogna capire su che cosa Dylan e la sua banda facciano dell’ironia. La risposta è abbastanza semplice: su cose pericolose. E non c’è niente di più pericoloso di ciò in cui non si crede. (Detto per inciso, io, essendo ateo, ho una matta paura di Dio). Talvolta temiamo di più proprio ciò che non c’è. E cosa teme Dylan nelle sue battaglie? La morte. Ma come diceva Epicuro, “quando ci siamo noi, la morte non c’è; quando ci sarà la morte, non ci saremo noi”. La presenza della morte è una cosa che la logica dovrebbe eliminare; eppure, la paura resta. Dylan ci insegna allora che il lavoro filosofico è essenzialmente il lavoro sulla nostra incompletezza, sulla nostra finitezza, sul nostro essere sempre condizionati da qualcosa. Come il galeone che lui costruisce nei momenti di tempo libero, è un lavoro interminabile nel vero senso della parola. Completarlo richiederebbe una perfezione infinita, e noi l’infinito non possiamo raggiungerlo. Al contrario, è l’infinito che può raggiungere noi; può coglierci di sorpresa, qualunque nome noi gli diamo: Assoluto, Dio, Perfezione o magari Nulla, come pensano molte filosofie orientali. Il tentativo di Dylan, invece, è di ridere dentro la nostra finitezza, di ironizzare sul fatto che appena si nasce si comincia a morire. La bellezza di questo fumetto è, dunque, nel suo umorismo intelligente, a proposito dei limiti della nostra condizione esistenziale. Ma ironizzare su tali limiti non vuol dire negarli. Al contrario, vuol dire capirli meglio: vuol dire entrare meglio nel gioco della vita».

La filosofia è spesso imprigionata nell’ossessione di definire l’identità dei suoi oggetti. Al contrario, uno dei temi ricorrenti in Dylan Dog è la duplicità dell’identità. Il fumetto sembra mettere in scena un inquietante “pluriverso del sé”. In che senso, allora, l’identità dei personaggi è costitutivamente ambigua e duplice?

«La questione dell’identità è una sorta di cappio che ci prende dentro. Per capirlo prendiamo un esempio tratto da Dylan Dog n. 298, intitolato “La testa del killer”. A prima vita, la storia pare abbastanza banale. Lenny è perseguitato dalla sua metà oscura: la parte di male che ha espulso diventa un nemico che lo vuole annientare. Insomma, una storia che abbiamo vista mille volte al cinema: dai film tratti dai racconti di Stephen King ai B-movies dell’orrore. Il doppio torna come un’ombra, e ci perseguita. Ma in quel numero di Dylan Dog c’è un colpo di scena. Alla fine si scopre che non è la persona buona che ha sognato quella cattiva e gli ha dato sostanza, ma è la metà cattiva che ha sognato quella buona e che, alla fine, si trova schiacciata da quello strano doppio. La storia mostra come l’identità personale sia simile a quello che i matematici chiamiamo nastro di Möbius, una superficie chiusa piuttosto particolare. Se si parte dall’interno, percorrendola tutta, ci si ritrova all’esterno. Lo stesso capita con l’identità. Che è qualcosa di cangiante: soltanto localmente, pezzettino per pezzettino del nastro di Möbius, noi manteniamo la distinzione tra interno ed esterno. Buono e cattivo sono percepiti come distinti. Ma globalmente sono la stessa persona. Quello che noi abbiamo identificato con il buono in realtà era il cattivo e quello che era il cattivo, sarà la vittima del buono. La distinzione tra buono e cattivo, morale e immorale, domestico o straniero, è sempre una questione locale. Dipende, cioè, da dove ti collochi nel nastro di Möbius. Globalmente è difficile tracciare la linea di demarcazione. Il confine, come l’orizzonte, ci sfugge continuamente. Le identità sono importanti e interessanti modalità di parlare, sono costruzioni della lingua, ma possono diventare anche delle prigioni. Quando uno vuole evadere, deve sottoporre a tensione il linguaggio e rompere la tradizione consolidata. Può abbandonare l’identità precedente».

In quasi tutte le storie di Dylan Dog, fino all’ultima vignetta, anche il confine tra realtà e finzione è incerto. L’intera vicenda potrebbe essere soltanto un lungo sogno del protagonista. Qual è il significato di tale realtà onirica nel fumetto?

«Anche qui ci viene in soccorso il nastro di Möbius: cominciamo a pensare che questa sia la realtà e che quell’altra sia il sogno, poi scopriamo che i due lati si sono scambiati i ruoli. Come capita in una della commedie/tragedie più inquietanti che Shakespeare abbia mai scritto, La tempesta. Siamo fatti della stessa fabric, cioè della stessa “stoffa” di cui sono fatti i sogni. E in Dylan c’è un continuo scambio tra sogno e realtà. E ha una funzione narrativa essenziale. Nelle ultime battute di quasi ogni numero quella che sembrava la versione di common sense viene rovesciata. Il finale è sempre un non finale. Magari il “cattivo” risorge, magari l’anima inquieta torna a vagare nella zona del crepuscolo, magari il bravo bambino insidiato dalle ombre mostrerà di essere un tipo pestifero da cui le ombre hanno tutto il diritto di scappare».

Insomma, i confini cambiano sotto il naso del lettore, che rimane sorpreso da questi finali che non sono finali. Se potesse esserci una conclusione della storia, allora sarebbe compiuto anche il galeone. Invece, il galeone è sempre lì che viaggia. Ma verso dove?

«Potremmo rispondere con una battuta di un grandissimo matematico che con i sogni ci sapeva fare, Keplero. In una missiva a Galileo dice: “Prendiamo i nostri galeoni, andiamo avanti nel cielo, oltre la Luna”. E nel Dylan n. 250 dal titolo Ascensore per l’inferno, il meraviglioso galeone si deforma: da modellino diventa una vera nave e avanza, con la Luna sullo sfondo nel cielo stellato. Anche la nostra nave non arriverà mai in un porto definitivo, fuori dai flutti e dalle tempeste. Non c’è mai un punto di partenza stabile e un punto di arrivo altrettanto stabile; siamo sempre condannati a navigare in eterno. E allora, come facciamo se la nostra imbarcazione subisce un qualche guaio? La rattoppiamo prendendo un pezzo di qui e uno di là. Questa perpetua navigazione è la nostra storia. E tale storia – ci racconta un inquieto filosofo dublinese che gira da un pub all’altro e si chiama Stephen Dedalus – “è l’incubo dal quale noi cerchiamo di destarci”. Il problema è che, una volta svegli, la realtà potrebbe essere ancora un incubo…»

In questo viaggio alla deriva Dylan Dog incontra una serie sterminata di personaggi femminili. Oltre che un inquieto spirito libero, Dylan si dimostra un impenitente Don Giovanni. Ma qual è il senso di questa sua incessante ricerca della donna giusta?

«Dylan non conquista le donne per il “piacer di porle in lista”. È una sorta di Don Giovanni sprovveduto, e questa mancanza di astuzia lo rende così innocente, da farlo diventare piacevole nella ripetizione. Le sue donne cambiano in continuazione: belle, sensuali, secchione, assassine, vampire, prostitute, ecc… Così, Dylan Dog è un fumetto che esalta di continuo la figura femminile, anzi le figure femminili nella loro differenza. Non ce n’è una uguale all’altra! Dylan è un tipo fragile, come moltissimi di noi. Per questo è così simpatico a noi filosofi che ci sentiamo particolarmente fragili. E lo siamo, perché la parola, il ragionamento, la narrazione si rompono spesso contro la durezza della realtà, contro “l’incubo da cui vorrei svegliarmi”».

Dylan Dog è una rassegna di varia umanità. Possiamo definirlo una vera e propria un’apologia degli ultimi, dei mostri, anzi, degli straordinari nell’ordinario?

«Di più. Dylan Dog è un’apologia dello straniero. Ma il primo straniero siamo noi stessi. Siamo stranieri a noi stessi. Non c’è cosa più difficile che mettere in pratica il motto dell’oracolo di Delfi, che ironicamente Socrate faceva suo: “Conosci te stesso”. Socrate lo opponeva a tutti quelli che proclamavano con sicurezza “questo è il giusto, questo è il santo, questa è la virtù militare, questa è l’arte politica”. E il filosofo ribatte: “Comincia col conoscere te stesso, perché non ti conosci abbastanza”. Dylan ci dice di non avere troppa paura degli altri, che risultano essere solo maschere del proprio sé. Come si legge ancora in Joyce: “Noi siamo tenebre che splendono nella luce”, e la luce non ci ha compresi».

L’ultima intervista di Giulio Giorello al Dubbio: “Le mascherine ci tolgono identità e umanità…” Carlo Fusi su Il dubbio il 16 giugno 2020. Il filosofo della scienza allievo di Geymonat è morto a Milano. Aveva 75 anni. Era stato ricoverato per il coronavirus circa un mese fa al Policlinico da cui era stato dimesso da una decina di giorni. Negli ultimi giorni la sua situazione era peggiorata. E’ morto a Milano a 75 anni il filosofo Giulio Giorello: era nato nel capoluogo lombardo il 14 maggio del 1945. Era allievo di Ludovico Geymonat ed è stato il suo successore nella cattedra di Filosofia della Scienza all’Università Statale milanese. Da quanto si è appreso, era stato ricoverato per il coronavirus circa un mese fa al Policlinico da cui era stato dimesso da una decina di giorni. Negli ultimi giorni la sua situazione era peggiorata. Si era sposato tre giorni fa con la sua compagna Roberta Pelachin. 

Pubblichiamo l’ultima intervista concessa al Dubbio poche settimane fa. Siamo tutti mascherine. Ne facciamo uso, ce le portiamo appresso, le personalizziamo. Le usiamo come barriera contro il male oscuro e invisibile del Coronavirus. E come protezione verso gli altri. Le indossiamo quando pensiamo di essere in pericolo, le togliamo quando ci rilassiamo. C’è un uso pubblico: quando siamo in mezzo agli altri. E un altro privato: quando siamo in famiglia o in ambiti ristretti. Le mascherine sono diventate parte di noi, sono un pezzo della nostra identità. Ma, appunto, quale identità? Con le mascherine siamo noi, ma lo siamo anche senza. Qual è dunque l’identità vera: quella dove nascondiamo il viso o quella dove trasmettiamo – col pianto, col sorriso, digrignando i denti, schiudendo le labbra – le nostre emozioni, il nostro linguaggio non verbale? Giulio Giorello, filosofo della scienza, epistemologo, matematico, rimugina qualche secondo. Poi spiega: «Se la questione della mascherina viene presa in modo ossessivo, effettivamente può nascere un problema di identità. La nostra persona una volta era particolarmente caratterizzata dal volto e dalle sue espressioni. E la mascherina invece queste espressioni le cela. Dunque parliamo di una perdita. Se questa perdita viene mantenuta nell’ambito del ragionevole, non è un disastro. Ma se invece diventa una difficoltà, una perturbazione, se il mascheramento diventa una sorta di ossessione allora è chiaro che la mascherina produce un colpo alla nostra identità personale».

E a quel punto, professore, che succede: ci sdoppiamo, diventiamo schizofrenici?

«Succede che non ci ritroviamo più nelle modalità che abitualmente usavamo per riconoscerci».

Il tratto somatico e la sua manifestazione è ciò che da sempre contraddistingue le relazioni umane. La riconoscibilità è sintomo di sicurezza: sui documenti c’è la nostra fotografia, ed è una conquista. Ora invece la sicurezza passa attraverso il nascondersi, la negazione almeno parziale della riconoscibilità. Cosa significa e cosa comporta nella socialità?

«Non è facile rispondere. Io penso che se la cosa rimane in ambiti contenuti, se l’uso della mascherina è ragionevole e non è vissuta come una ossessione, allora noi rimaniamo sempre noi. Se al contrario diventa un atteggiamento che cambia il nostro modo di porci per le strade, diciamo così, allora può sorgere una sorta di doppia identità con aspetti fortemente destabilizzanti».

Ma in cosa può consistere questo sdoppiamento, questa doppia identità che rischiamo di subire?

«Beh, la difficoltà principale è che accanto alla fisionomia cui siamo abituati, alla riconoscibilità reciproca che determina, all’immagine di noi che lo specchio di casa ci rimanda, si affianca un altro noi, un noi mascherato che offriamo al mondo che ci circonda e che modifica negli altri la percezione di come siamo. Un cambiamento inimmaginabile anche solo fino a pochi mesi fa. E se questo cambiamento finisce per essere vissuto in modo drammatico, può provocare una sorta di scissione interiore. Mi sembra un punto molto delicato».

Però professore noi siamo obbligati a portare questa mascherina, non è una scelta. È lo Stato che ci obbliga a scinderci?

«Diciamo che anche questa faccenda dell’obbligo è una cosa curiosa. Tanta gente andando in giro non la porta. Si tratta di un obbligo per così dire diversificato. Io per esempio che sono guarito non sarei tenuto a portarla. Io comunque la porto lo stesso volentieri perché so benissimo che si tratta di un momentaneo episodio del mio modo di uscire, di entrare i contatto con gli altri. Tuttavia sé questa modalità, questo momentaneo episodio, diventa una costante vissuta drammaticamente nel senso che io non riconosco più me stesso, allora si possono produrre conseguenze anche gravi sulla psiche delle persone, sul loro equilibrio psicologico».

Esiste anche un altro aspetto riguardo l’uso delle mascherine, che finora abbiamo solo sfiorato. Nel corso della evoluzione umana, abbiamo dato sempre maggiore risalto alla parola, al cosiddetto “secondo sistema di segnalazione”. Il primo, cioè il linguaggio non verbale, l’espressività del volto che trasmette informazioni sui nostri sentimenti, è sempre più rimasto sullo sfondo. Se io mi maschero, nascondo in parte il mi volto, chi ho di fronte non sa più se sorrido, se condividilo, se sono arrabbiato e così via. Non può comprendere il non detto, il non verbale. Questo non crea un corto circuito nelle relazioni?

«Direi proprio di sì. Può creare un corto circuito con forme quasi patologiche di diffidenza nei confronti dell’altro. Vede, io questa cosa la percepivo quando ero in ospedale. Non riuscivo a distinguere un infermiere dall’altro. Poi ho trovato modi per riconoscere le persone e i loro atteggiamenti, ho stretto legami che ad un certo punto sono diventati di amicizia. Ma sono state costruzioni limite. Ci sono invece persone, come il filosofo Cartesio, che amavano dire di se’ stessi larvatus prodeo, ossia “procedo mascherato”. In questo senso era nota la quasi patologica diffidenza di questo grandissimo protagonista della modernità. Ma il suo impatto sulla modernità non sta nel fatto che girava mascherato, bensì nel fatto “pubblico” che riuscì a produrre alcuni grandissimi saggi scientifici ai quali fu poi premesso il famoso Discorso del metodo».

Dunque c’è del metodo nel mascherarsi?

«Direi meglio: l’aspetto pubblico è quello privato giocano continuamente tra di loro. Talvolta c’è perfino una sorta di contrapposizione tra pubblico e privato. Nelle grandi personalità questa dicotomia è stata risolta dalla produzione scientifica. Ma per quanto riguarda l’amico che incontravamo uscendo di casa per andare a comprare il giornale, questo universo relazionale è assai più difficile da ricostruire. Si può anche dire che in parte l’abbiamo perduto. La mia speranza è che non sia stato perduto per sempre e che il più rapidamente possibile si ritorni a forme di espressione più consone a ciò che è umano».

Ecco. Dal punto di vista “umano” noi riusciamo a metabolizzare le cose, anche quelle più difficili. Le mascherine sono un esempio. Adesso ci sono quelle personalizzate, con le iniziali, i colori e così via. Come le giudica, professore?

«Lo vedo come un meccanismo di compensazione. Siccome non posso più farmi riconoscere dell’espressione del volto allora ricorro alla “personalizzazione” della mascherina per far sapere chi sono e che sono io. È un palliativo. Noi siamo abili a trovare sostitutivi. Che poi tuttavia creano nuovi problemi. Chi mi dice che non ci sia qualcun altro una mascherina personalizzata uguale alla mia, che so con la bandiera tricolore o con qualche alto simbolo, nera piuttosto che bianca e così via.

Sono forme, come ho detto, sostitutive della identità personale. Torniamo sempre al punto. La mascherina, anche simbolicamente, è un modo per celare l’identità. È anche il primo passo per avviarsi sulla strada della non responsabilità. Se non mi si riconosce, non sono responsabile di ciò che faccio. Le conseguenze “morali” nei casi di mascheramento più patologico, possono essere a mio avviso molto gravi».

Professore, c’è anche un altro aspetto levato alla pandemia e che interseca le relazioni sociali. Parlo del “remoto” come modalità di rapporto interpersonale e sociale. È una salvaguardia sanitaria, ma stravolge il modo di relazionarsi. Che ne pensa?

«Sono d’accordo. Pensi al caso dell’insegnamento universitario a distanza, come viene definito. Da remoto come espressione è ancora peggio. Questa modalità mi pare ci faccia perdere una delle componenti più interessanti dell’insegnamento: il faccia a faccia tra docente e studente. Si tratta di uno strumento enorme di controllo e di valutazione nel corso della lezione stessa. Tutto questo viene perduto e onestamente non capisco bene con cosa si possa recuperare. Stiamo diventando tutti delle università telematiche? Mi viene male solo a pensarci».

Professore, questo distanziamento da remoto è salvavita ma scardina il rapporto interpersonale. Quale aspetto, nel bene e nel male, è più difficile da gestire?

«È tutte e due le cose. Si salva la vita? Certo. Ma tenga presente un aspetto. Se uno esce di casa può essere colpito in testa da una tegola che cade da un tetto. Allora dovremmo vietarci di uscire di casa per evitare tegole vaganti? Certo stando chiusi in casa ci sentiamo più al sicuro. Ma si tratta di una sicurezza ben miserabile».

Il discorso vale anche per la giustizia, asset fondamentale di un sistema democratico. I tribunali sono chiusi, alcune udienze si fanno a distanza…

«L’esercizio della legge era la prova di un grande teatro. Adesso il grande teatro non più, è sostituito da palliativi. Prima o poi si dovrà tornare alle forme di espressioni classiche della giustizia. Sia nelle aule giudiziarie come in quelle universitarie. Questo tipo di palliativi sono portato a giustificarli soltanto se hanno una durata temporale assai limitata. Questo è il punto di fondo. Se così non fosse, rischiamo di perdere molte componenti rilevanti sotto il profilo umano del nostro vivere sociale».

·        E’ morto Stefano Bertacco, senatore di FdI.

Stefano Bertacco, si è spento all’età di 57 anni il

senatore di FdI. Veronica Caliandro il 14/06/2020 su Notizie.it. Stefano Bertacco è morto all'età di 57 anni presso l'ospedale di Borgo Trento.  Si è spento a Verona, all’età di 57 anni, Stefano Bertacco, senatore di Fratelli d’Italia e assessore ai Servizi sociali del Comune. Numerosi i messaggi di cordoglio, tra cui quello di Giorgia Meloni attraverso un post su Facebook. Stefano Bertacco è morto all’età di 57 anni presso l’ospedale di Borgo Trento, dove era stato ricoverato d’urgenza in seguito all’aggravarsi della malattia che lo aveva colpito l’anno scorso. Cresciuto politicamente nel Movimento Sociale Italiano, Bertacco era in seguito passato ad Alleanza Nazionale e di recente a Fratelli d’Italia. Numerosi i messaggi di cordoglio per la scomparsa del senatore, con il coordinatore veneto della Lega, Lorenzo Fontana, che attraverso una nota ha fatto sapere: “Lo ricordiamo come un uomo, un amico e un esponente delle istituzioni che si è sempre speso per Verona, per i Veronesi, soprattutto per le persone con fragilità”. Messaggio di cordoglio anche da parte di Giorgia Meloni, che su Facebook ha scritto: “Non ce l’ha fatta il senatore Stefano Bertacco, tra i migliori combattenti che la Destra italiana abbia potuto vantare. Quando l’ho visto l’ultima volta, dieci giorni fa, ho pensato che la vera forza non ha bisogno di essere aggressiva. La vera forza ha esattamente il volto di Stefano: gentile, sorridente, rassicurante. Era sicuro che avrebbe vinto lui sulla malattia, e forse in fondo l’ha fatto. Stefano, tutti noi siamo stati fieri di averti al nostro fianco, e combatteremo anche nel tuo nome, per l’Italia fiera e giusta che tu sognavi. Addio, fratello. Ti voglio bene”.

·        È morto Luigi Spagnol: scoprì per primo Harry Potter.

È morto Luigi Spagnol: scoprì per primo Harry Potter. Antonino Paviglianiti il 15/06/2020 su Notizie.it. Luigi Spagnol è morto a 59 anni: brillante editore, fu lo scopritore di Harry Potter in Italia. Lutto nel mondo dell’editoria italiana: è morto Luigi Spagnol, brillante editore e letterato che nel corso della sua carriera ebbe intuizioni vincenti. Come la scoperta, per primo in Italia, del celebre ‘maghetto’ che conquistò tutti negli anni Duemila: Harry Potter. Luigi Spagnol è venuto a mancare all’età di 59 anni nella giornata di domenica 14 giugno, dopo una lunga e sofferta malattia. Lascia la moglie Hanne e due figli, Lara e Antonio. Era nato a Milano il 21 marzo del 1961, 59 anni fa e lo porta via quella che il suo gruppo, la Gems, in una nota definisce giustamente ”una prematura scomparsa”. Spagnol era editore col vero fiuto da besteller, considerato che non solo Harry Potter è stato il suo grande successo. Con la Salani fu lui a scegliere tanti titoli che hanno venduto più di un milione di copie: la “Gabbianella e il gatto” di Luis Sepúlveda nel 1996, il bestseller di Giobbe Covatta “Parola di Giobbe” nel lontano 1991. E ancora “Come smettere di farsi le seghe mentali” di Giulio Cesare Giacobbe nel 2003 a “Cotto e mangiato” di Benedetta Parodi nel 2009. In particolare, Vallardi, da editore noto per il proprio catalogo di linguistica, sotto la sua guida diventa una casa editrice protagonista di questo settore, creando, con la spinta dei suoi successi. Ha portato in Italia autori di grande valore letterario come Philip Pullman e Margaret Atwood, e saputo riproporre e far affermare con grande passione veri e propri classici contemporanei come David Almond. Ora però voglio che sia chiaro a tutti chi è scomparso. È scomparsa la persona che con i suoi successi editoriali ha dimostrato più volte negli ultimi trent’anni di sapere meglio di chiunque altro che cosa è un libro, cosa può fare un libro per i lettori e fino a dove può arrivare. Vorrei tentare di spiegarlo con le sue parole: ‘I libri sono scritti da persone, letti da persone, venduti da persone, e parlano di persone. È dunque fondamentale che siano anche pubblicati da persone, libere di seguire le proprie idee, le proprie strategie e le proprie passioni'”. è il ricordo commosso Stefano Mauri, presidente e amministratore delegato del gruppo Gems.

·        E’ morto il cantante Pau Donés dei Jarabe de Palo.

Jarabe de Palo, è morto il cantante Pau Donés. Aveva 53 anni. Aveva scoperto di avere un tumore al colon nel 2015 ma non ha mai smesso di girare il mondo per fare concerti. Ernesto Assante il 9 giugno 2020 su La Repubblica. Ci sono canzoni semplici e imbattibili, hit che in teoria sono destinati a illuminare una sola stagione della nostra vita e che invece durano per una vita. È questo il caso de La flaca, canzone degli Jarabe de Palo (anzi, Jarabedepalo, come andrebbe più correttamente scritto) che poco più di venti anni fa ebbe un grandissimo successo in tutto il mondo e rese famoso anche in Italia Pau Donés, il cantante e leader della band. Donés è morto oggi, all’età di 53 anni, dopo una lunga battaglia contro il cancro. Donés era malato dal 2015, quando aveva scoperto di avere un cancro al colon: solo tre anni fa aveva celebrato i venti anni di carriera pubblicando un doppio album, 50 Palos, con tutti i grandi successi della band (oltre a La Flaca la band ha prodotto hit come Depende, Bonito, Grita, Agua e tanti brani in italiano, molti altri in Spagna e nel mondo latinoamericano) con nuovi arrangiamenti e tanti duetti, al quale aveva fatto seguito un tour mondiale e un’autobiografia. La malattia l’aveva costretto ad interrompere il tour, ma Donés, armato di una vitalità straordinaria, aveva deciso di condividere il suo percorso con tutti quelli che negli anni lo avevano seguito ed amato, sia attraverso i social con i quali ha documentato tutti i momenti della sua lotta, sia con un documentario, intitolato Jarabe Contra El Cancer. Legatissimo all’Italia, dove era diventato una star non solo con la sua band ma anche per le molte e belle collaborazioni, come quelle con Jovanotti, Niccolò Fabi, Kekko Silvestre, Noemi, Fabrizio Moro e Ermal Meta, Donés è stato in concerto e in tour molte volte in quella che per molti versi considerava una seconda casa. La prima, quella che lo ha ospitato in questi ultimi anni, è stata Formentera, dove dallo scorso anno si era ritirato, per stare vicino alla famiglia. “Il cancro, quando è arrivato, si è dovuto abituare alla mia vita da musicista, non sono stato io ad essermi adeguato a lui. Io ho messo le cose in chiaro fin da subito: ‘Se vieni con me, allora tu devi fare la mia vita’. E questo significa fare il musicista, registrare dischi, fare concerti, viaggiare e via dicendo”, aveva detto in un’intervista per Supereva. La musica di Donés e della sua band era profondamente latina, melodica, ma ricca di moltissime influenze, dal rock alla musica cubana, dal reggae alla salsa, dal flamenco ai cantautori catalani, e questa apertura a suoni e culture differenti lo aveva portato naturalmente ad essere un “cittadino del mondo”, in grado di confrontarsi con realtà differenti da quella spagnola con grande rispetto e intelligenza. La band era nata agli inizi degli anni Novanta ma è stato con La Flaca, scritta dopo un viaggio a Cuba e animata dalle sonorità e dai ritmi dell’isola, nel 1996 a portare il gruppo al successo in patria e all’estero. Da quel momento la sua musica latina gentile e raffinata, è entrata nella colonna sonora delle nostre vite, assieme al suo messaggio positivo di unità e di pace, di allegria e di amore. Un messaggio che resterà con noi, assieme alle sue canzoni, per molto tempo ancora.

La sua "La Flaca" portò gli Jarabe de Palo al successo mondiale. Palo Pau Donés è morto a 53 anni. Il cantante lottava da anni contro il cancro. La forza delle sue "hit" era la semplicità. Roberto Pellegrino, Mercoledì 10/06/2020 su Il Giornale. Non lo credeva nemmeno lui di poter fare il grande botto già con il disco d'esordio. E per colpa di una pubblicità di una marca di sigarette spagnole che girava in tv. Estate 1996, nelle classifiche europee dominavano con prepotenza Don't look back in anger degli Oasis, Cosmic Girl di Jamiroquei e Don't speak dei No doubt. In Italia si faceva spazio anche Più bella cosa di Eros Ramazzotti. Poi, le radio di casa nostra iniziarono a passare La Flaca, «una canción de amable simplicidad», come la recensì El País, che avvicinò, poi nel tempo, il suo sconosciuto autore trentenne a Cole Porter, per quel modo di scrivere canzoni, pure e orecchiabili, ancorate a brevi frasi che suonavano come uno slogan. Pau Donés, all'epoca 33 anni, ex pubblicitario, era il papà di quel fortunatissimo brano. Lo cantava con la sua band, i Jarabe de Palo. Motivetto semplice e amabile che entrò, gentilmente, nelle teste di tutti. Quella canzone, pochi accordi, un timbro di voce originale, parlava di una misteriosa «flaca», una ragazza magra. Il singolo sfiorò i cinque milioni in Europa e cambiò, da subito, la vita di Pau Donés, autore apprezzato anche Italia, non solo per quel gentile tormentone estivo del 1996, ma anche per le collaborazioni coi Nomadi, Jovanotti e Kekko dei Modá. Ora che se n'è andato, all'età di 53 anni - era nato a Montanuy, in Aragona nel 1966 - , la Spagna piange e rivaluta Pau Donés, ucciso da cinque anni di cancro. Un periodo in cui mai si è lamentato sotto ai riflettori, mai aveva fatto parlare a vanvera di sé, mai si era creduto un eroe. Aveva, semplicemente, accettato il suo destino, pur continuando a curarsi con la chemio che gli scavava il viso e gli annebbiava la mente. E continuando a fare ciò che voleva fare, il cantante. Nel 2015, quando aveva già inciso otto album in studio, scoprì la bestia che lo avrebbe fermato. Lo disse soltanto ai suoi cari e alla band. Ma la notizia si diffuse. E lui sui social ne parlò con l'ottimismo di chi ce l'avrebbe fatta. Due anni dopo, pubblicò il suo nono lavoro 50 Palos, 22 brani in cui si accenna alla malattia nelle liriche. Un anno prima sembrava uccisa la malattia, poi era tornata più violenta. Nel disco Pau canta anche in italiano, duettando con Kekko dei Modá nel brano Fumo, con Francesco Renga in Dipende, versione italica del suo successo spagnolo Depende, con Noemi in Mi piace come sei e con Jovanotti in Bonito: un'esplosione di world music, ritmi, latini e africani e tanto rumore. Con video annesso girato a Cortona. Una collaborazione da cui è nata una grande amicizia tra lo spagnolo e l'italiano. Lorenzo-Jovanotti ieri, al momento della «notizia tremenda», ha scritto un commosso tweet per lui: «Mi mancherai, amico e maestro». Il 26 maggio scorso, con un ultimo colpo di reni per il suo pubblico, in videoconferenza aveva presentato il decimo disco, LP testamento: Tragas o escupes. L'uscita era concordata per settembre. Pau non ce l'avrebbe fatta a superare l'estate, così il 25 maggio suonava già il singolo Eso que tú me das con il videoclip in cui canta e balla assieme alla figlia sedicenne Sara. Un regalo inaspettato, perché nel gennaio del 2019 aveva annunciato lo stop alla musica. «Il dolore della carne è troppo forte aveva scritto ma ciò che fa più male è privarmi della musica». Un anno di silenzio abbondante, poi, a sorpresa, l'8 aprile su YouTube compare un video in cui Pau, solo voce e chitarra acustica, canta Vuelvo, ritorno, per annunciare che ha ancora voglia di cantare. E il 13 aprile un altro video ufficiale: Volvemos, ritorniamo, un puzzle di filmati con la band in studio per registrare il nuovo album dei Jarabedepalo, tornati scritti così. Un'iniezione potente di vita, di entusiasmo. Alla faccia del cancro. Nel 2017, assieme all'album, aveva pubblicato anche una sua biografia 50 palos e continuo a sognare, edita in Italia dalla De Agostini. Nelle pagine spiegò chi era questa misteriosa «flaca». «Una donna cubana, magra, di una bellezza impressionante, con un abito in chiffon rosso semitrasparente, e due occhi così lucenti che parlavano da soli». Pau nel 2015 l'aveva incontrata per caso in un discobar de La Havana. Si chiamava Alsoris Guzmán. Fu un colpo di fulmine. Un idillio impossibile. Vedendola nuda nel letto, al mattino, le sussurrò «smilza» baciandola, prese un foglio e in dieci minuti scrisse la canzone della sua vita. E disse addio alla flaca addormentata nel suo letto d'hotel.

Dal profilo facebook di Lorenzo Jovanotti Cherubini il 9 giugno 2020. ho appena saputo della morte di Pau Dones, e una notizia tremenda, ci eravamo scritti 3 giorni fa e come al solito era lui a rassicurare me. Mi mancherai tantissimo amico e maestro Pau, niente cancellera i momenti bellissimi vissuti insieme, la bella musica, le mangiate e le bevute, le chiacchierate infinite, la forza che ci siamo dati reciprocamente. Conoscerti ed esserti amico e stato un grande regalo. Dove sei ora? Mi e difficile crederci.

Francesco Raiola per music.fanpage.it il 9 giugno 2020. Il cantante Pau Dones degli Jarabe de Palo è morto, come riportano i giornali spagnoli e il sito della band. Sul sito della band si legge il messaggio della famiglia: La famiglia Dones Cirera comunica che Pau Dones è morto il giorno 9 giugno a seguito del cancro che gli era stato diagnosticato nell'agosto del 2015. Vogliamo ringraziare l'equipe medica e tutto il personale dell'Osedale de la Vall di Hébron, l'ospedale  Sant Joan Despí Moisès Broggi, l'Istituto Catalano di Oncologia e tutti per il lavoro e la dedizione in tutto questo tempo. Chiediamo il massimo rispetto della privacy in questo momento difficile". Il cantante si era ammalato nell'agosto del 2015 e aveva avvisato i fan con un video emozionante postato sui suoi social. Così aveva tenuto aggiornato il suo pubblico sulla cura continua a cui si era sottoposto, raccontando paure e anche vittorie di quello che è senza dubbio uno dei cantanti spagnoli più conosciuti e amati anche nel nostro Paese. Pau Dones, con gli Jarabedepalo, aveva trovato il successo nel nostro Paese grazie a hit come "Depende" e "La Flaca" e aveva collaborato con artisti italiani come Jovanotti, Modà e Niccolò Fabi".

·        E’ morto Rademacher, il recordman della boxe.

Boxe, è morto Rademacher: l'uomo dal record che non può essere battuto. Pubblicato sabato, 06 giugno 2020 da Luigi Panella su La Repubblica.it Campione olimpico, nel primo match da professionista combatte subito per il titolo mondiale dei massimi, ma fu sconfitto da Floyd Patterson. Quando il 22 agosto del 1957 scagliò un gancio destro che mise al tappeto il campione del mondo dei pesi massimi Floyd Patterson, Pete Rademacher pensò di essere ad un appuntamento con la storia. Era il secondo round, ma Patterson si rialzò e gli inflisse una lezione di pugilato, giustiziandolo al sesto round con una serie infinita di atterramenti. In realtà Pete Rademacher,  morto all'età di 91 anni, nella storia ci era già entrato nel momento in cui mise piede sul ring a Seattle. Incrociando i guantoni con Patterson infatti conquistò un record che non potrà mai essere battuto: campione olimpico nel 1956 a Melbourne, al primo match da professionista subito un match per il titolo mondiale. Un esperimento tecnicamente 'folle', che fu replicato - anche se non al primo match - nel 2014 da Lomachenko che però era già al secondo match da prof ma nonostante le stimmate del fuoriclasse fallì la conquista del mondiale: gli riuscì al terzo, ed il record del thailandese Seanseak Muangsurin (stabilito nel 1975), fu solamente eguagliato. Quello con Patterson fu l'unico match con il titolo in palio per Rademacher, che continuò a combattere fino al 1962, affrontando anche pugili di notevole levatura come il leggendario Archie Moore. Ha chiuso con un ruolino di 23 incontri, con 15 vittorie e 7 sconfitte. Nessuno però potrà mai toglierli quel record.

·        Addio al maestro Marcello Abbado, fratello maggiore di Claudio.

Addio al maestro Marcello Abbado, fratello maggiore di Claudio. Pubblicato giovedì, 04 giugno 2020 da La Repubblica.it Il musicista è morto nella sua casa di Stresa a 93 anni. Una lunga carriera come pianista e compositore, ma anche come direttore di grandi istituzioni musicali. Nel 1993 fondò, insieme a Vladimir Delman, l'Orchestra Sinfonica di Milano "Giuseppe Verdi". E' morto a 93 anni nella sua casa di Stresa Marcello Abbado, fratello maggiore del grande direttore d'orchestra Claudio, scomparso 6 anni fa. Compositore, pianista e docente, Marcello Abbado aveva affiancato molto presto la sua attività di musicista a quella di docente e di direttore di istituzioni musicali: tra il '58 e il '66 aveva diretto il Conservatorio di Musica "Giuseppe Nicolini" di Piacenza, tra il '66 e il '72 il Conservatorio "Gioachino Rossini" di Pesaro e poi, tra il '72 e il '96, il Conservatorio "Giuseppe Verdi" di Milano. A lui si deve la creazione nel 1993, insieme a Vladimir Delman, dell'Orchestra Sinfonica di Milano "Giuseppe Verdi", di cui è stato il direttore artistico dal '93 al '96. Negli Stati Uniti Abbado senior faceva parte del "Texas Piano Institute" ed era l'unico pianista italiano membro d'onore della Japan Piano Teachers Association di Tokyo. Nato a Milano il 7 ottobre 1926 da una famiglia di musicisti, Marcello Abbado si era diplomato in pianoforte nel 1944 e poi in composizione nel 1947, iniziando subito una intensa carriera concertistica nei teatri di tutto il mondo. Ugualmente noto come pianista e compositore, ha tenuto centinaia di recital e di concerti con orchestre sinfoniche in quasi tutte le nazioni d’Europa, America, Africa, Asia e Australia. Ha suonato come solista con molti grandi direttori d’orchestra, fra i quali Guido Cantelli, e con il compositore Paul Hindemith. Con i Wiener Philharmoniker ha più volte interpretato Mozart, ha eseguito l’intera opera pianistica di Debussy e tenuto master class in tutto il mondo. Ha scritto i balletti "Scena senza storia" e "Hawai 2000", e la musica di scena per "La voix humaine" di Jean Cocteau (2003) e per "Il buio negli occhi" (2003). Per orchestra ha composto tra l'altro la cantata "La strage degli innocenti" per voci soliste, coro di voci bianche, coro misto e orchestra; le "Variazioni sopra un tema di Mozart"; l'"Hommage à Debussy". Tra le sue ultime opere il "Concerto per quattro violini e orchestra d'archi" e il ''Für Gloria und Andrea'' per pianoforte e violino, entrambi del 2008.

·        Addio a Chris Trousdale, voce della boyband Dream Street.

Coronavirus, addio a Chris Trousdale, voce della boyband Dream Street. Pubblicato giovedì, 04 giugno 2020 da La Repubblica.it. L'artista, attore e discografico aveva appena 34 anni ed è morto in seguito alle complicazioni causate dal Covid-19, come affermano alcuni amici. Il cantante Chris Trousdale, ex componente della boyband Dream Street, è scomparso all'età di 34 anni. L'annuncio della scomparsa è stato dato dalla sua manager, Amanda Stephan: "È con il cuore pesante che confermiamo la scomparsa di Chris Trousdale avvenuta il 2 giugno 2020 per una malattia non precisata. È stato una luce per tanti e mancherà moltissimo alla sua famiglia, agli amici e ai fan in tutto il mondo". Il cantante, nonostante le indicazioni vaghe della manager legate al suo decesso, era ricoverato in un ospedale di Burbank, in California, dove è morto per complicazioni legate al coronavirus, come hanno scritto sui social alcuni amici, sebbene anche la famiglia dell'artista non abbia confermato questo dettaglio. Trousdale aveva solo 8 anni quando iniziò a esibirsi a Broadway in spettacoli come Les Misérables e The Sound of Music, come si legge nella biografia sulla sua pagina Facebook ufficiale. È stato uno dei componenti originali dei Dream Street ai quale si unì, appena 13enne, nel 1999, esibendosi fino a quando la band non si sciolse, nel 2002. Gli altri ragazzini del gruppo erano Jesse McCartney, Greg Raposo, Matt Ballinger e Frankie Galasso. Durante quel periodo la boyband intraprese tournée affiancando artisti come Britney Spears e Aaron Carter, portando sui palchi statunitensi le loro hit It Happens Every Time e I Say Yeah. Dopo il singolo del 2000 t Happens Every Time e i due album Dream Street (2001) e The Biggest Fan (2002) la loro fortuna del gruppo finì in modo inaspettato a causa di denunce giudiziarie avviate dai loro genitori contro i due manager del gruppo. Trousdale tentò la strada solista ma con scarso successo. Nel 2010 partecipò a un episodio della serie tv Shake It Up e nel 2012 partecipò al talent show The Voice ma non superò le audizioni. Ha comunque continuato a incidere e l'anno scorso ha lanciato la canzone Summer.

·        E’ morto il semiologo Paolo Fabbri.

Addio al semiologo Paolo Fabbri, ha svelato i meccanismi del linguaggio e dell'arte. Pubblicato martedì, 02 giugno 2020 da Lara Crinò su La Repubblica.it. Il semiologo Paolo Fabbri Riminese, insieme ad Umberto Eco è stato tra i pionieri della disciplina. Ha insegnato in tutto il mondo. Importanti i suoi studi di semiotica delle arti. Dopo Umberto Eco, scomparso il 19 febbraio del 2016, la semiotica perde un altro nome importante, sebbene meno noto ai non specialisti: Paolo Fabbri, riminese, è morto a 81 anni. Il messaggio della AISS, l'associazione italiana di studi semiotici, mette insieme la ricchezza culturale della sua figura e il carattere, nelle parole diffuse stamattina per ricordarlo: "la parola addio segna una distanza incolmabile, una rottura dolorosa. Porta il senso della perdita, della solitudine e dell'abbandono. La semiotica e l'intero mondo della cultura perdono oggi una delle intelligenze più vivaci, brillanti e inarrestabili. Un pensiero sempre lucido, capace di segnare una direzione, rompere i confini fra le discipline, raccogliere le sfide, animare dibattiti, centri culturali, riviste, collane". Nato a Rimini nel 1939, aveva studiato a Firenze e poi a Parigi, in quegli anni Sessanta che sono stati il periodo d'oro della Semiotica, scienza dei segni nata dagli studi linguistici di Saussure e destinata, nel Novecento della comunicazione di massa, ad aver fortuna per la sua capacità di demistificarli, di vedere tutto sotto forma di costruzione linguistica aiutando così gli studiosi a "smontare" i discorsi: del potere, della pubblicità, della propaganda. Paolo Fabbri aveva studiato in Francia, all'École Pratique des Hautes Études, con i grandi: Roland Barthes, Lucien Goldmann, Algirdas Julien Greimas. Poi era tornato in Italia, dedicando la sua vita all'insegnamento universitario. Con Umberto Eco (che nel Nome della Rosa lo trasformerà nel personaggio di Paolo da Rimini) terrà corsi all'università di Firenze, alla facoltà di Architettura, poi diventerà professore incaricato di Filosofia del linguaggio ad Urbino, dove fonderà, con Carlo Bo e Giuseppe Paioni nel 1970 il Centro Internazionale di Semiotica e di Linguistica, tra le prime scuole di semiotica europee. Presidente del DAMS di Bologna, docente di Semiotica delle Arti quando, sempre a Bologna, nacque una dei primi corsi di laurea in Scienze della Comunicazione, è stato docente in molte università estere, dalla Sorbona alla UC Berkeley, alla UCLA di Los Angeles. Ha diretto numerose collane editoriali; tra i suoi libri ricordiamo La svolta semiotica (Laterza), L'Efficacia semiotica (Mimesis, 2017); Vedere ad arte. Iconico e icastico (Mimesis, 2020). Nel 2019 è uscito per Marietti, Sul racconto. Una conversazione inedita con Paolo Fabbri di Roland Barthes.

Marco Belpoliti per “la Repubblica” il 3 giugno 2020. Umberto Eco l' aveva battezzato Doctor agraficus per la sua scarsa propensione alla scrittura e l' aveva ficcato nel suo Nome della rosa come Paolo da Rimini, la città dove Paolo Fabbri era nato ottantun anni fa e dove si è spento ieri. Dello stesso Eco era stato probabilmente il primo assistente a metà degli anni Sessanta, quando il semiologo insegnava a Firenze nella facoltà di Architettura agli inizi della sua carriera accademica. Una strana carriera è stata invece quella di Fabbri, uno degli uomini più colti che ci siano stati nell' Italia degli ultimi cinquant'anni: aveva letto tutto ed era informato su tutto, curioso e vorace, rapidissimo nel pensare e nel parlare. Dopo una laurea in Legge a Firenze nel 1962, era approdato a Parigi per studiare con Lucien Goldmann, lo specialista di Pascal e Racine, per via dei suoi interessi di filosofia del diritto, e lì aveva conosciuto Algirdas Julien Greimas, un lituano i cui studi avrebbe poi cambiato la semiologia, anche lui, forse non a caso, laureato in Legge. Il corso che Fabbri seguì era dedicato proprio alla semiologia del diritto e così il laureato in giurisprudenza diventò il principale assistente di Greimas. Con lui conobbe tutto il gruppo degli strutturalisti parigini, Roland Barthes in testa, che iniziò a frequentare assiduamente, e negli anni successivi: Lyotard, Virilio, Latour e Baudrillard; con quest' ultimo, poi, ci passava le vacanze. A un certo punto avrebbe dovuto succedere al suo maestro, ma sino a quel punto aveva scritto ben poco: nessun libro, solo alcuni articoli, e l' accademia francese gli preferì un altro. Forse per questa spiccata vocazione all' insegnamento orale il suo libro più efficace è una ampia raccolta d' interviste uscite nel 2017 da Mimesis, L' efficacia semiotica. Oltre che da una curiosità onnivora - Greimas, diceva, gli indicava i libri da non leggere -, Fabbri possedeva una spiccata inquietudine, così che è stato una sorta di chierico vagante, passato in tanti luoghi di studio e d' insegnamento, in molte università in giro per il mondo, da Palermo a Madrid, da Venezia a Lima. Una cosa importante è stata la fondazione del Centro internazionale di Semiotica e Linguistica a Urbino, che ha diretto, in particolare i seminari estivi cui partecipano scrittori come Italo Calvino e Gianni Celati. Proprio lì, alle lezioni di Fabbri, sono nate alcune idee del Calvino combinatorio negli anni Settanta, di cui Fabbri fu amico e suggeritore. Non c' è solo questo incontro importante. Negli anni Settanta Fabbri è andato a insegnare a San Diego, e lì ha collaborato con Erving Goffman, il grande sociologo, studioso dei comportamenti in pubblico. Da quel periodo deriva l' attenzione di Fabbri per la microsociologia, per gli aspetti minuti della vita quotidiana, su cui ha scritto brevi ma fulminanti articoli sui giornali. La vocazione più profonda di questo intellettuale di taglio enciclopedista, quasi un collaboratore postumo dell' impresa di Diderot e D' Alambert, era proprio per un sapere ibrido e per lo scambio delle lingue, come ha spiegato in un suo libro, Elogio di Babele. La semiotica deve molto a Fabbri che, pur non essendo un personaggio noto al grande pubblico, ha rifondato sulla scia di Greimas quella disciplina: La svolta semiotica del 1998 ne è un efficace esempio. Parigi è stata la sua patria di elezione; lì è stato anche uno straordinario direttore dell' Istituto italiano di cultura negli anni Novanta. Senza dimenticare poi l' insegnamento al Dams di Bologna, dove lo aveva voluto Eco, negli anni Settanta durato oltre vent' anni con Semiotica delle arti; proprio lo scorso anno è uscito il grosso volume dedicato ai suoi scritti sull' arte contemporanea, Vedere ad arte (Mimesis). La sua scrittura non è per nulla facile, e tuttavia mai oscura, scrittura densa dove ogni parola è soppesata e incastonata in frasi a tratti imprevedibili ed ironiche, come è consueto nello spirito romagnolo, di cui è stato un autentico interprete. Il 2 giugno è morto a Rimini il grande semiologo Paolo Fabbri. Lo ricordiamo con l'intervento al Festival della Comunicazione di Camogli 2016 in cui risponde alla domanda pro o contro il web posta da Umberto Eco. L'idea di Eco era che bisogna fare una critica della società informatica come c'è stata una critica della società industriale. Ci preoccupiamo troppo della comunicazione esplicita ma non ci preoccupiamo del segreto nella comunicazione. L'informazione oggi è enorme, abnorme, c'è un'esorbitazione comunicativa. Il deep web è il sommerso del web; il web in chiaro rappresenta forse il 4% della totalità del web. Fabbri conduce qui nei meandri del deep web. All'interno del mondo nero esistono trappole, siti civetta, finti profili. In Siria hanno costruito un falso sito che è servito per catturare gli oppositori di Hassad.

·        E' morto Carlo Ubbiali, leggenda del motociclismo italiano.

E' morto Carlo Ubbiali, leggenda del motociclismo italiano. Pubblicato martedì, 02 giugno 2020 da La Repubblica.it Il leggendario pilota degli anni '50, vincitore di 9 titoli mondiali, è scomparso nella sua Bergamo a 90 anni. A dicembre era stato insignito del Collare d'Oro al merito sportivo dal Coni. E' morto a Bergamo all'età di 90 anni Carlo Ubbiali, leggendario pilota del motociclismo degli anni '50 che per numero di vittoria può essere accostato a Giacomo Agostini e Valentino Rossi. Era ricoverato da inizio maggio per problemi respiratori. Ubbiali ha vinto in carriera nove titoli mondiali (sei nella 125 e tre nella 250) e otto titoli italiani, aggiudicandosi 39 corse iridate sulle 74 disputate. Nato nel 1929, bergamasco come Agostini, nella sua carriera ha duellato per lo più con Tarquinio Provini in un dualismo tutto italiano simile a quello tra Fausto Coppi e Gino Bartali nel ciclismo. A dicembre era stato insignito del Collare d'Oro al merito sportivo dal Coni, la più alta onorificenza conferita dal Comitato olimpico nazionale italiano.

Agostini: "Sognavo di diventare come lui". "Ho un grande ricordo di Ubbiali, avevo 10 anni quando vinceva tutto e sognavo di diventare come lui un giorno. E' stato per me un esempio, un incentivo e una fonte d'ispirazione. Un vero e proprio punto di riferimento" ricorda all'Ansa Giacomo Agostini. "Lui correva con la testa, da grande campione, con intelligenza e furbizia - aggiunge l'x campione -. All'epoca si vedeva poco in tv, leggevo le sue imprese sui giornali. Lo descrivevano con fosse un tutt'uno con la moto. Siamo accomunati dalla MV Agusta: quando ingaggiarono me chiesero informazioni sul mio conto a lui".

Addio "Volpe" Ubbiali. Sul podio del motomondo con Agostini e Rossi. Carlo Ubbiali si è spento a 90 anni. Era un calcolatore e il soprannome diceva tutto. Tra 125 e 250 ha vinto 9 titoli come Valentino. Ivan Scelsa, Mercoledì 03/06/2020 su Il Giornale. La sua caratteristica era quella di studiare i punti deboli dell'avversario durante le prime fasi di gara per poi attaccarlo nella seconda parte della corsa. Intelligente ed attento più alla classifica generale che alla singola vittoria, anche dopo aver lasciato le competizioni non aveva mai abbandonato il circo motociclistico in cui gli addetti ai lavori solevano indicarlo con quel nomignolo che per anni lo aveva accompagnato in pista come in strada. Se ne è andata così La volpe, per molti Il cinesino, altro simpatico soprannome attribuitogli dai numerosi sostenitori per le sue caratteristiche fisiche. Amava parlare delle sue avventure, Ubbiali. Lo faceva volentieri, snocciolando dalla valigia dei ricordi gli aneddoti legati agli episodi più celebri di quelle ardite e lunghe corse disputate tutte d'un fiato, con l'ago della lancetta del contachilometri sempre al limite. Dalla Coppa di Bergamo del 46 al Gran Premio delle Mura dell'anno dopo dove, in sella ad una motocicletta prestatagli dall'allora comandante della Squadra Mobile, ottenne il suo primo grande successo e che - ancora oggi - lo legava a quella rievocazione che si svolge sul circuito cittadino di cui, fatalità, proprio il 2 giugno 2019, fu per l'ultima volta applauditissimo ospite. Per i sostenitori che ogni anno attendevano il suo arrivo all'Historic Gran Prix, il vincitore restava comunque lui, nonostante quella sopraggiunta squalifica per aver corso da minorenne. Talento precoce, negli anni Cinquanta disputò importantissime gare, non solo nazionali. Seppe sempre mettere in mostra il suo innato talento, conquistando gli spettatori anche all'estero, sul durissimo circuito della Sei giorni del Galles, così come nel Gran premio dell'Ulster ed al Tourist Trophy, sull'Isola di Man. Alla Milano-Taranto del 1950, fu protagonista di una corsa rocambolesca intervallata da noie meccaniche ed altrettante, entusiasmanti, rimonte in classifica che lo portarono al traguardo della Città dei due mari stremato e sospinto dalla folla a causa dell'ennesima ed imprevedibile rottura. Sebbene quell'aiuto fosse giunto contro la sua volontà, anche in quel caso arrivò una squalifica. Il destino sembrava davvero essergli contro, ma dall'anno seguente invertì radicalmente quell'infausta tendenza, lanciandolo verso la conquista di nove campionati mondiali di velocità in sole dieci stagioni (otto i titoli nazionali) per un totale di 39 vittorie in 74 Gran premi disputati. Numeri da brivido, ottenuti in un decennio in cui le tragedie nelle competizioni su strada erano all'ordine del giorno. Passato dalla Mondial alla MV Agusta - a cui rimase legato fino al termine della carriera - decise di ritirarsi dopo la morte del fratello Maurizio, suo consigliere e tecnico personale. Lo fece anche per la voglia di sposarsi e tornare nella sua città e per la consapevolezza dell'inconciliabilità tra la vita di un pilota e quella del buon padre di famiglia. Insignito il 16 dicembre scorso della massima onorificenza sportiva rilasciata dal Coni, si è spento nella sua Bergamo, dove era ricoverato dallo scorso mese per problemi respiratori. Verrà certamente ricordato tra i piloti più vittoriosi di sempre, sul podio con Valentino Rossi e quel Giacomo Agostini che lui stesso introdusse alla corte del conte Agusta e che oggi lo ricorda commosso.

·        È morto Roberto Gervaso.

È morto Roberto Gervaso. A 82 anni dopo una lunga malattia si è spento Roberto Gervaso, co-autore della Storia d'Italia, giornalista e divulgatore. Francesca Galici, Martedì 02/06/2020 su Il Giornale. A 82 anni si è spento Roberto Gervaso. Lo scrittore e giornalista è stato per lungo tempo al fianco di Indro Montanelli, che lo portò al Corriere della Sera nel 1960. Dagli anni Settanta fino a oggi ha lasciato la sua firma su tutti i più importanti quotidiani nazionali, anche su IlGiornale, per il quale ha curato la rubrica Il Gervaso di Pandora. Si è spento a Milano dopo una lunga malattia. Ha tramandato la sua passione per il giornalismo e per il racconto a sua figlia Veronica, giornalista del Tg5. Ha legato il suo nome a una lunga fila di biografie di personaggi illustri ed è stato uno dei primi divulgatori storici del nostro Paese. Proprio insieme a Indro Montanelli i primi sei volumi della Storia d'Italia, una grandiosa opera in 22 volumi che racconta l'evoluzione del nostro Paese dalla caduta dell'Impero Romano d'Occidente in poi. A Roberto Gervaso si deve la lettura approfondita e la scansione dei fatti, con dovizia di particolari e maniacale precisione, dell'Italia dal Medioevo al Settecento illuminista. Proprio grazie a uno di questi volumi, che negli anni sono diventati un logseller che costituisce la spina dorsale della cultura storica italiana, Roberto Gervaso e Indro Montanelli hanno vinto il Premio Bancarella nel 1967. Il secondo Premio Bancarella, Roberto Gervaso l'ha vinto come solista per la sua biografia Cagliostro, nel 1973. Si è fatto conoscere al grande pubblico televisivo, che ha imparato ad amarlo per il suo garbo e la sconfinata cultura ma anche per il suo look sempre impeccabile, arricchito di volta in volta da un diverso papillon. Roberto Gervaso è stato un uomo di cultura e di parola, i cui aforismi hanno lasciato il segno in generazioni di lettori e appassionati, che ora si sentono un po' più soli senza il suo verbo. 300 diversi papillon e 100 cappelli Borsalino nell'armadio, oltre 200 donne amate e 25mila aforismi pubblicati. La vita di Roberto Gervaso in numeri è grandiosa, così come è stata la sua lunghissima carriera. Per sessant'anni ha raccontato l'Italia nelle sue sfumature come solo chi sa coniugare sapere e passione può fare. Il mondo del giornalismo è in lutto per la sua scomparsa, ma i ricordi per Gervaso giungono da più parti per il giornalista che, con ironia e sagacia, in punta di penna, è stato il Grillo Parlante d'Italia. Commosso ed elegante il saluto di sua figlia Veronica, che ha voluto ricordare suo padre con un tweet: "Sei stato il più grande, colto e ironico scrittore che abbia mai conosciuto. E io ho avuto la fortuna di essere tua figlia. Sono sicura che racconterai i tuoi splendidi aforismi anche lassù. Io ti porterò sempre con me. Addio". Tanti i messaggi di cordoglio che in queste ore si stanno susseguendo sui social e non solo. "Un grande giornalista, un uomo pieno di ironia. I suoi scritti con Indro Montanelli sono stati di insegnamento per tutti noi giovani redattori di allora. Riposa in pace, Roberto. Un abbraccio alla famiglia", così ha commentato Antonio Tajani la morte di Roberto Gervaso. Un messaggio di cordoglio anche da parte di Silvio Belrusconi che ha voluto ricordare l'"amico Roberto": "Quella di Roberto Gervaso è una grave perdita per me, per il giornalismo, per l'Italia. Roberto era un amico sincero e generoso, un grande scrittore ma soprattutto un uomo libero. Un uomo con il coraggio delle sue opinioni controcorrente, sempre garbato e signorile, colto e documentato. Mi mancherà, mancherà a tutti gli italiani liberi".

È morto Roberto Gervaso. Lo scrittore aveva 82 anni. Pubblicato martedì, 02 giugno 2020 da Annarita Briganti su La Repubblica.it. Si è spento a Milano dopo una lunga malattia. Aveva 82 anni. Celebre volto anche televisivo, firmò col fondatore del "Giornale" i primi sei volumi della popolarissima "Storia d'Italia". È morto a Milano a 82 anni, dopo una lunga malattia, lo scrittore e giornalista Roberto Gervaso. Autore di numerosi libri di successo, in particolare biografie di celebri personaggi, è stato tra i primi protagonisti della grande divulgazione storica in Italia. Lascia la moglie Vittoria e la figlia Veronica, giornalista del Tg5. E' stato anche un popolare personaggio della tv dove appariva sempre con il suo immancabile papillon ed era noto per i suoi aforismi. #robertogervaso Sei stato il più grande, colto e ironico scrittore che abbia mai conosciuto. E io ho avuto la fortuna di essere tua figlia. Sono sicura che racconterai i tuoi splendidi aforismi anche lassù. Io ti porterò sempre con me. Addio.— Veronica Gervaso. Roberto Gervaso era nato a Roma il 9 luglio 1937. Aveva studiato in Italia e negli Stati Uniti e si era laureato in lettere moderne, con una tesi sul filosofo Tommaso Campanella. Aveva collaborato a quotidiani e periodici, alla radio e alla televisione, e per decenni si è dedicato alla divulgazione storica, sua grande passione, come testimoniano decine di libri pubblicati da Rizzoli, Bompiani e Mondadori. Gervaso aveva iniziato l'attività giornalistica nel 1960 al "Corriere della Sera", presentato da Montanelli. Tra il 1965 e il 1970 ha firmato, insieme a Montanelli, i primi sei volumi della "Storia d'Italia" edita da Rizzoli, acquisendo grande notorietà. E' Gervaso ad aver curato con dettagliata precisione la scansione cronologica dell'Italia "dai secoli bui" del Medioevo a quella del Settecento illuminista e riformatore. Nel 1967, per uno di quei volumi, "L'Italia dei Comuni. Il Medio Evo dal 1000 al 1250", Gervaso e Montanelli vinsero il Premio Bancarella. Gervaso è poi tornato a vincere da solo il suo secondo Premio Bancarella nel 1973 con la biografia "Cagliostro" (Rizzoli; nuova edizione con il titolo "Il grande mago. Vita, morte e miracoli del conte di Cagliostro", Rizzoli, 2002).

Da repubblica.it il 2 giugno 2020. È morto a Milano a 82 anni, dopo una lunga malattia, lo scrittore e giornalista Roberto Gervaso. Autore di numerosi libri di successo, in particolare biografie di celebri personaggi, è stato tra i primi protagonisti della grande divulgazione storica in Italia. Lascia la moglie Vittoria e la figlia Veronica, giornalista del Tg5. E' stato anche un popolare personaggio della tv dove appariva sempre con il suo immancabile papillon ed è noto per i suoi aforismi. Roberto Gervaso era nato a Roma il 9 luglio 1937. Aveva studiato in Italia e negli Stati Uniti e si era laureato in lettere moderne, con una tesi sul filosofo Tommaso Campanella. Aveva collaborato a quotidiani e periodici, alla radio e alla televisione, e per decenni si è dedicato alla divulgazione storica, sua grande passione, come testimoniano decine di libri pubblicati da Rizzoli, Bompiani e Mondadori. Gervaso aveva iniziato l'attività giornalistica nel 1960 al "Corriere della Sera", presentato da Montanelli. Tra il 1965 e il 1970 ha firmato, insieme a Montanelli, i primi sei volumi della "Storia d'Italia" edita da Rizzoli, acquisendo grande notorietà. E' Gervaso che cura con dettagliata precisione la scansione cronologica dell'Italia "dai secoli bui" del Medioevo a quella del Settecento illuminista e riformatore. Nel 1967, per uno di quei volumi, "L'Italia dei Comuni. Il Medio Evo dal 1000 al 1250", Gervaso e Montanelli vinceranno il Premio Bancarella. Gervaso è poi tornato a vincere da solo il suo secondo Premio Bancarella nel 1973 con la biografia "Cagliostro" (Rizzoli; nuova edizione con il titolo "Il grande mago. Vita, morte e miracoli del conte di Cagliostro", Rizzoli, 2002).

«Io e il mio amico Roberto Gervaso». Francesco Damato su Il Dubbio il 5 giugno 2020. Lo attiravano le donne, le medicine e la sua macchina da scrivere. Ai politici, come Andreotti, faceva venire il fiatone: all’attico senza ascensore. A farmi conoscere Roberto Gervaso, che sino ad allora avevo soltanto letto soprattutto per i libri sulla storia d’Italia scritti con Indro Montanelli, fu la madre dello stesso Montanelli, l’indimenticabile Maddalena. Che gli voleva bene come a un secondo figlio. Dopo avermelo presentato mi volle incontrare di nuovo per chiedermi di tentare col figlio, di cui conosceva il rapporto stretto che si era creato fra di noi al Giornale fondato poco più di un anno prima, ciò che non era riuscito a lei: convincerlo ad assumere Roberto. Che moriva dalla voglia di seguirlo in quell’avventura con i fuoriusciti dal Corriere della Sera diretto da Piero Ottone, dei quali peraltro io non facevo parte, provenendo dal Giornale d’Italia. Ma non riuscii nella missione. E ciò non perché a Montanelli non piacesse il modo di scrivere di Gervaso, che d’altronde egli aveva praticamente portato al successo associandolo come autore dei suoi libri di divulgazione storica. Semplicemente non gradiva che Gervaso accreditasse in qualche modo, secondo lui, la voce che fosse un suo figlio segreto, tanto gli assomigliava nel fisico e nello stile. Quando, nel 1981, scoppiò quello che fu subito definito “lo scandalo della P2”- con la scoperta e la diffusione prima a singhiozzo e poi integrale, almeno nelle apparenze, delle liste della loggia massonica segreta di Licio Gelli, che comprendeva Gervaso non solo come affiliato ma anche come arruolatore- Montanelli liquidò la faccenda come una mezza pagliacciata. E, nel tentativo di rafforzare questa sua rappresentazione, presentò tutti quelli che ne furono coinvolti come gente sprovveduta più o meno in grembiulino,, a dispetto dei gradi che portavano da militari, delle funzioni che rivestivano nell’alta burocrazia o nella politica, e del successo nelle loro professioni di giornalisti, medici e altro ancora. Lo stesso trattamento toccò a Gervaso, che ne rimase molto amareggiato. E mi toccò ancora una volta, su sua diretta richiesta questa volta, di parlarne con Montanelli. Che però era già in difficoltà di suo perché con Gelli si era una volta incontrato – tanto segretamente che non se n’era mai saputo nulla per chiedergli una mano nell’apertura di una linea di credito al Giornale presso il Banco Ambrosiano, prima che Berlusconi ne diventasse editore risolvendo i problemi provocati dalla rottura dei rapporti con Eugenio Cefis. Grazie al quale il Giornale era potuto uscire. Pertanto solo a sentir parlare della delusione di Gervaso e del modo di rimediarvi Montanelli mi mandò quasi a quel paese. Gervaso, pur rimanendone un adoratore, si sentì quella volta davvero tradito, come un figlio dal padre. E mi toccò consolarlo in più di un incontro, finendo spesso anche per scherzarci sopra. Era accaduto che Roberto, di formazione orgogliosamente liberale, era stato colpito dall’anticomunismo professatogli da Gelli e, in un periodo in cui molti sembravano rassegnati a cedere al Pci, avesse involontariamente inguaiato un bel po’ di amici, fra i quali il direttore del Gr2 della Rai Gustavo Selva e Silvio Berlusconi. I quali, o convinti a iscriversi da lui o a loro insaputa, si trovarono in quelle maledette liste, con quali complicazioni vi lascio immaginare, visto che la P2 divenne sui giornali, prima ancora o diversamente dai tribunali, o nella commissione parlamentare d’inchiesta presieduta dalla ex ministra democristiana Tina Anselmi, la sentina della Repubblica: un’accolita di affaristi e carrieristi nella migliore delle ipotesi, di golpisti o aspiranti tali nella peggiore. Francamente, solo l’idea di un Gervaso golpista mi faceva ridere conoscendone le abitudini e le debolezze. Ad attirarlo, però più nelle parole che nei fatti, bastandogli ed avanzandogli la sua Vittoria, erano solo le donne, le farmacie per le malattie che immaginava di avere, la macchina da scrivere con cui sfornava pezzi e libri in quantità quasi industriale e le letture, particolarmente quelle di Seneca. Che egli consigliava a tutti gli amici, come ha appena testimoniato sul Messaggero anche il buon Enrico Vanzina. Non appena ebbi l’occasione di dimostrargli la considerazione e la simpatia che avevo per lui, non cambiando né l’una né l’altra nel frastuono della P2, lo feci ben volentieri. Lo associai, per esempio, ai commenti politici nella trasmissione televisiva dell’allora Fininvest “Parlamento in”, facendogli fare “il contrappunto” al mio “punto”. E, arrivato alla direzione del Giorno, nel 1989, gli affidai una rubrica nella pagina della cultura procurandomi però una giornata di sciopero della redazione, peraltro proclamato proprio la sera in cui ero a cena nel Varesotto col presidente dell’Eni Franco Reviglio, che era il mio editore. Pur di togliermi dall’imbarazzo, sapendo che ero pronto a dimettermi se fosse continuato il braccio di ferro col comitato di redazione, Gervaso affidò alle agenzie una lettera di rinuncia alla collaborazione. «Così avrebbe fatto Seneca», mi spiegò per telefono esprimendomi tutta la solidarietà “umana e professionale” per dover dirigere quella redazione, che certamente avevo solo ereditato. E che aveva scambiato i papillon di Roberto per armi improprie. Poi – ma troppo tardi ormai per convincerlo a ripensarci, e forse neppure abbastanza per far cambiare idea al comitato di redazione- il ministro in persona delle Partecipazioni Statali, il democristiano Carlo Fracanzani, definito “il conte rosso” nel suo collegio elettorale veneto, rispose alle interrogazioni parlamentari provocate dallo sciopero al Giorno riconoscendo, bontà sua, il diritto di Gervaso di collaborare ad un giornale di proprietà pubblica. L’ultima passione politica che ricordi di Roberto fu più passiva che attiva. Dei suoi aforismi, raccolti in articoli e libri sempre di grande successo, s’invaghì negli anni del primo centrodestra al governo Gianfranco Fini. Ciò aggravò in qualche modo il contenzioso con Berlusconi, che considerava Roberto un uomo suo. Ne aveva frequentato la casa molto prima di entrare in politica e di assumerlo nelle sue televisioni, arrivando anche lui col fiatone alle sue cene, come Giulio Andreotti, Antonio Bisaglia, Renato Altissimo e tanti altri. La casa romana di Gervaso, a pochi passi da Piazza del Popolo, era all’ultimo piano di un palazzo maledettamente privo di ascensore. E in una strada intitolata, malgrado il suo ostentato laicismo, a Gesù e Maria: cosa invece che Andreotti considerava provvidenziale anche per l’amico.

BIOGRAFIA DI ROBERTO GERVASO. Da cinquantamila.it – la storia raccontata da Giorgio Dell’Arti.

Roma 9 luglio 1937. Scrittore. Giornalista. Laurea in Lettere moderne. Collabora con Mattino e Messaggero. Iniziò al Corriere della Sera. Da anni conduce su Retequattro Peste e corna & gocce di storia, breve editoriale su fatti di costume o di attualità. Moltissimi libri tradotti anche all’estero. Grande intervistatore (domande e risposte brevissime). Divulgatore di biografie storiche (Cagliostro, Casanova, Claretta, Nerone ecc.). Celebre per i suoi aforismi.

«Vivevo a Torino con i miei genitori e con mia sorella e ho conosciuto, non dico la fame, ma il bisogno, gli stenti, che mi sono stati di grande insegnamento e hanno contribuito a plasmare il mio carattere. A scuola me la sono sempre cavata, ma la mia pagella era più irta di sei e di sette che di otto, di nove, di dieci. Un po’ meglio sono andato all’università, ma mi sono laureato a ventotto anni. E non perché battessi la fiacca, ma perché, a ventitré, con il viatico di Montanelli, entrai al Corriere della Sera. Ero reduce da un infelice viaggio negli Stati Uniti dove, con una borsa di studio Fulbright, avrei dovuto fermarmi due anni. Ma dopo soli tre mesi mi buscai un devastante esaurimento nervoso e dovetti rientrare in Italia. Al Corriere della Sera feci per un anno e mezzo il cronista di nera. Avevo i nervi a pezzi e atroci coliche renali, ma strinsi i denti e i pugni e mai cedetti alla tentazione di piantare tutto, di dire addio al giornalismo. Montanelli che – come me – ciclicamente soffriva di depressione, mi fu molto vicino. Quando si rese conto che non ce la facevo, ottenne il mio trasferimento a Roma, dove lui viveva con la moglie Colette. Io mi acquartierai a casa di mio nonno e delle mie quattro zie finché non mi emancipai e con i diritti d’autore del primo libro, L’Italia dei secoli bui, scritto a quattro mani con il grande Maestro, affittai una bellissima mansarda dietro piazza Navona. Più tardi conobbi Vittoria e ci sposammo. Lasciai il Corriere della Sera e scrissi su molti altri giornali, feci tanta radio e tanta televisione. Erano gli anni Settanta, la contestazione aveva lasciato nella società rovinosi strascichi di permissivismo e, insieme, d’intolleranza. Chi non militava a sinistra, era, ipso facto, di destra. E chi era di destra, non era un liberale, un conservatore, un moderato. Chi era di destra, era un fascista. Io, e non per eroismo, ma per temperamento, non abiurai la mia fede politica e questo mi valse le censure e gli anatemi di molti colleghi».

Con Montanelli ha scritto i primi sei volumi della Storia d’Italia (Rizzoli). Da ultimo per Mondadori Lo stivale zoppo. Una storia d’Italia irriverente dal fascismo a oggi (2013).

Presidente onorario dell’Esda (European sexual dysfunction alliance).

Il suo nome era nella lista della P2 e Berlusconi sostiene che fu proprio lui a presentargli Licio Gelli.

Indossa sempre e solo il papillon.

Vegetariano per anni («perché lo era mamma»): «Fosse libero (da dieta e medicine), Gervaso un cucchiaio lo affonderebbe nella nutella, l’altro nel gorgonzola “o nello squacquerone, ha presente?”. E invece i piaceri quotidiani sono “una bella mela renetta, però matura, una banana per il potassio, del radicchio o della cappuccina, riso o pasta integrale, formaggio poco, spesso uova, ceci, lenticchie”. Si pregia però della compagnia risorgimentale: “Mazzini era vegetariano certo, sempre pallido, però suonava la chitarra, Garibaldi non credo proprio. Sono frugale come Montanelli che, magari pochi bocconi, apprezzava pure la fiorentina”» (Giovanna Cavalli) [Cds 12/2/2009].

Dalla moglie Vittoria ha avuto una figlia, Veronica (Roma 13 gennaio 1974), giornalista a Mediaset.

Giampiero Mughini per Dagospia il 3 marzo 2020. Caro Dago, leggo le (numerose) commemorazioni di Roberto Gervaso, tutte intinte nel brodo della commozione e dell’ammirazione per questo specialissimo personaggio, e allibisco. Dio come cambia il mondo, e come nessuno si ricorda più com’era e chi era vent’anni fa. Quando avevo sfiorato per la prima volta Roberto e la sua squisitissima moglie Vittoria. Pur così distanti i nostri rispettivi trascorsi umani e professionali, avevo per lui nient’altro che simpatia e a parte i bellissimi Borsalino che lui sfoggiava. Avevo letto solo un paio dei libri scritti da Gervaso in accoppiata con Montanelli (libri scritti da lui al 90 per cento), perché quelli non erano il mio genere. Avevo invece apprezzato il libro sacrosanto su Claretta Petacci, una donna che seguì il proprio uomo sino al fondo dell’abisso. Quanto alle sue interviste pubblicate sui giornali – quelle interviste pungenti, incalzanti, tutto sugo – andavano giù come un bicchiere di seltz al limone. Ma soprattutto c’era che me ne strafottevo altamente che lui fosse stato iscritto alla P2, per la carriera si fa questo e altro e tutti del resto hanno fatto e fanno questo e ben altro. (Lo dice uno che smise di andare a giocare a ping-pong all’Ymca perché mi avevano chiesto di iscrivermi, e io non mi sono mai iscritto a nulla.) E questo è il punto cruciale. Perché vent’anni fa Roberto era schivato come fosse un lebbroso, e del resto un giorno andrà fatta la storia del cannibalismo con cui alcuni giornalisti “politicamente corretti” divorarono alcuni giornalisti rivali, e ne furono drammaticamente stroncati i destini professionali di alcuni galantuomini, da Roberto Ciuni all’ex direttore del Corsera Franco Di Bella. Gente su cui venne tatuata l’ombra dello spregio, del rifiuto umano e professionale. Roberto uno di questi. Ripeto, io me ne strafottevo che lui fosse uno di quegli iscritti e i nostri rapporti non ne furono condizionati neppure un po’. Tanto che Roberto aveva un suo libro in uscita e mi chiese di andare in non ricordo quale circolo romano a presentarlo. Cosa che feci senza esitare, io che di solito scanso le presentazioni dei libri a cominciare dai miei. Me lo ricordo come se fossi ora. Mi alzai a dire che avevo stima e simpatia umana per Roberto. Non so quanti altri lo avrebbero fatto in quel momento. Non credo tanti quante sono le dita di una mano. Vent’anni fa, ahimè quanto diversi da oggi. Addio, Roberto.

Valeria Arnaldi per ''Il Messaggero'' il 7 giugno 2020. La piazza assolata. Il dolore coperto - non nascosto - dalle mascherine. I molti amici di una vita, anche noti, in fila in attesa di entrare per l' ultimo saluto. Poi, all' uscita, l' applauso, tra sguardi evidentemente commossi, ma senza lacrime per omaggiare il suo gusto per il sorriso, alimentato da ironia, intelligenza, cultura.

LE REGOLE. Roma ha salutato così ieri lo scrittore e giornalista Roberto Gervaso, scomparso martedì scorso. I funerali, alla basilica di Santa Maria in Montesanto, Chiesa degli Artisti, in piazza del Popolo, si sono tenuti secondo le regole dettate dall' emergenza sanitaria: ingresso contingentato, distanziamento, misurazione della temperatura. Misure imposte e rispettate che, paradossalmente, hanno reso ancora più visibile il desiderio di essere insieme, vicini seppure fisicamente distanti. A far sentire il loro affetto alla moglie Vittoria, alla figlia Veronica e ai nipoti sono stati numerosi volti noti di politica, spettacolo, informazione.

GLI AMICI. «Era un fuoriclasse assoluto - ha commentato Enrico Vanzina - coltissimo, intelligentissimo, rispettoso, spiritosissimo, mai maligno, aveva un atteggiamento da filosofo. Quando mio fratello stava morendo, mi citava aforismi di Seneca». Era «Un intellettuale vero e un amico» per Renzo Arbore: «Mi stupiva ogni volta con i suoi aforismi straordinari. E ha scritto dei libri bellissimi e interessantissimi che divoravo. E stato uno storico che con Indro Montanelli ha divulgato la storia d' Italia». Pier Francesco Pingitore ha raccontato le molte risate fatte insieme: «Prendevamo sempre in giro tutti per scherzare, mi mancherà molto». Intenso anche il ricordo della politica. «Per noi giovani giornalisti - ha detto l' europarlamentare Antonio Tajani - Gervaso era, un esempio. Era un uomo libero come dovrebbero essere tutti gli uomini e soprattutto tutti gli uomini di cultura». Era «un vulcano di amicizia, di generosità e di cultura», per il senatore Maurizio Gasparri.

LA SCRITTURA. «Un genio anarchico, aveva una capacità di scrittura straordinaria, è sempre stato un battitore libero», secondo l' ex deputato Fabrizio Cicchitto. In chiesa pure Simonetta Matone, Aurelio Regina, Corrado Calabrò, Andrea Monorchio. Presenti Franco Bechis, Roberto Napoletano, Pierluigi Diaco. Senza dimenticare Francesco Romeo, Francesco Cognetti, Antonio Garcovich. E Giucas Casella. Il rettore della Basilica, don Walter Insero, che ha celebrato la messa, ha ritratto l' uomo oltre il personaggio noto, soffermandosi sull' amore per la moglie, «edificante», sulla sua capacità di essere un «padre presente», sull' affetto per gli animali, in particolare per la sua cagnolina Lola, portata dai familiari in chiesa. «L' amore è eterno finché dura affermava Gervaso», ha ricordato Insero, sottolineando come, con la sua vita, lo scrittore abbia dimostrato che in realtà il sentimento va ben oltre.

L' USCITA. Ad accompagnare il feretro all' uscita, un lungo applauso. Dopo la funzione, alcuni amici si sono attardati in piazza, quasi a voler prolungare l' addio. Un volo di passeri tra le colonne della basilica si è fatto sollecito per la memoria: «M' accorgo del cielo infinito - diceva Gervaso - solo se una rondine ne percorre un tratto».

Intervista di Luigi Mascheroni per il Giornale pubblicata da Dagospia il 9-7-2017. Roberto Gervaso. Trecento papillon, cento cappelli («tutti Borsalino, li porto sempre. Un po’ per proteggermi, un po’ per vezzo»), duecento donne amate («tu selezioni molto? Io per niente: ho preso di tutto nella vita, duchesse e commesse, miss e bruttine, anche una teologa, anche una zoppa, anche una balbuziente che ritrovava la parola solo a letto...»), una moglie bellissima («che in un momento di distrazione si è invaghita di me»), una figlia («fa la giornalista...»), tre nipoti («è come avere l’Isis in casa»), quattro case tra Milano, Palermo, Roma e la campagna romana - dove passa l’estate e lo incontro - un domestico filippino che canta magnificamente i Platters, un formidabile elenco di malattie («ne ho avute tante, ora ne ho ancora di più»), un Himalaya di medicine sparse per la villa («vuoi qualche goccia di Lexotan?»), tre depressioni devastanti («a 23, 34 e 70 anni, in tutto mi hanno portato via dieci anni di vita»), una vita vissuta «in uno stato di inquietudine perenne», sessant’anni di carriera tra quotidiani, settimanali, radio e tv, duemila interviste entrate nella storia del giornalismo, 25mila aforismi usciti dalla sua intelligenza, 52 libri pubblicati («più uno in arrivo, a ottobre, un pamphlet sulla storia d’Italia dell’ultimo mezzo secolo, titolo: Che palle!») e ottant’anni compiuti oggi.

Auguri, Robertino. «Robertino mi chiamava Montanelli. Gli devo tutto: andai apposta a Roma per conoscerlo, il mio regalo della "maturità", era il ’56, quando leggevo e ritagliavo tutti i suoi pezzi. Mi prese a ben volere: mi fece entrare al Corriere d’informazione, poi al Corriere della sera, mi fece scrivere con lui sei volumi della Storia d’Italia, per la quale mi associò - per i diritti d’autore - al 50 per cento, quando al massimo avrei dovuto avere il 15...

A proposito: sai quanto abbiamo venduto? Diciotto milioni di copie... Comunque. Mi ha aiutato a diventare inviato, per anni mi ha ospitato a casa sua o al ristorante a colazione, mi ha insegnato tantissimo in questo mestiere. Mi voleva così bene...».

Che a un certo punto iniziò a girare la voce che tu fossi suo figlio.

«Aveva 28 anni più di me, ero magro come lui. Ci stava... Io l’ho sempre trovata una cosa divertente».

E lui?

«Con lui non ne abbiamo mai parlato. Però una sera mia moglie fece una cena, a Palazzo Visconti, a Milano. Una cosa sontuosa. C’erano tutti quelli che contavano, per capirci. A un certo punto si avvicina al mio tavolo Maria Gabriella, la figlia di Maria José, l’ultima regina d’Italia, con la quale Montanelli ebbe una relazione, si conobbero a Cortina... Insomma, guardando mia moglie, mi abbraccia e dice: “Ecco Roberto, mio fratello...”. Ci scherzava anche lei sul fatto di essere figlia di Indro. Nel suo caso può essere. Nel mio, una cosa su cui ridere. Come ho sempre fatto: su tutto».

La vita è una commedia?

«Che finisce in tragedia. Ma che ha momenti farseschi e altri drammatici».

Hai avuto tanto dalla vita.

«Ma ho dato tutto. Ho voluto fortissimamente il successo, per ambizione e per vanità, però ho pagato fino all’ultimo centesimo. E con la moneta più pesante: la salute. Forse è giusto così. Se dovessi scegliere una religione...».

Ma se sei ateo...

«No. Deista, agnostico, laico, scettico, un po’ cinico. Ma non ateo».

Continua. Se dovessi scegliere una religione...

«Sceglierei il buddismo. Dalla vita riceviamo tutto ciò che le diamo. Il paradiso non lo so. Ma l’inferno lo scontiamo in terra. Lo sapevano bene il dottor Schweitzer o madre Teresa di Calcutta... Ecco. Tornando indietro, farei il missionario. Ma lo dico oggi, a ottant’anni. Quando ero giovane mi mancava la vocazione.Meglio così. Avrebbe contrastato la mia ambizione».

Se quando si è giovani non si sa cosa fare nella vita, si finisce per fare o il politico o il giornalista. L’hai detto tu.

«Sì, perché sono due dilettantismi. Il giornalismo ha il merito di farti approfondire la superficialità degli altri, la politica il demerito di corrompere la tua onestà». Tu hai scelto il giornalismo. «Io volevo arrivare. E sono arrivato».

Dove?

«All’ultima fase della vita. Nella prima devi guardare avanti. Nella seconda in alto. Poi, a un certo punto, devi guardarti dentro. Io sono arrivato qui».

Sei partito ottant’anni fa. Nato a Roma, 9 luglio 1937, sotto il segno del Cancro.

«E dell’improvvisazione».

Hai studiato in Italia e negli Stati Uniti.

«Con molta svogliatezza e poco profitto».

Ti sei laureato in Lettere moderne.

«Immeritatamente».

Hai fatto: cronista, inviato, intervistatore, editorialista, commentatore, conduttore radiofonico e televisivo... Cos’è il giornalismo?

«Quello di ieri era una forte inclinazione, forse addirittura una vocazione. Con un suo codice morale, un’etica civile, un rispetto per il lettore ma anche per il fattorino. Ed eleganza: io andavo in redazione in blazer grigio, dando del lei ai superiori e accettando le critiche. Una missione. Una vita da certosino, come mi aveva detto Indro all’inizio. Scrivere e leggere, leggere e scrivere. Mai fatto parte di un sindacato, mai votato, mai lanciato proclami, mai firmato appelli. Solo i miei pezzi».

E il giornalismo di oggi?

«È diventato un lavoro che tendenzialmente esclude la cultura. I giornalisti di oggi, a parte quelli culturali, non leggono nulla. Un mestiere che ti fa sentire molto più importante di quello che sei in realtà, che tifa guardare continuamente l’orologio, che ti fa cercare ciecamente quel colossale imbroglio che è lo scoop... È un giornalismo che è stato soggiogato alle ideologie. Non nel senso che i giornalisti abbiano delle ideologie, ma nel senso che le hanno sdoganate per fare carriera, perdendo il bene più prezioso: l’indipendenza. Da qui, l’omologazione dei giornali e dei giornalisti. Tutti uguali».

Tu, per distinguerti, hai inventato un genere. Domande fulminati, risposte rapidissime. Hai intervistato mezzo mondo. E nei ritagli di tempo, non senza irriverente indulgenza, anche te stesso.

«Tutti dicono che la cifra delle mie interviste sia la brevità, che è figlia della chiarezza. Vero. Ma l’essenza è la volontà di non annoiare. L’intervistatore non deve mai annoiare l’intervistato, e l’intervistato deve divertire l’intervistatore. Se le due cose accadono, escono delle belle interviste».

La tua più bella?

«A Georges Simenon. Andai a trovarlo a Losanna, dopo che gli era morta la figlia, la quale aveva per lui una devozione passionale che rasentava l’erotismo. Aveva abbandonato un borgo tutto suo - dove viveva con uno stuolo di cameriere, segretarie, governanti, tutte donne, tutte che avevano sottoscritto un contratto in cui accettavano di avere rapporti sessuali con lui in qualsiasi momento della giornata - per trasferirsi, con la terza moglie, in una casetta a schiera. Non faceva più nulla, se non dettare le sue memorie. Mi fece vedere il passaporto. C’era scritto: “Georges Simenon. Pensionato”. Gli chiesi perché questa scelta. Mi rispose: “Perché nella vita, con gli anni e i dolori, ti accorgi che le cose importanti sono poche. E le superflue ti distraggono da quelle essenziali”. Detto da uno che ebbe novemila donne in vita sua... Comunque, bella intervista».

La più brutta?

«A Coretta King, vedova di Martin Luther King. Maleducata, insolente, razzista. Essendo io bianco, mi trattò come un negro. Mi girò le spalle per tutto il tempo del nostro incontro, sbocconcellando arance. La minoranza che si era emancipata, ora doveva dimostrare la propria superiorità. Patetico».

La più inutile?

«Ad Anastasio Somoza, dittatore del Nicaragua. Fui l’ultimo a intervistarlo prima che fosse cacciato, e poi ucciso. Mi offrì l’ananasso più buono che abbia mai mangiato. Ma mi raccontò solo bugie. Propaganda e nient’altro. Mi diceva che il Nicaragua era felice sotto di lui...»

L’intervista che avresti voluto fare e non hai fatto?

«A Nixon, il migliore presidente che l’America abbia mai avuto, e a Deng Xiaoping, senza il quale la Cina moderna non sarebbe mai nata. Due statisti giganteschi. Ma che non mi hanno dato l’intervista».

Un’altra a che faceva grandi interviste era Oriana Fallaci.

«Giornalista più passionale che appassionata. Più spericolata che coraggiosa. Più ambiziosa che imparziale. E comunque aveva il difetto di intervistare prima se stessa, poi il suo interlocutore. Le sue domande era lunghissime, anche più della risposta. Molto furba. Una volta incontrai William Colby, già direttore della Cia negli anni Settanta. Era furente con la Fallaci: diceva che lei gli aveva mandato delle domande, lui aveva risposto, e poi lei aveva pubblicato l’intervista con delle domande diverse, cambiate all’ultimo. Lui ne usciva massacrato».

Litigaste, tu e la Fallaci.

«La intervistai per un libro. Ma il Corriere della sera, per cui lavoravo, prima che uscisse in volume fece un’anticipazione dell’intervista sulla Terza pagina. Lei fece la matta. Telefonò a Tassan Din, il direttore generale di Rcs, urlò, sbraitò, minacciò di querelarmi...».

E perché?

«Che ne so? Forse una paginata non le bastava. Voleva un’edizione speciale».

L’unica giornalista più egocentrica di te.

«Sì, ma lei non aveva il sense of humour».

Il sense of humour è la tua più grande virtù?

«Insieme al senso del dovere. Almeno credo. Ah: e il rispetto per il lettore. Mai farlo sentire ignorante. Bisogna raccontargli le cose che non sa, e spiegargliele senza spocchia. Me l’ha insegnato Montanelli. Prima lezione, e anche l’ultima che mi ha dato, e non era neanche sua perché la rubò a un formidabile premio Pulitzer, Webb Miller: “Robertino, ricordati: scrivere facile è difficilissimo. Scrivere difficile, quello sì è molto facile. Stai attento”».

Montanelli è stato il più grande giornalista italiano?

«No. Il più grande giornalista del secolo è stato Longanesi. Lo diceva Indro stesso. Leo Longanesi è stato colui che ha influenzato maggiormente il nostro giornalismo nel Novecento, così come Prezzolini colui che ha segnato maggiormente la cultura, anche più di Benedetto Croce».

E il giornalista più insopportabile?

«Eugenio Scalfari. Il principe dei moralisti, cioè coloro che condannano negli altri, per meglio nasconderli, i propri vizi. E poi ha fatto la cosa peggiore che può fare un giornalista. Ideologizzare il proprio mestiere».

Il giornalista più simpatico?

«Giancarlo Fusco. Una sera eravamo a cena. Anni ’60. Un ristorante in via Doria, a Roma. Iniziò a discutere con la sua compagna, della quale era gelosissimo, su Rodolfo Valentino. Lei diceva fosse un grande amatore, lui un frocio. Litigarono così violentemente che si dovette chiamare la polizia. Era matto, ma irresistibile. Andava sempre in giro con la pistola. Una notte credette di vedere la sua donna baciare un altro di nascosto. Sparò in aria. Poi si scoprì che l’altro era il direttore della Fao, a Roma, e la donna la sua amante, probabilmente... Raccontava un sacco di balle, ma le raccontava così bene che se ti avesse raccontato la verità non sarebbe stato così divertente».

E i politici? Il più divertente che hai incontrato?

«Almirante. Ma il più simpatico Andreotti».

E il più antipatico?

«Marco Pannella, ma non perché insopportabile. Perché logorroico. Era un amico, ma quando dovevo intervistarlo tremavo. Era incontenibile, un divagatore continuo, parlava parlava e io non concludevo niente...».

Differenze fra la politica di ieri e quella di oggi?

«Ieri era una professione, oggi una carriera. Fanfani quando era presidente del Senato aveva sempre a portata di mano 5 o 6 cravatte da prestare ai colleghi prima di entrare in aula, quando vedeva degli abbinamenti che non riteneva abbastanza eleganti. Oggi, tu la vedi la gente che va in Parlamento? È una classe politica sbracata, volgare, ignorante, impresentabile. La politica è sempre stata un affare da puttane. Ma ieri almeno era una casa di appuntamenti di lusso, oggi un bordello da suburra».

E gli italiani che stanno in mezzo?

«Hanno le stesse colpe dei politici. Sono loro a sceglierli. E sono uguali a loro. Trovami un italiano in mezzo a centomila che, se non fosse al loro posto, non si comporterebbe allo stesso modo, tra privilegi, ruberie, impunità. La politica italiana è questa, perché questi sono gli italiani. È un Paese che sta in piedi solo perché non sa da che parte cadere».

A destra o a sinistra?

«La sinistra è finita con Mussolini, e la destra anche. Quando diresse l’Avanti! era la vera sinistra, e quando fondò i fasci di combattimento la vera destra».

Dopo?

«Togliatti e De Gasperi, per breve tempo, hanno illuminato la sinistra e la destra. Dopo di loro ci sono stati solo professionisti della politica, alcuni abilissimi, come Andreotti, Craxi e Almirante. E per il resto arruffoni e arraffoni. I politici della prima Repubblica non erano santi, ma avevano decoro. Questi di oggi neanche la decenza».

E Silvio Berlusconi?

«Cosa c’entra Berlusconi. Lui è un imprenditore, e anche diverso dagli altri: ogni imprenditore vende l’arrosto. Ma lui lo vende anche ai vegetariani. Però non è un politico. Semmai un uomo di potere, che è diverso. Ha sempre rifiutato i tatticismi, le astuzie, le meschinerie della politica. Lui non esclude nessuno per principio. Perché i suoi prodotti, come le sue idee, li vuole vendere a tutti. In questo è un liberale modello».

E tu, cosa sei?

«Un conservatore anarchico. Conservatore perché voglio conservare quello che c’è di buono. Anarchico perché non accetto imposizioni. Ma rispetto le leggi e le istituzioni. Sono un ribelle, ma preciso».

Ribelle, preciso, pignolo, libertino, sarcastico, primadonna anche a riflettori spenti - sulla scena come in camerino -, Roberto Gervaso tiene in esercizio la propria intelligenza pensando il contrario di quello che dice. E a volte, viceversa. L’anticonformismo è il suo habitus, l’aforisma la sua complessità, il paradosso la sua logica, la battuta il suo asso nella manica. Rigorosamente di camicie Brooks Brothers. Ha passato una vita a parlare della sua paura della morte. E ora i discorsi sulla morte sono la sua ragione di vita. Intervistatore princeps che adora farsi intervistare - interviste modello confluite editorialmente in una trilogia otorino-laringo-oftalmica:Il dito nell’occhio (1977), La pulce nell’orecchio (1979), La mosca al naso (1980) – Gervaso offre risposte che con il punto interrogativo sarebbero meravigliose domande. Botta e ripensa: a domanda, risponde.

Lo sventurato, domanda: e la P2?

«Nessuno mi chiese niente e io non ho chiesto niente a nessuno. Presentai io Berlusconi a Licio Gelli: non accadde niente. Non mi sono neanche pentito, perché non c’è niente di cui pentirsi. Sono stato uno dei pochissimi ad ammettere l’iscrizione, e dissi che non avevo nulla contro la massoneria. Mi hanno demonizzato. E in malafede».

Per anni, al Corriere della sera, ancora sotto la direzione De Bortoli...

«Un coniglio azzimato. No: scrivi “volpe azzimata”, non vorrei querelasse».

... ancora sotto la direzione De Bortoli al Corriere non si potevano recensire i tuoi libri...

«Ipocriti. Proprio loro, che avevano un direttore iscritto alla loggia».

L’occhiuto Raffaele Fiengo, membro del comitato di redazione, proibì che fosse anche solo citato il tuo nome sulle pagine del Corriere. Me l’ha detto un vecchio redattore.

«Fiengo. Il mastino della Lubjanka di via Solferino».

Perché il Corriere precipitò così a sinistra?

«Chiedilo all’editore di allora, Giulia Maria Crespi. Fu lei la regista di quella operazione suicida. Magari ti risponde. O forse no. Non ha abbastanza intelligenza per capire quanta gliene manca».

I tuoi aforismi. Tutti copiati dai peggiori luoghi comuni degli italiani. Quanti nei hai scritti?

«Venticinquemila».

Il più bello?

«L’amore senile comincia col matrimonio».

Hai amato molto?

«Amato-amato, poco. Desiderato tanto».

Cosa desideri, adesso?

«Leggere le uniche cose che vale la pena leggere: Seneca, Ovidio e Voltaire. E scrivere le uniche cose che vale la pena scrivere: i miei articoli di giornale».

Montanelli sognava di morire avvolto nell’edizione straordinaria del giornale. Tu?

«Mi basta quella quotidiana».

Ho fatto una ricerca d’archivio. La domanda che hai posto più volte ai tuoi intervistati è stata: «Cos’è per lei la morte?». Risposta?

«O un ponte o un abisso. Cioè: un passaggio verso qualcosa d’altro oppure un precipizio nel nulla. Spero la prima. Ma temo la seconda».

·        È morto Tinin Mantegazza, creatore del pupazzo Dodò dell'Albero azzurro.

È morto Tinin Mantegazza, creatore del pupazzo Dodò dell'Albero azzurro. Pubblicato lunedì, 01 giugno 2020 da La Repubblica.it. Scrittore, pittore e scenografo, protagonista di spicco del teatro per ragazzi, illustratore e autore di libri per l'infanzia, nonchè inventore delle "telefiabe". È morto a 89 anni a Cesenatico Tinin Mantegazza, celebre per aver creato l'uccello Dodò, pupazzo protagonista della storica trasmissione per bambini della Rai L'albero azzurro, che quest'anno festeggia il trentennale. Mantegazza, di origini milanesi, ma che dagli anni '90 abitava nella cittadina della costa romagnola, in una casa-studio con vista sul porto, era stato ricoverato per un malore all'ospedale Bufalini di Cesena. Un anno fa il Comune di Bagnacavallo (Ravenna) gli aveva dedicato una mostra, Le sette vite di un creativo irriverente, in collaborazione con la Fondazione Tito Balestra onlus e Accademia Perduta/Romagna Teatri, per ripercorrere la sua carriera artistica e le invenzioni con cui ha segnato la cultura italiana dal secondo dopoguerra ad oggi. Dagli anni ’50 aveva iniziato la sua collaborazione come illustratore con le redazioni de La Notte e del Corriere dei Piccoli e sempre in quegli anni aveva aperto una piccola galleria d’arte, La Muffola, dove accanto alle mostre di artisti come Luzzati, Pericoli, Rossello, Ceretti ed altri si esibivano giovani attori e cantanti quali Enzo Jannacci, Giorgio Gaber, Paolo Poli, Cochi e Renato e Bruno Lauzi, fino all'esperienza dello storico Cab '64. Con la moglie Velia ha iniziato a costruire pupazzi e ad animarli in forme originali per spettacoli teatrali e televisivi, fondando anche il Teatro del Buratto. Mantegazza, instancabile mente creativa, ha saputo spaziare con capacità e disinvoltura dal giornalismo alla regia, dalla tv all'animazione culturale, all'organizzazione teatrale, fra le sue realizzazioni più note al grande pubblico c'è anche il celebre "sig.Toto" delle schede di approfondimento di Enzo Biagi. Nel febbraio dello scorso anno era stato festeggiato al Museo della Marineria di Cesenatico per il suo compleanno e aveva presentato l'ultimo libro di racconti, Restituiamo Roma al Vaticano (con tante scuse), edito da Corsiero.

Marco Giusti per Dagospia l'1 giugno 2020. Milano, la Milano perbene e meravigliosa degli anni ’60, quella di Enzo Jannacci, di Cochi e Renato, della prima Rai e del Derby Club, di giornali mitici come “La Notte” e “Il Giorno”, perde uno dei suoi più creativi e fantasiosi abitanti. Scrittore, cabarettista, pittore, disegnatore, pupazzaro, creatore di qualcosa come 2000 personaggi per la tv dei ragazzi con la moglie Velia, tra cui il popolarissimo Dodò, volatile dal becco giallo e corpo a pois dell’Albero Azzurro, se ne va in quel di Cesenatico, dove era andato a vivere da anni, Tinin Mantegazza, ligure, nato a Varazze, ma milanese da quando aveva sei anni. Tanto milanese da poter ricordarsi di aver visto gli anni più bui di Milano, tra bombardamenti, angoscia e fame. “Con la paura che la gente potesse tradirti”, dirà recentemente. “Il mio maestro elementare fu uno dei 15 martiri fucilati a piazzale Loreto. Avevo 12 anni, un vero trauma». Una mattina presto il padre sente un frastuono per la strada, scende, col cappotto sul pigiama, portandolo con sé e così vede la testa della Petacci morta sul grembo del Duce. Suo padre morirà nel 1947 quando ha solo 15 anni. Nella Milano del dopoguerra, il suo primo lavoro fu “decorare gli stand della fiera campionaria che cominciava a rinascere. Nel dopoguerra, quando aprirono locali come il Santa Tecla o l' Aretusa dove si suonava jazz, andai a decorare le pareti con dei giovani pittori: Enrico Baj, Joe Colombo, Sergio d'Angelo. Fondammo un gruppo, Pittura Nucleare, e in seguito diventammo amici di Fontana e Sassu». Contemporaneamente disegna per “La Notte” di Nino Nutrizio. “Riempivo gli spazi vuoti con disegni. Poi venni assunto al Giorno, dove facevo di tutto”. Disegnatore e scenografo, apre a Milano con la moglie Velia una piccola galleria d’arte in via Lentasio, chiamata “La Muffola”. “Esponevamo disegni e ceramiche con scarso senso degli affari, ma con un certo successo di pubblico, soprattutto perché la sera ospitavamo artisti dello spettacolo più o meno noti e si consumava grappa delle Cinque Terre». E’ lì che arrivano musicisti e artisti comici come Bruno Lauzi, Cochi e Renato, Giorgio Gaber, Enzo Jannacci… Così nel 1964, a 33 anni, dopo essere stato cacciato dall’Osteria del Pomé, fonda il Cab 64, in via Santa Sofia, che definisce non più di uno scantinato di un bar. “Non avevamo una lira”, dirà “bisognava farci il bagno e Bruno Lauzi anticipò il denaro per il gabinetto. Così potemmo aprire. Io, mia moglie Velia, Lauzi, Cochi e Renato, Gino Negri, grande compositore, in cooperativa. Si faceva cabaret tutte le sere, Paolo Poli si esibì con il suo Santa Rita da Cascia.” Troviamo gli stessi artisti che saranno poi lanciati dal Derby. E’ lì che si presentano per la prima volta Cochie Renato, 2.500 lire a testa di paga. Ma presto Jannacci se li portò al Derby (“he pagava di più”). O Felice Andreasi, che arriva a Milano nel 1965. O Jacques Perrotin con le sue favole sonore. Qualcosa dell’atmosfera del Cab 64 ritroviamo nelle serie di caroselli “Club 18” dell’Amaro Isolabella tra il 64 e il 66, dove vediamo esibirsi proprio Jannacci e Toffolo presentati da Alberto Lupo e Marilù Tolo. Lavora moltissimo per la Rai, assieme a Velia, fin dagli anni ’60, con registi come Guido Stagnaro e Beppe Recchia. Tinin inventa personaggi e storie e Velia li costruisce e anima. Ricordiamo “Il bosco degli Animatti”, “Il giro del mondo in 80 giorni” o “Cappuccetto a pois” per la tv svizzera. Ci sono intere generazioni che hanno passato l’infanzia coi pupazzi dei Mantegazza. Si inventa assieme al cantante Franco Franchi nel 1969 un famoso “La filibusta”, dove troviamo Elio Crovetto, Donatello Falchi, Sergio Renda, Gianni Magni, tutto girato negli studi di Milano. In ogni puntata compariva un cantante celebre: Bobby Solo, Fred Bongusto, Leonardo, Herbert Pagani, Arturo Corso, Nino Ferrer, Enrico Maria Papes e il complesso dei New Trolls. Per “I viaggi di Gulliver”, 1969, scritto da Umberto Simonetta e Vaime, Tinin e Velia si inventano i pupazzi, e contemporaneamente fanno teatro militante a Milano, “La Duceide”, cioè il fascismo spiegato ai bambini. Nel 1970 si butta in una nuova impresa, fondando il Teatro Verdi. «Era una sala da biliardo. Cercavamo un posto per fare teatro per le scuole, e la sera ospitavamo i teatranti che non avevano casa. L' Elfo ha cominciato al Verdi, Salvatores ha debuttato lì». Nello stesso anno fonda con Velia anche “La compagnia del Buratto”, per portare avanti il teatro per i più piccoli. Ma seguita col teatro militante con lo spettacolo “Stretta la foglia, larga la via, dite la vostra con l’autopsia”, 1972, con testi di Tinin e Gino Negri e attori come Edmondo Aldini e Duilio Del Prete. La Milano dei primi anni ’70 è piena di teatri e compagnie alternative, il Pier Lombardo, l’Elfo, il CRT, Il Teatro Officina. Al Teatro Verdi, Tinin portò avanti coraggiosamente l’idea di uno nuovo tipo di Teatro per ragazzi. Tra gli spettacoli più importanti ricordiamo “Il gran buffone”. “Pierino e il lupo”, “Histoire du soldat”, che finì addirittura alla Scala. Scrive, assieme a Guido Davico Bonino, la riduzione per un “Nel mondo di Alice” diretto per la Rai da Guido Stagnaro nel 1974 con le musiche dei fratelli Reverberi, pupazzi e animazioni di Velia e un cast prestigioso che va da Milena Vukotich a Duilio Del Prete, da Franca Valeri a Bruno Lauzi, da Ave Ninchi a Ricky Gianco. E’ a metà degli anni ’80 che inventa il suo personaggio più famoso, il cucciolo di volatile Dodò per la trasmissione per ragazzi “L’Albero azzurro” che verrà in gran parte diretta i primi anni dalla moglie Velia negli studi Rai di Torino. Dentro a Dodò, realizzato da Natale Panaro, è l’attrice Francesca Paganini. Nello stesso periodo, più o meno, lo chiama Enzo Biagi e disegnerà per lui le schede del suo programma, “Il fatto”, seguendolo fino al suo esilio politico. Se ne va da Milano, che ha visto stravolta nel corso degli anni, preferendo una vecchiaia a Cesenatico, anche perché, diceva nelle interviste, «Non avverto segnali di rinascita. Milano è stata fregata, c'è più vita in provincia». Lì continuerà a scrivere, anche libri per bambini, “Il mistero dei bisonti scomparsi”, “La storia di Rosanna detta Cappuccetto Rosso”. Infaticabile. Di lui, del suo lavoro, dei suoi 2000 personaggi non troviamo traccia nel fondamentale dizionario della tv di Aldo Grasso.

·        E’ morto Morrow: fu il primo a eguagliare la leggenda Owens.

Atletica, è morto Morrow: fu il primo a eguagliare la leggenda Owens. Pubblicato domenica, 31 maggio 2020 da La Repubblica.it Vinse nel 1956 all'Olimpiade di Melbourne l'oro nei 100, 200 e 4x100. Dopo di lui ci sono riusciti solo Carl Lewis (che come la leggenda di Berlino '36 si impose anche nel lungo) e Usain Bolt. Fu il primo ad eguagliare le leggenda Jesse Owens. Bobby Joe Morrow,  morto a 84 anni nella sua casa di San Benito, in Texas, alle Olimpiadi di Melbourne del 1956 conquistò la medaglia d'oro nei 100, 200 e 4x100 metri, impresa fino ad allora riuscirà solo al leggendario velocista ai Giochi del 1936 a Berlino.  Un exploit successivamente compiuto da un altro americano, Carl Lewis (medaglia d'oro anche nel salto in lungo, come Owens, a Los Angeles nel 1984), e dal giamaicano Usain Bolt. Morrow fu nominato sportivo dell'anno dalla rivista Sports Illustrated per il 1956, davanti al giocatore di baseball Mickey Mantle e al pugile Floyd Patterson. Si ritirò dall'atletica leggera nel 1958, prima di fare un breve ritorno nel 1960 per tentare invano di qualificarsi per le Olimpiadi di Roma. Nell'ottobre 2006 gli fu dedicato il Bobby Morrow Stadium a San Benito, con 11.000 posti.

·        È morto l'artista Christo.

È morto l'artista Christo. L'artista è scomparso a New York all'età di 84 anni per cause naturali. Sua l'opera The Floating Piers sul Lago d'Iseo. Francesca Galici, Domenica 31/05/2020 su Il Giornale. A 84 anni è morto Christo, l'artista diventato famoso nel nostro Paese per aver realizzato l'installazione galleggiante sul Lago d'Iseo. A darne l'annuncio è stata la pagina Christo and Jeanne-Claude Official, che rappresentava l'artista sul popolare socoal-network. Non sono state rese note particolari patologie per l'artista, che domenica 31 maggio sarebbe morto per cause naturali nella sua casa di New York. Nacque in Bulgaria nel 1935 ma poco più che ventenne decise di lasciare il suo Paese Natale per seguire la sua ispirazione artistica. Prima Praga, poi Vienna e Ginevra, Christo ha perseguito la sua arte fino a raggiungere Parigi, dove ha conosciuto Jeanne-Claude Denat de Guillebon, la donna che sarebbe diventata la sua donna per la vita. Uniti nel lavoro e nella vita privata, i due crearono un legame indissolubile, che ha dato vita a tantissime opere d'arte diventate famose in tutto il mondo in oltre mezzo secolo di attività. Jeanne-Claude Denat de Guillebon è morta nel 2009 ma Christo ha continuato a portare avanti la sua opera e il suo lavoro, realizzando ancora nuove installazioni che hanno fatto parlare il mondo. L'ultima tappa del suo viaggio itinerante nel mondo è stata New York, dove Christo si trasferì 56 anni fa e dove decise di vivere la sua vita. La Grande Mela era il luogo perfetto per stimolare la sua creatività, qui Christo ha trovato la sua dimensione ideale, fino all'ultimo giorno della sua vita. "Christo ha vissuto al massimo la sua vita, non solo sognando ciò che sembrava impossibile ma realizzandolo - si legge nell'annuncio - Le opere d'arte di Christo e Jeanne-Claude hanno riunito le persone nelle esperienze condivise in tutto il mondo, e il loro lavoro continua a vivere nei nostri cuori e nei nostri ricordi", si legge nel post in cui si annuncia la morte dell'artista. La notizia si è diffusa rapidamente, in linea con l'eco che le sue opere hanno sempre avuto. The Floating Piers è stata un'installazione monumentale che ha avuto un grande successo nel nostro Paese.. La passerella gialla sul Lago d'Iseo ha incrementato esponenzialmente il flusso turistico di quell'area, attirando milioni di persone incuriosite da quella particolare concezione di passeggiata sull'acqua. "In una lettera del 1958 Christo scrisse: 'La bellezza, la scienza e l'arte trionfo sempre.' Teniamo presenti queste parole oggi", conclude il post della pagina Facebook, che in pochi minuti ha raggiunto centinaia di migliaia di persone.

E' morto l'artista Christo, aveva 84 anni. Pubblicato domenica, 31 maggio 2020 da Raffaella De Santis su La Repubblica.it. Scomparso per cause naturali a New York. È morto a New York all'età di 84 anni Christo Vladimirov Javacheff, noto con il solo nome Christo. Il decesso è avvenuto per "cause naturali". L'annuncio è arrivato attraverso i canali social dell'artista, che nel 2016 aveva realizzato l’opera The Floating Piers sul Lago d’Iseo. Nato a Gabrovo, in Bulgaria, il 13 giugno 1935, è stato tra i più grandi esponenti della Land Art. Con la sua arte modificava e ridisegnava il paesaggio. In più di cinquant'anni di carriera, trascorsi per gran parte con la compagna della vita Jeanne-Claude, scomparsa nel 2009, ha imballato e impacchettato il mondo. Da Porta Pinciana a Roma, nel 1974, al Reichstag di Berlino (1995), passando per il Pont Neuf di Parigi (1985). Il primo edificio imballato, nel 1968, è la Kunsthalle di Berna. Da allora il suo stile diventa inconfondibile. Il suo vero obiettivo era realizzare le visioni che aveva in testa. Cambiare l'immagine del mondo, anche solo per il tempo della durata della sua installazione.  Della sua opera diceva "Non voglio usare chiavi politiche, letterarie o religiose per parlare del mio lavoro. Il mio lavoro è la cosa in sé. Se vogliamo, è politica in sé. Avete idea di cosa può voler dire ottenere i permessi per impacchettare il Reichstag? Convincere Mister Kohl e tutto il Bundestag? Costringerli a votare qualcosa che non esiste ancora, se non nell’immaginazione? Questa è vera dimensione politica, non illustrazione della politica, ma pura visione politica". Quest'anno avrebbe dovuto impacchettare l'Arco di Trionfo a Parigi. Il progetto è stato rinviato per la pandemia e riprogrammato all'autunno 2021. Sarà la sua opera definitiva. La storia di Christo è strettamente legata a quella della moglie Jeanne-Claude. Senza di lei, diceva, non ce l'avrebbe fatta a realizzare opere tanto folli, che richiedevano una lunga preparazione e soprattutto molti permessi e autorizzazioni. Si erano conosciuti a Parigi, lui in fuga dal mondo comunista, lei cresciuta in una famiglia francese a Casablanca. Erano nati lo stesso giorno, se gli astri hanno un senso: il 13 giugno 1935. Insieme hanno impacchettato monumenti in tutto il mondo e pensato opere che hanno ridisegnato l'architettura urbana. Progetti incredibili come il nastro di nylon bianco che nel 1976 attraversò la California  per 40 chilometri o Umbrellas, migliaia di ombrelli con i quali avevano invaso una valle del Giappone e prima della California (1991): 1340 ombrelli blu alti sei metri  comparsi a nord di Tokyo. Quattro anni dopo avevano impacchettato il Reichstag tedesco (Wrapped Reichstag): l'opera fu visitata da 5 milioni persone. Per noi italiani è stato il ponte sul Lago d'Iseo il ricordo recente più forte di Christo, una lunghissima passerella gialla sull'acqua del lago lombardo che realizzava il miracolo di camminare sull'acqua: The Floating Pears è stata attraversata da 1 milione e 300 mila persone in sole tre settimane. Più popolare di un concerto rock. Anni prima, nel 1968, insieme a Jeanne-Claude Christo aveva impacchettato una torre medioevale a Spoleto. Poi aveva avvolto di spaghi e nastri il monumento a Leonardo da Vinci a Milano e nel 1973 era stata la volta delle mura aureliane di Roma (Wrapped Roman Wall). Ad aiutarlo allora c'era anche Guttuso. Per realizzare i suoi progetti Christo lottava con l'impossibile e con le difficoltà della burocrazia. Diceva di essere fuggito dal mondo comunista per essere un uomo libero. La libertà era anche sognare in grande, ridisegnare il mondo anche solo per qualche giorno. 

Fabio Isman per “il Messaggero” l'1 giugno 2020. È morto a 84 anni a New York, negli Stati Uniti, dove viveva il re della Land Art, arte e paesaggio. Forse non tutti si ricordano che Christo in realtà si chiamava Christo Yavachev, era bulgaro e ha avuto una vita assai curiosa, non soltanto perché ha «impacchettato» monumenti famosi: a Roma, ad esempio, le Mura aureliane in cima a via Veneto. Nel 1958 a Parigi, Jeanne-Claude Denat de Guillebon, nata a Casablanca, gli commissiona un ritratto della madre. Così, scoprono che sono nati entrambi il 13 giugno 1935, e le affinità, evidentemente, non si fermano a questo punto. Da allora, saranno una coppia: nel lavoro, e nella vita. Jeanne se n'è andata 11 anni fa, lui ha proseguito da solo. Tra le opere più recenti, il «Molo flottante» sul lago d'Iseo: tre chilometri di passerelle galleggianti larghe 16 metri, di libero transito, colori sgargianti. E il sito della coppia, che ne annuncia il decesso, precisa che la loro opera continuerà anche dopo che lui se ne è andato: come Christo ha voluto, a Parigi «l'Arco di Trionfo impacchettato» resta in programma dal 18 settembre al 3 ottobre dell'anno prossimo. Due vite interessanti, le loro. Lui, studia a Sofia; dal 1956 si trasferisce a Praga, e l'anno dopo riesce a fuggire dal regime. Apolide a Parigi, non se la passava affatto bene: campava eseguendo ritratti. Uno, appunto, gli riesce fatale. Jeanne-Claude, la cui madre era nella Resistenza e moglie di un generale, vive a Berna e poi a Tunisi, dove si laurea; approda a Parigi in quel fatale 1958. L'anno dopo, lascia il fidanzato, e marito, Philippe Planchon, dopo la luna di miele: era incinta di Christo, che peraltro frequentava sua sorella, Joyce. La loro prima collaborazione, a Colonia, nel 1961; la prima opera monumentale a Parigi l'anno dopo: «Cortina di ferro», un muro di barili d'olio che blocca rue Visconti, presso la Senna, come protesta per il muro di Berlino. Dal 1964, si trasferiscono negli Stati Uniti. La loro arte, firmata soltanto con il nome di lui, non ha emuli: è inconfondibile. E si dipana in tutto il mondo. A Spoleto, nel 1968, «imballano» la Fontana di piazza del Mercato e il Fortilizio dei Mulini; nel 1968 a Berna, alla Kunstalle, il primo edificio intero; sempre lo stesso anno, a Kassel, una struttura di di 5.600 metri cubi sollevati da gru e visibili da 25 chilometri lontano. Ed è subito una grande affermazione. L'Italia ne è un palcoscenico privilegiato: a Milano, nel 1970, tocca al monumento a Vittorio Emanuele II in piazza del Duomo; nel 1974, è la volta di Porta Pinciana. Tra il tanto d'altro, seguiranno il Pont Neuf a Parigi; le isole della baia di Miami del tutto circondate; il Reichstag, a Berlino; un percorso di 30 chilometri nel Central Park a New York. Un trapezio da 7.506 barili colorati messi in modo orizzontale su una piattaforma galleggiante a Hyde Park di Londra, sul Serpentine Lake, resta l'ultima loro prodezza, due anni fa: loro, anche se lei non c'era già più. Leggiamo il sito ufficiale della coppia: «Ha vissuto una vita piena, in cui non solo ha sognato ciò che sembrava impossibile, ma lo ha realizzato. Il lavoro di Christo e Jeanne-Claude ha unito le persone facendo condividere loro esperienze in tutto il mondo. La loro opera vive nei nostri cuori e nei nostri ricordi». Infine, una citazione, proprio di quel 1958 che li ha uniti: «La bellezza, la scienza e l'arte trionferanno sempre». E la foto sul lago d'Iseo, che lo ritrae con le mani sui fianchi, i bianchi capelli lunghi sulla nuca, di profilo, a guardare lontano, chissà dove. Cordoglio di Franceschini, che ne ricorda l'amore per il nostro Paese. Non tutto gli è sempre riuscito: dopo anni di battaglie, nel 2011, era stato autorizzato a un'opera faraonica nelle montagne del Colorado: la copertura del fiume Arkansas, con cavi e pali a sostenere una struttura di tende argentate, lunga 62 chilometri; il lavoro era previsto per il 2014. È rimasta in lui la voglia di questo ennesimo progetto: il più grande esponente di un'arte già originale di per sé, se n'è andato senza averla mai vista. Lo ricordano i milioni di visitatori che hanno camminato sulle acque del Lago d'Iseo.

Stefano Ciavatta per esquire.com il 6 giugno 2020. Nel freddo gennaio del 1974 la coppia di artisti Christo e Jeanne-Claude impacchettarono di nylon bianco con delle grosse corde arancioni i quattro archi di Porta Pinciana alla fine di Via Veneto e davanti a Villa Borghese. Siamo lungo il tracciato delle bimillenarie Mura aureliane, il monumento più grande di Roma, il sogno più ambito, il segno più duraturo della città. Nata senza fastosità, per gli storici Porta Pinciana funzionò agli inizi come porta di servizio per le ville retrostanti, senza far capo a una strada principale. Il collegamento remoto con via Salaria vecchia lo scoprirà il fondatore dell’archeologia cristiana, Antonio Bosio, ma nel XVII secolo. Quando divenne monumentale nelle dimensioni non bastarono comunque a reggere l’urto del sacco di Alarico. La gloria arrivò dopo: Porta Pinciana divenne il campo strategico del generale bizantino Belisario che respinse dopo un anno l’assedio dei goti di Vitige, il barbaro che tagliò il rifornimento d’acqua degli acquedotti, in gran parte mai più riattivati. Poi venne inglobata nella magnificenza e nell’oscuro destino di villa Ludovisi, finì murata e ci stesero i panni, poi rottamata nel DNA con Porta Pia e riaperta solo a fine 800 a reggere da sola per decenni il suo passato devitalizzato. Nella Roma modernissima e pacifica del triumvirato Fellini, Flaiano, Pinelli, la Porta divenne il termine ultimo delle vasche della Dolce Vita. Da metà anni 90 lo slargo ai suoi piedi è intitolato a Fellini e suona un po’ kitsch. Al di là sta il dolce assillo di Villa Borghese e i motori sempre accesi del Muro Torto, passaggio a nord-ovest del traffico centrale capitolino. L’installazione esposta per quaranta giorni faceva parte della mostra Contemporanea per gli Incontri Internazionali d’Arte (30/11/73 - 28/02/74), a cura di Achille Bonito Oliva, all’epoca 35enne, che però si svolse nel garage sotterraneo di Villa Borghese progettato da Luigi Moretti. Una catacomba moderna, mentre a Roma si salivano le scale al Palazzo delle Esposizioni e della Gnam, che il warholiano Gregory Battock raccontava così a Domus: "non c'è posto dove ci si possa sedere, non c'è un bar, grandi spazi vuoti, un freddo pavimento che stanca i piedi. Si pensa a come sarebbe bello poter girare in macchina dentro la mostra, il primo museo-drive in del mondo". Alla luce del sole arrivano invece Christo e Jeanne-Claude pronti per l’exploit, e trova il giovane Massimo Piersanti, fotografo ufficiale di Contemporanea, che racconta a Esquire quei giorni mitici. "Christo aveva presentato un provino anche per Ponte Sant’Angelo ma poi Contemporanea scelse le Mura. Già prima di Natale mandai allo studio di New York delle polaroid scattate a Porta Pinciana, che poi Christo riutilizzò cucendole sopra una tela. Dell’allestimento se ne occupò lo studio specializzato di Maurizio Puolo. Christo arrivò col suo gallerista Guido Le Noci e montò il lavoro. Via via arrivarono altri fotografi, compreso Harry Shunk, il fotografo personale di Christo, a cui l’artista pagava la vita. Mica solo l’affitto, persino il dentista! C’era anche Vittorio Biffani che documentò dal 26 al 29 gennaio i quattro giorni di realizzazione. Tutti scattavano dalla strada e da in fondo a via Veneto. Ma così l’impacchettamento risultava un enorme muro di ghiaccio. Invece volevo che si vedesse che si trattava di Roma e delle Mura aureliane: e così salii sulle terrazze del Grand Hotel Flora e poi del Jolly che oggi è l’NH, perché almeno c’erano i pini sullo sfondo. Il lavoro fu premiato e Christo scelse le mie foto per le tirature ufficiali". Labili le tracce di polemiche politiche contro il permesso dato ai due artisti dal Comune di Roma. Il dc Nistri presentò in consiglio regionale un'interrogazione nella quale criticava "la stravagante iniziativa" e "lo scempio di buon senso" nell’imballare le Mura. Sempre Piersanti racconta: "Ci fu qualcosa, ma insignificante come protesta, si spense subito". L’opera non venne bocciata dai romani, pur diffidenti all’insegna del "tanto dura poco". A volte Roma è preparata, a volte no, ma respinge senza vere motivazioni. Continua Piersanti: "Le reazioni dal basso furono invece immediate, c’era anche gente che passava e gridava ma che state a fa? che è ‘sta buffonata? Anche gli operai erano scettici all’inizio, poi però divennero i primi difensori dell’impacchettamento. Ci furono battibecchi storici tra gli operai in piedi sulle Mura e gli avventori di Doney e Harry’s Bar che venivano sotto a criticare". Come fece Christo a ottenere i permessi nella Roma democristiana del sindaco Clelio Darida? "Fu grazie ai buoni uffici della Lonardi, che era legata al principe Aldrombrandini - racconta Piersanti- ne rimanemmo tutti stupiti. Neanche Bonito Oliva saprebbe rispondere a questa domanda. Il garage era di proprietà del Vaticano e ci diedero un intero piano!". Nel colophon della mostra alla voce "promozione, organizzazione e coordinamento culturale" compare infatti il nome di Graziella Lonardi Buontempo, mecenate, collezionista, fondatrice degli Incontri Internazionali d'Arte, una figura fondamentale nel mondo dell’arte senza mai rivestire ruoli istituzionali (l’editore Iacobelli ha pubblicato un’antologia di interviste e interventi sul lavoro della Lonardi). Il critico e curatore Costantino D’Orazio la descrive a Esquire come "una promotrice trasversale, una grande mediatrice. Parlava la lingua degli artisti e dei politici, quando la politica era più forte e l’opinione pubblica contava meno. Era irresistibile: si mise al servizio del mondo dell’arte e rese possibili sogni per molti irrealizzabili: riaprì le porte del Palazzo delle Esposizioni per una mostra ormai storica, Vitalità del negativo, ottenne il via libera per l’impacchettamento di Christo e per l’appuntamento tra il Papa e Andy Warhol. Amava le sfide. Quella follia degli anni 70 con lei diventava sempre realtà". Gino Barioli, direttore del museo civico di Vicenza, mandò una lettera al Corriere della sera commentando la foto-notizia dell’avvio dell’impacchettamento: "Perfetto era l'imbarazzo della didascalia. Penso che il Corriere abbia voluto suggerire al lettore mediamente provveduto qualche considerazione sullo stato attuale delle arti, sul modo in cui vengono tutelati i monumenti e sulla maniera con cui in tempi di austerity viene usato del danaro che si presume pubblico per operazioni destinate a recuperare non bistecche o petrolio o quadri o documentazioni del nostro sul serio passato, ma brividi di intensa metafisica per il piacere di pochi". Un’obiezione replicabile a oltranza. In realtà l’empaquetage da 7mila metri di tela seal e 2000 metri di corda fu finanziato con la vendita degli studi preparatori di Christo: disegni, collage, modelli in scala, oltre che da precedenti opere e litografie. Gli artisti poi non accettarono sponsorizzazioni. Il rimpianto della Lonardi fu piuttosto per i cinquanta disegni preparatori di Christo, "lo Stato non volle intervenire e non rimasero a Roma". A parte il vento e il freddo durante i lavori, andò tutto liscio. Tranne la notte tra il 5 e il 6 febbraio quando venne versata della benzina su uno dei teloni che prese fuoco. "Incendiato l’art imballo" titolò L’Unità in un boxino. Motivo? Probabilmente semplice vandalismo. Ma il telo era stato scelto volutamente ignifugo e la tremenda umidità della notte romana fece il resto. Una foto del fotografo romano Gianni Termorshuizen immortalò il commento "IMMANE CAZZATA!" lasciato a sfregio sul telone. Le foto di Biffani raccontano invece la cura di Christo e della sua squadra, sempre col naso all’insù, ottimisti non solo che il coniglio esca perfettamente dal cilindro ma che non si rovini il cilindro stesso. I lavori di entrambi i fotografi (non più viventi) sono state esposti nel 2017 nella mostra The Wall, Wrapped Roman Wall curata dalla Libreria-Galleria di Giuseppe Casetti. L’opera di Christo e Jeanne-Claude divenne con mesi di ritardo la vera porta della mostra ma non ebbe mai un richiamo in prima pagina sulla grande stampa romana. Piuttosto ci andava l’austerity per la crisi petrolifera e il carovita, i rincari della benzina e le domeniche a piedi, tanto che in alcune foto dell’impacchettamento non ci sono macchine, la lotta sul prezzo del pane, la stangata su rosette e ciriole, con serrate dei fornai e arresti dei leader. L’ultima notte di Porta Pinciana impacchettata fu quella tra sabato 9 e domenica 10 marzo. Dopo 40 giorni, Christo e una commissione di tecnici sciolsero l'imballaggio, la struttura venne smontata e riciclata. Nei desiderata romani di Christo c’erano ancora il Pantheon, il Colosseo, la cupola di San Pietro, ma rimasero inevasi. L’amministrazione sentenziò: "la ripartizione comunale delle Belle Arti esclude che siano previsti almeno per il prossimo futuro altri interventi di Christo sui monumenti della capitale". E così fu. Addio, signor Christo Yavachev.

È morto Christo: "Io, un uomo libero". L'artista di origine bulgara è scomparso all'età di 84 anni. Ripubblichiamo l'intervista che ci rilasciò nel 2017 e in cui spiegava il suo lavoro: "Ho conquistato la mia libertà millimetro per millimetro e non la cedo di certo per denaro". Alessandro Mammì il 14 settembre 2017 su L'Espresso. Il segno del successo arrivò subito, fin dal primo giorno: il 18 luglio 2016. Ma al quinto, quando 270mila persone raggiunsero il lago d’Iseo perché un artista di nome Christo era riuscito nel miracolo di far camminare tutti sulle acque, ci si cominciò a preoccupare. Vigili urbani e vigili del fuoco, poliziotti e carabinieri, volontari e militari furono coinvolti nel difendere le fragili istituzioni e la limitata capienza del piccolo specchio d’acqua e nel tenere a bada la folla di uomini, donne, bambini, anziani e ragazzi determinati ad affrontare infinite code e complicati sistemi di accesso pur di poggiare i piedi sulle passerelle gialle dei “Floating piers” di Christo. Oltre un milione di persone, una media di 72mila al giorno per 18 giorni. Questo fu alla fine il calcolo. Ma per molti fu stima per difetto. Ora, a poco più di anno di distanza, Christo torna in Italia. E torna per parlare: il 16 settembre, in un dialogo con Andrea Montanari (direttore del Tg1) nella Basilica Superiore di Assisi, per la terza edizione del Meeting Internazionale del Cortile di Francesco, luogo di incontro e dialogo fra culture religiose e non, tra uomini d’arte e di pensiero raccolti intorno a un tema: “Il cammino”. Il suo tema, in fondo. Quello che ha segnato la sua vita professionale e personale, da quando sul finire degli anni Cinquanta, giovane, minuto, spettinato e ispirato fuggì dalla Bulgaria sovietica per arrivare a Parigi senza parlare una parola di francese. Quel cammino che nel 1958 gli fece incontrare Jeanne-Claude, la compagna di strada e anima gemella, figlia di un militare francese, nata in Marocco il suo stesso identico giorno, nello stesso identico anno: 13 giugno 1935. Quel cammino che insieme li portò in tutto il mondo a immaginare grandiosi progetti e realizzarne anche i più impossibili e più incredibili. “Running fence”: un nastro di nylon bianco alto cinque metri e mezzo che nel 1976 attraversò la California del nord per quaranta chilometri, rimosso dopo 14 giorni. “Umbrellas”, del 1991: migliaia di ombrelli che invadono contemporaneamente una valle in California e una in Giappone, distinti da un diverso colore - giallo per gli Stati Uniti, blu per il Giappone. “Gates”: 7503 portici di stoffa color zafferano, alti cinque metri, che spuntano nel 2005 su tutti i sentieri di Central Park a New York. “Wrapped Reichstag”, del 1995: spettacolare impacchettamento visitato da cinque milioni di persone, che richiese agli artisti anni di pazienza e 662 lettere, per convincere uno ad uno i membri del Parlamento; al Bundestag 70 minuti di dibattito sull’autorizzazione; all’opera 15 chilometri di corda e 100mila metri quadri di tessuto. Forse nulla, però, colpisce più l’immaginazione di quell’evangelico camminare sulle acque di un lago lombardo. Ma non chiamatelo miracolo, perché Christo si indispettisce, e spiega che di miracoloso nella sua opera c’è solo un duro e ostinato lavoro. Un evento d’arte più popolare di un concerto rock, un lago poco frequentato che improvvisamente viene preso d’assalto, fino a diventare un vero e proprio pellegrinaggio.

Signor Christo, non trova che ci sia qualcosa di mistico e rituale in tutto questo?

«Non mi chiamo signor, ma solo Christo. E non voglio usare chiavi politiche, letterarie o religiose per parlare del mio lavoro. Il mio lavoro è la cosa in sé. Se vogliamo, è politica in sé. Avete idea di cosa può voler dire ottenere i permessi per impacchettare il Reichstag? Convincere Mister Kohl e tutto il Bundestag? Costringerli a votare qualcosa che non esiste ancora, se non nell’immaginazione? Questa è vera dimensione politica, non illustrazione della politica, ma pura visione politica. Così come “camminare sull’acqua” non è l’immagine di un evento miracoloso, ma è il procedere passo dopo passo, galleggiando, bagnandosi, esponendosi al vento e all’umidità del lago. È una vera esperienza».

È questa la chiave del successo dell’opera? Quella che ha attirato oltre un milione di visitatori?

«Numeri approssimativi. Difficile sapere esattamente quante persone siano venute o quante persone siano entrate in contatto con ogni nostro progetto che è sempre e comunque immersivo. Una pittura è una superficie, può essere astratta, figurativa, molto piccola, molto grande, ma occupa sempre uno spazio piatto. Una scultura o un’installazione conquista la terza dimensione, ma anche se include video o movimento come i “mobile” di Calder, vive in uno spazio controllato e connotato: il museo, la galleria, la collezione. Ma quando esci dal tuo guscio, attraversi la strada, ti esponi al mondo e vedi alberi impacchettati o chilometri di tessuto che si snodano per la California, sei in uno spazio che include ogni cosa: il vento, le macchine, gli uomini, gli animali. Non sei preparato, non hai deciso di entrare in una galleria, c’è stato un incontro. Questa è la nostra arte: non illustrazione, ma pura esistenza».

Lei usa sempre il plurale e nonostante la scomparsa della sua compagna i progetti continuano ad apparire firmati a quattro mani. È ancora vivo il contributo di Jeanne-Claude?

«Certo. Dei 46 progetti che abbiamo preparato chiedendo permessi e lottando con la burocrazia ne sono stati realizzati solo 23. Ma in ognuno c’è il suo perfezionismo, la sua attitudine ipercritica, l’attenzione maniacale ad ogni particolare, l’incredibile capacità organizzativa. Ci sono le nostre discussioni anche accese, la sua determinazione a trovare una soluzione anche dove sembrava impossibile. Ogni progetto presenta problemi imprevisti e dobbiamo calcolarli tutti prima: la forza dei venti, le previsioni climatiche, le perizie statiche. Insieme abbiamo impacchettato ponti, alberi, chilometri di coste. È stato un enorme piacere passare la vita insieme in questo progettare, una vera spedizione nell’esistenza. Abbiamo incontrato migliaia di persone che non appartenevano al mondo dell’arte, abbiamo conosciuto sindaci e ingegneri, operai e addetti all’ordine pubblico, primi ministri e artigiani. E ognuno ci ha dato qualcosa. Fanno tutti parte della mia vita e della mia memoria. Grazie a tutto questo e a Jeanne-Claude sono diventato ricco, e non di denaro né cose materiali».

Lei ha più volte detto che la vostra idea di arte è fatta per essere vissuta e non posseduta. Inoltre non avete mai voluto una galleria, né un mercante. Finanziate in gran parte i lavori vendendo disegni preparatori e immagini dei progetti. Insomma una posizione in netto contrasto con l’attuale sistema dell’arte.

«Sono nato in un paese comunista, da lì sono scappato perché era tale il bisogno di diventare artista ed essere un uomo libero, da spingermi a Parigi completamente solo, senza amici né parenti e senza sapere una parola di francese. Ho conquistato la mia libertà millimetro per millimetro e non la cedo di certo per denaro. Ho finanziato i miei progetti con i miei soldi e sono arrivato a realizzarne di molto costosi. Ma ogni cosa è stata una mia/nostra decisione libera, assoluta, che arrivava dal cuore. Solo così i progetti prendono forza al punto di convincere parlamenti interi a dare permessi per qualcosa di completamente inutile e irrazionale. Immaginate cosa può voler dire spiegare a quattrocento giapponesi - che peraltro a causa del mio nome sono convinti di trovarsi di fronte un eccentrico missionario - che io non voglio convertire nessuno, ma installare in una valle di Ibaraki, a nord di Tokyo, 1340 ombrelli blu alti 6 metri e larghi 8,66. Il tutto senza avere una lingua in comune».

Ci siete riusciti. Così come siete riusciti a impacchettare le coste dell’Australia, a vestire di rosa isolotti in Florida o di tessuto dorato il Pont Neuf a Parigi. Eppure è cronaca recente che lei ha deciso di far cadere il monumento, il progetto a cui lavora da venticinque anni: “Over The River”, un soffice e brillante tetto d’argento che dovrebbe accompagnare per sei miglia il fiume Colorado in Arizona e su cui lei ha già investito 15 milioni di dollari. Si dice che sia stato anche un gesto polemico contro l’amministrazione Trump, anzi per il New York Times il più visibile e costoso gesto di protesta finora visto!

«In realtà è l’amministrazione Trump ad essere polemica con me, perché come sempre una parte importante dell’opera è la richiesta dei permessi. Dai proprietari privati erano stati ottenuti e quando cominciai, in tempi di amministrazione Clinton, anche la pubblica burocrazia, che richiede tempi molto complessi, si dimostrò favorevole. Più critica poi, ma non ostile, al tempo di Bush, mentre trovai un supporter in Obama. Ma ora sono partite anche battaglie legali che mi accusano di essere una minaccia alla fauna e alla flora: ogni piacere di lottare per questo progetto è sparito e non intendo spendere altro tempo e altri soldi per cercare di convincere questa amministrazione. L’ho detto: sono un uomo libero. Libero anche di cambiare strada».

C’è un’altra persona che da tempo vi ha seguito: Wolfgang Volz, il fotografo a cui avete affidato una gran parte della documentazione e le immagini della vostra storia. Lo vedremo in mostra ad Assisi. Che ruolo ha la foto nell’opera di Christo?

«Un ruolo importante di documentazione. Wolfgang non si limita a fotografare le opere, è con noi fin dall’inizio. Rende visibile il work in progress, dai disegni ai modellini fino ai carteggi burocratici. Poi ogni fase della messa in opera dalla costruzione alla demolizione. È un materiale che viene acquisito da archivi e fondazioni, è stato oggetto di mostre molto visitate come quella al secondo piano del Reichstag, ma è un documento e basta. E in nessun modo sostituisce l’opera».

Dopo “Floating piers” tornerà a lavorare in Italia?

«Ho un grande progetto, ma è ancora segreto. E ho un grande amore per questo paese fin dagli anni Settanta quando rivestii Porta Pinciana a Roma (“Wrapped Roman Wall”, 1973, ndr). Una difficile opera di diplomazia per superare diffidenze di politici e sovrintendenti che vedevano in me solo un giovane visionario bulgaro. Ma fui molto aiutato da un artista potente che capì l’opera, nonostante il suo lavoro fosse molto lontano dal mio. Era un comunista e si chiamava Guttuso, lo conosce?».

"Così Christo mi convinse a far finire la passerella nella mia isola sul lago". L'imprenditrice-mecenate ricorda come nacque lo straordinario evento del 2016 "Floating Piers". Luca Beatrice, Martedì 02/06/2020 su Il Giornale. Raggiunta telefonicamente nella sua casa di Brescia, Umberta Gnutti Beretta ricorda con affetto Christo, il primo incontro, le settimane che anticiparono l'apertura di The Floating Piers sul lago di Iseo, l'entusiasmo di vedere coinvolte così tante persone. Era l'estate del 2016 e quel meraviglioso pezzo d'Italia sembrava davvero il centro del mondo. Imprenditrice, mecenate, collezionista, unisce la passione per l'arte ad attività di charity. Un curriculum di studi e formazione internazionale, tra la Svizzera e Londra, che mai cela un forte bisogno di tornare alle radici della sua terra.

Signora Beretta, una primavera triste per l'arte. Se ne sono andati Germano Celant e Christo, ovvero i due protagonisti principali dell'impresa Floating Piers. Come ricorda il primo vostro incontro?

«Ricevetti la telefonata di Celant che mi chiese di andare a casa sua per incontrare un artista e parlare di un progetto, senza svelarmi altro. E lì conobbi Christo. Senza indugiare mi raccontò la sua idea di costruire il camminamento dalla terra al lago, che inizialmente mi sembrò folle. Era il 2014, due anni dopo, invece, accadde...»

Come fu l'impatto con uno dei più grandi artisti del nostro tempo?

«Christo era molto concentrato sul progetto che mi illustrò tecnicamente nei minimi particolari. Sull'iPad del nipote Vladimir mostrò i disegni e i progetti della lunga passerella sul lago di Iseo che si concludeva all'Isola di San Paolo, di proprietà della nostra famiglia. Abbiamo bisogno di voi, mi disse. Sapeva di essere anziano e di avere ancora diversi progetti in testa da realizzare in una lotta contro il tempo, ad esempio la Mastaba (installazione di oltre 7.500 barili di petrolio colorati nel lago di Hyde Park a Londra aperta nel giugno 2018, ndr). Non ci fu bisogno d'altro per convincermi».

E poi è nata un'amicizia...

«In un progetto così ambizioso si viene completamente assorbiti al punto da accantonare la normale quotidianità. Mio marito Franco e io abbiamo accompagnato Christo a incontrare amministratori, politici, tecnici, aziende, personale, ci siamo occupati insieme a lui di arrivare alla realizzazione di un'opera che, come di consueto, l'artista finanzia interamente da sé con la vendita dei propri lavori. E poi ho seguito da vicino la mostra Water Project al Museo di Santa Giulia a Brescia, che anticipò in aprile l'evento per poi chiudersi in settembre».

Dopo il 2016, vi siete rivisti?

«Sì, alcune volte, proprio a Londra per Mastaba, quindi a Miami. Da circa un anno non ci incontravamo».

Di norma l'arte contemporanea è considerata un linguaggio specialistico che non riesce ad attrarre un pubblico molto vasto, e invece in Franciacorta in due settimane arrivarono oltre 1 milione e 200 mila persone. Che spiegazione si è data di quell'incredibile e imprevisto successo?

«Christo, con sano ottimismo, pensava a 30/40 mila presenze al giorno, che a me sembravano già tantissime. E invece furono più di 100mila, con lunghe code, tempi di attesa sotto il sole, Instagram che si apriva sul giallo delle passerelle e proprio i social sono stati fondamentali nel creare l'effetto moltiplicatore. Bisognava esserci, insomma».

A pensarla oggi, un'impresa del genere appare davvero impossibile...

«Nel breve purtroppo sì. Quel desiderio di condivisione per cui ciascuno aveva il proprio motivo per passeggiare su Floating Piers sembra lontanissimo. Molta gente stava attraversando un'opera d'arte contemporanea senza saperlo e in tanti aveva prevalso la sensazione di vivere un'esperienza. Christo teneva molto che il suo fosse un evento anche popolare».

Lei non è nuova a interventi finanziari a fianco dell'arte, dal classico il restauro di opere del Museo Poldi Pezzoli - al contemporaneo. Si considera una nuova mecenate?

«Mi piace partecipare ai progetti nel momento in cui si vanno costruendo, non finanziare a cose fatte. Per Christo non c'era bisogno di economia, ho comprato un'opera per la mia collezione ma non è rilevante. In altri casi, ad esempio per il Padiglione Italia 2017 curato da Cecilia Alemani, ho sostento il suo lavoro mentre si costruiva e non a giochi fatti, insomma mi interessa soprattutto il backstage».

Brescia, la sua città, è stata tra le più colpite dalla pandemia. Ora ci sarà bisogno di grandi forze per rialzarsi e intanto la società risponde con la candidatura a capitale della cultura condivisa con Bergamo nel 2023. Quali sono i suoi pensieri a proposito, anche nel ruolo di membro del consiglio direttivo della Fondazione Brescia Musei?

«È davvero difficile pensare oggi a un modo efficace di fare arte dopo il lockdown. C'è il rischio che molte regole cambino, a cominciare dall'affluenza del pubblico che sarà contenuto nei numeri, e allora può valer la pena di pensare a un'arte diffusa sul territorio, che incontri per strada, un'arte che esca dai musei e dalle fondazioni per espandersi in altri luoghi fisici della comunità».

·        Morto Beppe Barletti: volto storico di “90° minuto”. 

Morto Beppe Barletti: addio al volto storico di “90° minuto”. Marco Alborghetti il 31/05/2020 su Notizie.it. All'età di 91 è morto Beppe Barletti, volto storico della Rai. Fu il primo ad intervistare il chirurgo del trapianto di cuore. Sabato 30 maggio è morto all’età di 91 anni Beppe Barletti, storico volto torinese del programma “90° minuto”. Barletti per anni è stato il punto di riferimento per la Rai sui campi della Juventus e del Torino. In seguito si è occupato di automobilismo, atletica e basket. Significativa la sua prima intervista al primo chirurgo del mondo che effettuò un trapianto di cuore. Un grave lutto ha colpito il mondo del giornalismo sportivo: nella giornata di sabato 30 maggio è venuto a mancare Beppe Barletti, giornalista che è diventato una vera e propria pietra miliare del programma Rai “90° minuto“, morto all’età di 91 anni. Barletti per tutti gli appassionati di calcio degli anni ’60-’70 è stato il punto di riferimento del celebre programma per quanto riguardava la cronaca dai campi di Torino, dove ha raccontato con equilibrio e tanta passione le gesta della Juventus.

Calcio nel sangue. Nel 1993 è arrivato il suo congedo dalle cronache e dal mondo del giornalismo, ma da quel momento non ha comunque smesso di parlare della sua passione, e non era insolito ritrovarlo a parlare di calcio con gli amici. Barletti fin da piccolo sapeva che prima o poi avrebbe fatto parte di quel mondo: ha giocato inizialmente nelle giovanili del Lecce (suo padre infatti era leccese), e poi a Torino, più precisamente nel Vanchiglia e nel Bertolla. Ad un certo punto sembrava che la sua carriera calcistica fosse indirizzata verso il grande salto tra i professionisti della Pro Vercelli, ma i genitori lo costrinsero a continuare gli studi.

Oltre lo sport. Nei suoi quarant’anni di giornalismo, si era occupato anche di altri sport, come automobilismo, atletica e basket. Tra i suoi servizi più significativi però rimane un’intervista storica concessa da Chris Bernard, il primo chirurgo al mondo che ha avuto il coraggio di effettuare un trapianto di cuore. Per la Rai aveva seguito anche la famosa vicenda di cronaca nera di Doretta Ganeris, l’omicida di Vercelli. Qualche anno fa, in un’intervista Barletti aveva ricordato quella vicenda con il suo solito umorismo: “Ricordo il momento in cui entrai in quella casa dove erano stati uccisi marito, moglie, figlio e nonna, e la ragazza dallo sguardo perso nel vuoto. Le prime parole che mi aveva rivolto il tenente Fornasier erano state: “Non si faccia prendere dalla compassione, Barletti, l’assassina è lei”.

Addio a Beppe Barletti, volto storico di "Novantesimo minuto" e "Domenica Sprint": aveva 92 anni. Pubblicato sabato, 30 maggio 2020 da Fabrizio Turco su La Repubblica.it Non solo sport nel curriculum dell'ex giornalista torinese della Rai: dal reportage sul lago Nasser in Egitto alla strage dei Graneris a Vercelli, all'intervista al celebre chirurgo Barnard, autore del primo trapianto di cuore. Il giornalismo sportivo è in lutto: è scomparso Beppe Barletti, storico volto di un calcio ormai datato, protagonista in video in programmi seguitissimi come Novantesimo Minuto e Domenica Sprint. Nato a Torino nel settembre del 1928, Barletti aveva iniziato a scrivere da ragazzo sul “Piccolo Commercio”, il giornale rivolto ai venditori ambulanti che lavoravano al mercato di Porta Palazzo: “Avevo iniziato così perché mio padre era uno di loro, era un mercatale” diceva con fierezza. Dopo la gavetta e la collaborazione a Stampa sera, Barletti era entrato in Rai diventando un personaggio notissimo agli appassionati di calcio per i resoconti delle partite di Juventus e Torino. Non soltanto sport, però, nella sua lunga carriera che si era poi chiusa nel 1993 quando era andato in pensione. Oltre a occuparsi di basket, atletica e automobilismo, Barletti aveva seguito anche tanti eventi cittadini realizzando anche servizi di rilievo: dal reportage sul lago Nasser in Egitto alla strage dei Graneris a Vercelli, all'intervista al celebre chirurgo Christiaan Barnard, il grande chirurgo sudafricano diventato famoso nello scorso secolo per aver realizzato il primo trapianto di cuore nella storia della medicina.

·        È morto il chitarrista Bob Kulick, "quinto" membro dei Kiss.

È morto il chitarrista Bob Kulick, "quinto" membro dei Kiss. Pubblicato sabato, 30 maggio 2020 da La Repubblica.it Era fratello del chitarrista solista della band Bruce Kulick che ne ha dato l'annuncio. Aveva 70 anni. Il chitarrista statunitense Bob Kulick, conosciuto soprattutto per aver collaborato con i Kiss, considerato il "quinto" membro della band newyorchese, lavorando soprattutto in studio, è morto all'età di 70 anni. Era il fratello maggiore di Bruce Kulick, che è stato chitarrista solista dei Kiss dal 1984 al 1996. E proprio il fratello minore Bruce ha dato la notizia della scomparsa sui social: "Ho il cuore spezzato di dover condividere la notizia della scomparsa di mio fratello Bob Kulick. Il suo amore per la musica e il suo talento di musicista e produttore dovrebbero sempre essere celebrati. So che ora è in pace, accanto ai nostri genitori, e me lo vedo lassù che suona la sua chitarra più forte che mai". Anche la band dei Kiss sui social ha espresso le condoglianze per la scomparsa del rocker: "Abbiamo il cuore spezzato. Le nostre più sentite condoglianze alla famiglia Kulick in questo momento difficile". Membro d’onore della KISS family, non solo in quanto fratello maggiore di Bruce (che lui stesso aveva “raccomandato” ai Kiss come sostituto di Mark St John nel 1984), ma anche come collaboratore stretto di Paul Stanley, Bob è stato impegnato “in incognito” con il quartetto newyorchese del Bacio specialmente in studio, per fare le veci di Ace Frehley allora troppo distratto dalla fama, su alcuni dischi a cavallo tra fine anni ’70 e primi ’80 (di sicuro sugli inediti di “Alive II” e “Killers”, e sugli album “Unmasked” e “Creatures Of The Night”). All'infuori dei Kiss, Bob Kulick ha suonato la chitarra in alcuni dischi di Meat Loaf e con i W.A.S.P. negli album The Crimson Idol e Still Not Black Enough, senza però mai esibirsi in pubblico con il gruppo. Bob suonò poi la chitarra per il disco omonimo Michael Bolton (1983) del musicista Michael Bolton e per Lou Reed in Coney Island Baby (1976). Nato a New York il 16 gennaio 1950, Bob Kulick esordì nei primi anni Settanta come chitarrista con la band Hookfoot. Nel 1973 tenne un'audizione per entrare nei Kiss come chitarrista solista ma gli fu preferito Ace Frehley. Ciononostante i Kiss decisero di tenere da conto Bob impiegandolo nel caso in cui Frehley non fosse stato nelle condizioni di lavorare. Con i Kiss Bob ha suonato in alcune tracce degli album Alive II (1978), Killers (1982) e Creatures of the Night (1982). Bob Kulick ha inoltre collaborato con il frontman dei Kiss Paul Stanley per il suo album solista Paul Stanley (1978), sia nel suo tour del 1989, sempre da solista. Bob Kulick negli anni Ottanta formò il gruppo Balance con Peppy Castro e Doug Katsaros.

Da ilmessaggero.it il 30 maggio 2020. Kiss, è morto il chitarrista Bob Kulick, considerato il quinto membro della band di New York. Bob Kulick, conosciuto soprattutto per aver collaborato con i Kiss, lavorando soprattutto in studio, è morto all'età di 70 anni. Era il fratello maggiore di Bruce Kulick, che è stato chitarrista solista dei Kiss dal 1984 al 1996. E proprio il fratello minore Bruce ha dato la notizia della scomparsa sui social: «Ho il cuore spezzato di dover condividere la notizia della scomparsa di mio fratello Bob Kulick. Il suo amore per la musica e il suo talento di musicista e produttore dovrebbero sempre essere celebrati. So che ora è in pace, accanto ai nostri genitori, e me lo vedo lassù che suona la sua chitarra più forte che mai». Anche la band dei Kiss sui social ha espresso le condoglianze per la scomparsa del rocker: «Abbiamo il cuore spezzato. Le nostre più sentite condoglianze alla famiglia Kulick in questo momento difficile». All'infuori dei Kiss, Bob Kulick ha suonato la chitarra in alcuni dischi di Meat Loaf e con i W.A.S.P. negli album «The Crimson Idol» e «Still Not Black Enough», senza però mai esibirsi in pubblico con il gruppo. Bob suonò poi la chitarra per il disco omonimo «Michael Bolton» (1983) del musicista Michael Bolton e per Lou Reed.Lou Reed in «Coney Island Baby» (1976) Nato a New York il 16 gennaio 1950, Bob Kulick esordì nei primi anni Settanta come chitarrista con la band Hookfoot. Nel 1973 tenne un'audizione per entrare nei Kiss come chitarrista solista ma gli fu preferito Ace Frehley. Ciononostante i Kiss decisero di tenere da conto Bob impiegandolo nel caso in cui Frehley non fosse stato nelle condizioni di lavorare. Con i Kiss Bob ha suonato in alcune tracce degli album «Alive II» (1978), «Killers» (1982) e «Creatures of the Night» (1982). Bob Kulick ha inoltre collaborato con il frontman dei Kiss Paul Stanley per il suo album solista «Paul Stanley» (1978), sia nel suo tour del 1989, sempre da solista. Bob Kulick negli anni Ottanta formò il gruppo Balance con Peppy Castro e Doug Katsaros.

·        E’ morto l’attore Anthony James.

Marco Giusti per Dagospia il 29 maggio 2020. Anche i cattivi muoiono. Se ne va uno dei cattivi più tenebrosi e riconoscibili di Hollywood, Anthony James, 77 anni, nato a Myrtle Beach, South Caroline e morto a Cambridge, Massachussets. Lo abbiamo visto tutti, ma proprio tutti, nel suo primo film, “La calda notte dell’Ispettore Tibbs”, dove è Ralph Henshaw, il pessimo padrone della fetente bettola con faccia un po’ a teschio, occhi in fuori, barba incolta, che sa molto più di quel che dichiara in un sud razzista del dopo Dallas. Figlio di due immigrati greci arrivati in America negli anni ’40, si ritrovò a soli otto anni orfano di padre, così la mamma decise di spostare la famiglia a Los Angeles. Lì, per pagarsi gli studi di recitazione, fece di tutto, anche pulire i bagni. Molto lo aiutò il fisico curioso, alto due metri con questa faccia spettrale, ma era anche un ottimo attore. Così entrò facilmente nel mondo della tv e poi del cinema. Grazie al ruolo di cattivo in “La calda notte dell’Ispettore Tibbs”, diventò popolarissimo negli anni ’70 e ’80 e gli toccò interpretare qualsiasi ruolo di razzista, maniaco, losco figuro pronto a dare il peggio di sé in una marea di telefilm e di film anche molto popolari come “Facce per l’inferno” di John Guillermin, il western “Sam Whiskey” di Arnold Laven, il drammatico “Tick… Tick…Tick… esplode la violenza” di Ralph Nelson. Ma è notevole anche come autostoppista gay nel cultissimo e generazionale “Punto zero” di Richard Sarafian, o come prete nello stilosissimo western “Fango, sudore, polvere da sparo” di Dick Richards. Con “Lo straniero senza nome”, dove faceva il bandito, si legò molto a Clint Eastwood e la sua carriera fece un ulteriore passo avanti. Lo troviamo poi nella commedia western “Pazzo pazzo west” di Howard Zieff, nell’horror di Dan Curtis “Ballata macabra” come pauroso chaffeur, in “Tuono blu” di John Badham, o nel curioso “Gli angeli dell’odio” di Lee H. Katzin dove fa il cannibale buono. Fa il verso a se stesso nel parodistico “La pallottola spuntata”, mentre incontra per la seconda volta sullo schermo Clint Eastwood nel bellissimo “Gli spietati”, dove interpreta il padrone del bordello. Dopo questo film, siamo ormai verso la metà degli anni ’90, decise di lasciare per sempre il cinema. Assieme alla mamma adorata, non si è mai sposato, si ritirò a Cambridge, Massachussets, dove insegnò recitazione, ma soprattutto sviluppò una carriera di pittore astratto che gli dette molte soddisfazioni, con mostre per le grandi città americane. Scrisse anche un libro di memorie, ovviamente dedicato alla mamma.

·        E’ morto Franco Raselli, uno degli orafi più importanti nel mondo.

Il coronavirus uccide Franco Raselli, uno degli orafi più importanti nel mondo. Pubblicato venerdì, 29 maggio 2020 da La Repubblica.it. E' morto ucciso dal coronavirus Franco Raselli, 73 anni, una delle figure più importanti nel mondo orafo. Nel 1969 aveva fondato la società per azioni omonima, presente in cinque Paesi nel mondo, che era arrivata a fatturare oltre sessanta milioni. Nel 2018 aveva fatto causa a Ivanka Trump, la figlia del presidente Usa, perché non si erano finiti di pagare i gioielli richiesti da una gioielleria newyorkese e portati dall'ereditiera. "Oggi è un giornata particolarmente triste - commenta il sindaco di Valenza (Alessandria), Gianluca Barbero - Ogni volta che ti sembra di uscire dal tunnel di questo virus, ci ricadi di nuovo. Perdiamo un grande imprenditore, rimasto in azienda fino all'ultimo giorno prima di ammalarsi. Lungimirante, vicino alla sua città e alle associazioni in modo sempre discreto. Un grande uomo dalla grande visione di prospettiva". "Con lui - ricorda Massimo Barbadoro, assessore a Industria, Commercio, Artigianato - sono stato spesso in Cina, dove è stato capace di muoversi in maniera creativa anche quando il Paese asiatico non era certo una potenza economica come adesso. Un anticipatore dei tempi". "Non faceva parte del nostro gruppo, però tutti lo conoscevamo - conclude Francesco Barberis, presidente Gruppo Aziende Orafe di Confindustria - La Rasellì resta la maggiore esperienza di trasformazione da attività artigianale a multinazionale".

·        E’ morta Alice Severi: ex bimba prodigio del piano.

Floriana Rullo per "corriere.it" il 28 maggio 2020. «Aveva un talento fuori dal comune». Era un talento naturale al pianoforte, riconosciuto da tutti i colleghi, quello di Alice Severi, morta a 32 anni nella sua casa di Domodossola per cause ancora da accertare. Fin da quando era bambina, ad appena sette anni, aveva messo in mostra il suo talento vincendo il premio internazionale Stresa, dedicato ai giovani pianisti. Era il 1992 e, in quell’occasione, aveva superato ragazzi più grandi di lei, arrivati da tutta Europa. È stata trovata senza vita nell’appartamento in centro città, dove viveva con la madre. Per le vie del paese la si poteva incontrare insieme ai due alani di cui si prendeva cura. Fino a qualche anno fa anche con un corvo nero, che portava in giro sulla spalla come fosse un cagnolino. Conosciuta nel mondo della musica, era la bambina prodigio, ormai diventata donna, che aveva imparato a suonare Beethoven, Chopin, Mozart sui tasti bianchi e neri del pianoforte prima ancora dell’alfabeto. A Domodossola aveva frequentato i primi anni alle scuole elementari Milani, poi aveva proseguito da privatista per poter continuare gli studi di piano con l’insegnante Michela Casalini. Le sue mani volavano sul pianoforte. Diplomata al Conservatorio di Cremona nel 2007, si era esibita in numerosi concerti che l’avevano portata sui più prestigiosi palchi del mondo. E lei, bellissima e biondissima, incantava il pubblico ogni volta che si sedeva al piano. Esibizioni sempre impeccabili con la tecnica che fino da piccola aveva stupito la critica. Alice aveva un talento naturale. Una capacità di eseguire e interpretare brani di qualsiasi difficoltà con una scioltezza unica. Ogni spartito da lei suonato diventava semplice. Da bambina si era esibita negli Stati Uniti e in Canada; un recital a Detroit è stato anche trasmesso dalla televisione Nbc. Doti musicali apprezzate da celebri pianisti come Paul Badura Skoda e Marta Algerich. Numerosi i premi in concorsi nazionali e internazionali ricevuti. Una lunga lista tra cui spicca nel 2006 il primo posto al concorso «Chopin» di Racconigi e il terzo posto al concorso pianistico «Premio Venezia» ricevendo anche un’onorificenza dal presidente della Repubblica Giorgio Napolitano, che l’aveva invitata al Quirinale. Negli ultimi anni la carriera da pianista era stata un po’ messa da parte, dietro un aspetto che poteva sembrare appariscente si celava una donna fragile. Aveva tentato di rilanciarsi sul web, senza mai riuscirci sul serio. Spesso condivideva video di esibizioni e lezioni per avvicinare i più piccoli alla musica. Arte che non aveva mai abbandonato. Da un paio di anni insegnava all’accademia musicale Mozzati di Mezzago, in provincia di Milano.

Floriana Rullo per il “Corriere della Sera” il 29 maggio 2020. Quando si sedeva al pianoforte Alice Severi tirava fuori il suo talento naturale per la musica. Una dote straordinaria quella che possedeva la 32enne, capace di conquistare chiunque la stesse ascoltando. Se ne erano accorti molto presto in Piemonte quando, bambina di appena sette anni, aveva messo in mostra il suo talento vincendo il premio internazionale Stresa, dedicato ai giovani pianisti. Era il 1992 e, in quell'occasione, aveva sbaragliato la concorrenza fatta di decine di partecipanti più grandi di lei, arrivati da tutta Europa. Alice è stata trovata senza vita nell' appartamento di Domodossola dove viveva con la madre. Una morte ancora da chiarire, che ha lasciato senza parole l' intera città centro principale della val d' Ossola. Da giorni, per le strade dove risiedono appena 18 mila abitanti e in cui Alice è cresciuta, non si parla d' altro. Da bimba prodigio aveva frequentato i primi anni alle scuole elementari Milani, continuando poi da privatista. Fino a qualche giorno fa la si poteva incontrare mentre portava a spasso i suoi cani, due alani, di cui si prendeva cura. Fino a qualche anno fa aveva anche un corvo nero. Conosciuta nel mondo della musica, era l' enfant prodige ossolana, ormai diventata donna, che aveva imparato a suonare Beethoven, Chopin, Mozart sui tasti bianchi e neri del pianoforte prima ancora di conoscere l' alfabeto. Il pianoforte era stato sempre il suo unico grande interesse. E le sue mani volavano sui tasti ogni volta che seguiva uno spartito. Diplomata al Conservatorio di Cremona nel 2007, seguita dall' insegnante Michela Casalini, si era esibita in numerosi concerti che l' avevano portata a salire sui più prestigiosi palchi del mondo. E lei incantava il pubblico ogni volta che si sedeva al piano. Le sue esibizioni erano sempre impeccabili. Non potevano non esserlo visto il suo pretendere sempre molto da se stessa e la tecnica che fin da piccola aveva imparato. Una perfezione capace di sorprendere e lasciare a bocca aperta la critica. Mai scontata, mai banale, aveva una capacità naturale di eseguire e interpretare brani di qualsiasi difficoltà con una scioltezza unica. Ogni spartito da lei suonato diventava semplice per chi lo ascoltava. Da bambina si era esibita negli Stati Uniti e in Canada; un recital a Detroit è stato anche trasmesso dalla televisione Nbc. Doti apprezzate da celebri pianisti come Paul Badura Skoda e Martha Argerich, che l' aveva voluta ascoltare in privato alla fine di un concerto. Numerosi i premi in concorsi nazionali e internazionali ricevuti. Una lunga lista tra cui spicca nel 2006 il primo posto al concorso «Chopin» di Racconigi e il terzo posto al concorso pianistico «Premio Venezia» ricevendo anche un' onorificenza dal presidente della Repubblica Giorgio Napolitano, che l' aveva invitata al Quirinale. Negli ultimi anni la carriera da pianista era stata un po' messa da parte. Aveva tentato di rilanciarsi sul web, senza mai riuscirci sul serio, postando video anche fuori dal contesto musicale. Dietro un aspetto che poteva sembrare appariscente, si celava una donna fragile. Spesso Alice condivideva anche video di esibizioni e lezioni dedicati ai più piccoli con l' obiettivo di avvicinarli alla musica. Arte che non aveva mai abbandonato. Da un paio di anni insegnava all' accademia musicale Mozzati di Mezzago, in provincia di Milano, dove tutti ora la ricordano con affetto.

Alice Severi, ex bimba prodigio del piano trovata morta in casa. Il giallo sulla morte di Alice Severi, ex bambina prodigio del pianoforte, trovata morta nella sua casa di Domodossola all'età di 32 anni. Rosa Scognamiglio, Venerdì 29/05/2020 su Il Giornale. È un giallo la morte di Alice Severi, 32 anni, ex bambina prodigio del pianoforte, trovata morta nella casa in cui viveva con la madre, Caterina Sgro, infermiera all'ospedale San Biagio di Domodossola. Una vita costellata di successi Oltreoceano e prestigiosi riconoscimenti come musicista, Alice Severi era una indiscussa fuoriclasse al pianoforte. Aveva cominciato a suonare, prima ancora che a leggere o scrivere, vicendo il premio internazionale di Stresa, dedicato ai musicisti di tutta Europa, all'età di appena 7 anni. Un talento davvero raro e prezioso, unico nel suo genere. Apprezzatissima dai suoi colleghi, era stata tra le poche bambine al mondo a saper suonare in scioltezza le note di Chopin, Mozart e Beethoven: il pianoforte era la sua unica, grande passione. E le sue mani volavano su quei tasti neri e bianchi quando leggeva uno spartito. Nata e cresciuta in Val d'Ossola, nella provincia del Verbano-Cusio-Ossola, aveva frequentato le elementari all'Istituto Milani continuando poi le medie da privatista. Nel 2006 vinse il primo posto al concorso «Chopin» di Racconigi; a 21 anni era arrivata terza al concorso pianistico «Premio Venezia» ricevendo anche un’onorificenza dal presidente della Repubblica Giorgio Napolitano. Diplomata al Conservatorio di Cremona nel 2007, seguita dall’insegnante Michela Casalini, si era esibita in numerosi concerti che l’avevano portata calcare i palcoscenici più prestigiosi del mondo. E lei incantava il pubblico ogni volta che si sedeva al piano. Le sue esibizioni erano sempre ineccepibili, melodiose e in grado di far sognare ad occhi aperti chi l'ascoltava.Una perfezione capace di sorprendere e lasciare a bocca aperta la critica: mai scontata, mai banale, aveva una capacità naturale di eseguire e interpretare brani di qualsiasi difficoltà con una scioltezza unica. Ogni spartito da lei suonato diventava semplice per chi lo ascoltava. Da bambina si era esibita negli Stati Uniti e in Canada; un recital a Detroit è stato anche trasmesso dalla televisione Nbc. Doti apprezzate da celebri pianisti come Paul Badura Skoda e Martha Argerich, che l’aveva voluta ascoltare in privato alla fine di un concerto. Ma dietro quella corazza da professionista impeccabile, forse, si celava l'animo di una donna fragile. Alice è stata trovata senza vita nel suo appartamento di Domodossola, casa che condivideva con la madre, qualche giorno fa. Una morte inattesa che ha gettato nello sconforto tutti gli abitanti della piccola Val d'Ossola: nessuno riesce a capire cosa possa essere accaduto. Da qualche tempo, la 32enne aveva accantonato il piano lanciandosi nel mondo del web. Aveva aperto un profilo social attraverso il quale condivideva stralci della sua quotidianità che c'entravano poco o nulla con il mondo della musica. Di tanto in tanto, la si incrociava in giro con i suoi due amatissimi alani, ma non sembrava più la stessa. Quella bimba prodigio era cresciuta e, probabilmente, qualcosa in lei si era spezzato. "Era geniale. Mi ricordo che la prima volta che l’ho sentita suonare aveva 8 anni ed era alla Fabbrica - dice il pianista ossolano Roberto Olzer a La Stampa -. Ha avuto una carriera importante, era una professionista molto valutata e ricercata non solo in Italia ma anche all’estero. e si riconosceva capacità e tecnica incredibili. Raramente si ascoltava un talento così spiccato e naturale". Ma adesso, di Alice non resta che il ricordo di un talento raro e il dolore inconsolabile dei suoi genitori.

·        È morto Larry Kramer, sceneggiatore.

È morto Larry Kramer, sceneggiatore tra i più influenti attivisti anti-Aids. Pubblicato mercoledì, 27 maggio 2020 da La Repubblica.it. Larry Kramer, drammaturgo e sceneggiatore statunitense, è morto a Manhattan per una polmonite all'età di 84 anni. L'annuncio della scomparsa è stato dato da suo marito, l'architetto David Webster. Attivista anti-Aids, Kramer è noto per la premiata commedia The Normal Heart che portò per la prima volta il virus Hiv sul palcoscenico di Broadway vincendo un Tony Award. Larry Kramer visse a Londra dal 1961 al 1970 lavorando come sceneggiatore. Il suo successo maggiore dell'epoca è stata la sceneggiatura per il film Donne in amore (1969) di Ken Russell, basato sul romanzo Donne innamorate di D. H. Lawrence, per cui è stato nominato agli Oscar. Ha poi scritto il soggetto di Orizzonte perduto (1973) di Charles Jarrott. Kramer fu un sostenitore dei diritti gay fin dai primi anni 70 ma il suo modo eterodosso di sostenere la comunità omosessuale suscitò scalpore. Il suo romanzo del 1978 Faggots è stato un bestseller tra i romanzi a tema gay ma si è attirato addosso addirittura l'accusa di omofobia per l'aperta critica agli eccessi promiscui del mondo omosessuale newyorkese. Divenuto fin dal 1981 attivista anti-Aids, ha scritto l'opera teatrale The Normal Heart (1985), che resta una delle risposte culturali più importanti alla devastazione causata dall'Aids agli inizi dell'epidemia. Considerata l'autobiografia teatrale di Kramer, trent'anni dopo è diventata un film diretto da Ryan Murphy, con Brad Pitt tra i produttori. Trasmesso in tv negli Usa, ha ottenuto 16 nomination agli Emmy, ed è stato osannato dal presidente Obama. Tra gli interpreti Mark Ruffalo, Matt Boomer e Julia Roberts. Kramer è stato uno dei fondatori del Gay Men's Health Crisis, un'organizzazione di lotta contro l'Aids con sede a New York. Nel 1987 ha contribuito a fondare la Aids Coalition to Unleash Power, un'organizzazione di lotta e protesta spesso coinvolta in azioni di disobbedienza civile. Negli anni 90 gli è stata diagnosticata l'infezione da virus Hiv. Nel dicembre 2001 Kramer si è sottoposto a un trapianto di fegato al Medical Center dell'Università di Pittsburgh. Nel 2013 ha sposato il suo compagno, David Webster.

·        E’ morto Prahlad Jani, l’indiano che sosteneva di non mangiare e bere dal 1940.

DAGONEWS il 27 maggio 2020. Prahlad Jani, l’indiano che sosteneva di non mangiare e bere dal 1940, è morto all’età di 90 anni. L’uomo, che aveva un piccolo stuolo di seguaci, viveva a Charada nello stato occidentale del Gujarat, dove ha trascorso la sua vita tra yoga e mediazione . «È morto martedì mattina nella sua residenza per vecchiaia - ha detto a AFP Sheetal Chaudhary, che viveva accanto a Jani - È stato portato di corsa in ospedale dopo mezzanotte, ma è stato dichiarato morto all'arrivo dai medici». Il corpo di Jani è stato portato ad Ambaji, una città famosa per i suoi templi, dove sarà esposto per due giorni in modo tale che i seguaci possano rendergli omaggio. Jani raccontava di essere stato benedetto da una dea quando era un bambino e questo gli permetteva di vivere senza acqua o cibo. Un’affermazione che ha sempre fatto storcere il naso ai medici. Nel 2003 aveva dichiarato di aver scoperto: «l'elisir di lunga  vita e di nutrirsi attraverso un buco nel palato dal quale la dea gli forniva nutrimento». Nel 2010 un team di medici militari lo ha studiato per due settimane in un ospedale di Ahmedabad, la più grande città del Gujarat. Jani è stato osservato 24 ore su 24 con telecamere a circuito chiuso. I medici hanno eseguito esami ai suoi organi, al cervello e ai vasi sanguigni e hanno condotto test su cuore, polmoni e memoria. Secondo quanto riscontrato all’epoca pare che l’uomo effettivamente non avesse contatti con l’acqua se non durante i gargarismi e il bagno. «Non sappiamo come sopravvive – aveva detto il neurologo Sudhir Shah - È ancora un mistero che tipo di fenomeno sia». I risultati dello studio, avviato dall'Organizzazione per la ricerca e lo sviluppo della difesa dell'India, non sono mai stati pubblicati o sottoposti a revisione.

·        Addio all'attore Richard Herd, comandante supremo dei "Visitors".

Addio all'attore Richard Herd, comandante supremo dei "Visitors". Pubblicato mercoledì, 27 maggio 2020 da La Repubblica.it. Addio a Richard Herd, attore americano amato dagli appassionati di fantascienza per aver interpretato il Comandante Supremo John nella serie televisiva Visitors e per i cinefili per l'exa agente James McCord di Tutti gli uomini del presidente. Era apparso anche in numerosi episodi di Star Trek e tra i protagonisti della sitcom Seinfeld. E' morto ieri nella sua casa di Los Angeles, per le complicazioni legate ad un tumore, aveva 87 anni. L'annuncio della scomparsa è stato dato dalla moglie, l'attrice Patricia Crowder Herd. Nella carriera lunga cinquant'anni, ha spesso interpretato personaggi forti e dominatori. Ha debuttato in Ercole a New York nel 1970, al fianco di Arnold Schwarzenegger. Interpreto il personaggio chiave dello scandalo Watergate, James McCord, ex agente della Cia e coordinatore per la sicurezza del Comitato per la Rielezione del presidente degli Stati Uniti Richard Nixon, in Tutti gli uomini del presidente, nel 1976. Tra gli altri film Sindrome cinese (1976), Soldato Giulia agli ordini (1980), L'affare del secolo (1983), Un biglietto in due (1987) e Sergente Bilko (1996). Ma il ruolo che gli ha consegnato l'amore dei fan è stato quello del Comandante Supremo John nella miniserie fantascientifica V- Visitors del 1983 e nel seguito dell'anno successivo. E sempre nel mondo della fantascienza ha vestito i panni di Klingon L'Kor in Star Trek: The Next Generation (1993), dell'Ammiraglio William Noyce in SeaQuest 2032 (1993-94) e dell'Ammiraglio Owen Paris in Star Trek: Voyage (1999-2001) e Star Trek: Renegades (2015). Dal 1982 al 1985 Richard Herd ha interpretato il capitano di polizia Dennis Sheridan nella serie televisiva T.J.Hooker. L'attore ha recitato in numerosi episodi delle più popolari serie tv tra gli anni '70 e '80, tra cui Il tenente Kojak, Agenzia Rockford, Le strade di San Francisco, La famiglia Bradford, Starsky & Hutch.

·        E’ Morto Stanley Ho. Addio al re dell'azzardo.

Mafie, donne e guerre. Addio al re dell'azzardo. Cominciò con 10 dollari, ha fatto di Macao la regina dei casinò. Senza scommettere mai. Roberto Fabbri, Mercoledì 27/05/2020 su Il Giornale. Il gioco d'azzardo ne aveva fatto uno degli uomini più ricchi dell'Asia, ma lui si guardava bene dal puntare anche un solo dollaro al casinò. Arrivato a quasi cent'anni di età, Stanley Ho, l'uomo che aveva trasformato Macao nella Las Vegas d'Oriente, non si stancava di ripetere ai suoi figli e ai suoi amici migliori di evitare di giocare forte, e anzi insisteva «se potete, non scommettete affatto». Evidentemente conosceva le regole del gioco, e doveva aver assistito a troppe tragedie. La storia di Ho, morto ieri in un ospedale dell'ex colonia portoghese sulla costa meridionale della Cina, è quella di un imprenditore che univa logica e sregolatezza in un mix che aveva fatto di lui un personaggio da film. Quasi sessant'anni fa, nel 1961, Ho era stato il primo a ottenere una licenza per aprire una casa da gioco a Macao, e seppe in breve tempo trasformare la decadente città coloniale in una capitale mondiale dell'azzardo. Se ancor oggi Macao (tornata sotto la sovranità cinese nel 1999) ricava quasi il 90 per cento delle sue entrate fiscali dal gioco lo deve a lui, il fondatore dello spettacolare casinò «Gran Lisboa», che per quarant'anni aveva mantenuto il monopolio del settore arricchendosi spropositatamente. Solo nel 2002, le nuove autorità locali aprirono il settore agli investitori stranieri, che fecero all'ormai ottantenne Ho una concorrenza spietata. Non tale, però, da metterlo in ginocchio: il vecchio re dei casinò aveva da tempo diversificato i suoi interessi, e la sua Sociedade de Turismo e Diversoes de Macau si occupava ormai anche di corse di cavalli, di alberghi di lusso e perfino di elicotteri. Abbastanza per mantenere senza problemi i diciassette figli che aveva avuto da quattro donne diverse. Milionario già a 24 anni, Stanley Ho era in realtà originario di Hong Kong: era nato in una famiglia mista euro-asiatica, una delle quattro più ricche di Hong Kong. A soli 13 anni, però, suo padre si era rovinato ed era scappato in Vietnam, lasciando la famiglia nell'indigenza. Le disgrazie non erano finite: quando i giapponesi invasero la Cina e attaccarono Hong Kong, il giovane Ho dovette trovare rifugio a Macao, che grazie alla neutralità del Portogallo conservava almeno in parte la propria autonomia. In quel piccolo mondo perfetto per il contrabbando, il figlio spiantato del tycoon di Hong Kong cominciò la sua scalata, partendo quasi come in un fumetto di Paperon de' Paperoni con soli dieci dollari guadagnati prima di scappare davanti all'esercito del Sol Levante. Ho lavorò in una società che contrabbandava alimentari e generi di lusso, poi investì nel mattone e nel carburante, infine scoprì la sua vera vocazione: le case da gioco. Ridiventato ricchissimo, si fece amare per la filantropia e l'eleganza, e detestare da molti per i suoi (mai provati) legami con le Triadi, la mafia cinese, e per i rapporti poco limpidi con la Corea del Nord. Amava il tango e le stravaganze (tentò perfino di mediare con Saddam Hussein per evitare la guerra del Golfo), ma soprattutto il suo lavoro: non mollò la presidenza del suo gruppo fino all'età di 96 anni.

·        E' morto Bruno Bernardi, storica firma de La Stampa.

E' morto Bruno Bernardi, storica firma de La Stampa. Giornalista e scrittore (tra i suoi libri la biografia di Gigi Riva), la Juventus era la sua grande passione. La Repubblica il 19 maggio 2020. E' morto Bruno Bernardi, storica firma di calcio del quotidiano La Stampa per il quale ha lavorato per decenni raccontando partite, personaggi, aneddoti e retroscena della Juventus di cui era grande tifoso. Aveva 79 anni e da qualche giorno era ricoverato all'ospedale Mauriziano. Da ragazzo aveva giocato a calcio in una società dilettantistica torinese, il Pino Maina. Andato in pensione, è stato opinionista in alcuni programmi televisivi tra cui "Il processo di Biscardi". Ha scritto una quindicina di libri: il più apprezzato è probabilmente 'Rombo di tuono', la biografia di Gigi Riva, al quale era legato da stima e amicizia. "Bruno Bernardi 'è' la cronaca, la incarna - scriveva nella prefazione del libro lo scrittore Giovanni Arpino - Lui, che ha giocato a football, si ferma sul tocco di esterno, sullo strappo, sul debito di ossigeno, sul taglio, sullo stacco, insomma su quei fondamentali elementi che costituiscono l'umile scienza della cronaca".

Bruno Bernardi raccontava la Juve chiedendo permesso. Luca Momblano il 19 maggio 2020 su  juventibus.com. Bruno Bernardi lo leggevo quando era già giornalista professionista da più di 20 anni. Poi lo ascoltavo e sembrava di un altro mondo, ma si adattava senza perdere il proprio stile. E la partita, che comunque era al centro di tutto. Da Bernardi – il grande Bernardi, senza per forza un volto su La Stampa e con l’oculatezza di chi sa quanto siano importanti le parole – è poi per me gradualmente, e fatalmente, diventato soltanto Bruno. Sono stato fortunato.

Fortunato perché Bruno mi ha prestato (anzi, l’ho presa in prestito senza chiedergliela, scusami Bruno) quella forza di voler raccontare la Juventus come una cosa che ti appartiene, ma che in realtà non ti appartiene perché appartiene soltanto a chi ne fa parte. Pubblico incluso, ancor più se pubblico pagante. In televisione poi – se sei stato almeno una volta al fianco di Bruno – quel pubblico era “generalista” cioé di due colori ma anche di tutti i colori, era “ascoltatore”, era “testimone di un testimone” ed era da rispettarsi a prescindere. I fatti prima di tutto, gli aneddoti soltanto dopo, preferibilmente in privato. Amava soffermarsi su singole scelte tecniche di formazione, sulle vigilie, sulle rocambolesche storie di quelle vigilie, sul fatto che ogni tanto suggeriva e ci prendeva, col buon occhio dell’ex bomber dello Spartanova Torino che fu. La Juve e la Nazionale, un certo rispetto e una certa ammirazione per il Torino. Era un esteta, Bruno. Era vero e cortese. Dolce. Michel Platini il suo dessert preferito, e in pochi sanno quanto Bruno fosse goloso. Negli studi tv era l’Anastasi – fa un certo effetto scriverlo – dei giornalisti legati a doppia mandata alla parabola della Vecchia Signora: Bruno non voleva spiegare, voleva condividere. E nessuno per lui – come per Anastasi, per tutti quelli come loro di cui infatti ci si dimenticherà troppo in fretta – era mai l’ultimo arrivato. Bruno (come Pietro) non riteneva di avere qualcosa da far pesare. Da buon giornalista, ogni giorno era ora e adesso. Bruno, come uomo, dava la sensazione di non riuscir mai a disprezzare. Una persona, un pensiero, una provocazione, un’offesa non scalfivano il suo livello di persona semplice e di (ex) professionista irreprensibile, vecchio stampo, forse perfino un po’ dileggiato dai più giovani. Era più forte di lui, faceva fatica perfino a borbottare o a sollevare la minima protesta. O forse era “soltanto” nella sua più grande interpretazione di un ruolo che come il centromediano metodista – direbbe lui – è stato poi superato (e guastato?) dall’esuberanza delle nuove generazioni. Era forte Bruno, forte anche delle sue enciclopediche memorie monografiche su ogni componente delle tante Juventus che ha attraversato. Per Bruno avevano sempre qualcosa in comune l’una con l’altra. Lui dava valore anche alle Juve che non vincevano, agli eroi minori, alle fragilità umane di questo sport divenuto disumano. E lo faceva senza mai uscire dal campo. Dal seminato. Dal dovere. Dal mestiere. E quando lo faceva, chiedeva permesso. Fai pure Bruno. E salutaci l’Avvocato.

E’ morto Bruno Bernardi, storica firma de La Stampa. Salvino Cavallaro de Redazione di siciliaoggi.com il 21 Maggio 2020. Ci ha raccontato di Juventus, di calcio mondiale, di campioni del pallone e di uomini veri per oltre mezzo secolo, esattamente dall’inizio degli anni ’60. Per chi non l’avesse capito, stiamo parlando di Bruno Bernardi firma storica de “La Stampa”. Il nostro incontro avviene proprio lì, ai piedi della collina di Torino nel tratto che divide il Ponte Isabella da quello di Corso Bramante, in zona Molinette. Prospiciente alla redazione de “La Stampa”, ci sono dei giardinetti e, con il “maestro”, decidiamo di comune accordo di accomodarci in una panchina. Abbiamo voglia di stare all’aria aperta e non è un caso avere scelto questa soluzione per l’intervista. Infatti, sarà la dolce aria di primavera o puramente il desiderio di rendere l’incontro meno ufficiale, fatto è che entrambi, in quel luogo, ci siamo subito sentiti a nostro agio. La gente passa incuriosita e, qualche volta, tergiversa volutamente nel vano tentativo di carpire una parola, una frase detta dall’illustre interlocutore. Il paesaggio, l’aria dolce di primavera, i colori variopinti dei fiori appena sbocciati e il lento fluire del Po, ci introduce in un conversare cordiale, fatto di ricordi e di commozione legata al tempo che fugge via velocemente. Bruno Bernardi è in pensione da diversi anni, tuttavia, continua caparbiamente a interessarsi di calcio e a frequentare quella storica redazione de La Stampa (che per lui è diventata una seconda casa), con il desiderio di stare al passo dei tempi, di non perdere la notizia, di cavalcare l’attualità sportiva inerente soprattutto la “sua” Juve, per poterla riferire come opinionista negli studi di Juventus Channel piuttosto che al Processo di Biscardi o altre televisioni private con le quali collabora proprio come se lavorasse ancora. Un piacevole impegno di presenza quotidiana che s’interseca al desiderio di recuperare quelle lunghe assenze dalla sede di via Marenco, dovute al suo impegno d’inviato speciale al seguito della Juventus. Un lavoro bellissimo che gli ha dato modo di conoscere il mondo in lungo e in largo. Bernardi nasce a Torino da mamma Margherita, ultranovantenne che adora, e papà Eligio tifoso granata DOC, amico di Ossola e Gabetto. Ci rimase un po’ male papà Eligio, quando il figlio Bruno, all’età di sette anni, nel negozio di articoli sportivi di Parola, scelse la maglia della Juventus e non quella granata del Toro che, peraltro, gli era già stata regalata da papà nel periodo natalizio. Ricordi lontani nel tempo che s’intrecciano tra figure affettuose e momenti che fanno parte della sua sfera intima di uomo sensibile. Oggi, Bruno Bernardi è legato sentimentalmente a sua moglie Giovanna che egli definisce “La mia luce”. Nel periodo della guerra abitava a Torino, in Corso Valdocco e poi, a causa di un bombardamento, dovette trasferirsi con mamma e papà in Via Garibaldi. Barriera di Milano e Regio Parco sono i suoi quartieri preferiti, per avervi vissuto lunghi anni della sua vita. Era un bravo calciatore. Giocava con il Pino Maina e si atteggiava a Omar Sivori, il suo idolo, non solo nell’emulazione tecnica ma anche nel portare giù i calzettoni arrotolati alla caviglia, proprio come faceva il campione argentino. Giocò una volta sola contro la sua Juve al campo Combi nella categoria Juniores, segnando un memorabile gol e regalando la vittoria per 1 a 0 al Pino Maina, la sua squadra. E, tra tanto passato, ecco il riferimento alla Juventus di oggi che gli ricorda quella di Heriberto Herrera. Quella Juve vinse uno scudetto di misura davanti all’Inter, nonostante i nerazzurri di allora fossero superiori ai bianconeri dal punto di vista tecnico. Il Milan è avvertito. Ma, la squadra di Conte, per la sua cattiveria agonistica, per la continuità e per il modo di pressare a tutto campo l’avversario, Bernardi la paragona alla prima Juve di Marcello Lippi e la ritiene da podio, cioè classificabile nei primi tre posti del campionato. A maggio, ci sarà anche la finale di Coppa Italia contro il Napoli, un’occasione da non perdere. Poi, il riferimento a Del Piero è d’obbligo:“Un grande campione cui ho dedicato un libro, grande classe, grande educazione in campo e fuori; purtroppo la carta d’identità lo penalizza e le logiche aziendali vanno oltre il rispetto per i giocatori considerati “simbolo”. Oggi il calcio è prevalentemente atletico e bisogna stare al passo con la vigoria fisica. Penso che Alex giocherà ancora un anno in America e, in futuro, farà parte del gruppo dirigente della Juventus”. Il “maestro” è instancabile nel suo dire, ma è piacevole ascoltarlo come quando tiene a precisare che dal punto di vista professionale e personale, la Juventus gli ha dato tante soddisfazioni, avendola vista vincere per ben 19 volte, così come ha raccontato nel suo libro “La Juventus, regina di Coppe”. Poi, un ricordo speciale del suo amico e maestro Giovanni Arpino, scrittore, poeta e giornalista di grande qualità che gli attribuì affettuosamente il nome di Bibì: “Con Giovanni nacque un feeling naturale; io avevo 33 anni e lui era un maestro, mai distante da nessuno. L’ho visto scrivere una colonna in otto minuti che, cronometrati, sono più o meno settanta righe scritte senza neppure una sbavatura. Abbiamo girato il mondo insieme per dieci anni, da Cruijff alla lattina in testa a Bordon. Arpino aveva vinto il premio Strega e il Campiello; per questo non dettava mai a braccio”. Poi, come in un film, rivede i grandi campioni da Di Stefano a Sivori, Pelè, Maradona, Baggio, Paolo Rossi, Gigi Riva, Rivera, Mazzola, Platini, Scirea, Zidane, fino ad arrivare a Buffon, Del Piero, Giovinco, Marchisio, De Ceglie. Una carrellata di atleti e di uomini che s’identificano nel calcio di ieri e di oggi e del quale si fregia di essere amico. Tanti sono i suoi racconti legati al mondo del calcio e tutti di notevole interesse e qualità. E intanto, sul calar della sera, l’umidità provocata dalle acque del Po s’impone sul fievole tepore del sole di primavera. L’intervista con il “maestro” Bernardi volge al termine. E’ stato bello incontrarsi, il tempo è volato via velocemente, quasi come il suo mezzo secolo di giornalismo. Ma il nostro è un arrivederci perché ci rivedremo a Milazzo in provincia di Messina il 13 luglio prossimo, in occasione di una conferenza stampa organizzata dai colleghi giornalisti siciliani. Sarà interessante e piacevole per noi giornalisti e per coloro i quali amano il calcio da sempre, ascoltare e rivivere attraverso le parole del “maestro” i trascorsi di un’esperienza professionale e umana di straordinaria intensità culturale. Salvino Cavallaro

·        È morto Jimmy Cobb, tra i più grandi batteristi della storia del jazz.

È morto Jimmy Cobb, tra i più grandi batteristi della storia del jazz. Pubblicato lunedì, 25 maggio 2020 da La Repubblica.it. Jimmy Cobb, uno dei più grandi batteristi della storia del jazz, è morto all'età di 91 anni. È stato il produttore e manager Todd Barkan a dare la notizia sui social. Nel corso di una carriera lunga oltre 70 anni ha collaborato con mostri sacri come Dizzy Gillespie, John Coltrane, Stan Getz e soprattutto Miles Davis. Nato a Washington il 20 gennaio 1929, Cobb è celebre per aver collaborato al capolavoro di Miles Davis, Kind of Blue (1959), il disco più famoso e più venduto della storia del jazz, una pietra miliare del genere registrato nel 1959. Con Cobb alla batteria, c'erano Davis alla tromba, Julian Adderley al sassofono contralto, John Coltrane al sassofono tenore, Bill Evans e Wynton Kelly al pianoforte e Paul Chambers al contrabbasso. Cobb rimase nel gruppo di Miles Davis per cinque anni, con il quale partecipò ad altre storiche registrazioni come Sketches of Spain, Someday My Prince Will Come, Live at Carnegie Hall, Live at the Blackhawk, Porgy and Bess e Sorcerer. Grande innovatore, Jimmy Cobb ha continuato a collaborare con star del jazz come Dizzy Gillespie, Stan Getz e Sarah Vaughan, artisti stilisticamente votati agli incroci con l'hard bop, il funk e la soul music. Per oltre trent'anni Jimmy Cobb è stato attivo a New York con il suo gruppo Jimmy Cobb's Mob. Ha tenuto concerti in tutto il mondo ed è stato spesso ospite in Italia, insegnando anche ai seminari di vari festival. Cobb ha collaborato con i più grandi del mondo del jazz, tra cui Dinah Washington, Billie Holiday, Clark Terry, Wynton Kelly, Wes Montgomery, Gil Evans, Kenny Burrell, J. J. Johnson, Sonny Stitt, George Coleman e molti altri.

Jazz, addio a Jimmy Cobb, leggenda della batteria. La Gazzetta del Mezzogiorno il 26 Maggio 2020. Insieme con Roy Haynes, di quattro anni più anziano, Jimmy Cobb - morto l’altro ieri a 91 anni - era rimasto tra gli ultimi batteristi che potevano vantare di aver suonato con alcuni tra i più grandi musicisti della storia del jazz. E sebbene non avesse mai raggiunto la fama - e forse anche il magistero tecnico - di colleghi quali Max Roach o Art Blakey, era considerato a buon diritto uno dei grandi maestri del suo strumento. Tuttavia, a far entrare il suo nome nella leggenda, era stata una fortunata, preziosa collaborazione, che nel corso degli Anni ‘50 e ‘60 lo aveva imposto sulle scene internazionali. Non ancora trentenne, era stato infatti cooptato da Miles Davis nel suo gruppo e questo gli aveva consentito di prendere parte ad alcune registrazioni poi diventate leggendarie: aveva cominciato con Porgie and Bess, licenziato nel 1958 dalla Columbia a nome della coppia Miles Davis - Gil Evans, ma soprattutto, un anno più tardi, aveva preso parte alla registrazione del leggendario Kind of Blue, l’album di Davis tra i più celebrati di tutta la storia del jazz moderno. La loro collaborazione sarebbe proseguita sino al 1963, con altri titoli ben noti ai «davisiani» e contemporaneamente quella militanza gli consentì di collaborare discograficamente anche con John Coltrane, che rimase al fianco del trombettista fino al 1959. Non a caso, Cobb registrò con lui in alcuni album della Prestige e anche nei primi della Atlantic, prima che il sassofonista chiamasse con sè Elvin Jones. Si può dire, in altre parole, che Cobb - le cui colleborazioni sono lunghe e prestigiose - abbia «capitalizzato» quel periodo per tutto il resto della propria vita, accettando di buon grado di collaborare anche con i giovani solisti europei, spesso per cifre ben al di sotto di un musicista della sua reputazione. Lo ricordiamo in Puglia a Ostuni per Nicky Maffei e a Bari, nelle indimenticate notti dello Strange Fruit e anche al Fez con Nat Adderley. Preciso, swingante, fantasioso eppure sempre attento a non «coprire» i giovani colleghi che lo trattavano con il rispetto dovuto a un maestro dal nome leggendario. E ai quali insegnava innanzitutto l’importanza di non montarsi la testa.

·        È morto John Peter Sloan, il comico insegnante d'inglese più famoso d'Italia.

Da repubblica.it il 26 maggio 2020. Maurizio Colombi scrive: "Oggi ci ha lasciato un grande personaggio italiano importato da Birmingham. John Peter Sloan, un grande cantante, un creatore, un attore, un comico, un insegnante unico, una persona difficile e discutibile fra le più intelligenti che abbia mai conosciuto ma soprattutto un grande amico che adesso mi manca molto. Tvb". Bellissime le parole di Herbert Pacton: "Hai saputo tirare fuori il meglio di me, come persona e come attore, abbiamo riso cosi tanto lavorando fianco a fianco. Ho sempre avuto una grandissima ammirazione per le tue idee geniali, mi hai preso sotto la tua ala e mi hai fatto planare e sono stati momenti incredibili. Ora mi risuona la tua voce in testa, con gli occhi pieni di lacrime mentre accenno ad un sorriso perché sento la tua voce che mi dice una cazzata. Ti ho voluto sempre sempre sempre un gran bene amico mio ed ora ti devo dire addio. Ti porterò per sempre nel mio cuore Mate".

È morto John Peter Sloan, il comico insegnante d'inglese più famoso d'Italia. Pubblicato martedì, 26 maggio 2020 su La Repubblica.it. È morto all'improvviso John Peter Sloan, aveva 51 anni. La notizia è stata data su Facebook da due suoi colleghi. Arrivato in Italia nel 1990, cantante, attore teatrale e scrittore di libri, è diventato uno dei volti più amati di Zelig. Le sue lezioni di inglese sono diventate un cult. È morto a Menfi, dove viveva dal 2016 quando aveva deciso di trasferirsi in Sicilia e di aprire la "Sloan scuola di inglese", un luogo di apprendimento della lingua rivolto ai bambini, agli adulti e ai docenti. Un luogo che amava molto, e da qui soltanto tre giorni fa postava fotografie del mare siciliano e del suo ritorno in studio di registrazione per nuovi cicli di corsi di inglese.John Peter Sloan a Menfi: "Amate i vostri cani" in riproduzione.... Condividi   Morto John Peter Sloan, il ricordo dei colleghi. Maurizio Colombi scrive: "Oggi ci ha lasciato un grande personaggio italiano importato da Birmingam. John Peter Sloan, un grande cantante, un creatore, un attore, un comico, un insegnante unico, una persona difficile e discutibile fra le più intelligenti che abbia mai conosciuto ma soprattutto un grande amico che adesso mi manca molto. Tvb". Bellissime le parole di Herbert Pacton: "Hai saputo tirare fuori il meglio di me, come persona e come attore, abbiamo riso cosi tanto lavorando fianco a fianco. Ho sempre avuto una grandissima ammirazione per le tue idee geniali, mi hai preso sotto la tua ala e mi hai fatto planare e sono stati momenti incredibili. Ora mi risuona la tua voce in testa, con gli occhi pieni di lacrime mentre accenno ad un sorriso perché sento la tua voce che mi dice una cazzata. Ti ho voluto sempre sempre sempre un gran bene amico mio ed ora ti devo dire addio. Ti porterò per sempre nel mio cuore Mate".

Addio a Sloan, l’insegnante di inglese più famoso d’Italia. Il 51enne John Peter Sloan aveva inventato un metodo d'insegnamento della lingua inglese divertente con il quale si era guadagnato l’affetto del pubblico. Gabriele Laganà, Martedì 26/05/2020 su Il Giornale. È morto all'improvviso John Peter Sloan, il 51enne insegnante d'inglese più famoso d'Italia. Sloan, attore, cantante, scrittore di libri e comico, era diventato noto al grande pubblico grazie al suo rivoluzionario e divertente metodo d'insegnamento della lingua tanto che le sue lezioni sono divenute in breve tempo un vero e proprio cult. Inoltre era divenuto anche uno dei volti più amati di Zelig. La drammatica notizia è stata pubblicata su Facebook da alcuni suoi colleghi. Sloan arrivò a Milano nell’ormai lontano 1990 per una serie di concerti con il suo gruppo rock di allora. Il legame con la città non si era mai interrotto. Nel 2011 decise di aprire, in zona Loreto, la sua prima scuola. Visto l’enorme successo, Sloan espande questa attività a Roma e Melfi, in provincia di Agrigento, dove viveva dal 2016 insieme alla sua compagna. Nella città siciliana aveva aperto la ''Sloan scuola di inglese'', un luogo di apprendimento della lingua rivolto ai bambini, agli adulti e ai docenti. Il celebre insegnante amava molto Melfi: solo tre giorni fa postava fotografie del mare e del suo ritorno in studio di registrazione per nuovi cicli di corsi di inglese. Maurizio Colombi su Facebook ha scritto: "Oggi ci ha lasciato un grande personaggio italiano importato da Birmingam. John Peter Sloan, un grande cantante, un creatore, un attore, un comico, un insegnante unico, una persona difficile e discutibile fra le più intelligenti che abbia mai conosciuto ma soprattutto un grande amico che adesso mi manca molto. Tvb". Dolore è stato espresso anche dall'attore Herbert Pacton che sullo stesso social ha rivolto una dedica a Sloan: "Hai saputo tirare fuori il meglio di me, come persona e come attore…. abbiamo riso cosi tanto lavorando fianco a fianco…. ho sempre avuto una grandissima ammirazione per le tue idee geniali…. mi hai preso sotto la tua ala e mi hai fatto planare e sono stati momenti incredibili…… Ora mi risuona la tua voce in testa…. con gli occhi pieni di lacrime mentre accenno ad un sorriso perché sento la tua voce che mi dice una cazzata….Ti ho voluto sempre sempre sempre un gran Bene Amico Mio ed ora ti devo dire addio….. Ti porterò per sempre nel mio cuore Mate. Ciao John Peter Sloan…..". 

Morto John Peter Sloan a 51 anni, dramma improvviso: solo 3 giorni fa, le foto al mare. Libero Quotidiano il 26 maggio 2020. Addio a John Peter Sloan. Una morte improvvisa, ad appena 51 anni: il maestro d'inglese più famoso d'Italia si è spento a Menfi, dove viveva dal 2016, quando aveva scelto di trasferirsi in Sicilia e di aprire la Sloan scuola di inglese, un luogo in cui si rivolgeva a tutti, dai bambini e fino agli insegnanti. Soltanto tre giorni fa, John Peter Sloan postava sui social immagini che lo ritraevano al mare o in studio di registrazione per nuovi cicli di corsi di inglese. John Peter Sloan era in Italia dal 1990: cantante, attore teatrale e scrittore, divenne un volto di Zelig. Le sue lezioni di inglese era un piccolo cult. Celebri anche alcuni suoi litigi televisivi, in particolare uno con Vittorio Sgarbi, che fu davvero violentissimo. A dare la notizia della sua morte due suoi colleghi. Il primo è Maurizio Combi: "Oggi ci ha lasciato un grande personaggio italiano importato da Birmingam. John Peter Sloan, un grande cantante, un creatore, un attore, un comico, un insegnante unico, una persona difficile e discutibile fra le più intelligenti che abbia mai conosciuto ma soprattutto un grande amico che adesso mi manca molto. Tvb". Quindi le parole di Herbert Pacton: "Hai saputo tirare fuori il meglio di me, come persona e come attore, abbiamo riso cosi tanto lavorando fianco a fianco. Ho sempre avuto una grandissima ammirazione per le tue idee geniali, mi hai preso sotto la tua ala e mi hai fatto planare e sono stati momenti incredibili. Ora mi risuona la tua voce in testa, con gli occhi pieni di lacrime mentre accenno ad un sorriso perché sento la tua voce che mi dice una cazzata. Ti ho voluto sempre sempre sempre un gran bene amico mio ed ora ti devo dire addio. Ti porterò per sempre nel mio cuore Mate", ha concluso.

Giancarlo Dotto per Diva e Donna il 26 maggio 2020. Mi piace John Peter Sloan, l’uomo che sussurra l’inglese a vecchi e bambini, a giovani in carriera e casalinghe più o meno disperate, ma anche a detenuti modello quando il destino lo impone. Mi piace perché mi parla in mutande dalla terrazza di casa, a Menfi, dalle parti di Agrigento, mentre guarda i cani che dormono sotto gli ulivi. Perché è un uomo generoso che tracanna la vita a grandi sorsi, senza troppi calcoli e troppe strategie, con il suo vecchio cuore rocker sempre acceso. E quando gli capita di cadere, come capita a tutti gli uomini generosi, si lecca le ferite, si rialza e riparte più forte di prima, avendo l’assillo di trasferire ai tanti che lo seguono nella vita e nei social la lezione che ha imparato sulla sua pelle. Un comunicatore nato John, tra pedagogia, didattica e intrattenimento. L’anima definitivamente latina, ma le sintesi fulminanti degli anglosassoni. E un senso dell’umorismo che trasmette grazia e leggerezza anche quando parla di disastri esistenziali. Ti avevo lasciato, l’ultima volta, milanese al cento per cento dentro lo “Sloan Square”, il tuo pub inglese dove cantavi e recitavi, e mille progetti per la testa.

“Ora vivo in Sicilia. Sono fisso qua… A Milano e a Roma ci vado quando proprio devo, una, due volte al mese, ma scappo appena posso.”

Tiro a indovinare. Fu l’amore, galeotto?

“È vero. Asia, la mia fidanzata, è qua vicino che mi sente e dice “no, no, no…”, ma è così che è andata. Lei faceva l’insegnante a Milano e voleva apprendere il mio metodo per portarlo in Sicilia.”

Che ne è stato del tuo amato pub?

“Non voglio nemmeno sentirlo nominare. Sono in causa con i soci. Una brutta storia.”

Era il tuo orgoglio, la tua allegria.

“Mi son fidato delle persone sbagliate. Ti dico solo che non mi arriva un euro da lì. Sai la storia del gatto che quando non c’è i topi ballano. Ecco, hanno ballato parecchio.”

Raccontami della tua nuova terra d’adozione.

“A Menfi sono rinato. A Milano stavo andando in pazzia. Troppi progetti e questo pub che non aiutava le cose…”

In che senso non aiutava?

“Stavo bevendo un po’ troppo. Sai, la mia vita è completamente cambiata con il successo arrivato tardi, a quarant’anni. Prima ero un cantante come tanti, senza una lira. Da allora, soldi, proposte di lavoro, io che non riesco a dire di no. Stavo andando fuori di testa.”

Il concetto è chiaro.

“Quando sono sceso in Sicilia ho avuto un’epifania. Toccare un albero, prendere un limone da un albero, sentire la sabbia sotto i piedi. Qua sono sempre in mutande e metto le scarpe tre volte al mese. A Milano sarei arrivato alla tomba senza aver mai raccolto un limone da un albero…”

Sei un altro uomo.

“Lo puoi dire. Quando stavo a Milano avevo questi amici siciliani e li salutavo normale “ciao”. Adesso, quando sono a Milano e li incontro, li abbraccio come fossero eroi: “Minchia, come fai a stare qui?”

Racconti le tue “parentesi” alcoliche e fai ridere nei tuoi spettacoli.

“In un mio spettacolo racconto di quando, anni fa, mi hanno fermato mentre guidavo in stato di felicità.”

Stato di felicità? Magnifico modo di tradurre l’ebbrezza da alcol.

“Mi hanno chiesto di soffiare dentro un palloncino. Ho provato con una battuta. “Potete almeno impostare la macchinetta sui parametri inglesi?”. Non hanno riso molto…”

Conseguenze?

“E’ risultato che ero felicissimo. Mi hanno mandato a San Vittore a insegnare l’inglese ai detenuti.”

Hai avuto altri incontri ravvicinati con le forze dell’ordine?

“Qui a Menfi, in due anni, la polizia l’ho vista una volta sola. Non succede niente qua. I vigili, invece, li vedo più spesso perché abbiamo quattordici cani. A volte sono loro che ci portano i cuccioli abbandonati che trovano in giro.”

Chi è John Sloan oggi, in attesa che venga domani?

“Sono tornato in me. Lavoro poco, ma bene. Non bevo più. Ho imparato a dire no. Ho imparato, soprattutto, a dare un prezzo al mio tempo. Milano ti fa pensare che quando non lavori stai perdendo soldi. Dimentichi di dare un prezzo e dunque un valore al tuo tempo libero.”

Errore madornale. Come vive John il siciliano?

“La mia ragazza mi ha detto: “Metti un giorno alla settimana tutto per te”. A Milano non riesci. Andavo ogni sera ai “Gucci party”, così li chiamavo, e si parlava solo di lavoro. Tornavo a casa con un mazzo di biglietti da visita. In Sicilia esco e torno con melanzane e vino rosso.”

Ora che hai sconfitto la dipendenza da alcol, lo stress da agenda e la bulimia da lavoro, raccontami di quando hai toccato il fondo.

“Uno spettacolo a San Patrignano, che sponsorizziamo con la mia scuola di Milano (ne ho persi tanti di amici per droga e per alcol), sedute in prima fila Letizia Moratti e mia figlia. Una volta sul palco, guardo questi ragazzi e dico: “Non posso mettermi davanti a voi e far finta di essere quello che non sono, perché anche io sto lottando con l’alcol….”

Reazioni?

“Qualche secondo  di silenzio e poi una reazione incredibile. Credo e spero che pensassero: vedi cos’è riuscito a fare lui, nonostante il problema con l’alcol, tutti questi libri, il corso d’inglese più venduto nella storia. Abbiamo scherzato e riso insieme.”

Tua figlia sapeva di te?

“Lo sapeva, ma non da me. Non ne parlavo in famiglia. Avevo paura. C’è ignoranza in Italia sul tema. Non sanno che è una cosa genetica. Che una persona su venti non può bere, e io sono uno di questi. In Italia, se hai un tumore ti abbracciano e ti mandano fiori. Se hai problemi di alcol, ti abbandonano.”

In Inghilterra non è così?

“Per niente. In Inghilterra non conosco una famiglia che non abbia questo problema, ma da voi è diverso. Qui a Menfi gira un alcolista, schifato da tutti, e io invece ci parlo. Di solito, chi diventa schiavo dell’alcol ha storie interessanti da raccontare, sono artisti, persone sensibili.”

La storia di Patrignano non è a toccare il fondo, ma vedere la luce.

“Ho ripreso il controllo, prima che succedesse il peggio. A Milano andavo a mille e avevo sotto mano tutto la birra che volevo. Ho cominciato a toccare il fondo quando non mi presentavo a teatro o consegnavo tardi i miei lavori.”

Ne parli senza falsi pudori sulla tua pagina facebook.

“Dovevo farlo. Anche per diffondere una cura che nessuno conosce in Italia ma funziona. A me mi ha salvato. Il metodo Sinclair. Una pastiglia che ti blocca le endorfine. Bevi un’ora dopo averla presa e scopri che l’alcol non ti fa più effetto. Prima gridi al miracolo, poi smetti di bere.”

Ti scrivono?

“Migliaia di messaggi di ammirazione, ma in privato solo quattro persone con il problema. Tutti inglesi. In Italia è vergogna. Io ero un alcolista emotivo. Usavo la birra come medicina quando ero un po’ depresso. Era come andare in farmacia.”

Se ti capita oggi?

“L’alcol è il peggior modo per riempire il vuoto. Passa l’effetto e stai peggio di prima. Oggi io non posso bere neanche se voglio. Se capita che mi sento giù aspetto che passi, male che va prenderò una medicina vera. Magari scopro che sono bipolare. Mia mamma lo è ma, grazie a quel farmaco, non beve più.”

La tua fidanzata Asia?

“Assolutamente fondamentale. Mi è stata molto vicina, ma senza quella pastiglia non ce l’avrei fatta. Mi hanno aiutato molto anche i cani”.

I cani?

“L’unica pecca qui in Sicilia sono tutti questi randagi abbandonati. Ho avuto più di cento cani in casa. Prendo questi randagi, gli faccio fare le punture e poi, quelli che non posso tenere, li porto a famiglie a Milano e Roma, sfruttando la mia visibilità.”

E’ diventata virale la storia di Rocky.

“Un cucciolo di cinquanta giorni, grosso come un topo, pieno di zecche. Aveva la faccia spezzata in due da un calcio, la bocca in cancrena, era in fin di vita. Ora sta qua con me e sta bene. È l’unico che non darò mai in adozione. Non voglio dargli altri traumi.”

Avrà un grande amore per te.

“Minchia! Mi segue ovunque, adesso è qua attaccato al piede.”

Dicevi che i cani ti hanno aiutato.

“Si chiama dog therapy. Danno tantissimo, i cani. Io giro per le scuole della Sicilia portando i miei spettacoli sull’inglese. Li faccio gratis ma, alla fine, mi devono lasciare 15 minuti per parlare dei cani. Qui sono invisibili. Sono come i topi. Li lasciano morire per strada.”

Una cosa è certa, ovunque vai lasci tracce forti.

“Mia mamma dice sempre “Porca puttana, ti fai conoscere ovunque!”. La mia ragazza sta annuendo.”

Hai imparato a parlare il siciliano?

“Come no? Senti qua. “Minchia, la tua è una minchiata fatta da un minchione.”

Tutto qua?

“Il dialetto non m’interessa. Trovo assurdo che in Galles dedicano un giorno al gallese. Imparalo dalla mamma a casa, non a scuola. Come quando studiano Shakespeare nei corsi d’inglese, una lingua morta. Sai quanto ti ridono dietro se lo parli a Londra.”

La rete abbonda di proposte miracolistiche, imparare l’inglese e qualunque lingua in una settimana.

“Tutte cazzate. Sai quanto mi offrono per mettere il mio nome su queste truffe? Ogni studente è diverso e ha i suoi tempi. In molti hanno copiato il mio corso. Se dovessi litigare con tutti quelli che mi plagiano non ne uscirei più. Diceva Oscar Wilde che “il plagio è il miglior complimento.”

Ci sono quelli negati per le lingue, che proprio non ce la fanno?

“Ci sono e tu puoi stare lì anche una vita. Il problema in Italia è che l’inglese è insegnato molto male e molto tardi. Non è colpa degli insegnanti. Nessuno li aiuta. Prendono un diploma e gli danno un’aula. Il segreto è buttarsi, fregarsene degli errori. Voi italiani siete nazisti con la grammatica.”

Vengono a trovarti i tuoi figli in Sicilia?

“Certo. Li vedo più adesso di quando stavo a Milano. Non sono mica stupidi.”

La tua Inghilterra?

“Ha preso una bruttissima strada con il “brexit”. I razzisti stanno venendo fuori come i vermi dal legno.”

Salvini lo sa l’inglese?

“Non lo so, ma so una cosa. Minchia, ma se sei siciliano come fai a votare Lega con tutto quello che hanno detto sui terroni…”

E tu?

“Sto diventando sempre più italiano. Ho imparato a usare il bidet, non guardo la tivù e passo il tempo con la fidanzata a guardare i cani come fosse una telenovela. Ho capito che la vita è corta, me la devo godere. E poi sono un uomo fortunato. Vivo in Sicilia con uno stipendio milanese.”

·        È morto Alberto Alesina, economista italiano che ha conquistato Harward.

È morto Alberto Alesina, economista italiano che ha conquistato Harward. Pubblicato domenica, 24 maggio 2020 da La Repubblica.it. È morto l'economista Alberto Alesina. Aveva 63 anni e insegnava alla Harvard University. La notizia è stata diffusa su Twitter da David Wessel e poi confermata dall'Istituto Bruno Leoni. A quanto riportato da Wessel, stava facendo una camminata in montagna con la moglie quando ha avuto un attacco cardiaco.

Morto Alberto Alesina, l'economista che aveva "conquistato" l'America. Alesina è scomparso improvvisamente il 23 maggio, all'età di 63 anni, a causa di un attacco cardiaco. Aveva da poco vinto lo Hayek Prize ed era professore di economia politica ad Harvard. Federico Giuliani, Domenica 24/05/2020 su Il Giornale. Alberto Alesina è scomparso improvvisamente il 23 maggio, all'età di 63 anni, a causa di un attacco cardiaco che lo ha stroncato mentre faceva hiking, una forma di trekking, negli Stati Uniti. A darne il triste annuncio il giornalista e scrittore David Wessel su Twitter: "Cari amici economisti. Sono molto triste nel riferire che Alberto Alesina è morto oggi. Stava facendo un'escursione con la sua amata moglie Susan e ha avuto un infarto. Ci mancherà molto". Poco dopo arriva anche la conferma dell'Istituto Bruno Leoni: "È scomparso Alberto Alesina. Un grande economista che l’IBL ricorda con stima e affetto. Ci uniamo al dolore della famiglia". Accademico ed economista, Alesina aveva conquistato l'America diventando per tre anni, dal 2003 al 2006, direttore del dipartimento economico dell'Università di Harvard, nella quale era professore di Economia Politica. Era anche visiting professor presso l'università Bocconi di Milano nonché editorialista per giornali come Il Corriere della Sera e Il Sole 24 Ore. Nel 1990 la prestigiosa rivista Economist lo aveva descritto come uno dei migliori otto economisti al mondo under 40.

Una carriera ricca di soddisfazioni. La sua carriera è stata ricca di soddisfazioni, l'ultima dei quali arrivata pochi giorni fa con la vittoria di un nuovo premio, lo Hayek Prize, ottenuto grazie al libro "Austerità, quando funziona e quando no", scritto insieme a Francesco Giavazzi e a Carlo Favero.

Nato a Broni (Pavia) nel 1957, Alesina si laurea alla Bocconi nel 1981 e ottiene, nel 1986, un dottorato di ricerca in economia (Phd) ad Harward. Nel corso degli anni ottiene l'affiliazione a National Bureau of Economic Research e al Center for Economic Policy Research. Diventa poi membro della Econometric Society e dell'American Academy of Art and Sciences. Nel 2006 è direttore del programma di politica economica Nber. Marco Mazzucchelli, amico di vecchia data di Alesina, consigliere della Kredietbank Luxembourg e senior advisor di Bain&Co, lo ha voluto ricordare così, come riportato da Il Corriere della Sera: "Lo ricordo l’ultima volta in Bocconi, l’anno scorso, per presentare il suo libro sull’austerità, poi premiato. Volle parlare per primo giustificandosi: ''Così dico le poche cose semplici che so, poi lascio quelle difficili a Favero e Giavazz''. Tipico di Alesina: sapeva dire le cose complesse in modo semplice e sempre con un sense of humor che lo rendeva immediatamente simpatico, soprattutto agli studenti, anche se diceva cose difficili o scomode. A Harvard gli studenti lo adoravano perché sapeva rendersi uno di loro grazie al suo atteggiamento da gregario e alla mano".

Addio ad Alberto Alesina, teorizzò “l’austerità espansiva”. Il Dubbio il 25 maggio 2020. Noto e seguito in Italia soprattutto per i suoi editoriali a quattro mani con Francesco Giavazzi, Alberto Alesina era stato uno dei primi laureati del Des, quel corso di Discipline Economiche e Sociali nato nel 1974 che ha reso famosa l’Universita’ Bocconi nel mondo intero. Noto e seguito in Italia soprattutto per i suoi editoriali a quattro mani con Francesco Giavazzi, Alberto Alesina era stato uno dei primi laureati del Des, quel corso di Discipline Economiche e Sociali nato nel 1974 che ha reso famosa l’Universita’ Bocconi nel mondo intero. Nato a Broni (Pavia) il 29 aprile del 1957, era professore di Economia Politica all’Universita’ di Harvard ma continuava a collaborare anche con l’ateneo milanese di via Sarfatti. Alesina e’ morto nelle scorse ore per un attacco di cuore mentre passeggiava in montagna negli Stati Uniti, sua patria adottiva. Il libro scritto a sei mani con Giavazzi e Carlo Favero, “Austerita’, quando funziona e quando no”, pubblicato l’anno scorso da Rizzoli, ha da poco ottenuto il premio Hayek, intitolato all’economista liberale premio Nobel nel 1974, l’austriaco-britannico Friedrich August von Hayek. Quello dell'”autorita’ espansiva” era uno dei cavalli di battaglia dell’economista di Harvard, che gia’ nel 2009 l’aveva teorizzata in uno studio, poi criticato dai nemici dell’austerita’ come il premio Nobel Paul Krugman. La teoria espressa negli ultimi lavori, sintetizzata da Favero, uno dei coautori di Alesina nell’ultimo libro, e’ che “l’austerita’ puo’ essere capita paragonandola a una medicina necessaria che da’ effetti collaterali, che vanno minimizzati. Per l’economia, la malattia è l’alto debito pubblico. Si tratta di un male che viene ereditato dalle generazioni future, su cui manifesta i propri effetti piu’ perniciosi. L’austerità basata sulla riduzione della spesa pubblica è meno costosa in termini di crescita ed e’ piu’ efficace nella stabilizzazione del rapporto debito/Pil rispetto all’austerità basata sull’aumento delle entrate del settore pubblico”. Moltissimi i messaggi di cordoglio e rimpianto diffusi sui social network fin dal momento in cui si e’ diffusa la notizia della scomparsa dell’economista, molto apprezzato anche per i modi gentili e l’empatia. Lo ricordano colleghi e ex allievi in Italia e Stati Uniti ma anche nel resto del mondo, oltre che le numerosissime istituzioni con le quali ha collaborato nel corso dei decenni della sua attività.

Morto Alberto Alesina, l’economista di Harvard. Il Giorno 24 maggio 2020. L’economista Alberto Alesina, morto negli Stati Uniti in un’escursione in montagna. È morto Alberto Alesina, uno dei più famosi economisti ed editorialisti italiani. Aveva 63 anni. Alesina è morto a causa di un attacco cardiaco durante un’escursione in montagna negli Stati Uniti. Alesina era nato nel 1957 a Broni, vicino a Pavia, e aveva studiato all’università Bocconi di Milano e in seguito ad Harvard, negli Stati Uniti, l’università in cui era anche diventato professore. A partire dagli anni Novanta Alesina è stato anche ospite in diversi programmi televisivi italiani e ha collaborato come editorialista per giornali come il Corriere della Sera e il Sole 24 Ore. In più di un’occasione aveva collaborato a libri o articoli con l’economista Francesco Giavazzi, con cui scriveva spesso parlando frequentemente dei vantaggi del libero mercato e della riduzione delle tasse per aziende e cittadini. "Per ripartire l’Europa ha bisogno di meno tasse, meno spese inutili e di riforme strutturali che liberalizzino i mercati. Era il pensiero di Alberto Alesina che, a qualche anno di distanza, è ancora attualissimo". Così il vice ministro dell’Economia e delle Finanze Laura Castelli ricorda l’economista. "Nitido e lungimirante scienziato economico", lo piangono i vertici dell’Abi, l’associazione bancaria italiana.

È morto Alberto Alesina, economista italiano che ha conquistato Harvard. Colpito da un attacco cardiaco durante un’escursione in montagna negli Usa, aveva 63 anni. Professore nella celebre università americana ha scritto saggi molto influenti. La Repubblica il 24 Maggio 2020. È morto l'economista Alberto Alesina. Aveva 63 anni e insegnava alla Harvard University. Lo ha reso noto in un tweet l'economista David Wessel, direttore del Centro Hutchin sulla politica fiscale e monetaria, il quale precisa nel suo messaggio di avere appreso la notizia da un altro economista, David Cutler. A quanto riportato da Wessel, Alesina con la moglie stava facendo una camminata in montagna negli Usa, sua patria adottiva, quando ha avuto un attacco cardiaco. La morte di Alesina è stata confermata dall'Istituto Bruno Leoni. "È scomparso Alberto Alesina - si legge nel messaggio - Un grande economista che l'IBL ricorda con stima e affetto. Ci uniamo al dolore della famiglia". Nato a Broni in provincia di Pavia nell'aprile del 1957, nel 1981 era stato uno dei primi laureati del Des, quel corso di Discipline Economiche e Sociali nato nel 1974 che ha reso famosa l'Università Bocconi nel mondo intero. Cinque anni più tardi ottenne il dottorato di ricerca in economia (PhD) ad Harvard, dove ha trascorso gran parte della sua vita professionale costruendo l'intera carriera. Dal 2003 al 2006 è stato il direttore del dipartimento economico della celebre università americana. Nel suo curriculum spiccano l'affiliazione a National Bureau of Economic Research e al Center for Economic Policy Research; è inoltre membro della Econometric Society e dell'American Academy of Art and Sciences. Era considerato uno dei maggiori esperti mondiali di politica economica, tanto che L'Economist nel 1990 lo aveva inserito tra i migliori otto economisti under 40 e papabile per un futuro premio Nobel.

In Italia era "visiting professor" all'Università Bocconi. In più di un'occasione aveva collaborato a libri o articoli con l'economista Francesco Giavazzi, che considerava il suo migliore amico, con cui scriveva spesso sul Corriere della Sera parlando frequentemente dei vantaggi del libero mercato e della riduzione delle tasse per aziende e cittadini. Il libro scritto con Giavazzi e Carlo Favero, "Austerità, quando funziona e quando no", pubblicato l'anno scorso da Rizzoli, ha da poco ottenuto il premio Hayek, intitolato all'economista liberale premio Nobel nel 1974, l'austriaco-britannico Friedrich August von Hayek. Quello dell'"austerità espansiva" era uno dei cavalli di battaglia dell'economista di Harvard, che già nel 2009 l'aveva teorizzata in uno studio, poi criticato dai nemici dell'austerità come il premio Nobel Paul Krugman. La teoria espressa negli ultimi lavori, sintetizzata da Favero, uno dei coautori di Alesina nell'ultimo libro, è che "l'austerità può essere capita paragonandola a una medicina necessaria che dà effetti collaterali, che vanno minimizzati. Per l'economia, la malattia è l'alto debito pubblico. Si tratta di un male che viene ereditato dalle generazioni future, su cui manifesta i propri effetti più perniciosi. L'austerità basata sulla riduzione della spesa pubblica è meno costosa in termini di crescita ed è più efficace nella stabilizzazione del rapporto debito/Pil rispetto all'austerità basata sull'aumento delle entrate del settore pubblico". Tra gli altri lavori di Alesina, da citare anche The Size of Nations, Fighting Poverty in the US and Europe: A World of Difference, Goodbye Europa, un saggio scritto a quattro mani con l'amico Giavazzi, e Il liberismo è di sinistra. E ancora, un articolo scritto con Andrea Ichino, dove ha avanzato la proposta provocatoria di tassare le donne in maniera inferiore rispetto agli uomini (Gender Based Taxation). Si tratterebbe, secondo gli autori, di un provvedimento privo di costi per lo Stato e che dovrebbe contribuire al raggiungimento di effettive pari opportunità tra uomini e donne. Nel novembre 2009 ha pubblicato, sempre con Andrea Ichino, il libro L'Italia fatta in casa, nel testo gli autori si soffermano sull'importanza che riveste, per il benessere del sistema Paese, il lavoro fatto in casa dalle mamme, dai nonni, dai papà, un lavoro spesso invisibile nelle statiche sulla ricchezza del Paese ma che contribuisce, in maniera significativa, in Italia più che in altri Paesi, al benessere generale della popolazione. Moltissimi i messaggi di cordoglio e rimpianto diffusi sui social network fin dal momento in cui si è diffusa la notizia della scomparsa dell'economista, molto apprezzato anche per i modi gentili e l'empatia. Lo ricordano colleghi e ex allievi in Italia e Stati Uniti ma anche nel resto del mondo, oltre che le numerosissime istituzioni con le quali ha collaborato nel corso dei decenni della sua attività.

·        Addio a Sergio Siglienti, ex presidente di Banca Commerciale Italiana.

Addio a Sergio Siglienti, ex presidente di Banca Commerciale Italiana. Pubblicato domenica, 24 maggio 2020 su Corriere.it da Nicola Saldutti. Più tardi, dieci anni dopo romperà il silenzio per raccontare la sua storia nel libro «Comit, una privatizzazione molto privata». E fotograferà una situazione che spesso si è verificata nell’incrocio pericoloso tra banche e imprese: la figura del debitore di riferimento. Imprenditori con ruoli di primo piano nelle stesse banche che li finanziano. Spiegherà: Mediobanca ha spesso dovuto svolgere un ruolo di supplenza. Il suo modello era la public company, ma dirà : Comit è stata scalata ancora prima di nascere. Qualche tempo prima si era opposto al progetto di fondere le ex banche di interesse nazionale, Commerciale, Credit e Banco di Roma. È un banchiere riservato, ma combattivo. Coerente nelle sue battaglie nel tentativo di far crescere questo mercato italiano. Il presidente della Repubblica, Cossiga, siamo nel 1979, gli aveva proposto di diventare direttore generale della Banca d’Italia quando Carlo Azeglio Ciampi ne diventò governatore. A scorrere la sua biografia, è piena di battaglie. Come per la madre Ines. L’ultima, quando il ministero del Tesoro lo chiama a guidare l’Ina. Ne fa una società talmente competitiva, che le Generali lanceranno un’offerta ostile da 24 mila miliardi (in lire). Siamo nel ’99. Il fronte dei soci si rompe e alla fine si trova l’accordo. Con quel misto di ironia e rigore commenterà, citando Tacito: fanno un deserto e la chiamano pace. Ha guidato l’Istituto superiore di Studi Storici, fondato da Benedetto Croce. Per descrivere se stesso, diceva: «Sassari è la più vecchia colonia pisana della Sardegna. Ecco perché i sassaresi sono un po’ litigiosi: si sono sempre considerati con altezzosità e superbia». Nel suo caso, coerenza.

·        Morto Carlo Durante, ex campione paralimpico di maratona.

Morto Carlo Durante, ex campione paralimpico di maratona. Pubblicato domenica, 24 maggio 2020 da Corriere.it. Domenica è morto Carlo Durante, ex campione paralimpico non vedente, tre volte Medaglia d’oro al Merito Sportivo e Leone d’Argento del Coni Veneto. Nella maratona ha scritto pagine memorabili della storia dello sport paralimpico. Medaglia d’oro alle Paralimpiadi di Barcellona nel 1992, argento alle Paralimpiadi di Atlanta nel 1996 e bronzo a Sidney, nel 2000, poi a 58 anni partecipò anche ai Giochi di Atene. Avrebbe compiuto 74 anni alla fine di giugno, ha avuto un malore in bicicletta mentre si trovava in compagnia di un amico, nel Trevigiano. Fra i tanti titoli conquistati anche un Campionato del mondo nel 1994. È stato campione europeo per tre volte (1991, 1993, 1997). Si è affermato come campione italiano non vedenti dal 1990 al 2004, su tutte le distanze. Un palmares ricchissimo che gli è valso numerosi anche riconoscimenti istituzionali (anche 4 medaglie d’argento al Merito Sportivo e 5 medaglie di bronzo al Merito Sportivo). Può vantare più di 70 maratone in tutto il mondo con ben tre edizioni di quella di New York, oltre a quelle di Boston, Monaco, Londra, Venezia, Bologna, Firenze, Milano, Padova, Brescia, Carpi, Torino, Roma, Cesano Boscone, Treviso e quasi la metà delle edizioni della Duerocche. Pioniere del movimento paralimpico in Veneto, ha dedicato la sua vita anche all’attività di promozione dello sport per i disabili. «Sono addolorato per la scomparsa di Carlo Durante. Se ne va un gigante dello sport italiano, una stella del firmamento paralimpico» ha dichiarato il presidente del Comitato italiano paralimpico Luca Pancalli. «Carlo oltre ad essere un campione è stato un punto di riferimento per il nostro movimento anche per l’attività di promozione dello sport per tutti. Colgo l’occasione per esprimere la mia vicinanza e quella del Cip alla sua famiglia e alle persone a lui care».

Addio a Carlo Durante, campione paralimpico di maratona. Pubblicato domenica, 24 maggio 2020 da La Repubblica.it. Un improvviso malore mentre pedalava in tandem con un amico sul Montello, a Nervesa della Battaglia. È morto così Carlo Durante, 73 anni, campione paralimpico di maratona. Lascia la moglie e le due figlie Chiara e Daniela. Non vedente, appassionato di sport fin dall'adolescenza, Durante ha partecipato a più di 70 maratone in tutto il mondo con ben tre edizioni di quella di New York, oltre a quelle di Boston, Monaco, Londra, Venezia, Bologna, Firenze, Milano, Padova, Brescia, Carpi, Torino, Roma, Cesano Boscone, Treviso. Affetto da retinite pigmentosa, malattia che porta alla cecità, ha interrotto la sua attività sportiva fino all'età di quarant'anni quando, ritrovatosi totalmente cieco, è tornato alla maratona  grazie al G.P. Montebelluna e alla società sportiva G.S. Non Vedenti di Padova. Pioniere del movimento paralimpico in Veneto, aveva dedicato la sua vita anche all’attività di promozione dello sport per i disabili. Il suo successo più prestigioso resta la maratona alla paralimpiade estiva di Barcellona del 1992 (in 2h50'00 a 46 anni). Sempre nella maratona è stato poi medaglia d'argento nelle paralimpiade estiva del 1996 di Atlanta (in 2h53'31) e di bronzo nella paralimpiade estiva del 2000 a Sidney (in 2h48'45 a 54 anni), oltre che settimo in quella del 2004 ad Atene. Inoltre, è stato medaglia d'oro nella maratona ai Campionati del Mondo a Berlino nel 1994 (in 2h47'26) e quarto ai Campionati Mondiali in Giappone nel 1998. E ancora, è stato vincitore ai Campionati Europei di Maratona per Non Vedenti a Caen nel 1991, a Dublino nel 1993 (in 2h46'39), a Riccione nel 1997 (in  2h57'47) e secondo a Lisbona nel 1999 (in 2h53'12) e a Francoforte nel 2001 nella mezza maratona. Durante, infine, è stato anche Campione italiano dal 1990 al 2004 su tutte le distanze, dai 10.000 metri alla maratona (e detiene anche un record mondiale nella sua categoria stabilito mentre gareggiava nella maratona di Venezia del ‘95 segnando il tempo di 2h29'49) e, grazie ai suoi risultati sportivi, è stato insignito più volte della Medaglia d'oro al merito sportivo (e di quelle di argento e bronzo), oltre che del Leone d'argento conferito dal CONI Regionale Veneto e del Collare d'oro al merito sportivo nel 2015. Così il Governatore del Veneto, Luca Zaia: «Con Carlo Durante se ne va una figura storica dello sport paralimpico. Non ha potuto vederle perché era affetto da cecità, ma ha vinto medaglie d’oro, d’argento e di bronzo in tutte le più grandi manifestazioni internazionali, a cominciare dalle Paralimpiadi di Barcellona 92, Atlanta 96 e Sidney 2000. Il primo pensiero, e il cordoglio, vanno alla moglie e alle figlie. Avesse compiuto oggi le gesta sportive di allora sarebbe stato un personaggio famoso, come giustamente sono oggi atleti del calibro di Bebe Vio e Alex Zanardi, ma in quegli anni la grandezza dello sport paralimpico non era ancora stata riconosciuta come avrebbe meritato e come è adesso. Rimarrà ugualmente indimenticabile – conclude Zaia – come quei 14 anni filati, dal 1990 al 2004 in cui è stato ininterrottamente campione italiano di tutte le distanze lunghe, dai 10.000 metri alla maratona».

·        Morta Cristina Pezzoli, la regista che amava la sperimentazione.

Morta Cristina Pezzoli, la regista che amava la sperimentazione. Pubblicato domenica, 24 maggio 2020 su Corriere.it da Franco Cordelli. La regista Cristina Pezzoli è morta a Pistoia, dove viveva e lavorava, e dove aveva diretto dal 2002 il Teatro Manzoni. Aveva 57 anni. Il primo spettacolo suo che io ricordi è «Come le foglie di Giacosa». Non mi aspettavo che Giacosa fosse così accogliente, non mi aspettavo una regia come quella: veniva prima o veniva dopo le regie di Valerio Binasco? Erano contemporanei ma il realismo, la cura dei dettagli, il colore erano solo suoi, di quella giovane regista sconosciuta. Cristina Pezzoli si era formata alla Paolo Grassi, poi divenendo aiuto registadi Massimo Castri e assistente di Nanni Garella. Ne ho seguito il lavoro soprattutto nella prima fase della carriera. Meravigliosa la regia de «La scuola delle mogli» di Molière; indimenticabile «L’annaspo» di Raffaele Orlando, che nessuno aveva avuto il coraggio di mettere in scena ed era lì, pubblicato da anni; commovente «L’ultimo nastro di Krapp» di Beckett. Me ne ha raccontato la genesi Sara Bertelà, con Isa Danieli e Bruna Rossi, tra le sue attrici preferite. Sergio Fantoni si sarebbe dovuto operare alle corde vocali. Lei gli chiese di registrare il testo. Poi, in teatro, si sarebbe ascoltata la sua voce di prima e quanto gli rimaneva di quella successiva all’operazione. Ma queste erano le doti di Cristina, la determinazione e la voglia di sperimentare. Dopo gli inizi si potrebbero distinguere tre fasi. Sempre alternando testi classici («Il principe travestito» di Marivaux o «Antigone» a Siracusa) e autori contemporanei (Tarantino, Letizia Russo), lavorò con la compagnia di Fantoni e con il Teatro Due di Parma; poi al Capannone di Prato: la si ricorda per i suoi lavori con i cinesi, un suo «Arle Chino: traditore traduttore di due padroni» arrivò fino in Cina; infine e in specie con attrici come Laura Curino, Veronica Pivetti e Angela Finocchiaro che, era il suo pensiero costante, voleva portare da sé stesse, dal loro teatro, al teatro di tutti, il teatro classico. Amaramente, rimpiango di non averla conosciuta.

·        E’ Morto Antonello Riva: regista e chef.

Morto Antonello Riva, regista e chef, figlio del volto del «Musichiere». Pubblicato sabato, 23 maggio 2020 su Corriere.it da Fabrizio Peronaci. Addio al super-cuoco che amava il cinema e il teatro. È morto all’età di 69 anni Antonello Riva, chef raffinato e uomo di spettacolo, autore teatrale e televisivo, regista di prosa a lungo collaboratore di Maurizio Scaparro al Teatro Argentina (dal 1990 al ‘95), nonché figlio di Mario, il leggendario conduttore de «Il musichiere», la trasmissione Rai lanciata nel 1957 (ideata da Giovannini e Garinei) che calamitò il grande pubblico negli anni del boom. A dare l’annuncio della scomparsa di Antonello, il cui nome in ambito enogastronomico era legato all’esperienza della Palatium-Enoteca della Regione Lazio, per molti anni elegante location in via Frattina, e ai piatti poveri della cucina regionale di sua invenzione, sono stati i familiari, con un messaggio pubblicato sulla pagina Facebook dello chef. «I funerali si terranno lunedì 25 maggio 2020 alle ore 10 presso la Basilica del Sacro Cuore Immacolato di Maria, a Piazza Euclide. Ci si disporrà uno per banco e vista la grande capienza della navata principale sarà possibile rispettare il distanziamento sociale». La fama di Riva junior ai fornelli in tempi non troppo remoti si era consolidata per le ricette spiegate in Rete, per la gestione di due ristoranti («L’Elefantino» a Roma e «L’Elefantino a Mare» a Orbetello) e per le apparizioni con il cappello da cuoco in tv: dal 2002 al 2004 ogni sabato e domenica condusse per “Mattina Due” la rubrica di gastronomia, curando personalmente l’acquisto di prodotti nei mercati rionali e cucinando in diretta – il giorno successivo – il piatto con gli ingredienti acquistati. Poi, nel 2005, «tradì» mamma Rai, che suo papà aveva concorso a lanciare, conducendo assieme a Iva Zanicchi , su Canale 5, «Il piatto forte», gara in diretta tra aspiranti cuochi. Nella capitale aveva però lasciato il segno maggiore sul versante artistico: fu lui a fondare assieme alla madre, l’attrice Diana Dei, la «Scuola di Teatro Mario Riva» di via Archimede, ai Parioli, nella quale insegnò recitazione e storia del teatro. Oltre 10 anni di corsi di formazione professionale sostenuti dagli enti locali, per attori di prosa, che videro alternarsi come docenti Michele Mirabella, Patrick Rossi Gastaldi e altri professionisti dello spettacolo e della comunicazione. Solo pochi anni fa l’ultima battaglia, animata da senso civico: fu Antonello Riva, nel 2016, a esporsi in prima linea in una campagna per il rispetto della memoria dei defunti e la cura del cimitero monumentale Verano, dove l’intero settore che ospita la tomba del celebre genitore era (ed è ancora) in condizioni penose, a rischio crollo.

·        È morta Anna Bulgari.

È morta Anna Bulgari, rapita insieme al figlio Giorgio  nel 1983. Aveva 93 anni. Pubblicato sabato, 23 maggio 2020 su Corriere.it da Paolo Conti. È morta a 93 anni Anna Calissoni Bulgari, erede della grande dinastia di gioiellieri originari dell’Epiro, eccellenti conoscitori di gemme per generazioni, e trapiantati a Roma dove fondarono il prestigioso marchio internazionale. Ma Anna Calissoni Bulgari, moglie del generale Franco, eroe di El Alamein (scomparso nel 2001) resterà nella storia giudiziaria italiana, soprattutto romana, per il clamoroso rapimento suo e di suo figlio Giorgio la sera del 19 novembre 1983. Anna ai tempi ha 57 anni, Giorgio (oggi affermato notaio) 17. Anna sta rientrando con suo marito Franco nella grande tenuta di famiglia ad Aprilia: due uomini con passamontagna e fucili lasciano da parte il generale, prendono Anna e la chiudono nel portabagagli della 132 della famiglia, Giorgio viene messo su un sedile. Seguono trattative serrate e complesse: non esistendo ai tempi i cellulari, le trattative avvengono per telefono, sotto la minaccia del sequestro dei beni da parte della Procura. La richiesta è altissima: quattro miliardi di lire. Otto anni prima, per il rapimento del fratello di Anna Bulgari, Gianni, era stato pagato un miliardo e 300 milioni di lire. Dall’accento, la figlia di Anna che segue le trattative- Laura (ai tempi avvocato internazionale)- capisce subito che si tratta di rapitori sardi, anche politicizzati (durante la prima conversazione c’è un rapido confronto sul capitalismo). In una riunione di famiglia si decide di pagare il riscatto. Il 17 dicembre, due giorni dopo la scadenza del primo ultimatum, arriva una busta che contiene un pezzo dell’orecchio di Giorgio. La famiglia accelera le trattative, i soldi vengono messi in due grandi buste nere dell’immondizia seguendo le indicazioni dei rapitori: la consegna avviene il 21 dicembre sulla via Aurelia, in uno slargo tra gli alberi all’altezza di Sarzana. Un uomo con la torcia li aspetta. La sera del 24 dicembre Anna e Giorgio Calissoni vengono liberati a nemmeno un chilometro di distanza da dove erano stati sequestrati. Stanno complessivamente bene: la ferita all’orecchio di Giorgio (l’amputazione era avvenuta con un semplice coltello da cucina senza precauzioni di alcun tipo) è infetta e viene curato subito, Anna ha i piedi piagati: erano stati tenuti sempre all’aperto e costretti a continui spostamenti. Giorgio dovrà poi subire cinque interventi di ricostruzione per l’orecchio negli Stati Uniti. In un’intervista rilasciata a Fabrizio Roncone per il nostro giornale, nelle ore del rilascio delle due volontarie Greta Ramelli e Vanessa Marzullo nel gennaio 2015, Laura Calissoni dichiarò: «Negoziai in totale solitudine. Non ricevetti alcuna telefonata né dal presidente del Consiglio, Bettino Craxi, né dal ministro dell’Interno, che era Oscar Luigi Scalfaro. Solo i carabinieri si dimostrarono molto competenti e anche dotati di grande umanità. Quando sento che per la liberazione di quelle due ragazze, Greta e Vanessa, a trattare sono stati i nostri servizi segreti e a pagare sarebbe stato addirittura lo Stato, sono assalita da rabbia mista a disgusto. Noi fummo lasciati soli. E da subito». E la stessa Anna Calissoni Bulgari scrisse all’allora presidente del Consiglio, Paolo Gentiloni: «Perché lo Stato non intervenne all’epoca per tutelare l’incolumità e la vita di suoi cittadini pacifici che non avevano preso alcun rischio, rispettosi delle regole nazionali ed internazionali?». Gentiloni rispose spiegando le ragioni dell’impegno dell’Intelligence per il rilascio di Greta e Vanessa ma ammettendo: «So di non rispondere al suo angoscioso interrogativo sulle scelte del 1983, ho provato a spiegare, per quanto possibile, quelle di oggi» Anna Calissoni Bulgari per lunghi anni sparì da qualsiasi cronaca mondana ufficiale, occupandosi esclusivamente dei tre figli e dei numerosi, amatissimi nipoti. Otto banditi vennero arrestati per il sequestro e, alla fine dei vari gradi di giudizio, condannati complessivamente a 140 anni di carcere. Anna Calissoni Bulgari assistette a diversi dibattimenti con una calma che stupì molti. Oggi l’azienda familiare di Aprilia, guidata da Laura Colnaghi Calissoni e Francesca Feroldi Calissoni, è una straordinaria oasi faunistica di 60 ettari protetta dalla Guardia Forestale, ricca di aironi, volpi, cinghiali ma anche di ulivi, meta delle visite di tante scolaresche.

«La prigionia con mia madre, senza di lei non ce l’avrei fatta». Pubblicato sabato, 23 maggio 2020 su Corriere.it da Flavia Fiorentino. «Mi manca la terra sotto i piedi, ho un senso di vuoto incolmabile, non posso immaginare che mamma non c’è più. Da quando ci rapirono insieme, avevo solo 17 anni, con lei ho sempre avuto un legame speciale». Il nome è importante, ma nel parlare di Anna Bulgari Calissoni, scomparsa a 93 anni venerdì pomeriggio all’Ospedale Santo Spirito di Roma dopo un breve malore, il figlio Giorgio è semplicemente un uomo (oggi affermato notaio della capitale) che ha profondamente amato sua madre. Una donna coltissima, amante della musica classica, appassionata di argenteria antica, erede della grande dinastia di gioiellieri originari dell’Epiro, eccellenti conoscitori di gemme per generazioni e trapiantati a Roma dove fondarono il prestigioso marchio internazionale, oggi di proprietà del gruppo francese Lwmh.

Vi capitava di ricordare quel terribile momento in cui i vostri carcerieri le amputarono anche il lobo di un orecchio per ottenere il riscatto che fu poi pagato, 4 miliardi di lire?

«Sono riuscito a superare quella situazione solo perché mamma mi dava coraggio. Da quando ci presero, il 19 novembre del 1983, fino alla liberazione alla vigilia di Natale, ho avuto la fortuna che non ci separassero mai e abbiamo vissuto sempre in tenda insieme. Se lei non ci fosse stata, non so se ce l’avrei fatta. Con il tempo non le piaceva tornare sull’argomento. Con gli altri lo aveva cancellato. Tra noi era diverso, anche se non ne parlavamo si era creata un’intesa così speciale, che solo noi sapevamo che alcune parole o certe situazioni ci colpivano perché riportavano la mente a quei giorni lontani ma ancora così vivi. Sui giornali se ne scrisse tanto. Quei fatti sono diventati un pezzo di storia del nostro Paese. Oggi per fortuna i sequestri non sono più di attualità».

Quando l’ha vista l’ultima volta?

«Sono andato a trovarla giovedì, come quasi ogni giorno, nella sua casa in via Condotti. Sempre elegante, lucidissima, curiosa. Parlavamo di tutto, lei era molto ironica e divertente. Poi ci siamo risentiti al telefono in serata e mi ha detto che le mancavano le sue amiche che non vedeva da un po’ perché, come tutti, per paura del Coronavirus l’avevamo “chiusa in casa”. Dai controlli, nessun contagio, due tamponi, entrambi negativi. Ma il medico mi ha detto: “ Guardi che se sua madre non muore per il Covid, muore di depressione. Così, mi sono imposto di andarla a trovare regolarmente. E tutti i giorni, alle 18 e 30 ero lì».

Poi cosa è successo?

«All’una di notte la badante ha chiamato un’ambulanza perché la mamma si lamentava. Poi, arrivata all’ospedale Santo Spirito, la situazione è precipitata. All’alba di venerdì i medici ci hanno detto che era gravissima facendo questo esempio: “Le persone così anziane camminano su un burrone, basta un po’ di brecciolino per farle precipitare”. Sono un uomo maturo, ho 54 anni e due figlie, ma in questo momento provo un senso di vuoto che mi dà le vertigini. Ho perso mio padre nel 2001, con lui avevo un ottimo rapporto e ho ereditato molti aspetti caratteriali. Ma lo spaesamento, il senso di abbandono che sto vivendo in queste ore è più profondo. I funerali, per l’ultimo saluto alla mamma si terranno domani a Roma nella chiesa di Santa Croce in Gerusalemme».

·        Addio all'editore Piero Manni.

Addio all'editore Piero Manni. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su La Repubblica.it da Ilaria Zaffino. Fondatore della casa editrice che porta il suo nome aveva 76 anni ed era un punto di riferimento per tutto il Sud Italia e non solo. Ha pubblicato, tra gli altri, Edoardo Sanguineti, Giorgio Caproni, Mario Luzi e Alda Merini. Aveva fatto delle sue due grandi passioni, i libri e la politica, un progetto di vita confluito nella casa editrice che porta il suo nome, punto di riferimento per tutto il Sud Italia e non solo. È scomparso a 76 anni Piero Manni: protagonista della storia dell’editoria locale, era nato nel 1944 a Soleto, in provincia di Lecce, e prima di dedicarsi a tempo pieno ai libri aveva insegnato nella scuola media e per vent’anni anche in un’aula dietro le sbarre, ai detenuti nelle carceri di Lecce. Fondata nel 1984 insieme alla moglie Anna Grazia, la Manni Editori si caratterizza da subito per le sue pubblicazioni di poesia, narrativa e saggistica politica, sin dal primo libro, un’antologia sulla pace con poesie - tra gli altri - di Giorgio Caproni, Mario Luzi, Edoardo Sanguineti, Paolo Volponi e Andrea Zanzotto: tutti autori che negli anni successivi continueranno a pubblicare per Manni. Insieme alla casa editrice, nel gennaio 1984 Piero e Anna Grazia Manni avevano dato vita anche a una rivista di letteratura, chiamata "L'immaginazione", ancora oggi attiva, che aveva una visione della cultura vissuta in maniera militante e guardava il mondo da sinistra. Nonostante sia sempre rimasta una piccola casa editrice indipendente, la Manni resta il simbolo di un’avventura editoriale di successo, soprattutto per le pubblicazioni di importanti autori e per la capacità di reggere alle difficoltà del mercato: una realtà riconosciuta e rispettata anche a livello nazionale per l’autorevolezza e la qualità del proprio catalogo. Tra gli autori pubblicati negli anni, figurano infatti anche Alda Merini e scrittori all’epoca poco noti come Giancarlo De Cataldo e Wanda Marasco all’inizio degli anni duemila. Lo stesso Manni aveva pubblicato alcuni suoi scritti, romanzi e saggi e, nel 2005, era stato eletto consigliere regionale per Rifondazione Comunista, mentre oggi era presidente emerito di Anpi Salento.

Morto Piero Manni, passione civile e titoli scelti. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su Corriere.it da Cristina Taglietti. I libri, la politica e l’impegno sociale erano le passioni di Piero Manni, l’editore salentino scomparso il 22 maggio a 76 anni. Nato a Soleto (Lecce) nel 1944, già consigliere regionale di Rifondazione comunista, presidente emerito dell’Anpi Salento, era stato a lungo insegnante, nelle scuole medie e nelle carceri, prima di fondare, a metà degli anni Ottanta a Lecce, con la moglie Anna Grazia D’Oria, la casa editrice omonima. Pubblicò, come prima opera, un’antologia poetica intitolata Segni di poesia lingua di pace, con le voci di alcuni tra i i maggiori poeti italiani, da Giorgio Caproni a Mario Luzi, da Andrea Zanzotto a Edoardo Sanguineti, da Elio Pagliarani a Paolo Volponi. «Sei in ogni nostro libro — quelli fatti, quelli immaginati e mai realizzati, quelli che hai scritto e tradotto e curato, e in quelli che hai inventato negli ultimi giorni e su cui hai scocciato fino all’ultimo perché ci lavorassimo! — che ti ritroveremo per sempre dappertutto», è l’annuncio, sui social, della casa editrice che era anche la sua famiglia. La figlia Agnese in particolare, oggi direttore editoriale, ne aveva raccolto l’eredità. Tutto era iniziato nel gennaio 1984 con la rivista di letteratura «L’immaginazione», che ancora oggi si occupa di ricerca letteraria, e intorno alla quale si è creata una rete di relazioni e di interessi culturali. Il marchio si sviluppa inizialmente con la letteratura; la prima collana di saggistica, «La scrittura e la storia», che apre con Cina Cina di Luigi Malerba, è promossa da Romano Luperini, che ancora oggi la dirige. L’attenzione per i protagonisti della neoavanguardia si fondeva con quella per un padre della sinistra eretica come Franco Fortini, per i maestri della filologia come Maria Corti e Cesare Segre. Oltre ad autori come Massimo Bray e Alda Merini, Manni ha pubblicato negli anni anche scrittori che poi sarebbero approdati a marchi più grandi, come Giancarlo De Cataldo o Wanda Marasco. Nel 2017 con Un’educazione milanese di Alberto Rollo la casa editrice era entrata nella cinquina del premio Strega. Oggi con circa 50 volumi all’anno, si occupa di letteratura, sociologia, filosofia, antropologia, teatro e cinema senza dimenticare i grandi temi di politica nazionale ed internazionale. Dello scorso anno è il libro dell’ex presidente della Commissione P2, Tina AnselmiGabriella in bicicletta. La mia Resistenza raccontata ai ragazzi; mentre, del 2016 la raccolta Che dice la pioggerillina di marzo:nella prefazione Manni scrisse di aver dovuto convincere i redattori più giovani, restii a quella vena un po’ nostalgica di versi degli anni Cinquanta che una volta si studiavano a memoria. Il titolo ebbe successo e uscì la seconda raccolta: una selezione di poesie degli anni Sessanta, Cloffete cloppete clocchete.

·        Morto Wilson Roosevelt Jerman, maggiordomo di undici presidenti Usa. 

Morto Wilson Roosevelt Jerman, maggiordomo di undici presidenti Usa. Jacopo Bongini il 22/05/2020 su Notizie.it. Deceduto a 92 anni a causa del coronavirus, Wilson Roosevelt Jerman fu maggiordomo alla Casa Bianca servendo ben undici presidenti degli Stati Uniti. Dopo oltre cinque decadi passate all’ombra degli uomini più potenti del mondo si è spento all’età di 91 anni Wilson Roosevelt Jerman, maggiordomo ufficiale della Casa Bianca che nel corso della sua lunga carriera lavorò per ben undici presidenti degli Stati Uniti, da Dwight Eisenhower fino a Barack Obama. Jerman, nato in un’umile famiglia afroamericana come il collega Eugene Allen, la cui storia ispirò il noto film The Butler, è morto a causa del coronavirus lo scorso 16 maggio ma la notizia del decesso è stata resa pubblica dai nipoti soltanto nelle ultime ore. Assunto alla Casa Bianca nel 1957 come addetto alle pulizie durante la presidenza di Dwight Eisenhower, Jerman si fece in breve tempo notare per le sue doti di riservatezza e professionalità che indussero pochi anni dopo il suo successore John Fitzgerald Kennedy, si dice dietro consiglio della moglie Jacqueline, a promuoverlo maggiordomo.

Una circostanza confermata anche da una delle nipoti dell’uomo che citando proprio il rapporto con la first lady ha dichiarato: “Con lei aveva ottimi rapporti e fu lei a sostenerlo e a imprimere una svolta nella sua carriera”.

Jerman divenne uno degli uomini più fidati dello staff della Casa Bianca anche per il presidente Ronald Reagan, al quale lasciava sempre preparare le sue valigie, ma il rapporto più stretto lo ebbe senza dubbio con George W. Bush, il quale proprio in occasione della sua scomparsa ha voluto così ricordarlo: “Era una persona deliziosa e amabile e si faceva voler bene”. Fu proprio nel 2003, durante la presidenza di Bush Junior, che Jerman tornò a lavorare per la Casa Bianca dopo aver lasciato il posto nel 1997 e rimanendo al 1600 di Pennsylvania Avenue fino al pensionamento definitivo nel 2012, sotto Barack Obama. Una delle ultime soddisfazioni dell’uomo fu proprio quelle di essere menzionato nell’autobiografia dell’ex first lady Michelle Obama dal titolo “Becoming”, in cui viene ritratto in una celebre foto in ascensore con la coppia presidenziale. Nel 2011, lo stesso Barack Obama conferì a Jerman una medaglia presidenziale per il suo lungo servizio.

Anna Lombardi per “la Repubblica” il 23 maggio 2020. Lucidò stoviglie d' argento per Dwight Eisenhower: era il 1957. Servì il caffé a John Fitzgerald Kennedy, promosso al rango di butler, maggiordomo, grazie all' aiuto di Jackie che lo aveva preso in simpatia. Poi divenne il cameriere più fidato di George W. Bush: aiutando il presidente insonne a ritrovare il sonno con aneddoti della sua gioventù. Fino a quell' ultima immagine. Dove Wilson Roosevelt Jerman, il più longevo membro dello staff della Casa Bianca, ucciso dal coronavirus martedì, a 91 anni, sorride, in ascensore, al fianco degli Obama. Uno scatto così simbolico - il cameriere nero in livrea con alle spalle la prima coppia presidenziale afroamericana - da essere stato inserito da Michelle Obama carrellata di immagini che illustrano la sua autobiografia, Becoming. «Era un uomo gentile. La prima persona che vedevamo al mattino, l' ultima prima di coricarci. Per noi aveva sempre un sorriso e una leccornia »: George W. Bush lo ricorda così nel messaggio di cordoglio firmato con la moglie Laura, recapitato a Nbc News . Perché Jerman, 55 anni trascorsi alla Casa Bianca al servizio di 11 presidenti, era davvero amato da tutti. E peccato che, in tempi di coronavirus, il fedelissimo di così tanti leader non avrà nemmeno un funerale. Nato in Virginia nel 1929, l' anno della grande crisi, sposatosi a 19 anni e padre di cinque figli, nonno di 12 nipoti e 18 bis nipoti, Jerman si accontenterà di un addio virtuale. Con forse più di un presidente ad asciugarsi le lacrime, in diretta su Zoom. A ricordarlo al mondo, oggi, ci pensa la nipote Jamila Garrett, intervistata da Fox: «Era un uomo sincero, sempre al servizio degli altri. Non contava chi si rivolgesse a lui. Si prodigava per tutti, in ogni modo possibile ». Un nonno straordinario quello evocato da Jamila: «Ci ha insegnato che per riuscire nella vita bisogna essere autentici. E trovare la forza di superare gli ostacoli. Il suo insegnamento, è la nostra eredità più preziosa». Insieme a quegli indimenticabili aneddoti. Perché, pure se Wilson Roosevelt Jerman non è il maggiordomo della Casa Bianca immortalato da Hollywood nel film di Lee Daniels The Butler , con Forest Whitaker - ispirato alla vita di Eugene Allen, collega e per un certo periodo superiore di Jerman - i suoi aneddoti non furono certo da meno. Una lunga storia d' amicizia con i potenti della Terra, la sua: fino all' onore, ormai già molto anziano, di servire gli Obama, sia pure part-time. «Di lui mi colpì la grande dignità», scrive Michelle nell' autobiografia. «La stessa che rende speciali tutto coloro che lavorano alla residenza privata del presidente». Da Eisenhower a Obama: Jerman ha contribuito, a suo modo, alla Storia. Lustrando argenteria e servendo il caffè.

·        Addio a Claudio Ferretti, voce storica di "Tutto il calcio minuto per minuto".

Addio a Claudio Ferretti, voce storica di "Tutto il calcio minuto per minuto". Pubblicato giovedì, 21 maggio 2020 su La Repubblica.it da Marco Bonarrigo. Il mondo dello sport piange Claudio Ferretti. Dopo Ameri, Ciotti e Provenziali, se ne va un'altra voce storica di "Tutto il calcio minuto per minuto". Giornalista romano, 77 anni, figlio di Mario Ferretti che nel 1949 durante una tappa del Giro d'Italia coniò la frase "un uomo solo al comando, la sua maglia è biancoceleste, il suo nome è Fausto Coppi", iniziò il suo percorso in Rai nel 1963. Una vita dedicata allo sport

Tre anni dopo era già parte integrante della storica trasmissione radiofonica. Negli anni '80 iniziò a collaborare con la televisione dove ebbe modo di condurre diverse trasmissioni sportive, quali "E' quasi goal", "Anni azzurri", "Telesogni" e "L'una italiana". Nella sua carriera seguì il calcio, la boxe (sua la radiocronaca del primo match tra Benvenuti e Monzon) e il ciclismo. Proprio le due ruote gli regalarono le emozioni più belle. Dal 1998 al 2000 condusse il Processo alla Tappa. Condusse anche il tg3 di cui è stato capo della redazione sportiva.

Da repubblica.it il 22 maggio 2020. Il mondo dello sport piange Claudio Ferretti. Dopo Ameri, Ciotti e Provenziali, se ne va un'altra voce storica di "Tutto il calcio minuto per minuto". Giornalista romano, 77 anni, figlio di Mario Ferretti che nel 1949 durante una tappa del Giro d'Italia coniò la frase "un uomo solo al comando, la sua maglia è biancoceleste, il suo nome è Fausto Coppi", iniziò il suo percorso in Rai nel 1963.

Una vita dedicata allo sport. Tre anni dopo era già parte integrante della storica trasmissione radiofonica. Negli anni '80 iniziò a collaborare con la televisione dove ebbe modo di condurre diverse trasmissioni sportive, quali "E' quasi goal", "Anni azzurri", "Telesogni" e "L'una italiana". Nella sua carriera seguì il calcio, la boxe (sua la radiocronaca del primo match tra Benvenuti e Monzon) e il ciclismo. Proprio le due ruote gli regalarono le emozioni più belle. Dal 1998 al 2000 condusse il Processo alla Tappa. Condusse anche il tg3 di cui è stato capo della redazione sportiva.

Addio a Claudio Ferretti, la voce più bella di Tutto il calcio. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su La Repubblica.it da Antonio Dipollina. Figlio d'arte, se n'è andato da Roma e dal mondo giovedì, a 77 anni. Ha raccontato il calcio e i grandi eventi sportivi alla radio e in tv. La terza voce era la più bella. La prima (Ameri), era a sostegno di un ritmo impareggiabile ma con aspri finali di frase, la seconda – Ciotti – era quella ideale al servizio del funambolo che era. La terza era quella di Claudio Ferretti, terzo campo in ordine di importanza: ed era perfetta, sembrava il podcast di un grande attore che ti raccontava live la partita. Per qualche motivo il terzo campo era molto spesso l’Olimpico di Roma e quando entrava il gol della squadra di casa si ricordano i toni epici e un boato diverso, nitido, con voce appunto perfetta a sostegno. Claudio Ferretti se n’è andato da Roma e dal mondo ieri, a 77 anni. Nato col marchio del figlio d’arte, non era una paternità qualsiasi: il padre Mario era passato dalle strade della Cuneo-Pinerolo (anno 1949) direttamente alla leggenda di sempre dello sport con quella frase dell’uomo solo al comando della corsa, poi il colore della maglia e poi il nome. Claudio il figlio si ritrovò a navigare alla grande dentro quella leggenda settimanale che era Tutto il calcio minuto per minuto. Ma la leggenda la ebbe a praticare anche lui, maggio 1975, la sfida decisiva verso lo Stelvio, al Giro: e in un giorno in cui per uno sciopero salta la diretta televisiva. Ma Ferretti era al suo posto, ovvero sulla moto che seguiva Fausto Bertoglio e Francisco Galdos, in un Giro falcidiato dalle assenze, diventano protagonisti del sogno e lui, Ferretti, a scandire i tornanti per milioni di radioline (“Ne mancano 27 al traguardo”). Fece anche la radiocronaca del primo Benvenuti-Monzon, Ferretti era multiuso e aveva un orizzonte ampio in testa (negli anni Ottanta ideò un folle, per allora, Giro al computer trasmesso alla radio, con i corridori virtuali ed ebbe grande successo). Quell’orizzonte che lo condusse a fine anni 80 a traslocare in tv e vivere da protagonista gli anni d’oro del Servizio pubblico rinnovato e con una rete, la 3, gioiellino da alimentare. Conduttore di tv, capo dello sport, autore e protagonista di programmi (Telesogni e molti altri), aveva anche ereditato il Processo alla Tappa. Ma oggi tocca soprattutto chiudere, forse per l’ennesima volta, un’epoca, registrando che di quelli del Tutto il calcio da venti milioni di ascoltatori, quello delle radioline al parco con la mano nella mano della fidanzata e l’altra all’orecchio, dei risultati appesi sul tabellone verde fuori dal bar, non rimane più nessuno: e tutto sfuma nella storia, anzi leggenda, chiamando le cose col loro nome.

Claudio Ferretti è morto a 77 anni: era la storica voce di «Tutto il calcio minuto per minuto» e del «Processo alla tappa». Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 da Corriere.it. Claudio Ferretti, storico giornalista della Rai, è morto a Roma la sera di giovedì 21 maggio a Roma. Aveva 77 anni. Lo rende noto la Rai che ne ricorda la competenza, la passione e la grande professionalità che lo hanno contraddistinto come grande esempio di giornalista del servizio pubblico. Figlio d’arte di Mario — commentatore delle leggendarie pedalate di Fausto Coppi (sua la famosa frase: «Un uomo solo al comando, la sua maglia è biancoceleste, il suo nome è Fausto Coppi») — iniziò il suo percorso in Rai nel 1963. Voce storica di «Tutto il calcio minuto per minuto», è stato poi tra i conduttori del Tg3 di Sandro Curzi, di cui è stato capo della redazione sportiva. Tra le sue altre rubriche e trasmissioni di successo, «Anni Azzurri» e «Telesogni». Poliedrico e curioso, è stato anche autore con Barbara Scaramucci di un apprezzato libro sulla storia della Rai. Nella sua carriera seguì soprattutto il calcio, la boxe (sua la radiocronaca del primo match tra Benvenuti e Monzon) e il ciclismo. Proprio le due ruote gli regalarono le emozioni più belle. Dal 1998 al 2000 condusse il «Processo alla Tappa».

·        È morto padre Adolfo Nicolas, era stato «papa nero» dei Gesuiti.

È morto padre Adolfo Nicolas, era stato «papa nero» dei Gesuiti. Pubblicato mercoledì, 20 maggio 2020 su Corriere.it da Gian Guido Vecchi. «Vede, sant’Ignazio era un uomo libero, la libertà che viene quando si sente lo Spirito». La sera del 3 settembre 2012 era arrivato in Duomo per i funerali del cardinale Carlo Maria Martini, l’omaggio del padre generale della Compagnia di Gesù al grande confratello per ventitré anni arcivescovo di Milano. Ed il ritratto che padre Adolfo Nicolás ne aveva fatto al Corriere era insieme una riflessione su ciò che significa essere gesuita, «un figlio di sant’Ignazio fino alla fine», sulla sua stessa vocazione: «C’è un principio di Ignazio molto chiaro: trovare Dio in tutte le cose. Il cardinale Martini aveva un approccio così positivo verso la realtà perché aveva quello sguardo, la visione nella quale Dio lavora in tutto: e ha trovato Dio in tutte le cose, in tutte le persone. Di qui il grande rispetto che aveva per credenti e non credenti, di qualunque origine fossero. Tutti hanno una scintilla di Dio che bisogna trovare». Padre Adolfo Nicolás è morto a Tokyo, dov’era stato a lungo studente e poi docente universitario, la città più amata nella quale si era infine ritirato dopo essersi dimesso da generale dei gesuiti. Era malato da tempo, l’ultima imagine pubblica risale al viaggio di Francesco in Giappone, il 12 novembre dell’anno scorso, la carezza di Francesco al volto soffrente del suo vecchio superiore durante la visita alla Sophia University. Spagnolo di Villamuriel de Cerrato, aveva 84 anni e dal 2008 al 2016 era stato il ventinovesimo successore di Ignazio di Loyola. Aveva annunciato le sue dimissioni due anni prima di lasciare, nel 2014, con una lettera ai diciassettemila gesuiti sparsi in 112 nazioni nel mondo. Un evento straordinario, perché la Compagnia di Gesù è l’unico ordine religioso della Chiesa nel quale il superiore viene eletto a vita, come il pontefice, e per questo viene popolarmente definito il «Papa nero». Prima di lui solo due volte era capitato che un padre generale lasciasse in vita: il primo fu padre Pedro Arrupe, nel 1980, in un momento di tensione con la Santa Sede, presentò le sue dimissioni a Giovanni Paolo II, che le respinse: un anno più tardi, però, Arrupe fu colpito da un ictus e Wojtyla inviò un suo «delegato personale» commissariando di fatto la Compagnia; il secondo era stato Peter-Hans Kolvenbach, eletto nell’83, che decise di dimettersi nel 2008, a ottant’anni, proprio come avrebbe fatto padre Nicolás. L’annuncio della morte di padre Nicolás è stato dato mercoledì mattina dalla Curia generale dei gesuiti e dal suo successore, padre Arturo Sosa. I funerali saranno celebrati sabato a Tokyo, nella chiesa di Sant’Ignazio. Nelle sue parole su Martini, sei mesi prima del conclave che avrebbe eletto Francesco, c’era già la svolta del futuro pontificato, la Chiesa in uscita: «Ho vissuto 48 anni in Asia e credo che forse siamo stati deboli, noi missionari. Non abbiamo cercato abbastanza di trovare Dio e il lavoro di Dio nelle altre culture e nelle altre genti. Portare questa ricchezza di Dio alla Chiesa universale continua ad essere una sfida. Credenti di altre fedi, non credenti: Dio sta lavorando nella gente prima che noi missionari andiamo. Sta già lavorando».

·        E’ morto Shad Gaspard ex lottatore di wrestling.

Morto Shad Gaspard, l’ex lottatore di wrestling è annegato per salvare la vita del figlio di dieci anni. Pubblicato mercoledì, 20 maggio 2020 su Corriere.it da Salvatore Riggio. Dopo tre giorni di ricerche è stato trovato il corpo di Shad Gaspard, ex stella di wrestling e attore. Aveva 39 anni, domenica era andato a nuotare insieme al figlio di dieci anni, a Marina del Rey, accanto alla famosissima Venice Beach di Los Angeles. E proprio a Venice mercoledì mattina è stato notato da un bagnante il cadavere e segnalato alla Guardia Costiera che lo ha recuperato. Solo la settimana scorsa la contea di Los Angeles aveva riaperto le spiagge per l’attività fisica, includendo anche il nuoto, dopo il blocco totale per il coronavirus. Secondo le ricostruzioni Gaspard prima di essere trascinato via dalle onde ha salvato la vita del piccolo spingendolo verso i soccorritori. Che hanno provato a recuperare in acqua tutti e due, ma senza riuscirci, a causa delle condizioni del mare che si era alzato improvvisamente: «Le onde erano alte due metri, sembrava di stare dentro a una lavatrice, la prima decisione è stata mettere al sicuro il ragazzino, è la scelta naturale ma ce l’ho ha detto anche lui di farlo. Quando siamo tornati indietro per recuperare anche lui è arrivata un’altra onda enorme» hanno raccontano i bagnini intervenuti alle tv americane. Anche «The Rock», il popolarissimo attore Dwayn Johnson, anche lui un ex wrestler aveva lanciato un appello e pregato per l’amico scomparso. Per Gaspard sono stati, quindi, fatali le forti correnti dell’Oceano Pacifico. Fin dalle prime ore dell’incidente, da quando l’ex wrestler era disperso in mare appunto, elicotteri e sub si sono messi alla ricerca del 39enne. Ritrovato il corpo, la prassi prevede che qualche familiare lo riconosca e così è stato. Era soprannominato «The Beast», la bestia. In coppia con JTG aveva formato il tag team Cryme Time. Infine, una volta che si era dedicato al cinema, aveva avuto un ruolo pure nel film della Marvel, «Black Panther».

Shad Gaspard muore annegato per salvare il figlio. The Rock: "Ho pregato fino alla fine". Il corpo senza vita del wrestler è stato ritrovato dopo aver salvato dall'annegamento il figlio. Lo straziante messaggio dell'attore Dwayne Johnson, "The Rock", amico e collega. Novella Toloni, Mercoledì 20/05/2020 su Il Giornale. Lutto nel mondo del wrestling americano. Il cadavere di Shad Gaspard è stato ritrovato questa mattina a Venice Beach da un bagnante. Il wrestler era scomparso da due giorni, dopo aver salvato dall'annegamento il figlio di 10 anni, ma il suo corpo non era ancora stato ritrovato. Devastato dal dolore l'amico e collega Dwayne Johnson, meglio conosciuto come The Rock, star di Hollywood che fino all'ultimo ha sperato in un miracolo. La tragedia si è consumata nel pomeriggio di domenica scorsa, quando il wrestler si trovava sulla spiaggia di Venice a Los Angeles insieme ad un gruppo di persone. Con lui anche il figlio Aryen di 10 anni che, proprio mentre si trovava in acqua, è stato travolto dalle onde. Gaspard si è tuffato in mare per salvare il figlio, ma quando i soccorritori sono giunti sul luogo dell'incidente hanno potuto recuperare solo il bambino, ancora in vita, spinto da un gesto estremo del padre. La forza del mare avrebbe invece sopraffatto il lottatore, il cui corpo è scomparso tra le onde agitate. Come ha riportato poche ore fa il sito Tmz il cadavere di Shad è stato ritrovato solo questa mattina, riverso senza vita sulla spiaggia. La tragica scomparsa dello sportivo, molto conosciuto tra gli appassionati della WWE, ha gettato nello sconforto colleghi e amici non solo dell'ambiente del wrestling. Tra tutti The Rock, l'attore ed ex lottatore, che proprio con Gaspard aveva combattuto in passato. Su Twitter The Rock ha scritto un accorato messaggio di speranza, quando ancora i soccorritori stavano cercando il corpo di Shad: "Le mie preghiere e speranze per la moglie, il figlio e la famiglia di Shad Gaspard durante questo periodo impensabile. Amico, lo so che è difficile. Davvero difficile. Grande uomo". A nulla sono valse, però, le sue preghiere visto il ritrovamento del corpo senza vita del wrestler. Shad Gaspard e The Rock erano legati da un destino comune oltre a essere amici di vecchia data. The Rock, infatti, aveva supportato l'esordio nel mondo del cinema di Shad, che dal ring sognava un futuro davanti alla cinepresa. Un passo verso il nuovo ruolo di attore lo aveva già compiuto, recitando come stuntman nel blockbuster Marvel "Black Panther". Solo due settimane fa, Gaspard aveva pubblicato sul suo profilo Instagram uno scatto al fianco di The Rock per augurargli buon compleanno: "Grazie per essere la motivazione, l'ispirazione e l'esempio per tutti noi".

·        Morta Hana Kimura, la lottatrice di wrestling. 

Hana Kimura, la wrestler giapponese di 22 anni morta per cyber bullismo. Aveva partecipato a Terrace House. Pubblicato sabato, 23 maggio 2020 da Corriere.it. Una giovanissima «wrestler» giapponese, la ventiduenne Hana Kimura, è morta in Giappone. Nota anche per aver partecipato al reality show di Netflix, Terrace House, Hana Kimura aveva denunciato negli ultimi giorni di essere vittima di cyber-bullismo, dimostrando con i suoi ultimi messaggi sui «social» di essere molto provata («Volevo essere amata. Non voglio più essere un essere umano», si leggeva fra l’altro) dai continui attacchi degli hater. La notizia della morte, per ragioni ancora non chiarite, è stata data dall’organizzazione Stardom Wrestling di cui la giovane faceva parte, che chiede ai fan di avere rispetto. Sul suo profilo Instagram, l’ultima immagine la mostra con il suo gatto e una sola inquietante parola come didascalia: addio, in giapponese. Una scelta che molti dei suoi fans hanno interpretato come chiara prova a favore dell’ipotesi di un suicidio. Negli ultimi giorni attraverso i suoi profili social aveva condiviso pensieri tristi e ossessioni: «Mi arrivano addosso quasi cento opinioni al giorno Grazie a tutti coloro che mi hanno sostenuta, È stato bello, adesso sono debole. Mi dispiace. Non voglio più essere umana, Grazie a tutti, vi amo. Ciao». Kimura era molto popolare in Giappone anche grazie alle apparizioni tv, figlia d'arte, anche sua madre Kyoko Kimura era stata una lottatrice. Nel 2019 Hana aveva vinto il premio Fighting Spirit Award.

Morta Hana Kimura, la lottatrice di wrestling aveva 22 anni. Riccardo Castrichini il 23/05/2020 su Notizie.it. Hana Kimura muore a soli 22 anni, la lottatrice di wrestling era da tempo vittima del cyberbullismo. È morta a soli 22 anni Hana Kimura, lottatrice professionista di wrestling giapponese. A darne notizia è stata la Stardom, la federazione per cui la giovane lottava che ha invitato i suoi fan a rispettare il drammatico momento: “Siate rispettosi e lasciate che passi qualche giorno per processare il tutto”. Il riferimento in questo caso è a quanto era avvenuto nei giorni precedenti alla scomparsa della ragazza, quando la stessa aveva postato su Twitter delle foto di automutilazione personale che lasciavano intuire che avesse tentato il suicidio. Anche il testo che accompagnava la foto non lasciava spazio a diverse interpretazioni: “Quasi 100 opinioni franche ogni giorno. Non posso negare di star male. Sono morta. Grazie per avermi dato una madre. Era una vita che volevo essere amata. Grazie a tutti quelli che mi hanno supportato. Vi adoro. Sono debole, mi dispiace. Non voglio più essere un umano. Era una vita che volevo essere amata. Grazie a tutti, vi amo. Ciao”. La Kimura era vittima di un pressante e quotidiano cyberbullismo, tipico purtroppo nel mondo del wrestling, che pare abbia fortemente turbato la sua esistenza. Al momento, comunque, non sono state ancora svelate le modalità del decesso. La madre di Hana Kimura è Kyoko Kimura, anch’essa wrestler professionista molto popolare in Giappone. La carriera della giovane Hana era in grande ascesa, tanto che era diventata uno tra i volti più popolari della Stardom e aveva preso parte anche alla serie Netflix Terrace House: Tokyo 2019-2020. Si tratta tra l’altro della seconda morte di un lottatore di wrestling in una sola settima. Pochi giorni prima della scomparsa della Kymura è infatti venuto a mancare anche Shad Gaspard, lottatore americano morto annegato per salvare il figlio durante un bagno nel mare della California.

·        Morto Gigi Simoni.

Gigi Simoni, il ricordo del club nerazzurro: "Un signore, se n'è andato nel giorno più interista di tutti". Libero Quotidiano il 22 maggio 2020. “Ci ha lasciati oggi, 22 maggio. Una data non casuale, la data più interista di tutte”. Così l’Inter nella nota in cui ricorda Gigi Simoni, scomparso all’età di 81 anni. “Di lui ricordiamo e ci mancherà tutto - prosegue il club nerazzurro - il suo essere signore, innanzitutto. Un modo di vivere, la vita e il calcio, mai sopra le righe. Anche il suo calcio era così: umile ma funzionale, capace di far fruttare al meglio ciò che aveva a disposizione”. Simoni ha incarnato “l’interismo più genuino” ed a lui è legato il ricordo di Ronaldo: “Sulla panchina nerazzurra arrivò nel 1997, assieme al Fenomeno. Un binomio, quello Simoni-Ronaldo, che resterà per sempre nel cuore di tutti. Un rapporto paterno, la benevolenza nei confronti di un calciatore speciale”. “Noi lo ricordiamo così - conclude l’Inter - coi suoi capelli bianchi, sulla nostra panchina, mentre con un sorriso si godeva le magie di Ronaldo, circondato dall’orgoglio e dall’affetto dei tifosi dell’Inter. Ciao Gigi, ci mancherai”. 

Morto Gigi Simoni nel giorno del 10° anniversario del Triplete: calcio italiano in lutto.  Libero Quotidiano il 22 maggio 2020. Calcio in lutto: a 81 anni è morto Gigi Simoni. Un simbolo del nostro pallone, un cuore interista che si spegne nel decimo anniversario del Triplete, una coincidenza che lascia senza fiato. Il 22 maggio 2010, infatti, l'Inter di Mourinho vinse tutto, una stagione pazzesca e irripetibile. Gigi Simoni alla guida dell'Inter di Ronaldo e di Moratti presidente, vinse la Coppa Uefa battendo 3-0 la Lazio in finale. Gigi Simoni era in gravi condizioni da circa un anno, dopo che era stato colpito da un ictus. Durante la sua lunga carriera anche tre promozioni in Serie A, una Coppa Anglo-italiana con la Cremonese e la vittoria della Panchina d'Oro nello stesso anno della Coppa Uefa. Tra i primi commenti, proprio quello di Massimo Moratti: "Gli è stato impedito di vincere un campionato che avrebbe assolutamente meritato", ha premesso riferendosi all'annosa vicenda Iuliano-Ronaldo e allo scudetto vinto dalla Juventus. E ancora: "Era un tecnico gentiluomo verso il quale - aggiunge l’ex presidente nerazzurro - , provavo grande stima e affetto. La telefonata con la quale poco fa la moglie mi ha avvisato della morte mi ha provocato un dolore immenso", ha concluso Moratti.

Addio a Gigi Simoni, un allenatore fuori dal coro. Le Iene News il 22 maggio 2020. L’ex allenatore dell’Inter, con cui vinse una Coppa Uefa, è morto all’età di 81 anni. "E' stato un grande protagonista della storia del nostro club”, ha detto Massimo Moratti. Noi de Le Iene lo avevamo conosciuto nel 2005, nell’intervista che potete rivedere qui sopra. Gigi Simoni se n’è andato. L’ex allenatore, bandiera dell’Inter con cui vinse una Coppa Uefa nel 1998, si è spento all’età di 81 anni. Era malato da tempo, aveva accusato un malore il 22 giugno scorso. Oltre ai nerazzurri, nella sua lunga carriera ha allenato tra le altre anche Lazio, Napoli e Torino. "E' stato un grande protagonista della storia dell'Inter: ha vinto una coppa europea molto importante, gli è stato impedito di vincere un campionato che avrebbe assolutamente meritato”. L’ha ricordato così Massimo Moratti, storico presidente nerazzurro. “Un tecnico gentiluomo verso il quale provavo grande stima e affetto”. Noi de Le Iene avevamo conosciuto Gigi Simoni qualche anno fa, nell’intervista che potete rivedere qui sopra. Con lui avevamo parlato della situazione del calcio pochi mesi prima dell’esplosione dello scandalo di Calciopoli e della sua Inter del 1998: “Avevo un bellissimo rapporto con Ronaldo, era il migliore di tutti i tempi”. E senza dimenticare il famoso contatto con Iuliano. Un allenatore fuori dal coro, di cui potete riascoltare le parole qui sopra: buon viaggio mister!

Morto Gigi Simoni, aveva 81 anni. Allenò il Napoli, la Lazio e l’Inter di Baggio e Ronaldo. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su Corriere.it da Mario Sconcerti. Lutto nel mondo del calcio: è morto Gigi Simoni. L’ex allenatore dell’Inter aveva 81 anni e un anno fa era stato colpito da un grave malore. L’ex tecnico di Genoa e Inter è stato sulle panchine di decine di club in Italia e anche all’estero dopo una discreta carriera di calciatore. Gli ultimi incarichi sono stati da dirigente con il Gubbio e da tempo pur continuando a seguire il calcio si era di fatto ritirato a vita privata. Da giocatore ha vinto una coppa Italia con il Napoli nella stagione 1961-62 e il campionato italiano di serie B con il Genoa nella stagione 1967-68. Più ricco il palmares in panchina dove ha vinto con la Cremonese la coppa Anglo italiana nel 1993, una coppa Uefa con l’Inter nella stagione 1997/98, anno nel quale gli fu assegnata anche la Panchina d’oro come migliore allenatore italiano, e cinque campionati di serie B (tre con il Genoa e due con il Pisa). Tecnico simbolo dell’Inter di Ronaldo, è stato il primo a vincere un titolo (la Uefa già citata) nel club presieduto da Massimo Moratti prima dell’avvento di José Mourinho. Era l’anno del controverso episodio, in campionato, del presunto fallo da rigore dello juventino Mark Iuliano proprio sul centravanti brasiliano, un intervento che non fu sanzionato e che impedì la rimonta scudetto ai nerazzurri proprio a vantaggio dei bianconeri. Simoni però ha sempre mantenuto l’aplomb che gli è valso il rispetto di tutto l’ambiente in tutta la sua carriera: mai una parola fuori posto, mai uno sgarbo a colleghi e avversari. Ci pensa, allora, il suo presidentissimo Massimo Moratti che, alla notizia del decesso, ha commentato: «Gli è stato impedito di vincere un campionato che avrebbe assolutamente meritato. Era un tecnico gentiluomo verso il quale - aggiunge l’ex presidente nerazzurro - , provavo grande stima e affetto. La telefonata con la quale poco fa la moglie mi ha avvisato della morte mi ha provocato un dolore immenso».Tra i primi a esprimere cordoglio anche il Genoa: Simoni aveva vestito la maglia rossoblù da calciatore dal 1971 al 1974 (88 presenze e 13 gol) e iniziato la carriera in panchina proprio sotto la Lanterna ('74-'78) per poi tornarci nella stagione 1987-1988. «Uomo e allenatore meraviglioso, indimenticabile giocatore e tecnico del Genoa. Riposa in pace», è il ricordo del club.

Claudio De Carli per “il Giornale” il 23 maggio 2020. Gigi? Un uomo buono, troppo buono, gli parlavi assieme ed era la prima cosa che ti arrivava, e uno così doveva essere anche molto signore per non finire nelle centrifughe del calcio, facile scaricare sui teneri. All' Inter ce l' ha portato Sandro Mazzola: «Presidente è uno come noi, educato, mai una parola in più, sincero. E ci sa fare». Massimo Moratti lo conosce ma quando lo frequenta rimane sorpreso dalla persona. Corrado Ferlaino lo esonera dopo dieci partite senza vittorie, troppo, ma è dispiaciuto, alla stampa dice che non aveva scelta. Il Gigi il 22 aprile lascia Napoli, tre mesi dopo, a luglio 1997, firma per l' Inter di Ronaldo e tocca il cielo. Ha già girato l' Italia, ha iniziato nelle giovanili della Fiorentina sulla fascia a fare la sua parte, una sessantina di reti, Mantova, Napoli, Torino, Juventus, Brescia, Genoa, e quando va via lascia solo nei ricordi. Nel '74 subentra a Guido Vincenzi sulla panchina del Genoa e inizia la sua seconda vita nel calcio, conquista la serie A, ci riesce anche a Brescia, ha il record nazionale delle promozioni, firma solo contratti per una stagione, da come gira il calcio, scende in C, nessun problema, con la Cremonese vince un Anglo-italiano a Wembley e a Milano ci sta con le pantofole. Ma poi, Gigi cosa è successo? «La stampa, le televisioni, le radio. I giornalisti fanno il loro lavoro per carità ma scrivevano che la mia Inter non aveva un schema, niente spettacolo, palla a Pagliuca e rinvio per Ronaldo. Il presidente voleva il bel gioco. Stop». E quindi? «Mi ha dato il benservito proprio nel giorno che a Coverciano ricevevo la Panchina d' Oro, esonerato, proprio non me lo aspettavo. Avevo risposto alle domande dei colleghi, mi chiedevano di Roberto Baggio e Ronaldo, avevo spiegato che i problemi si stavano risolvendo, e giù applausi. Poi mi squilla il telefono e Mazzola mi gira la bella notizia. Quel giorno credo di aver fatto la figura del deficiente». Inter in corsa su tre fronti, battuto il Real Madrid, in campionato è a un solo punto dalla Juventus, sui quotidiani si legge che è la squadra da battere. E tutto così strano. Massimo Moratti sembra più dispiaciuto del Gigi: «Mi ha fatto vincere il primo trofeo internazionale a Parigi, non lo scordo, ma ci sono momenti cui ti sembra giusto agire in un certo modo. Cosa penso? Penso che gli abbiano impedito di vincere uno scudetto che strameritava».

E poi c' è una voce che gira e fa male.

«Ronaldo? - chiede Gigi mentre spalanca gli occhi -. Ronaldo era un bambino meraviglioso, io ho avuto quell' oro, quello che ti faceva vincere e abbiamo vinto. Con il resto della squadra ero stato sincero, per me erano tutti uguali tranne uno. Ironie a quei tempi poteva fare quello che voleva, non credo proprio che si mise contro di me. E non credo neanche che qualcuno della squadra si fosse sentito offeso e abbia spinto il presidente ad allontanarmi. La conferma l' ho avuta poi. Mi chiamavano tutti. Quando ho saputo dell' esonero di Mircea Lucescu ho capito che la squadra era rimasta legata a me, quella era ancora la mia squadra. Il giorno che West gli ha tirato la maglia addosso, «l' ho perdonato, dopo la storia di Ceccarini, tutto era imploso dentro di noi, eravamo un gruppo straordinario, quell' episodio ci ha condizionato per anni».

Si vergogni. «Si, certo, quel giorno gli ho detto che doveva vergognarsi». Quasi consiglio a Ceccarini che non vede il fallo di Iuliano su Ronaldo perché stava guardando Birindelli. Con Ronaldo palla al piede in area. E non ha mai fatto un passo indietro, addirittura ha ipotizzato un fallo di sfondamento del Fenomeno. Nessun commento, l' arbitro giudica quel che vede, mai schiacciare la buona fede in un angolo. «Quanta gente perde tante buone occasioni per tacere. Lui sempre poco intelligente». L' ultima uscita. Ha messo su casa a San Piero a Grado, di quelle che chiamano coloniche, giardino a volte, Taribo che ti salta sulle spalle appena oltrepassi il cancello, è il labrador che gli ha regalato Sartor. Dentro sulla parete della sala c' era un poster enorme di Ronaldo. E l' Inter è rimasta under skin, ha sempre parlato di tutti come se fossero ancora lì nello spogliatoio ad ascoltarlo: «Ganz veniva da me e mi chiedeva perché Ronaldo era un titolare fisso e lui no. Poi quando lo mettevo in campo dava l' anima. Taribo mi chiamava tutti i giorni, voleva venire con me a Piacenza. Ma sei sempre fuori dal mondo gli ho detto, con il tuo ingaggio qui si paga tutta la rosa e poi il Piacenza è l' unica squadra di A che gioca senza stranieri! Ma è normale, alla fine il calcio è questo e io ho sempre giustificato tutti, anche quelli che non mi andavano. Tanti. Ne bastano pochi, un paio o un rigore non dato e i tuoi detrattori ti fucilano. A Milano devi vincere, altrimenti passi le settimane a leggere la lista dei tuoi successori».

Eppure San Siro, ogni volta che c' è tornato, gli ha riservato standing ovation di minuti interi, tutto lo stadio a battere le mani, anche i tifosi della squadra ospite. Potresti farci notte con il tenero Gigi: «Ma con il presidente Moratti mai avuto una discussione, mi ha portato all' Inter, devo solo essergli grato». E quel giorno? «Quel giorno ricordo che ho pianto». Non stava bene da giugno scorso, ha tirato ancora un anno, un solo anno come i contratti che firmava. L' ultimo con la viltà. Se ne è andato nel giorno del Triplete, gli ha messo sopra la firma, quasi un contrappasso. In occasione del centenario della Cremonese è stato nominato allenatore del secolo, il Genoa lo ha inserito nella sua Hall of Fame. L' Inter può ancora rimediare.

Eh già, altro che Oronzo, siamo davanti a un membro dell’Unesco..

«E non ho ancora cominciato a dire la mia. Voglio che venga convalidato il ruolo del “nonno d’Italia” come patrimonio dell’Unesco perchè un nonno vale più di un museo. E’ una esperienza familiare che voglio rivalutare».

Ma quando sarà completamente finita la pandemia che farà, come festeggerà?

«Vorrei che tutti gli italiani, dopo aver cantato l’Inno di Mameli, escano sui balconi a cantare “E’ finita la quarantena , porca puttena”». 

Gigi Simoni e il fallo di Iuliano: era rigore netto, c’eravamo abituati, ma in più c’era lo sgarbo a un signore. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su Corriere.it da Carlo Baroni. Arriva il giorno che anche un interista non ce la fa più a confondere alibi e ragioni. E le ragioni con i torti. Perché per un interista i soprusi (degli altri) vincono sempre. Come quella volta che. L’avevamo visto tutti. Era rigore. Netto, sacrosanto. Che neanche mille Var. Quando mai Ronaldo va a sbattere a tre metri dalla porta? E davanti a un Iuliano qualunque, per giunta. Era rigore. Indiscutibile, da manuale dell’arbitro. Negarlo fece più male che un cinque maggio. Lo sapevamo. C’eravamo abituati. Ma rispetto alle altre diecimila volte (esagero in difetto) c’era uno sgarbo più grave da sopportare. L’umiliazione a Gigi Simoni. Ci fosse stato un Mourinho l’avremmo metabolizzato. Lo Special One ci avrebbe campato per anni su quell’ingiustizia. Gliele avrebbe cantate e suonate a Federazione, arbitri e zebre furbastre. Farla in quel modo a Simoni sapeva di cattiveria. Lui che, tra l’altro, nella Juve ci aveva persino giocato (nessuno è perfetto). Un interista ricorda le vittorie. Il decennale del Triplete, in questi giorni. Gigi non vinse quasi niente. Arrivato troppo tardi. Quasi un ripiego. Una brava persona sulla panchina che scotta. Eppure nessuno fece valere le ragioni nerazzurre come lui in quel pomeriggio di una vita fa. La sua corsa in campo, le sue proteste a Ceccarini (sempre dandogli del lei), gli applausi alla panchina. Sarebbe bastato questo per capire che era stata commessa l’ingiustizia del secolo. Gigi Simoni che non faceva polemiche. Non alzava la voce. E quasi chiedeva scusa se doveva togliere un giocatore. Gigi Simoni che non dava titoli ai giornali e lo spogliatoio era come il bar dell’oratorio. Gigi Simoni che ci pensava prima di parlare e sapeva di calcio senza bisogno di dirlo. Gigi Simoni e quel pomeriggio al Delle Alpi. Passerà alla storia per un pareggio. Anche per questo è unico e speciale per chi palpita di nerazzurro. 

È morto Gigi Simoni, volto gentile del calcio italiano. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su La Repubblica.it da Franco Vanni. Aveva 81 anni ed era da tempo malato. Con l'Inter conquistò la Coppa Uefa. Moratti: "Non ha vinto lo scudetto per episodi strani". Ronaldo: "Come un direttore d'orchestra". Bergomi: "Per lui eravamo tutti uguali, tranne il Fenomeno". Mondo del calcio in lutto. Si è spento a 81 anni Gigi Simoni. Allenatore dell'Inter che nella stagione 1997/1998 conquistò la Coppa Uefa nella notte di Parigi, da tempo era malato. L'allenatore aveva accusato un malore il 22 giugno scorso. Simoni scompare proprio nel giorno del decennale della vittoria interista del Triplete, quel 22 maggio che aveva consacrato il suo operato con l'Inter un decennio prima. Come giocatore ha militato nel Torino, Brescia e Genoa principalmente, nella sua lunga carriera da allenatore, ha guidato Lazio, Napoli, Inter e Torino.

Moratti: "Gli impedirono di vincere lo scudetto". "E' stato un grande protagonista della storia dell'Inter: ha vinto una coppa europea molto importante, gli è stato impedito di vincere un campionato che avrebbe assolutamente meritato", è il ricordo di Massimo Moratti all'Ansa. "Tecnico gentiluomo verso il quale - aggiunge l'ex presidente nerazzurro -, provavo grande stima e affetto. La telefonata con la quale poco fa la moglie mi ha avvisato della morte mi ha provocato un dolore immenso". Luigi Simoni, per amici e avversari era semplicemente 'Gigi'. Il tecnico di Crevalcore è stato uno degli allenatori più amati e rispettati in Italia per il suo stile misurato e mai sopra le righe che ha caratterizzato la sua lunga carriera, dalla sua prima esperienza in panchina al Genoa (1975 al 1978 dove tornerà in altre due occasioni) passando per Brescia, Pisa, Empoli, Cosenza, Carrarese, Cremonese, Napoli, Inter, Piacenza, Torino, Cska Sofia, Ancona, e nuovamente Napoli, Siena, Lucchese, Gubbio per finire con la Cremonese nella stagione 2013-2014.

Classe 1939, Simoni prima della panchina ha avuto una discreta carriera da calciatore: giovanili della Fiorentina e poi Mantova, Napoli, Torino, Juventus, Brescia e Genoa dove chiuse nel 1974. L'impatto da allenatore fu subito vincente. Arrivato alla guida del Genoa nell'estate del '75 l'anno dopo il suo primo incarico ottenne la promozione in Serie A. Passaggio di categoria che ripeterà altre volte portando agli onori della massima divisione squadre come il Pisa, il Brescia, la Cremonese (di cui fu artefice del periodo d'oro assieme al presidente Luzzara) e l'Ancona, oltre ad ottenere una promozione in C1 con la Carrarese. Profondo conoscitore del mondo del calcio, Simoni oltre alle doti tattiche ha avuto tra le sue migliori qualità la capacità di parlare con i giocatori e motivarli. Il momento più alto della sua carriera probabilmente l'approdo all'Inter nella stagione 1997-98. I nerazzurri, spinti da Ronaldo contendono il titolo alla Juve perso tra le polemiche nello scontro diretto a Torino caratterizzato dall'ormai famoso contatto in area tra Iuliano e Ronaldo. I veleni per il mancato scudetto trovano consolazione nella vittoria della Coppa Uefa a Parigi contro la Lazio. L'anno seguente, coi nerazzurri rafforzati dall'arrivo di Baggio, non sarà fortunato per Simoni, esonerato a novembre ma per sempre nei cuori dei tifosi. Una carriera in panchina lunga quasi 40 anni per il tecnico emiliano che ha visto alti e bassi. Per lui oltre a promozioni, un successo europeo con l'Inter e il riconoscimento della Panchina d'oro 1997-1998, ma anche qualche delusione con 3 retrocessioni (due col Genoa e una con la Cremonese) e 8 esoneri.

Alberto Cerruti per gazzetta.it pubblicato da dagospia.com il 22.01.2019. Dalla prima partita con la Fiorentina di Bernardini all’ultima come presidente della Cremonese. Gigi Simoni ha attraversato più di sessant’anni di calcio, da giocatore, allenatore e presidente, tra i pochi protagonisti in quattro derby – a Genova, Torino, Roma e Milano –: l’unico ad avere festeggiato dodici promozioni, ma soprattutto l’unico capace di farsi voler bene da tutti, da San Siro a Sanremo. Da Moratti a Baglioni, che non ha aspettato il compleanno numero 80 di oggi per fargli un regalo dal quale non si è mai separato. “Vede questa medaglietta d’oro? La tengo sempre sotto la camicia, perché me l’ha donata Baglioni quando ho lasciato la Lazio. C’è la data, 12-6-1986, con la dedica: “Per un amico che partendo non se ne va, un ricordo di una bella amicizia nata a Roma e mai interrotta”. 

Prima e dopo la Lazio, è stato in altre 20 squadre: a quale è rimasto più affezionato? 

“Il primo amore è stato il Grande Torino che ho visto da bambino con mio papà. Poi ho giocato nel Toro con Meroni, quando ci chiamavano “i Luigi d’oro” e per questo seguo con simpatia il Torino, anche perché Cairo è sempre stato molto affettuoso con me. E poi nel Torino c’è Petrachi, mio ex giocatore, che è bravissimo. Il vero tifo, però, è per l’Inter, il grande amore professionale. E per tutti i tifosi io sono sempre l’allenatore dell’Inter”. 

Ma con l’Inter era finita male… 

“Non mi aspettavo di essere esonerato. Moratti, però, ha riconosciuto di avere sbagliato e adesso abbiamo un ottimo rapporto, perché è davvero una persona splendida. A Natale mi ha mandato un panettone enorme, con gli auguri”.

Il ricordo più bello è la coppa Uefa? 

“Solo a livello sportivo, perché io scappai negli spogliatoi amareggiato per le voci che circolavano sul possibile arrivo di Zaccheroni. E infatti non ci sono nelle foto dei festeggiamenti. A livello personale, invece, il ricordo più bello è l’ovazione ricevuta dai tifosi di San Siro, tutti in piedi ad applaudirmi, quando sono tornato la prima volta sulla panchina del Piacenza. Moratti mi ha detto che nessun altro è stato accolto così”. 

Come mai poi è passato al Piacenza? 

“Mi avevano chiamato Del Sol per il Siviglia, Eriksson per il Benfica. Magari sarei diventato il capo di Mourinho che incominciava allora, ma rifiutai per motivi personali, preferendo ricominciare da Piacenza”. 

Ha smaltito la rabbia per quel rigore non fischiato da Ceccarini a Ronaldo? 

“È una ferita che rimarrà sempre, anche perché Ceccarini ripete che aveva visto giusto”. 

Non ha più riparlato con lui? 

“No, anche perché quando ci siamo trovati a qualche cerimonia io l’ho salutato e lui ha fatto finta di non riconoscermi”. 

Chi ricorda più volentieri tra i tanti giocatori allenati? 

“Il mio preferito, a livello umano, è Bruno Conti. L’ho scoperto a 20 anni, l’ho lanciato titolare nel Genoa. Un ragazzo d’oro, campione in campo e fuori”. 

A livello tecnico, invece, il primo è Ronaldo… 

“Il più forte che ho allenato. Conservo ancora la sua maglia sporca di fango, dopo la doppietta a Mosca. Ma non dimentico West, che mi manda ancora tartarughine in legno”. 

Chi vorrebbe rivedere tra i suoi tanti compagni d’avventura? 

“Rocco, grande allenatore e uomo unico. Mi portò al Torino e poi mi anticipò la convocazione in Nazionale, grattandosi la pancia nello spogliatoio”. 

Come visse il successivo trasferimento dal Torino alla Juve? 

“Andai alla Juve perché fu bloccato il trasferimento di Meroni e perché mi voleva Heriberto Herrera, però giocai poco. La Juve aveva quelle strane maglie che si allargavano sulla schiena. Se davvero lì è nata la storia dei gobbi, io sono stato uno dei primi gobbi”. 

Oggi c’è un’altra Juve: ricorda squadre più forti? 

“La Juve è la squadra più forte, ma la più forte che ricordo è la Fiorentina di Bernardini, che vinse lo scudetto nel 1956”. 

Quanto ci vorrà per rivedere un’Inter da scudetto? 

“Spero poco, perché per adesso è ancora una squadra che può vincere con chiunque, perdere con chiunque e fare solo un punto in due partite contro il Sassuolo”. 

Le piace Spalletti? 

“È un buon allenatore, ma a volte faccio fatica a capirlo”. 

Chi vorrebbe vedere, in futuro, al suo posto? 

“Simeone sarebbe l’ideale, è di un’altra categoria. L’ho avuto come giocatore e in un quaderno aveva già gli appunti sui metodi di lavoro di tutti i suoi allenatori. Mai visto uno così”. 

Icardi non segna più: è condizionato dal contratto? 

“Non credo perché è forte in campo e fuori. Come attaccante non ha rivali e merita di rimanere all’Inter, anche se la trattativa mi sembra un po’ complicata”. 

C’è un allenatore nel quale si rivede? 

“Giampaolo, che avevo portato a Cremona. Non so se sia un bene o un male, ma mi assomiglia molto”. 

A 80 anni è stanco di guardare il calcio? 

“No, perché il calcio è la mia vita. Mi manca il campo ed è un peccato che non si possa fermare il tempo. Ma ho la fortuna di avere vicino mia moglie Monica e mio figlio Leonardo, che per colpa di Shevchenko è diventato milanista. Così, quando c’è il derby, sono contento in ogni caso: per me o per lui”. 

·        Tennis: è morto Ashley Cooper, leggenda della racchetta anni '50.

Tennis: è morto Ashley Cooper, leggenda della racchetta anni '50. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 da La Repubblica.it. MELBOURNE (Australia)   - Il mondo del tennis piange Ashley Cooper, leggenda australiana che ha scritto pagine indelebili nella storia della racchetta. Il re degli Slam degli anni 50 si è spento a 83 anni dopo una lunga malattia. Grande Slam sfiorato nel 1958. Nato a Melbourne il 15 settembre 1936, Cooper vince nel 1957 il suo primo titolo in singolare dello Slam all'Australian Open contro Neale Fraser e insieme a quest'ultimo si aggiudica il doppio maschile agli US Open dello stesso anno. Il 1958 è il suo anno migliore, entrando a far parte di quel gruppo ristretto di tennisti (dieci) che sono riusciti a vincere tre titoli dello Slam in una stagione. Cooper trionfa infatti in Australia, a Wimbledon e agli Us Open, ma al Roland Garros si ferma in semifinale contro Luis Ayala, perdendo così l'occasione di completare il Grande Slam. Cooper, che ha messo in bacheca con l'Australia due Coppe Davis (1956 e 1957), è stato in testa alla classifica nel 1957 e nel 1958 prima di passare tra i professionisti nel 1959. Nel 2007 è stato insignito dell'Officer of the Order of Australia (AO) per il suo impegno nel tennis e nel 1991 è stato inserito nella International Tennis Hall of Fame.

·        Basket, Nba in lutto: è morto Jerry Sloan, leggenda di Utah.

Basket, Nba in lutto: è morto Jerry Sloan, leggenda di Utah. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 da La Repubblica.it. SALT LAKE CITY - La Nba è in lutto. Si è spento a 78 anni Jerry Sloan, ex giocatore dei Chicago Bulls e storico allenatore degli Utah Jazz. Fatali le complicazioni legate al Parkinson e alla demenza a corpi di Lewy, che gli erano state diagnosticate nell'aprile 2016. Nella Hall of Fame dal 2009, sfidò i Bulls di Jordan. Entrato nella Hall of Fame nel 2009, Sloan ha allenato i Jazz per 23 anni (dal 1988 al 2011), centrando i play-off per 15 stagioni di fila. Il massimo a fine anni Novanta quando Utah, trascinata da Malone e Stockton, vince la Western Conference nel 1997 e nel 1998, salvo poi cedere nella finale per l'Anello ai Chicago Bulls di Michael Jordan, sfide recentemente raccontate nel documentario "The Last Dance". Icona da giocatore di Chicago (la sua maglia numero 4 è stata ritirata), ai Bulls ha mosso i primi passi da coach, carriera conclusa con l'addio ai Jazz durante la stagione 2010-11. In tutto ha conquistato 1.221 vittorie in regular season, dietro i soli Don Nelson, Lenny Wilkens e Gregg Popovich. Sloan inoltre è al secondo posto nella classifica di tutti i tempi per le partite consecutive allenate con la stessa franchigia (1.809), e possiede anche il secondo maggior numero di vittorie con una squadra (1.127). E' uno dei sette allenatori nella storia del campionato ad aver vinto almeno 50 partite in 10 stagioni diverse (Rick Adelman, Don Nelson, Pat Riley, Phil Jackson, Gregg Popovich e George Karl gli altri). Con lui in panchina Utah ha avuto un record vincente per 16 stagioni consecutive (1988-2004), quarta miglior serie di sempre dietro Popovich (22), Jackson (20) e Riley (19). Sloan è stato inoltre il primo allenatore a vincere 1.000 partite con un club ed è stato il quinto allenatore nella storia della Nba a registrare 1.000 vittorie in carriera. Utah Jazz: "Farà per sempre parte di noi". "Jerry Sloan sarà sempre sinonimo di Utah Jazz. Farà per sempre parte dell'organizzazione degli Utah Jazz e ci uniremo alla sua famiglia, agli amici e ai fan per piangere la sua perdita - recita un comunicato della franchigia di Utah -. Siamo grati per quello che ha realizzato qui e per i decenni di dedizione, lealtà e tenacia che ha portato alla nostra franchigia. Jerry ha avuto un impatto enorme sui Jazz, come dimostrato dal suo stendardo appeso alle travi dell'Arena. Le sue 1.223 vittorie di allenatore dei Jazz, 20 playoff e due presenze alle finali della Nba sono risultati incredibili. Il suo approccio a muso duro lo rese solo più amato. Anche dopo essere andato in pensione, la sua presenza alle gare degli Jazz ha sempre suscitato una risposta fragorosa da parte dei tifosi. Come Stockton e Malone come giocatori, Jerry Sloan incarna l'organizzazione. Ci mancherà molto. Estendiamo le nostre più sentite condoglianze a sua moglie, Tammy, a tutta la famiglia Sloan e a tutti coloro che lo hanno conosciuto e amato".

·        Morto il giornalista Stefano Carrer.

Trovato morto in montagna sopra Como il giornalista Stefano Carrer. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su Corriere.it da Anna Campaniello. È stato individuato in un dirupo sui monti della Valle Intelvi, nel Comasco, il corpo senza vita del giornalista Stefano Carrer, 59 anni, disperso da mercoledì pomeriggio nella zona di Pigra, dove era andato a fare un’escursione. Carrer lavorava nella redazione Esteri del Sole 24 Ore e si occupava in particolare di Asia e Giappone. Mercoledì scorso era arrivato sul Lario per un’escursione. Aveva parcheggiato l’auto nella zona della funivia di Pigra e poi era partito da solo per una camminata. Non vedendolo tornare e non riuscendo a mettersi in contatto con lui, in serata i familiari avevano dato l’allarme, facendo scattare le ricerche che hanno impegnato i vigili del fuoco, il Soccorso Alpino e le forze dell’ordine. Le ricerche sono proseguite ininterrottamente fino al primo pomeriggio di venerdì, quando il corpo del giornalista è stato individuato in un dirupo. Sarebbe precipitato dal sentiero che stava percorrendo, cadendo nel vuoto per decine di metri. Complesse le operazioni di recupero, perché la zona è particolarmente impervia. Diplomato al liceo Volta di Como, laureato in giurisprudenza, Carrer aveva frequentato l’Istituto per la Formazione al Giornalismo di Milano. Poi, dopo un’esperienza nel settore periodici del gruppo Monti, aveva iniziato a collaborare con il Sole 24 Ore da New York, era passato alla Rizzoli-De Agostini e nel 1993 era stato assunto al Sole 4 Ore. Dal 2008 al 2011 aveva lavorato per lo più in Asia e dal 2013 al 2018 era stato corrispondente a Tokyo. «Fu il primo giornalista italiano ad arrivare a Fukushima» dopo l’incidente nucleare del marzo 2011, ha ricordato un amico su Facebook. «Stefano aveva una grande passione per il suo lavoro e una grande curiosità per la cultura e per la società del Giappone - dove aveva vissuto per anni come corrispondente del Sole 24 Ore - e più in generale per l’estremo Oriente». È il ricordo del presidente dell’Ordine dei Giornalisti della Lombardia Alessandro Galimberti e collega a Il Sole 24ore del giornalista trovato morto sulle montagne del Comasco. «Nonostante la sua competenza e la considerazione di cui godeva negli ambienti diplomatici, teneva per indole un profilo molto basso ed era estremamente educato nei rapporti con i colleghi - spiega Galimberti -. Mai sopra le righe, schivo e riservato, Stefano era però sempre dentro la notizia con la capacità di analisi e di lettura degli eventi di chi ha saputo vivere il proprio lavoro con passione e coinvolgimento».

·        È morto Mory Kanté: cantante guineano celebre per «Yeke Yeke».

È morto Mory Kanté: cantante guineano celebre per «Yeke Yeke». Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su Corriere.it. Il cantante della Guinea Mory Kante è morto nella capitale Conakry, all’età di 70 anni. Lo ha reso noto suo figlio, Balla Kante. Kante divenne uno dei più celebri cantanti del continente, scalando le classifiche musicali europee nel 1988 con la canzone `Yeke Yeke´, grande successo prima in Africa e poi anche nel Vecchio Continente. Kante è morto in ospedale per problemi di salute. «Aveva malattie croniche e spesso andava in Francia per curarsi, ma con il coronavirus non è stato più possibile», ha affermato il figlio. «Abbiamo visto le sue condizioni di salute peggiorare rapidamente», ha aggiunto. Il presidente della Guinea Alpha Conde’ ha espresso via Twitter le proprie condoglianze e ha ringraziato Kante per la sua musica, dicendo che «la cultura africana è in lutto». Mory Sanda Kamissoko detto «Sanda», questo il suo nome completo, nacque a Kissidougou, in Guinea, il 29 marzo 1950: èra il più giovane di ben 38 fratelli. Nel 1971 entrò a far parte del gruppo Rail Band di cui divenné cantante nel 1973 per poi rimanerci fino al 1978. Nel frattempo imparò da autodidatta a suonare la kora, strumento tradizionale, divenuto indispensabile in tutti i suoi concerti. Nel 1981 pubblicò il suo primo disco «Courougnegne»; nel 1984 si recò in Francia dove, dopo alcune difficoltà dovute al suo status di immigrato privo di cittadinanza, tenne molti concerti suonando la kora elettrica. Il 1987 fu dunque l’anno del successo internazionale: il singolo «Yéké yéké» vendette oltre un milione di copie in tutto il mondo mentre il successivo album, «Akwaba beach» oltre mezzo milione. Dopo di allora non sarebbe più riuscito ad ottenere successi analoghi, ma quella canzone rimane nell’immaginario collettivo degli anni’80.

E' morto Mory Kanté, l'artista che ha portato l'Africa nel mondo. Pubblicato venerdì, 22 maggio 2020 su La Repubblica.it da Carlo Moretti. Il musicista guineiano aveva 70 anni. Lo chiamavano "il griot elettrico": con la sua hit "Yeke Yeke" negli anni Ottanta fu tra i primi artisti internazionali della nascente world music. Il cordoglio di Youssou N'Dour: "Addio fratello". E' morto a 70 anni, dopo lunga malattia Mory Kanté, cantante e musicista originario della Guinea, conosciuto in tutto il mondo soprattutto per la hit Yeké Yeké lanciata nel 1987. E proprio a quel brano, che portava elementi etnici nel mezzo dell'accelerazione elettronica tipica della musica negli anni Ottanta, viene fatto riferimento quando si parla della nascita della world music. Non a caso per tutti Kantè era "il griot elettrico". Kanté aveva iniziato come griot, suonando la kora (la tipica arpa dei paesi dell'Africa occidentale) che aveva appreso ancora bambino quando i suoi genitori lo avevano inviato a studiare lo strumento in Mali. Tutta la sua famiglia si dedicava a quest'arte musicale da cantastorie, che nella cultura africana travalica i confini della musica per diventare racconto storico della propria famiglia e della propria etnia di appartenenza, quindi memoria collettiva. Nato nel 1951 a Kissidougou, in Guinea, a 15 anni Kanté si trasferì a Bamako e nella capitale si unì al gruppo all'epoca più famoso del paese, la Rail Band. Per sette anni restò con loro fino a quando la rivalità con il maestro orchestratore della band, Salif Keita, lo costrinse ad abbandonarli per unirsi prima ai Les Ambassadeurs e poi, arrivato in Costa d'Avorio, per guidare un'orchestra di 35 elementi chiamata Les Milieus Branches. Con loro, siamo ormai alla fine degli anni Settanta, Kanté comincia a innestare nella musica tradizionale elementi anglosassoni, soprattutto soul, anche grazie all'incontro con Abdoulaye Soumare, un produttore che aveva collaborato a lungo con Stevie Wonder. Fu grazie al successo dell'album Courougnegne pubblicato nel 1981 che Kanté cominciò ad essere considerato il padre fondatore della moderna musica Mandinga, quello speciale mix tra musica etnica e musica occidentale ed elettronica che si sarebbe affermata prima in Africa e poi in Europa portandolo nel 1982 in Francia. E' a Parigi che Kanté registra l'album A Paris contenente una prima versione molto più acustica di Yekè Yekè. E' l'album che, con appena sei brani, lo conferma come uno degli artisti di punta della nuova scena africana. E' però nel 1987, nella versione molto più ritmata e con sonorità quasi house, che Yekè Yekè si impone come un successo a livello internazionale. Kanté diventa così famoso in tutto il mondo: il singolo vende oltre un milione di copie, l'album che lo contiene, Akwaba Beach, supera il mezzo milione di copie. Con l'album Touma pubblicato nel 1990 Kanté conferma il suo stile di griot elettrico, spingendo ancora di più sulle componenti elettroniche sostenute da grandi fiati e dalla sua voce sempre esplosiva; sulla stessa linea si posizionano i lavori lungo il decennio Nongo Village,Un Amour de Prix e Tatebola. Bisognerà attendere l'inizio degli anni Duemila per un ritorno ai suoni acustici ed etnici con Sabou pubblicato nel 2004 e con con Tamala nel 2009. Nel 2012 con La Guinéenne il griot elettrico tornava a balafon e al flauto fulani per rendere omaggio alle donne africane che riteneva ancora troppo svantaggiate nonostante i passi avanti compiuti. Il figlio di Mory Kanté, Balla, ha spiegato alla France Presse che il padre soffriva di una malattia cronica che in passato aveva potuto curare a Parigi, grazie a frequenti viaggi in Francia. Il coronavirus ha però reso impossibili gli spostamenti all'estero e le condizioni di Kante sono velocemente peggiorate. E' morto venerdì in Guinea, in un ospedale della capitale Conakry. Molti gli artisti che hanno voluto rendergli omaggio, a cominciare dal senegalese Youssou N'Dour. Che su Twitter scrive: "Apprendo con dolore del ritorno a Dio del mio fratello maggiore e punto di riferimento, il Maestro Mory Kanté. Oggi sento un grande vuoto per la scomparsa di questo baobab della cultura africana. Riposa in pace. Dal tuo fratello addolorato, Youssou N'Dour". Condoglianze espresse anche dal Presidente della Guinea, Alpha Condé, che su Twitter pubblica la foto di un recente incontro e scrive: "La cultura africana è in lutto. Le mie più sentite condoiglianze... Ringrazio l'artista. Un percorso eccezionale. Esemplare. Un orgoglio".

·        E’ morto l’attore Hagen Mills.

Hagen Mills morto suicida: l’attore ha tentato di uccidere la compagna. Linda il 21/05/2020 su Notizie.it. Morto in condizioni drammatiche Hagen Mills, attore di “Baskets”: ha sparato prima alla compagna e poi si è suicidato. Hagen Mills, noto interprete di “Baskets”, “Justified” e “Swedish Dicks”, è morto in condizioni a dir poco drammatiche. Dapprima ha infatti tentato di uccidere la sua compagna, che aveva tra le braccia la figlia di 4 anni, poi si è suicidato. La tragedia è accaduta nella casa della suocera a Mayfield, nello stato del Kentucky. Secondo la ricostruzione dei fatti, l’attore avrebbe sparato alla compagna Erica Price senza ucciderla, per poi rivolgere contro di sé la pistola togliendosi la vita. Al momento la donna si trova fuori pericolo, in ospedale per accertamenti. La madre di lei e la bambina non sono invece fortunatamente rimaste coinvolte nella sparatoria. Gli agenti accorsi sul posto hanno dichiarato che nonna e nipote erano state trattenute in casa dallo stesso Mills fino al ritorno della compagna. Hagen Mills ha iniziato la sua carriera nel mondo nel cinema nel 2011. Nel 2016 ha quindi impersonato Lucky in “Renoir”, per poi ottenere una parte nel primo episodio di “Baskets”, serie tv molto popolare con Zach Galifianakis. Nel 2013 ha avuto il ruolo di Buck nel film “Bonnie & Clyde: Justified”. Aveva inoltre avuto una parte nell’horror “Starlight”, di prossima uscita nelle sale ad agosto. Stando ai primi rumors, da tempo Hagen Mills non godeva di buona salute né era stato particolarmente fortunato sul lavoro. Inoltre risulta che sia rimasto lontano dai social media per diverso tempo. Il canale Instagram è infatti tutto impostato su privato, mentre gli altri suoi account non sarebbero attivi da un po’.

·        E’ morto il giornalista Cesare Barbieri.

Pubblicato martedì, 19 maggio 2020  La Repubblica.it. Un grave lutto ha colpito il mondo del giornalismo sportivo italiano A soli 55 anni è morto Cesare Barbieri, originario di Vigevano (Pavia), da alcune settimane ricoverato in una struttura sanitaria a Milano dopo esser stato recentemente colpito da un ictus che aveva aggravato le sue condizioni di salute aggiungendosi alla malattia contro la quale combatteva da tempo. Ancora da stabilire la data dei funerali (ora si possono celebrare sia pure nel rispetto delle misure di distanziamento). Dagli inizi a Pavia fino alle tv nazionali.  Barbieri nella sua vita era riuscito ad unire due grandi passioni, quella per lo sport e quella per il giornalismo. Aveva cominciato la professione sin da giovanissimo a Radio Pavia e al settimanale locale "il Lunedì", soprattutto occupandosi del basket, primo grande amore, poi di calcio e di cronaca. Dalle televisioni locali e il lavoro alla rivista Nuovo calcio, è passato a canali nazionali come 7 Gold, poi Mediaset Premium, Sky e la piattaforma Tim. Attualmente lavorava per Infront e il magazine sulla serie B per la Lega Calcio. Professionalmente molto preparato, si è sempre fatto apprezzare anche per il suo carattere aperto e gioviale. Gli amici e colleghi ricordano, in particolare, anche la sua passione per il campione Roberto Boninsegna. Il ricordo di Katia Serra e Mauro Suma. Lo ricorda con affetto Katia Serra, opinionista su Sky Sport per quanto concerne il calcio femminile: "Un amico, un uomo a cui voler bene, un anima dal grande cuore che amava il calcio femminile". Commosso anche il saluto di Mauro Suma, già direttore di Milan Channel e voce delle telecronache rossonere: "Ci siamo conosciuti da ragazzi, avevamo tanti sogni e poi ci siamo persi di vista nei percorsi della vita. Mi spiace davvero tanto Cesare. Riposa nella pace più assoluta".

·        Giorgio Stegani rip.

Marco Giusti per Dagospia il 19 maggio 2020. Bang! Bang! Il cinema italiano, quello antico, di genere, perde un altro dei suoi vecchi, gloriosi registi. Giorgio Stegani Casorati, noto anche come George Finely nei suoi spaghetti western, nato a Milano nel 1928, fu attivissimo prima come soggettista, sceneggiatore, assistente alla regia e poi come regista per una decina di titoli tra gli anni ’60 e ’70. Fu lui a scrivere per Giuliano Gemma il soggetto e la sceneggiatura di “Un dollaro bucato”, poi a dirigerlo nella seconda unità di “Wanted” e poi col proprio nome in “Adios Gringo”. Quando l’ho conosciuto, un po’ confuso per l’arrivo dell’Alzheimer, sosteneva di essere stato lui a lanciare nel western Giuliano Gemma, piuttosto che il vecchio regista Giorgio Ferroni. Probabilmente era vero, visto che Stegani è presente come sceneggiatore e regista della seconda unità di quasi tutti i film di Ferroni dal documentario sulle Olimpiadi Invernali “Vertigine bianca” nel 1956 a “Il mulino delle donne di pietra”, “Le baccanti”, Il colosso di Roma”, “La guerra di Troia”, fino appunto a “Un dollaro bucato” e “Wanted”. Aveva lavorato anche per altri registi, sia come sceneggiatore, “Il campanile d’oro” di Giorgio Simonelli, “La celestina P.. R..” di Carlo Lizzani, “Amore e guai” di Angelo Dorigo, e anche come assistente, “Colpo grosso ma non troppo” di gerard Oury con Louis De Funes, “Caccia alla volpe” di Vittorio de Sica con peter Sellers, ma certo il rapporto con Ferroni fu per lui qualcosa di speciale, visto che diventano una specie di fabbrica di cinema. Bello, signorile, di buona famiglia, nipote del pittore Casorati, come mi disse lui stesso, sposato con Delfina Metz, figlia del celebre umorista e sceneggiatore, Stegani era stato presentato a Ferroni addirittura dal grande regista Jean Renoir. Il legame con Ferroni da una parte gli aprì le porte del cinema, ma da un’altra lo limitò, visto che la sua collaborazioni ai film del vecchio maestro dimostrano un impegno maggiore di un semplice assistente regista. Quando Ferroni si ammalò sul set di “Wanted”, Stegani lo sostituì, riuscendo a firmare il suo primo film da regista, appunto “Adios Gringo” con Giuliano Gemma, che per la prima volta si presentava col suo vero nome, e Evelyn Stewart alias Ida Galli. In realtà aveva già firmato un film, “Da 077: criminali a Hong Kong”, ma solo per doveri di coproduzione, visto che il vero regista era il tedesco Helmut Ashley. Negli anni’60 Stegani girerà altri due western, l’elegante “Gentleman Jo… uccidi” con l’italo-brasiliano Anthony Steffen alias Antonio De Teffé, e il più ricco “Al di là della legge”, prodotto da Sansone e Croscicki, con Lee Van Cleef e Antonio Sabato protagonisti e Bud Spencer che esordiva nel suo primo western. Gira anche nel 1967 il divertente “Colpo doppio al Camaleonte d’oro” con Mark Damon e la bella Magda Konopka. Finita o quasi la stagione dello spaghetti western, Stegani si lancia nell’erotico d’autore scrivendo, dirigende e producendo il notevole “Il sole nella pelle” con una giovanissima e nudissima Ornella Muti al suo secondo film assieme al suo compagno di allora Alessio Orano. Rivisto oggi il film è un incredibile documento della bellezza della Muti. Dirige poi nel 1974 il poliziottesco “Milano: Il clan dei calabresi” con Antonio Sabato e Silvia Monti, poi signora De Benedetti. E torna all’erotico con lo scandaloso “Disposta a tutto” con una giovanissima Eleonora Giorgi fra le braccia di Bekim Femiu, l’Ulisse televisivo. Sarà il suo ultimo film da regista. Lo ritroviamo poi tra gli sceneggiatori di “Cannibal Holocaust”, di “La maschera del demonio” nella versione di Lamberto Bava del 1990, della serie tv “Alta tensione”. 

·        È morto Gregory Tyree Boyce, attore di Twilight.

È morto Gregory Tyree Boyce, attore di Twilight. Alice il 19/05/2020 su Notizie.it. Si indaga sulla morte di Gregory Tyree Boyce: l'attore aveva solamente 30 anni, e con lui è scomparsa anche la fidanzata Natalie. È scomparso a soli 30 anni l’attore Gregory Tyree Boyce, che aveva ricoperto un piccolo ruolo nella saga di film di successo Twilight. Insieme a lui è scomparsa anche la compagna Natalie Adepoju, ma ancora non sono chiari i motivi del decesso. Il mondo del cinema piange Gregory Tyree Boyce, giovanissimo attore che aveva ricoperto un ruolo per i film sulla saga dei vampiri Twilight. Il decesso sarebbe avvenuto il 13 maggio ma i corpi sarebbero stati trovati da una persona vicina alla coppia solo qualche giorno più tardi. Ancora non è stato svelato il motivo del decesso di Gregory e della sua fidanzata Natalie, che si trovava con lui nel suo appartamento di Las Vegas. Sembra che a scoprire la tragedia sia stata una parente dell’attore, allarmata dal fatto che la sua macchina fosse ancora parcheggiata difronte all’appartamento mentre l’attore avrebbe dovuto spostarsi quello stesso giorno a Los Angeles, dove spesso si recava per impegni di lavoro e per far visita a sua figlia Alaya (10 anni, nata da una sua precedente relazione). Anche la sua compagna, Natalie, era madre di un bambino avuto da un’altra relazione. Per il momento i familiari dei due giovani non hanno svelato i motivi del decesso ma sui social sono già in tanti a piangere la triste scomparsa di Tyree Boyce e della sua Natalie. Boyce aveva raggiunto la popolarità nel 2008 quando aveva preso parte alle riprese di Twilight interpretando Tyler Crowley, uno degli studenti della Forks High School.

Da "lastampa.it" il 20 maggio 2020. E' giallo sulla morte dell'attore statunitense Gregory Tyree Boyce, noto per aver interpretato il ruolo di Tyler Crowley nel film "Twilight" (2008), tratto dall'omonima saga della scrittrice Stephenie Meyer. I corpi senza vita di Boyce, 30 anni, e della fidanzata Natalie Adepoju, 27 anni, sono stati trovati all'interno del loro appartamento in un condominio di Las Vegas. La causa della morte di entrambi non è stata ancora precisata e sono in corso le indagini da parte della polizia: nell'abitazione sarebbe stata trovata "polvere bianca". L'attore lascia la madre, Lysa Wayne, e la figlia Alaya, 10 anni, avuta da un precedente matrimonio; Natalie Adepoju lascia il figlio Egypt. Il decesso della coppia risale a mercoledì 13 maggio ma la notizia è stata pubblicata dalla stampa americana solo oggi. A dare l'allarme è stata una cugina dell'attore che, sapendo che Boyce doveva andare a Los Angeles, si è insospettita quando ha visto la sua auto parcheggiata davanti a casa. Dopo aver chiamato più volte Boyce e senza ricevere risposta, ha avvisato i soccorsi e la polizia, che hanno fatto la macabra scoperta. Gregory Tyree Boyce, pur essendo apparso al cinema solo in un paio di film, aveva conquistato notorietà per aver recitato in "Twilight" nel ruolo di Tyler Crowley, il giovane al volante di un furgone che rischia di investire Bella (Kristen Stewart), salvata da Edward (Robert Pattinson) che svela così la sua natura vampiresca.

·        E’ Morta Ann Mitchell,  la scienziata che decriptò Enigma.

Morta a 97 anni Ann Mitchell,  la scienziata che decriptò Enigma. Pubblicato lunedì, 18 maggio 2020 su Corriere.it da Paola De Carolis. La laurea in matematica e poi Bletchley Park, i codici dei tedeschi, la macchina Enigma, i turni massacranti, un solo pomeriggio di riposo a settimana: dietro il sorriso tranquillo, Ann Mitchell nascondeva una vita avvincente che sino agli anni 70 aveva celato a tutti, anche al marito Angus, e che solo nel 2009 le aveva portato un riconoscimento ufficiale dai servizi segreti britannici con l’assegnazione di «una medaglia piccola ma significativa». E’ morta a 97 anni di Covid nella casa di riposo di Edinburgo dove risiedeva dal 2018. Il figlio Andy, 61 anni, ha voluto ricordare una madre brillante e affettuosa che solo negli ultimi tempi aveva cominciato ad accusare i problemi dell’età, ma stando agli studiosi della seconda guerra mondiale, e in particolare delle attività della Scuola governativa di codici e cifrazioni di Bletchley, Mitchell ebbe un ruolo fondamentale nell’ultima fase del conflitto. James Turing, pronipote del genio matematico Alan, ha sottolineato che i diari di Mitchell nonché la poca documentazione che è rimasta sulle attività di Bletchley mostrano che le mansioni di Ann e le sue esperienze durante la guerra furono molto simili a quelle del prozio. In più, precisa, il suo ruolo e la sua bravura «aiutarono a superare i pregiudizi tipici di quei tempi e a permettere a tutti, donne e uomini, di raggiungere ciò di cui erano capaci». Tessa Dunlop, autrice del libro «The Bletchley Girls», parte di una lunga serie di opere letterarie, cinematografiche e televisive realizzate sul gruppo di menti brillanti cui venne affidato il compito di decifrare le comunicazioni dei tedeschi, ha sottolineato che mentre la maggior parte delle donne assunte a Bletchley venivano assegnate a mansioni amministrative, Ann era passata immediatamente alla «baracca sei», ovvero alla squadra che si occupava dei messaggi dell’aeronautica e dell’esercito tedeschi (la marina, invece, veniva ascoltata nella «baracca 8»). «Il suo era un talento raro», ha precisato Dunlop, che per il libro aveva intervistato diverse crittoanaliste. «Era dotata di grande empatia e allo stesso tempo di straordinaria acutezza». Se quest’ultima qualità le permise di ottenere grandi risultati a Bletchley – così come all’università di Oxford, dove conseguì la laurea in tempo record ed era una di cinque donne matematiche nel suo anno - la prima dote è quella che ricordano i quattro figli e che le portò grandi successo e soddisfazione nella seconda incarnazione professionale, come consulente matrimoniale in Scozia. I suoi due libri sull’effetto della separazione sui bambini hanno plasmato la legge scozzese sul divorzio, consigliando dove possibile la mediazione piuttosto che il ricorso ai tribunali.

·        È morto l’attore Michel Piccoli.

È morto Michel Piccoli: aveva 94 anni, da Ferreri a Moretti, ha lavorato con tutti i più grandi. Pubblicato lunedì, 18 maggio 2020 su Corriere.it da Paolo Mereghetti. E’ scomparso a 94 anni il grande attore francese Michel Piccoli. Lo ha reso noto lunedì 18 maggio la famiglia, ma la sua morte risale al 12 maggio. Il film che lo fece conoscere al grande pubblico fu Il disprezzo (1963) di Jean-Luc Godard, cui seguirono, tra i titoli più noti, Salto nel vuoto, per la regia di Marco Bellocchio, con vinse al Festival di Cannes come miglior attore protagonista. O Habemus Papam (2011) di Nanni Moretti , per il quale l’anno successivo vinse il David di Donatello. Considerato l’attore feticcio di Claude Sautet, ha girato dunque film con i maggiori registi internazionali: da Jean Renoir a Agnès Varda, da Alfred Hitchcock a Costa-Gavras Ma Piccoli non è stato solo grande attore: è stato anche produttore, regista e sceneggiatore. Con più di 70 anni di carriera è stato protagonista di più di 200 produzioni sia al cinema che in televisione e ha preso parte anche a una cinquantina di pièce a teatro. E è dunque lunghissima la lista di film con cui ha lavorato: Il diario di una cameriera (1964), Dillinger è morto (1969) , Life Size (Grandezza naturale) (1974), Tre simpatiche carogne (1976), La signora è di passaggio (1981), Passion (1982), L’armata ritorna (1983), Viva la vita (1984), La bella scontrosa (1991), Compagna di viaggio (1995), Genealogia di un crimine (1997), Libero Burro (1998), La petite Lili (2003), Specchio magico (2005), Belle toujours e Giardini in autunno (2006), La duchessa di Langeais (2007) e infine Habemus Papam (2011) di Nanni Moretti.

È morto Michel Piccoli, attore europeo per Godard, Buñuel e Nanni Moretti. Pubblicato lunedì, 18 maggio 2020 su La Repubblica.it da Rita Celi. È morto all'età di 94 anni Michel Piccoli. Attore, regista, sceneggiatore e produttore, è stato uno dei mostri sacri del cinema francese. Adorato in patria, ha lavorato con i più grandi registi europei ed è stato tra gli interpreti favoriti di Buñuel, con cui ha iniziato a collaborare dal '56, Marco Ferreri che l'ha scelto per il suo Dillinger è morto e La grande abbuffata. Nel 2011 è stato protagonista di Habemus Papam di Nanni Moretti, ruolo che gli è valso il David di Donatello. Nato a Parigi il 27 dicembre del 1925 in una famiglia d’artisti, padre violonista e madre pianista, decide presto che la sua via sarà la recitazione. La sua prima prova sul grande schermo arriva a vent'anni con il film Sortilèges di Christian-Jaque. Si sposa con l'attrice svizzera Eléonore Hirt, dalla quale avrà l'unica figlia Anne-Cordélia. Ancora poco conosciuto dal grande pubblico, frequenta i grandi del cinema francese ottenendo piccole parti, da Jean Renoir (French Cancan) a René Clair (Grandi manovre). Poi l'incontro con Luis Buñuel, con il quale collabora fra il '56 e il '74, nella fase più surrealista del maestro ispano-messicano. Arrivano in seguito personaggi indimenticabili delineati da Jean Luc Godard (Il disprezzo), Alain Resnais (La guerra è finita), Agnès Varda (Les Créatures e Josephine), lavorando con tutti gli autori della Nouvelle vague, da Chabrol a Lelouch e Sautet. Sul finire degli anni Sessanta sposa l'attrice e cantante francese Juliette Gréco, dalla quale divorzierà nel 1977, proprio quando Sautet lo sceglierà come interprete della sua Parigi borghese. È morto Michel Piccoli, una vita per il cinema. Amato dai maestri italiani da Ferreri a Moretti. Il riconoscimento più grande lo ottiene con Marco Bellocchio, grazie al quale si aggiudica la Palma d’oro di Cannes quale migliore attore per il film Salto nel vuoto nel 1980. La carriera non ha un attimo di sosta, nemmeno con l’avanzare dell’età, ed è proprio il più grande vecchio del cinema d’autore mondiale, il portoghese Manoel de Oliveira, a regalargli nuove parti e nuovi onori con i film Ritorno a casa, Lo specchio magico e Belle toujours (2006), sequel ideale a decenni di distanza del capolavoro del suo primo grande maestro, Luis Buñuel in versione Bella di giorno. Nel 2011 Nanni Moretti lo sceglie per il ruolo del Pontefice in crisi in Habemus Papam. Presentato in concorso al Festival di Cannes, viene eletto miglior film dell'anno dai Cahiers du cinéma, vince un European Film Award, sette Nastri d'argento e tre David di Donatello, tra cui quello al miglior attore protagonista.

Addio Michel Piccoli, libertino fedele. Da Bunuel a Godard, da De Oliveira a Ferreri, da Sautet a Moretti ha lavorato con tutti i più grandi. Senza mai smettere di cercare. Fabio Ferzetti il 18 maggio 2020 su L'espresso. Se n’è andato il 12 maggio ma la famiglia lo ha rivelato solo oggi. A dicembre avrebbe compiuto 95 anni, tutti spesi molto intensamente. È stato uno dei più grandi attori del cinema europeo, e anche se l’espressione “cinema europeo” non ha molto senso è l’unica che può raccogliere una carriera come la sua, 233 film grandi e piccoli (piccoli solo negli anni 50) girati fra il 1945 e il 2014, e diretti da registi non solo francesi e italiani (da Petri a Bellocchio, da Scola alla Cavani, da De Seta al Moretti di Habemus Papam), ma spagnoli, portoghesi, inglesi, georgiani...Nato a Parigi il 27 dicembre 1925 in una famiglia di musicisti, madre pianista francese, padre violinista di origini italiane, Michel Piccoli era infatti un libertino, nel senso filosofico del termine, sempre avido di nuove prove e nuove esperienze. Ma era anche un uomo fedele, come dimostrano i tanti film fatti con un pugno di registi ricorrenti e fondamentali nella sua sterminata filmografia (e che registi: Luis Bunuel, Marco Ferreri, Claude Sautet, Manoel De Oliveira, perfino con l’impossibile Jean-Luc Godard fece altri due film dopo Il disprezzo, 1963, il capolavoro che peraltro segnò il suo lancio definitivo dopo tanti ruoli di contorno). Ma soprattutto Piccoli era un grande, grandissimo attore. E come tutti i più grandi poteva fare tutto e il contrario di tutto, senza lasciarsi incasellare in nessuno di quegli schemi in cui spesso si adagiano non solo i critici ma, cosa più grave, i registi e i produttori. La ragione di tanta versatilità del resto era semplicissima. Come molti dei più grandi, Piccoli non aveva minimamente bisogno di recitare. Gli bastava essere. Anche perché “essere” Piccoli significava esporre alla macchina da presa un volto e un corpo capaci di essere attraversati dal dubbio o dal pensiero, dal desiderio, dal ricordo, dalla follia, in qualsiasi momento. Per questo molti registi ne fecero (più o meno tortuosamente) il loro alter ego. In testa naturalmente il Godard del Disprezzo, ma è impossibile non citare almeno Claude Sautet, Manoel De Oliveira (il vecchio attore colpito da un lutto improvviso in Torno a casa, personaggio memorabile) e il Ferreri di Dillinger è morto e de La grande abbuffata, altri due capolavori che oggi troppo pochi conoscono. Il che ovviamente non significa che Piccoli non recitasse, al contrario. Nato in palcoscenico, una passione che non avrebbe mai abbandonato, conosceva ogni finezza, ogni trucco del mestiere. Ma mai e poi mai avrebbe dato a vederlo (Godard, sempre dal set del Disprezzo: «Ho preso Piccoli - allora tutt’altro che un divo - perché mi serviva un attore davvero eccellente. Ha un ruolo difficile e lo interpreta benissimo, nessuno si accorge di quanto è bravo perché la sua recitazione è tutta nei dettagli»). Così come mai avrebbe smesso di cercare e quando poteva aiutare nuovi registi, nuovi talenti, facendosi anche produttore all’occorrenza, perdendo anche parecchi soldi negli anni 70, ma senza rimpianti. Come sempre, come in tutto ciò che fece in una vita davvero lunga e ricca, più ricca di quella di tanti divi suoi contemporanei perché costantemente abitata dalla dote più rara e preziosa. L’immaginazione.

Michel Piccoli rip. Marco Giusti per Dagospia il 18 maggio 2020. Non ricordo, davvero, un film con Michel Piccoli giovane. Neppure nel curioso peplum che venne a girare in Italia, “Le vergini di Roma” di Vittorio Cottafavi, inseguendo, lo diceva lui, una sua giovane fiamma (che fosse Nicole Courcel? chissà? era abbotonatissimo). Allora non era nessuno, anche se aveva girato già una quindicina di film, perfino uno da protagonista, “Le schiave bianche” con Françoise Arnoul. Eppure solo due anni dopo, grazie a Jean-Luc Godard, che lo riportò a Roma ne “Il disprezzo”, per fare il giovane sceneggiatore in crisi Paul Javal che si vede soffiare l’anima e la bellissima moglie Camille, Brigitte Bardot, dal produttore americano Jeremy Prokosch, cioè Jack Palance, che vuole girare un nuovo peplum con Fritz Lang regista, è già Piccoli. In grado di muoversi con la propria identità tra star come Lang-Godard-Bardot-Palance. E così sarà per sempre. Brizzolato, o con radi capelli bianchi, col cappello anche quando si fa il bagno. Mai giovane. A fianco delle più belle attrici del tempo, Romy Schneider, Jeanne Moreau, Jane Fonda, Catherine Deneuve, Lea Massari, Claudia Cardinale. Di amici attori meravigliosi come Marcello Mastroianni, Serge Reggiani, Yves Montand, Ugo Tognazzi, Gerard Depardieu. O di registi incredibili come Marco Ferreri, Luis Bunuel, Claude Sautet, Claude Chabrol, Marco Bellocchio, Agnes Varda, Alain Resnais, Yussef Chahine, Léos Carax. Piccoli, che abbiamo perso oggi a 94 anni, è sempre stato Piccoli, da allora in avanti. Non ha mai perso la sua identità, credo conquistata su quel set di Godard e poi riconfermata da qualcosa come 200 film in una carriera che parte con “French Cancan” di Jean Renoir e finisce, diciamo, col papa che non sa più cosa fare nel profetico “Habemus Papam” di Nanni Moretti. Ma in mezzo c’è un rapporto stretto, di amicizia e di grande professionalità, con tutti i grandi registi, attori, attrici, sceneggiatori del cinema francese e italiano. Grandi amori, una grande attrazione per le donne, tre mogli, Eleonore Hirt, Juliette Greco, Ludivine Clerc. Quando lo intervistai, una quindicina d’anni fa, doveva inaugurare la sala cinematografica a lui dedicata a Villa Medici a Roma, gli mancava già così tanto il grande cinema che aveva vissuto. Soprattutto quello italiano, gli amici storici Ferreri-Mastroianni-Tognazzi, scomparsi così presto. Piccoli ha girato in italia alcuni dei suoi film più belli, penso a “Dillinger è morto”, alla follia di “La grande abbuffata” e di “Non toccate la donna bainca”, tutti di Ferreri, ma anche a “Salto nel vuoto” di Marco Bellocchio, col quale vinse il suo unico premio a Cannes come protagonista maschile nel 1980. Il cinema francese, chissà perché, non lo ha mai celebrato davvero. Non ha mai vinto un Cèsar, ad esempio, anche se è stato nominato quattro volte, per “Une étrange affair” di Pierre Granier-Deferre, “La diagonale de feu” di richard dembo, “Milou en mai” di Louis Malle e “La belle noiseuse” di Jacques Rivette. Ma ha vinto un Orso d’Argento a Berlino, con “Un étrange affair”, e un David in Italia, con “Habemus Papam”. Quando era giovane, non era bello come Belmondo, Montand, Delon, Sorel. E quindi non aveva grandi ruoli. “Il disprezzo” lo riposiziona e gli lancia una carriera di film favolosi, ma le parti non sono mai di primissimo piano. Anche se Luis Bunuel lo vuole in tutti o quasi i suoi ultimi film, “Diario una cameriera”, “Bella di giorno”, “La via lattea”, “Il fascino discreto della borghesia”. E lo chiamano davvero tutti, da Jean Aurel, “La calda pelle”, a Alain Resnais, “La guerra è finita”. Nei triangoli amorosi, allora andavano forte, non è mai il bello, anche se sta benissimo a fianco di qualsiasi attrici. Di solito è il marito, come in “La calda pelle” di Roger Vadim con Jane Fonda e Peter McEnery, che ebbe un grande successo, mentre ai belli e dannati, penso a Pierre Clementi sia in “Bella di giorno” che in “Benjamin” di Michel Deville, andavano i ruoli più forti. Ma il legame d’amicizia con Romy Schneider, nato sul primo dei loro tanti film, “La voleuse” di Jean Chapot, e proseguito poi con un film di culto per i francesi, “L’amante/Les choses de la vie” di Claude Sautet, e proseguito poi “Il commissario Pelissier” e “Mado” sempre di Sautet, “Trio infernale” di Francis Girod, lo aprì a ruoli più popolari. Lo troviamo così in grandi produzioni, da “Parigi brucia?” di René Clement a “Topaz” di Alfred Hitchcock, da “Dieci incredibili giorni” e “L’amico di famiglia” di Claude Chabrol a “La femme en bleu” di Michel Deville con Lea Massari. Non particolarmente adatto alle produzioni anglofone, ebbe da subito invece un grande legame con l’Italia, anche perché figlio di un italiano. Lo troviamo così sul set di “Diabolik” con la regia di Mario Bava nel ruolo dell’ispettore Ginko, sia nella primissima versione con Jean Sorel e Catherine Deneuve coppia protagonista e poi in quella definitiva con John Philip Law e Marisa Mell. Ironia della sorte, ritroviamo i tre attori francesi, Sorel-Deneuve-Piccoli poco dopo sul set di “Bella di giorno” di Bunuel. Anche con la Deneuve girò parecchi film, anche di autori improtanti, come “Le creature” di Agnes Varda, “La chamade” di Alain Cavalier. Dopo aver incontrato Ferreri come protagonista di un film scandaloso come “Dillinger è morto”, dove divide la scena con Anita Pallemberg e Annie Girardot, nel 1969, lavorò con altri registi italiani, penso a Vittorio De Seta nel raro e sottile “L’invitata” con la canadese Joanna Shimkus, o su altri set romani, come quello dello scombinato “L’invasione” di Yves Allegret a fianco di Lisa Gastoni. Ma certo Ferreri e il ruolo da protagonista di “Dillinger è morto” ne fecero un attore di culto pronto ai progetti più strani e sperimentali, come “Themroc” di Claude Faraldo, o “Life Size” di Luis Garcia Berlanga, dove si innamora di una bambola gonfiabile. Mentre il cinema francese lo spingeva verso prodotti di successo un po’ facili, “Darsela a gambe” di Philippe De Broca o il quasi Amici miei di “Tre amici, le mogli e (affettuosamente) le altre” di Sautet con Montand, Reggiani e Depardieu, il cinema italiano lo cerca per ruoli complessi in film importanti. Come furono appunto lo scandaloso “La grande abbuffata”, lo strampalato “Todo modo” di Elio Petri, dove interpreta l’ominomo ministro democristiano Piccoli, o “Salto nel buio” di bellocchio, che lo porterà al giusto premio di Cannes nel 1980, seguito da “Gli occhi, la bocca”, presentato a Venezia. Per amicizia di Marcello Mastroianni lo troviamo anche nel divertente “Giallo napoletano” di Sergio Corbucci e nel più serio “Il generale dell’armata morta” di Luciano Tovoli. Nel 1981 “Une étrange affair” di Pierre Granier-Deferre lo porta a vincere il premio come protagonista al Festival di Berlino, mentre recita per l’ultima volta con Romy Schneider in “La signora è di passaggio” di Jacques Rouffio e gira con Lino Ventura un bel noir, “Alzati, spia” di Yves Boisset. Torna da Godard in “Passion” nel 1982, mentre è richiesto da registi più giovani, Léos Carax in “Rosso sangue”, Jacques Doillon in “La puritana”, trattato ormai da monumento nazionale. Generoso, disponibile, aperto a qualsiasi innovazione intelligente, gira molti film sia negli anni ’90 che nel decennio successivo. Personalmente mi ricordo il caloroso saluto del pubblico e la sua commozione in sala a Cannes alla fine del lunghissimo “La belle noiseuse” di Jacques Rivette dove, da pittore, divide la scena con la giovanissima Emmanuelle Béart, modella sempre nuda sulla scena. Una sorta di tour de force magari eccessivo, ma che grazie all’umanità di Piccoli diventa davvero qualcosa di emozionante. La stessa cosa si può dire del suo papa in terapia, con un passato di attore di teatro, quindi molto autobiografico, in “Habemus Papam”, forse il suo ultimo grande ruolo da protagonista, anche se mi piace ricordarlo anche in “Holy Motors” di Carax e in “Linhas de Wellington” di Valeria Sarmiento. Da anni si era perso come il suo papa, sempre più confuso…

·        E’ morta la fotografa tedesca Astrid Kirchherr.

Da repubblica.it il 17 maggio 2020. La fotografa tedesca Astrid Kirchherr, i cui primi scatti dei giovanissimi Beatles hanno contribuito a trasformarli in icone, curando il loro stile visivo e ideando per loro il taglio dei capelli a caschetto, è morta ad Amburgo, sua città natale, alla vigilia dell'82esimo compleanno. La scomparsa è stata annunciata dallo storico dei Beatles Mark Lewisohn, che ha precisato che Kirchherr si è spenta mercoledì scorso dopo una breve malattia. "Il suo dono ai Beatles è stato incommensurabile", ha scritto Lewisohn su Twitter. Era nata nella città anseatica il 20 maggio 1938. Astrid Kirchherr, allieva e assistente del grande fotografo tedesco Reinhart Wolf (1930-1988), è stata la 'musa esistenzialista' durante gli 'Hamburg Days', gli anni formativi dei Beatles nell'Amburgo del dopoguerra e tappa fondamentale della cultura pop: non solo immortalò il gruppo quando ancora si stava formando ma ne influenzò profondamente l'immagine esteriore trasformandola in quella che tutti oggi conosciamo. Ha avuto il privilegio per quasi un decennio di fotografare i Beatles in giro per il mondo, in immagini private ed intime ed anche di metterli in posa per la prima volta. Kirchherr incontrò per la prima volta i Beatles nel 1960 al Kiserkeller di Amburgo, uno dei molti locali sulla Reeperbahn in cui le giovani band inglesi venivano messe sotto contratto a pochi marchi per suonare rock' n' roll tutta la notte ed intrattenere i molti soldati americani di stanza nella città dopo la fine della seconda guerra mondiale. La band era allora composta da John Lennon (voce e chitarra), Paul McCartney (voce e chitarra), George Harrison (chitarra), Pete Best (batteria) e Stuart Sutcliffe (basso) cinque ragazzini di Liverpool - Harrison all'epoca non era neanche maggiorenne - conosciutisi a scuola e in cerca di un po' di denaro e un po' di esperienza oltremanica. Kirchherr all'epoca era studentessa al politecnico e assistente del celebre fotografo Reinhard Wolf, da cui stava imparando la fotografia, e venne a sapere della band grazie all'amico e allora fidanzato Klaus Voormann - che avrebbe in seguito disegnato la copertina del settimo album dei Beatles, "Revolver" - e da subito rimase affascinata dalla presenza scenica e dalla qualità del gruppo che allora alternava cover dei grandi classici del rock alle proprie primissime canzoni. I Beatles dal canto loro furono ovviamente attirati da una delle poche coetanee che tentava di parlare inglese ad Amburgo, ma che presto si rivelò anche grande fonte di ispirazione ed esempio di apertura verso una cultura europea ancora del tutto sconosciuta ai ragazzi cresciuti nella periferia inglese. L'amicizia tra Astrid e i Beatles crebbe in fretta e salda. Kirchherr introdusse il gruppo all'arte e alla letteratura esistenzialista, portando in loro un drastico cambiamento nello stile: le giacche di pelle, gli stivali alla texana e i capelli con la banana lasciarono presto posto a completi, camice e al più minimale taglio dei capelli a caschetto che anche la fotografa sfoggiava e che sarebbe diventato presto uno dei simboli della band (in alcune interviste rigettò tuttavia questa attribuzione). Sutcliffe, in seguito, si legò anche sentimentalmente alla Kirchherr al punto da chiederle di sposarla e lasciare la band per rimanere con lei ad Amburgo, e seguire una carriera nel mondo della pittura. Da allora i Beatles rimasero in quattro e presto Best venne sostituito da Ringo Starr. Sutcliffe sarebbe morto dopo appena due anni a causa di un'emorragia cerebrale, nel 1962, appena ventiduenne, mentre i Beatles stavano diventano un fenomeno di massa. I Beatles e la Kirchherr però rimasero legati da profonda amicizia e la fotografa fu una delle poche che poté seguire la band anche negli anni successivi quando ormai erano all'apice della carriera, realizzando scatti memorabili ma anche intimi e privati, tra vacanze rubate, e week end in giro per l'Europa. I Beatles dal canto loro, cercarono sempre di ricreare quei primi anni di Amburgo, sia stilisticamente che visivamente, per molto del tempo a venire. Kirchherr fu la prima ad immortalare i Beatles in un vero e proprio servizio fotografico posato, regalando scatti oramai entrati nella storia ma che erano pressoché sconosciuti fino agli anni Novanta; inoltre fu l'unica fotografa ammessa sul set di Hard Day's Night, il primo film della band. La storia di Astrid Kirchherr e Sutcliffe e i Beatles è raccontata dal film Backbeat - Tutti hanno bisogno di amore (1993) di Iain Softley, nel quale la fotografa è interpretata dall'attrice Sheryl Lee. Si passa dall'incontro con i cinque di Liverpool, per scandire passo a passo l'innamoramento e la comunione di idee con la band. La fotografa compare anche nel docufilm La nascita dei Beatles (1979) e nel film per la tv La vera storia di John Lennon.

·        Addio a Mauro Sentinelli,  il pioniere dei cellulari. Inventò la ricaricabile.

Addio a Mauro Sentinelli,  il pioniere dei cellulari. Inventò la ricaricabile. Pubblicato sabato, 16 maggio 2020 su Corriere.it da Federico De Rosa. Il contributo di Sentinelli alla diffusione della telefonia mobile in Italia è stato fondamentale. Negli anni 90 l’Italia era prima al mondo per numero di cellulari e nel 93 Tim raggiunse il primo milione di abbonati. Da lì in avanti la crescita sarà inarrestabile e ad accelerarla sarà soprattutto il lancio della TimCard, il primo abbonamento telefonico ricaricabile al mondo, inventato da Sentinelli all’epoca dirigente della Tim guidata da Vito Gamberale, di cui nel ‘99 diventerà direttore generale. E’stato tra i fondatori del Global System for Mobile Communications (GSM) ed era presidente del gruppo che scelse il sistema Gsm come standard mondiale per i primi cellulari. Sentinelli diede l’addio alla telefonia nel 2005 lasciando Tim quando sotto la gestione di Marco Tronchetti Provera quando la società venne ritirata dal listino. Sentinelli è stato affiliate member della University California Los Angeles (Ucla) – Computer Science Department e membro del board della GSMA, il ramo industriale della GSM Association, e di Barthi Airtel, il primo gestore mobile indiano. Tanti i riconoscimenti ottenuti dal manager durante la sue carriera: nel gennaio 2000 viene nominato “Uomo marketing dell’anno 1999“. Nel febbraio 2002 riceve dalla Gsm Association il premio “Roll of Honour for lifetime Achievement Award“ e prima l’”Outstanding Marketing Award” per l’invenzione dell’abbonamento ricaricabile. Sentinelli è finito più volte nel mirino in passato per la sua maxipensione – era il pensionato più pagato d’Italia -, salvo accertare che solo negli ultimi quattro anni di carriera il manager aveva versato oltre 7 milioni di contributi all’Inps.

Addio a Mauro Sentinelli, il padre della telefonia mobile di Tim. Pubblicato domenica, 17 maggio 2020 da Sara Bennewitz su La Repubblica.it. MILANO - Non c'è più Mauro Sentinelli, 74 anni, ingegnere di Telecom Italia, genio visionario e manager che ha reso grande la telefonia mobile con il lancio su larga scala delle tessere prepagate. Si narra che ai tempi della formula commerciale, che serviva a bypassare la tassa di concessione governativa, Tim avesse più abbonati di tante altre rivali europee. E che gli ingegneri di tutto il mondo, dagli Usa alla Cina, si recassero a Roma per ascoltare Sentinelli, che in quegli anni brevettò diverse innovazioni per l'ex monopolista delle tlc. Pare che l'invenzione della prepagata fosse in realtà di un operatore portoghese, ma nessuno come Sentinelli è riuscito a esportare il modello di abbonamento ricaricabile e a farne un business su larga scala, che ha permesso la diffusione del cellulare a tutti e che poi si è propagato in tutto il mondo. Ancora oggi la maggior parte dei clienti della divisione consumer di tutti gli operatori mobili è fatta di tessere prepagate, perché ancora oggi la tassa governativa è un onere spropositato rispetto al costo del servizio telefonico. Sentinelli in Tim è stato una leggenda, era un carismatico e un trascinatore, molto amato dalla sua squadra e dai rivenditori. In azienda era entrato dopo la laurea nel 1974, in quella che allora si chiamava Sip e se n'era andato nel 1998, subito dopo la privatizzazione per inseguire un altro sogno: lanciare la telefonia mobile via satellite con una start up, Iridium, che non ha avuto il successo sperato. Ma nel 1999, Marco De Benedetti che dalla Omnitel passava in Tim dopo l'Opa di Roberto Colaninno, lo convinse a rientrare in Tim a capo delle strategie della telefonia mobile. Erano gli anni in cui Tim lanciava il claim "vivere senza confini", perché i telefonini iniziavano a entrare nelle case di tutti gli italiani, ma non solo. "L'ho voluto al mio fianco quando arrivai in Tim, furono sei anni fantastici - ricorda Marco De Benedetti, ad di Tim dal 1999 al 2005 - Abbiamo combattuto tante battaglie fianco a fianco, molte le abbiamo vinte, alcune le abbiamo perse, inclusa quella decisiva nel 2005. Lasciammo tutti e due a pochi mesi di distanza: Mauro era un lavoratore instancabile, una mente brillante e un amico". Tra le Battaglie che l'abbinata Sentinelli-De Benedetti è riuscita a vincere, c'è quella per evitare la vendita di Tim Brasil, la divisione carioca che era diventato l'avamposto più grande e promettente delle partecipate estere di Telecom e l'ultimo che rimane. Pare che Sentinelli non sapesse nemmeno il portoghese, ma quando andava a Rio riusciva lo stesso a farsi capire da tutti i dipendenti di Tim Brasil."Fu Sentinelli a convincere tutti, compreso De Benedetti, che il Brasile era una risorsa che Telecom non poteva perdere - ricorda Stefano De Angelis, ex amministratore delegato di Tim Brasil fino al 2018 - Ricordo una volta in una delle convention con i dealer a Roma che Sentinelli per spiegare ai venditori la nuova offerta estiva disse: "Voi non avete capito, la gente al mare si toglierà il costume, ma avrà sempre il cellulare in mano". Aveva ragione". Lui che era tra i padri fondatori dello standard Gsm, con l'avvento dell'Umts, continuava a sognare nuove tecnologie e nuove applicazioni. Telecom cavalcò la prima di una serie di rivoluzioni legate al 3g, puntando tutto sulla video chiamata, che non prese mai piede fino al 4g e all'utilizzo dei dati e della connessione a Internet. Sentinelli se ne andò da Telecom nel 2005, due mesi dopo che Marco De Benedetti aveva lasciato la guida di Tim ( incorporata dentro una costola di Telecom Italia) sbattendo la porta. Ci ritornò nel 2011, ma questa volta come consigliere indipendente di Telecom Italia su indicazione nella lista Telco (Telefonica, Mediobanca, Generali, Intesa Sanpaolo). "Era un ingegnere che oltre a padroneggiare la tecnologia sapeva tradurla in un'idea di marketing: è stato il primo a intuire l'importanza del fatto che il cellulare, che era nato come un oggetto per un'élite, doveva essere appannaggio di tutti  - ricorda Marco Patuano, ad di Telecom Italia ai tempi in cui Sentinelli era un consigliere indipendente - Ricordo che in consiglio quando dovevamo votare su un progetto o su un'idea, tutti gli occhi si spostavano verso Sentinelli per capire cosa ne pensava lui, e la sua opinione faceva la differenza. Non si è mai fatto spaventare dalla finanza, sosteneva che gli investimenti nelle reti e nelle nuove tecnologie andavano fatti, e poi si sarebbe trovata una soluzione per commercializzarli: il suo carisma ha resto Telecom un'azienda innovativa. Era un genio e un leader naturale, un uomo eccezionale che annullava le distanze avvicinando le persone". Dello stesso avviso anche Roberto Colaninno, presidente e ad di Piaggio, e ad di Telecom tra il 1999 e il 2001: "La scomparsa di Mauro Sentinelli per me è due volte dolorosa perché è la scomparsa di un personaggio straordinario e di  uno straordinario amico, con una sensibilità umana senza limiti. I miei ricordi sono legati alle avventure visionarie  della telefonia mobile del futuro che abbiamo fatto assieme. La scienza e la tecnica perdono un campione che inventò la carta prepagata, e che ha reso possibile l'utilizzo del telefono mobile su tutti i mercati e su tutti i segmenti di clienti". Nel 1999 è stato nominato Cavaliere della Repubblica, nel 2002 Commendatore, nel 2006 Grand'ufficiale ma nel 2012 è tornato a essere famoso sui giornali per avere una pensione dorata (90.246 euro al mese), frutto degli stipendi e delle tante tasse pagate all'Inps sulle sue buonuscite (tra cui 7 milioni di contributi solo negli ultimi anni di carriera). Romanista sfegatato, lascia un vuoto dentro a tutti quelli che hanno avuto il privilegio di lavorare con lui in Telecom.

·        Morta Lynn Shelton, regista di «Little Fires Everywhere» e «Glow».

Morta Lynn Shelton, regista di «Little Fires Everywhere» e «Glow». Pubblicato domenica, 17 maggio 2020 su Corriere.it da Laura Zangarini. È morta Lynn Shelton, regista «indie» che ha diretto «Humpday - Un mercoledì da sballo» e della serie tv «Little Fires Everywhere», in arrivo venerdì prossimo su Amazon Prime Video. Aveva 54 anni. Il suo agente, Adam Kersh, ha comunicato che la regista è morta venerdì 15 maggio a Los Angeles per una malattia del sangue non meglio specificata. A confermare la morte della regista anche il compagno, il comico Mark Maron. Shelton era diventata la voce principale del nuovo movimento cinematografico indipendente americano. Molto apprezzati dagli spettatori dei festival i suoi film a basso budget, mentre per la televisione aveva diretto episodi di «Mad Men», «Fresh Off the Boat», « The Mindy Project» e «Glow» oltre al recente «Little Fires Everywhere», con Reese Witherspoon e Kerry Washington. «Abbiamo fatto tantissime cose insieme», ha dichiarato Mark Duplass su Twitter. Era l’attore feticcio di Shelton, co-protagonista nel suo film del 2009 «Humpday - Un mercoledì da sballo», un divertente racconto della sessualità maschile vista attraverso uno sguardo femminile. L’attore ha dichiarato di aver perso una « cara amica» e di aver ammirato la sua creatività. «Vorrei che avessimo fatto di più — ha detto Duplass —. La sua illimitata energia creativa e il suo spirito contagioso non avevano rivali. Mi ha reso migliore. Che perdita tragica». Shelton aveva iniziato la sua carriera cinematografica intorno ai 30 anni, dopo aver lavorato inizialmente come attrice e fotografa. Ha scritto e diretto otto lungometraggi nel giro di 14 anni. Ava DuVernay ha ricordato invece Shelton per averle «cambiato la vita» dopo la consegna di un premio al Sundance Film Festival nel 2012. «Ha annunciato il mio nome con orgoglio — ha detto la regista di «Selma» e «Nelle pieghe del tempo», che ha pubblicato una foto su Twitter che le ritrae insieme —. Me lo ha consegnato con amore. Un momento che si è radicato in me per molto tempo dopo. Non riesco a credere che sia morta. Riposa in pace, bellezza. Grazie per i tuoi film. E per la tua gentilezza».

·        E’ morto l’attore Fred Willard, da Beautiful a Modern family.

Addio al brillante Fred Willard, da Beautiful a Modern family. Pubblicato domenica, 17 maggio 2020 su La Repubblica.it. Addio Frederic Willard brillante, e imprevedibile attore comico, da Tutti amano Raymond, a Beautiful, fino a Modern Family. E' morto per cause naturali, a 86 anni. A dare l'annuncio è stata la figlia Hope: "Mio padre è morto in pace la scorsa notte alla fantastica età di 86 anni. Ha continuato a muoversi, lavorare e renderci felici tutti fino alla fine. lo abbiamo amato così tanto, ci mancherà sempre". Aveva partecipato a 250 produzioni, tra cinema e televisione, spesso minori ma tanto irresistibili da rubare ogni volta la scena ai protagonisti. Era stato sposato per cinquant'anni a Mary Willard, sceneggiatrice e co-autrice del marito, morta nel 2018 a 71 anni. Era figlio di un banchiere, che lo aveva lasciato orfano a soli 12 anni. Nei primi anni della sua carriera, dopo aver prestato servizio nell'esercito, ha iniziato a lavorare in una compagnia di improvvisazione  teatrale, ha poi fondato un  gruppo comico,  Ace Trucking Company  che con i loro sketch sono stati parte di trasmissioni televisive come il Tonight Show. Era stato protagonista di vari programmi televisivi satirici tra gli anni 1980 e 2000, e per aver preso parte a vari film mockumentary, quali This Is Spinal Tap di Rob Reiner, Campioni di razza, A Mighty Wind - Amici per la musica e For Your Consideration. Nella filmografia anche Austin Power, nel 2008 era l'unico personaggio umano nel film WALL•E. Tra il 2003 e il 2005 per il suo ruolo ricorrente in Tutti amano Raymond ha ricevuto per tre volte consecutive una candidatura per il premio Emmy al miglior attore guest star in una serie commedia, grazie al ruolo di Hank McDougal, suocero del protagonista. Nel 2010 è stato candidato nuovamente per tale premio grazie al ruolo del padre del protagonista Phil Dunphy nella serie Modern Family. Dal 2010 ha partecipato ad alcuni episodi della serie Modern Family, interpretando Frank Dunphy, il padre del protagonista Phil, ruolo che gli vale una nuova candidatura ai Primetime Emmy Award. Nel 2014 e nel 2015 interpreta entra nel cast di Beautiful interpretando John Forrester, fratello di Eric e padre di Ivy e lascia la soap un anno dopo. Lo vedremo nella sua ultima interpretazione, nella serie Space Force, in uscita su Netflix a fine maggio… 

·        E’ morta Norma Doggett, ballerina di "Sette spose per sette fratelli".

Addio a Norma Doggett, ballerina di "Sette spose per sette fratelli". Pubblicato sabato, 16 maggio 2020 su La Repubblica.it. Addio a Norma Doggett.  La ballerina di Broadway che ha interpretato Martha, una delle adorabili fanciulle del classico film musical Sette spose per sette fratelli firmato del regista Stanley Donen nel 1954, è morta nella sua casa di New York all'età di 94 anni. L'annuncio della scomparsa è stato riferito dall'edizione online di "The Hollywood Reporter". Sul palcoscenico di Broadway Doggett è apparsa in sei musical tra il 1948 e il 1959, lavorando per Irving Berlin, Jerome Robbins, Moss Hart e Joshua Logan. La ballerina ha fatto solo un'apparizione cinematografica ad Hollywood quando fu selezionata per il cast di Sette spose per sette fratelli: le fu affidata la parte di Martha, che sposa Daniel (Marc Platt), uno dei sette fratelli Pontipee che vivevano nelle montagne dell'Oregon nel 1850. Le altre spose nell'amato film furono interpretate da Jane Powell, la protagonista Milly, Julie Newmar (Dorcas), Ruta Lee (Ruth), Nancy Kilgas (Alice), Virginia Gibson (Liza) e Betty Carr (Sarah). Il film ottenne quattro nomination all'Oscar, tra cui quella per il miglior film, e fu poi premiato dall'Academy Award con la statuetta per la migliore colonna sonora. Il musical è uno dei film culto che vengono riproposti in televisione  ogni anno nei giorni delle festività natalizie. Dopo il ritiro dal mondo dello spettacolo Norma Doggett ha lavorato come segretaria per la Mobil Oil. È stata sposata con Jack Bezwick dal 1970 fino alla sua morte nel 1985. 

·        È morto Phil May, frontman e cofondatore dei Pretty Things.

È morto Phil May, frontman e cofondatore dei Pretty Things. Pubblicato sabato, 16 maggio 2020 da La Repubblica.it. Il cantante inglese Phil May, frontman dei Pretty Things, band di grande successo negli anni Sessanta e una delle più influenti della storia della musica leggera e del rock britannico, è morto, ieri, al Queen Elizabeth Hospital di King's Lynn, nel Norfolk, per le complicazioni insorte a seguito di un intervento chirurgico all'anca. Aveva 75 anni e, all'inizio di questa settimana, aveva avuto un incidente con la bicicletta, cadendo rovinosamente. Phil May aveva fondato i Pretty Things nel 1963 insieme al chitarrista Dick Taylor, che aveva da poco lasciato i nascenti Rolling Stones: i due nuovi amici arruolano John Stax al basso, Brian Pendleton alla chitarra ritmica e Pete Kitley alla batteria (quest'ultimo, dopo meno di un anno, venne sostituito da Viv Andrews). Il nome per il nuovo gruppo, The Pretty Things, fu scelto in onore del titolo di una canzone composta nel 1955 da Willie Dixon. Il loro suono caratterizzato da una certa frenesia fu subito apprezzato dal pubblico, tanto che nel biennio 1964-1965 ben tre dischi entrarono nelle classifiche: Rosalyn / Big Boss Man; Don'T Bring Me Down / We'll Be Together; Honey I Need / I Can Never Say. La band si caratterizzò anche per l'aspetto trasandato dei suoi componenti, con il frontman Phil May che si presentava con i capelli più lunghi mai visti fino ad allora. Nel marzo del 1965 venne dato alle stampe il primo album, The Pretty Things. La band raggiunse il culmine del successo tra la fine del 1965 e il 1966 con una serie di singoli come Midnight To Six Man e Come See Me, oltre al disco Film, contenente richiami sonori e tematici alla psichedelia nei brani Can't Stand The Pain e Lsd. Lo straordinario successo fece però implodere la band: Pendleton abbandonò il gruppo nel dicembre 1966, seguito due mesi dopo da John Stax. Si chiudeva così un capitolo della storia musicale dei  Pretty Things. Tuttavia, la band mantenne la propria line-up al numero di cinque elementi, reclutando Jon Povey e Wally Waller, entrambi ex membri dei "Bern Eliott and the Fenmen", con May sempre frontman. Nel 1968 venne pubblicato l'album più importante della discografia dei Pretty Things, S.F. Sorrow, riconosciuto come la prima opera rock, particolarmente amato da Pete Townsend e fonte di ispirazione per il più celebre Tommy degli Who. Tra alti e bassi il gruppo ha continuato a esibirsi e a incidere sotto la guida di May per 50 anni. La band di May ha tenuto uno dei suoi ultimi concerti il 13 dicembre 2018 a Londra, con la partecipazione di amici come David Gilmour e Van Morrison. L'ex cantautore dei Pink Floyd, Gilmour, per l'occasione eseguì con i Pretty Things diversi brani, tra cui She Says Good Morning.

·        È morto Sandro Petrone, storico conduttore del Tg2.

Sandro Petrone è morto: era inviato di guerra e conduttore del TG2. Debora Faravelli il 15/05/2020 su Notizie.it. Lutto nel mondo del giornalismo: il noto volto del TG2 e inviato di guerra Sandro Petrone è morto all'età di 66 anni. Addio a Sandro Petrone, storico inviato di guerra e conduttore del TG2, morto venerdì 15 maggio 2020 all’età di 66 anni. A dare la tragica notizia è stato il segretario Usigrai Vittorio di Trapani che lo ha comunicato con un post sui suoi canali social. “Non ha mai nascosto la malattia. Anzi, l’ha combattuta tornando a dedicarsi alla passione di sempre: la musica. Per me è stato anche un docente. Sandro Petrone non lavorava in tv, conosceva e sapeva fare televisione“, si legge nel post in questione. Come raccontato da lui stesso, in passato il giornalista aveva avuto a che fare con un tumore molto aggressivo, in particolare un microcitoma che nel 95% dei casi colpisce i fumatori. Si era poi sottoposto ad una cura sperimentale, l’immunoterapia, al Pascale di Napoli.A causa della malattia aveva dovuto abbandonare la sua attività di sempre dedicandosi alla sua più grande passione, la musica. Tra i tanti lavori da lui svolti si ricordano in particolare i reportage sulla Guerra del Golfo e quello sul conflitto nei Balcani. Petrone è poi stato uno dei primi inviati di guerra ad utilizzare una propria telecamera per riprendere e documentare i grandi eventi di fama internazionale. Oltre ad essere inviato ha svolto anche l’incarico di docente di giornalismo nonché di autore e conduttore televisivo. Si menziona a tal proposito la sua partecipazione nel 1982 alla realizzazione di Radiosoftware di RadioTre. Si trattò della prima trasmissione d’Europa che comunicava con i computer via etere stabilendo un circuito interattivo con gli ascoltatori.

Addio a Sandro Petrone, il giornalista con la passione per la musica: "Così è nata la mia canzone Solo fumo". Repubblicatv il 15 maggio 2020. "La giornata di registrazioni è già terminata quando decidiamo di provare Solo fumo, nel tramonto di una Bari ancora tiepida a fine ottobre. Umore positivo subito palpabile nel nuovo studio di Massimo Stano, appena trasferito da Santeramo in Colle al capoluogo pugliese. Sistemati nelle diverse sale, in contatto visivo uno con l’altro, suoniamo in diretta. Tranne il sax di Ada Rovatti che arriverà più tardi da New York. Arrangiamento collettivo, in un’oretta di consultazioni e sfottò incrociati. Poi, si registra. Buona la seconda, come raccontano le immagini di Francesca Fiorito e Luca Pastore", così il giornalista Sandro Petrone, scomparso all'età di 66 anni, raccontava come è nata la sua canzone Solo fumo che diede il titolo all'omonimo album.

Da ilmessaggero.it il 16 maggio 2020. Lutto nel mondo del giornalismo televisivo. È scomparso nella notte il giornalista napoletano Sandro Petrone, storico volto del Tg2. Aveva compiuto 66 anni nel febbraio scorso. Non è riuscito a sconfiggere la sua lunga battaglia con un tumore che lo aveva colpito ai polmoni subito dopo la sua lunga attività con la Rai da inviato speciale di guerra in tutto il mondo. Aveva iniziato la sua attività professionale con esperienze nelle primissime radio private. Fu assunto come praticante nel 1985 dal Giornale di Napoli di Orazio Mazzoni nella redazione spettacoli. «Una grave perdita per il giornalismo, un esempio per tutti», commenta il direttore del Tg2, Gennaro Sangiuliano. «Io ricordo Petrone come un grandissimo professionista, una persona puntuale, innamorata di questo mestiere che in ogni cosa che faceva metteva entusiasmo della prima ora. Per lui il giornalismo non è mai stato una routine - osserva Sangiuliano - ma una ricerca attenta e un'indagine permanente della realtà». Dal 1987 sviluppa la sua esperienza nella Telemontecarlo dei brasiliani (Rede Globo) come reporter di guerra. Dal 1993 viene assunto in Rai dove si fa valere per le sue qualità di inviato e successivamente di conduttore del Tg2. Ha insegnato sin dal 1989 comunicazioni di massa e giornalismo in scuole e università, anche all'estero. Scrisse il libro "Il linguaggio delle news" edito da Rizzoli. Ma la sua grande passione coltivata sin da ragazzo è stata la musica. Fu esponente della corrente culturale musicale partenopea cosiddetta Vesu-wave, legato al movimento dei cantautori italiani. Ha pubblicato anche un album "Last call - note di un inviato". Come inviato è stato il primo italiano a trasmettere dal Kuwait liberato, dalla ex Jugoslavia, dal Kosovo, dall'Iraq. Suoi i servizi del Tg2 dagli Usa sugli attentati dell'11 settembre e da Madrid su quelli dell'11 marzo. Autore di programmi televisivi, di documentari e di interessanti inchieste e reportage. Dopo aver lasciato in gioventù la sua attività di cantautore affianco a Edoardo Bennato, Enzo Gragnaniello, Pino Daniele e del suo amico di sempre Tony Cercola, ha continuato a scrivere canzoni, quasi sempre ispirate a fatti di cronaca. Ha raccolto canzoni in un cd intitolato "Blues in blu" legandosi alle avanguardie e promuovendo glie sperimenti dei giovani musicisti italiani. Sandro Petrone lascia un ricordo indelebile di grande giornalista e di un professionista con tanta umanità. «Era orgoglioso e appassionato del suo lavoro. Sempre gentile. Pronto a partire. Un professionista che amava la tv, amava la Rai, credeva nel Servizio Pubblico». Così in una nota il ricordo dell'Esecutivo Usigrai. «Voglio esprimere le mie più sincere condoglianze a tutti i colleghi del TG2 per la scomparsa di Sandro Petrone. Inviato Speciale ha raccontato le Guerre e il Mondo a tutti noi. Ecco un suo raro sorriso. Voglio ricordarlo così». Così la giornalista Paola Ferrari su Twitter ricorda il collega e posta una foto che lo ritrae sorridente con sullo sfondo la grande Sfinge di Giza.

È morto Sandro Petrone, storico conduttore del Tg2. A 66 anni è morto Sandro Petrone, volto storico del Tg2 e inviato di guerra negli scenari più pericolosi. Da anni combatteva contro un tumore aggressivo ai polmoni. Francesca Galici, Venerdì 15/05/2020 su Il Giornale. Grave lutto in Viale Mazzini. Questa notte è morto il giornalista Sandro Petrone, storico volto del telegiornale di Rai2. Aveva compiuto 66 anni lo scorso febbraio ma purtroppo non è riuscito a sconfiggere il tumore che da anni lo affliggeva. Nella sua lunga carriera è stato inviato di guerra negli scenari più critici dei conflitti internazionali e con la sua voce ha raccontato il cambiamento geopolitico del pianeta dagli anni Ottanta ai Duemila. Con lui il giornalismo italiano ha perso un altro pilastro. Sandro Petrone è stato un pioniere del giornalismo d'assalto in tempo di guerra. Con la sua telecamera è stato il primo giornalista a dare copertura ai grandi eventi della storia contemporanea. Ha raccontato la Guerra del Golfo e quella in Jugoslavia, è stato il primo giornalista italiano a trasmettere dal Kuwait liberato. Ha dato voce agli eventi bellici in Kosovo, Iraq e Libano ma ha raccontato anche la grande stagione degli attentati terroristici fin dall'11 settembre 2001, passando per gli attacchi di Madrid e Londra. Negli anni si era specializzato nella politica USA ed era uno dei massimi esperti di elezioni americane della Rai, tanto da garantire la copertura delle presidenziali fin dal 1992, con lunghissimi mesi di permanenza nella redazione di corrispondenza di New York. Ha vissuto anche a Parigi, Londra e Mosca, da dove lavorava come corrispondente Rai, realizzando spesso interessanti reportage. Per oltre un decennio, dal 1997 al 2012, è stato un volto ancor più familiare per gli italiani, perché era stato incaricato di condurre l'edizione delle 13 del Tg2. La scoperta del tumore ai polmoni è avvenuto nel corso della sua lunga attività come inviato in zone di guerra. Sandro Petrone raccontò la scoperta della malattia ad Onconline, uno dei portali web specializzati in patologie oncologiche. La diagnosi è avvenuta nel 2016, durante uno dei tanti screening ai quali il giornalista si è sempre sottoposto in veste di inviato di guerra. "Ero tenuto a effettuare controlli medici semestrali per accertarmi che non avessi malattie infettive o altri problemi di salute", aveva raccontato il giornalista che, quella volta, decise di chiedere anche una lastra ai polmoni a causa di un certo affaticamento. Un problema che non lo impensieriva più di tanto ma che, probabilmente, accese in lui un primo campanello d'allarme. In quel momento iniziò il suo calvario, con un addensamento nei polmoni che si scoprì essere un microcitoma, tumore, anche piuttosto aggressivo. I medici gli diedero 6, massimo 8 mesi di vita ma lui, con la determinazione che caratterizza un inviato di guerra, si è messo alla ricerca di una cura qualunque, anche sperimentale, che potesse allungare la sua aspettativa di vita. Per questa ragione abbandonò la strada della chemioterapia, contro il parere dei suoi medici di riferimento, e iniziò l'immunoterapia all'ospedale Pascale di Napoli, sua città natale. Per anni ha alternato le cure chemioterapiche a quelle immunologiche sperimentali e i risultati ottenuti, dopo tutto, gli hanno dato ragione. Sandro Petrone non è stato solo uno dei più bravi giornalisti e inviati di guerra della Rai, ma era anche un cantante. La musica è stato il suo primo amore, è cresciuto nella Napoli degli anni Settanta con amici come Edoardo Bennato, Pino Daniele, Enzo Gragnaniello e Tony Cercola. Una passione per la musica mai abbandonata ma solo accantonata per seguire la strada del giornalismo, che non gli ha però impedito di scrivere e comporre pezzi anche durante la carriera da inviato di guerra. "Io che ho accarezzato la morte so raccontarvi cos'è combattere", recita l'intro della canzone Sono un guerriero e non temo la morte, scritta e interpretata da Sandro Petrone, contenuta nell'album Solo fumo, uscito negli anni di lotta al tumore. "Era orgoglioso e appassionato del suo lavoro. Sempre gentile. Pronto a partire. Un professionista che amava la tv, amava la Rai, credeva nel Servizio Pubblico", scrive oggi l'esecutivo Usigrai per ricordare il collega Sandro Petrone, volto amato da tutti in azienda: "Sandro Petrone è stato un volto, è stato una firma. Ed è stato anche un docente per decine di giovani professionisti alla Scuola di Giornalismo di Perugia." Parole di vicinanza e commozione anche per Gennaro Sangiuliano, direttore del Tg2: "Petrone esempio per tutti, grave perdita per il giornalismo."

·        E’ morto Ezio Bosso.

Morto Ezio Bosso a 48 anni: addio al maestro e pianista che ha emozionato l'Italia intera. Libero Quotidiano il 15 maggio 2020. Addio a Ezio Bosso: il pianista è morto a 48 anni. Nato a Torino il 13 settembre 1971, direttore d'orchestra, compositore e pianista, Bosso nel 2011 fu operato per un tumore al cervello. Subito dopo gli fu diagnosticata una malattia neurodegenerativa. Musicista di fama internazionale, commosse l'Italia intera con la splendida e indimenticabile esibizione a Sanremo 2016, con Following a Bird, un brano estratto dal suo album. 

DA ILMESSAGGERO.IT il 16 maggio 2020. «Se mi volete bene, smettete di chiedermi di mettermi al pianoforte e suonare. Non sapete la sofferenza che mi provoca questo, perché non posso, ho due dita che non rispondono più bene e non posso dare alla musica abbastanza». Era l'autunno del 2019 quando il musicista, compositore e direttore d’orchestra torinese Ezio Bosso confessava questo dolore. «Nessun pietismo», chiedeva al pubblico, l'artista che soffriva di una malattia neurologica degenerativa. «La bacchetta è il mio potere forte. La maschera che nasconde il dolore. Quando la poggio, tutto mi piace un po’ meno», amava dire. Non sappiamo bene nel dettaglio il nome della malattia che affliggeva il Maestro. Era una malattia terribile, di quelle che possono imprigionare il talento e l’anima nel corpo. Tante le ipotesi. Inizialmente si è parlato di Sclerosi laterale amiotrofica (SLA), ipotesi poi smentita. Quello che sappiamo del musicista torinese è che la diagnosi è arrivata nel 2011 dopo un intervento per tumore al cervello. Questa malattia oggi ha compromesso l’uso delle sue mani. C’è chi ha ipotizzato una malattia autoimmune, come la neuropatia motoria multifocale che colpisce i nervi motori, quelli che trasmettono i segnali dal sistema nervoso centrale ai muscoli. 

Aldo Cazzullo per il Corriere della Sera il 16 maggio 2020. «Il sorriso è uno strumento musicale senza tempo e senza età, che tutti, giovani e vecchi, possono suonare». Detta così, la frase che ancora oggi si legge sui profili social di Ezio Bosso sarebbe solo una bella frase. Ezio però l' aveva vestita di carne e di nervi, l' aveva fatta sua. Aveva dato corpo al sorriso, era diventato quel sorriso. A dispetto degli odiatori - persino lui ne aveva -, Ezio Bosso non era un malato che si era messo a fare il pianista. Era un pianista che si era ammalato. Eppure non aveva smesso di suonare, era diventato più celebre e apprezzato di prima, forse anche più bravo. Aveva portato la sua musica al festival di Sanremo (bravissimo anche Carlo Conti). E ci aveva commossi e travolti con quel sorriso contagioso. Rideva con gli occhi, con le braccia lunghissime, con tutto il fisico, e soprattutto con la sua musica. Era diventato un simbolo di resilienza: parola abusata che lui rendeva fresca e viva. Negli ultimi tempi la malattia stava per avere il sopravvento, l' aveva costretto a smettere di esibirsi; ma nel chiuso della casa, con la sua compagna e i suoi tre cani, aveva continuato a suonare, a provare, a comporre. Ora pare impossibile che non ci sia più. Sembrava una di quelle persone fortissime nella loro apparente fragilità. Talmente piegate e sofferenti da diventare immortali. L' orribile notizia di ieri arriva nel momento più drammatico delle nostre vite. Abbiamo perso il decano dei nostri architetti, Vittorio Gregotti, e il più importante dei nostri critici d' arte, Germano Celant. In molte famiglie, in quasi tutte le comunità si è aperto un vuoto. La morte ha sfiorato le nostre vite. Di solito esorcizzata e nascosta, ora sembra diventata una consuetudine. Eppure la morte di Ezio Bosso sta emozionando l' Italia come non mai. Perché dice una cosa chiarissima: il mondo perde un talento della musica e dell' umanità; ma noi non possiamo arrenderci. Non dobbiamo, non vogliamo. Ce lo impedisce quel sorriso che Ezio ha saputo incarnare, e tornerà ogni volta che sentiremo la sua musica. La storia di Ezio Bosso non finisce. Ricomincerà ogni volta che qualcuno - giovane o vecchio, sano o malato - suonerà un pianoforte.

Dal corriere della Sera il 16 maggio 2020. Anche il presidente della Repubblica, Sergio Mattarella, ha voluto condividere il suo ricordo su Ezio Bosso. «Sono rimasto molto colpito dalla prematura scomparsa del maestro. Desidero ricordarne l' estro e la passione intensa che metteva nella musica, missione della sua vita, e la sua indomabile carica umana». Ma sono moltissimi i politici che hanno reso omaggio al musicista. Elisabetta Casellati, presidente del Senato, ha ricordato che Bosso ci ha lasciato «il patrimonio di una sinfonia suonata con gli strumenti dell' umanità, della poesia, della quotidiana invenzione della vita» mentre quello della Camera, Roberto Fico, ha sottolineato come la «musica ci insegna la cosa più importante che esista: ascoltare». E sono stati moltissimi anche i musicisti che hanno voluto condividere il loro saluto a Bosso. «Che dispiacere - ha scritto Jovanotti -. Il silenzio di stamattina è un vuoto improvviso, come se la musica avesse perso un suo figlio prediletto». Per Vasco Rossi «è stato una prova vivente di quanto la musica possa rivoluzionare l' esperienza, di quanto la musica possa essere arma potente per affrontare qualsiasi situazione, anche peggiore delle malattie». Mengoni ha invece ricordato come la sua sia stata «una vita contro il pregiudizio», mentre Fiorello ha scritto: «Il tuo sorriso rimarrà per sempre scolpito nelle nostre menti. Ci hai insegnato ad affrontare la vita e le sue difficoltà».

Alba Parietti per “Chi”. Testo raccolto da Valerio Palmieri su Dagospia il 21 maggio 2020. Ho avuto il privilegio di conoscere Ezio Bosso, un uomo di grande carisma e fascino. Un artista talmente intrigante che avrebbe potuto essere il più bel romanzo di Oscar Wilde. Non ho mai creduto che la sua vita potesse finire così presto e non ho mai visto in lui una persona fragile o malata: dopo cinque minuti trascorsi in sua compagnia ti accorgevi che i malati erano tutti gli altri. Perché sapeva sdrammatizzare a sapeva portarti immediatamente lontano dal pensiero della sua condizione. Non amava farsi commiserare, aveva alcune durezze nel carattere che oggi suonano come una forma di difesa, per sé e per gli altri. Sapeva che, chi si fosse affezionato a lui, avrebbe sofferto. Bosso era fragile fisicamente, ma fortissimo di carattere, era un uomo che metteva in dubbio ogni tua certezza, conoscerlo è stato un dono raro. Perché parlo di lui? Perché sono abituata a manifestare con grande sincerità i miei stati d'animo e voglio rendere omaggio a una persona che ha lasciato un segno nella mia vita e anche in quella di chi non lo conosceva. E, chi lo ha incontrato, conserva una parte di lui. Io ho la mia, ma voglio che questo sia un omaggio trasparente, scevro da qualunque lettura maliziosa. Avevo conosciuto Ezio Bosso molti anni fa e l'ho rivisto a Sanremo nel 2016, anno in cui è stato ospite di Carlo Conti e, come tutti gli italiani, sono rimasta folgorata dalle sue parole e dalla sua musica, è stata come un'apparizione. Da allora ho avuto l'occasione di frequentarlo, conoscerlo meglio, di andare ai suoi concerti. Di lui ho amato la sua anima geniale, il suo carattere deciso e la sua intelligenza raffinata, la sua capacità di decidere la trama dei propri rapporti, di condurre le danze. Ezio non era in balia degli altri, casomai, purtroppo, era in balia della sua malattia e per questo non voleva sentirsi compatito o suscitare tenerezza. Aveva grande fascino e qual-siasi donna, ma direi qualsiasi essere umano, conoscendolo, non poteva che innamorarsi della sua personalità istrionica. Mi ha sempre dato fastidio quando lo descrivevano come uno che "commuove" perché in questo termine c'è anche un sentimento legato alla sua condizione, mentre lui sapeva ammaliarti, portarti in un altro mondo con le proprie armi. Ho riascoltato in questi giorni le sue composizioni, che passeranno alla storia. Rain, in your black eyes è uno dei pezzi più potenti che abbia mai sentito: impetuoso, dolce e toccante, come Ezio. Quando ascoltavi la sua musica dal vivo venivi rapito, assistere a un suo concerto era una cosa che ti faceva volare e, quando uscivi dal teatro, non eri più la persona di prima. Era come il pifferaio magico, attraverso le note sapeva raccontarsi anche con sarcasmo e senso dell'umorismo, riusciva a ridere della tragedia della sua malattia e portarti nel profondo della sua anima, sconvolgeva ogni tua struttura, li trascinava e ti metteva in una bolla. Avevo imparato a conoscerlo e non era facile, non era facile essergli amico, non era facile amarlo, con lui non ho mai potuto decidere niente e ho sempre e solo accettato le regole che lui stabiliva. Dirigeva la vita come dirigeva un'opera. Eravamo veramente amici e solamente amici. Era spiritosissimo, coltissimo, misteriosissimo, il mistero fatto a persona. Ci ha lasciato senza avvisarci, senza farci presagire il destino che forse conosceva, ma che avrei scommesso non si sarebbe mai presentato alla porta, non credevo nemmeno all'evidenza della sua malattia perché la trovavo inaccettabile. Per questo ho trattato Ezio come trattavo tutti, e questa è la mia più grande colpa e il più grande sollievo. Perché non avevo filtri, mi piaceva provo-care le sue reazioni, avevamo un rapporto schietto e questa è stata la cosa più bella. Ho sempre volato sopra gli stereotipi, la banalità, le condizioni fisiche, sopra qualsiasi cosa. Certo, a volte abbiamo anche discusso, perché Ezio era -inafferrabile", sfuggente. Lo trattavo come una persona sane lui diceva che, quando non sbroccavo, ero una persona meravigliosa. Ammetto di aver sbloccato, e forse lui si divertiva perché era uno che aveva una sua vanità, e vorrei che la gente non lo dipingesse come un povero ragazzo sfortunato perché era un uomo pieno di charme, di donne che avrebbero fatto qualsiasi cosa per stare con lui, consapevole dei suoi poteri. Era tante cose, tutto e il contra-rio di tutto, impossibile non innamorarsi della sua persona. Ci siamo detti tante cose, ho passato giornate intere a piangere guardando il soffino pensando a quanto fosse tragico il suo destino e volevo convincermi che non fosse così. Di lui amavo più i difetti che i pregi perché erano la sua forza, come quella capacità che molti avranno sperimentato su piani diversi di sedurti e lasciarti senza fiato e senza speranza. Questa era la sua magia, con un tocco di bacchetta ti faceva avvicina-re e con un altro ti teneva lontano, era anche il suo modo di proteggere i rapporti, di tenerli sospesi, di non definirli. Gli ultimi concerti li faceva quasi solo dirigendo, ma ricordo la stagione in cui ancora suonava, come in The 12th roorn tour, dove raccontava il rapporto fra la vita e la morte. Diceva che, secondo una teoria antica, la vita di ogni uomo è composta di do-dici stanze, in ciascuna lasciamo qualcosa di noi e di tutte ci ricorderemo quando entreremo nell'ultima. La prima, quella in cui siamo nati, non possiamo ricordarla, la rivedremo solo quando entreremo nell'ultima, dove tutto finisce e tutto ricomincia. E allora mi piace immaginare Ezio come un eterno ragazzo, con quel sorriso e gli occhi curiosi di un bambino, che ci ha lasciato troppo presto, senza avvisarci, lasciando solo "pioggia nei nostri occhi scuri".

Carlo Conti con Ezio Bosso a Sanremo: «Il suo amore per la vita fu un esempio per tutti». Pubblicato venerdì, 15 maggio 2020 su Corriere.it da Renato Franco. «È stato uno degli incontri più emozionanti della mia carriera». Carlo Conti — tre Festival di Sanremo e svariate decine di programmi — di artisti ne ha incrociati parecchi. Ma quella volta sul palco (era il Sanremo 2016) non è stata una delle tante. «Ezio Bosso (morto oggi a Bologna all’eta di 48 anni, ndr) ha illuminato quell’edizione del Festival con le sue parole, il suo talento, la sua energia. Ci ha regalato emozioni fortissime e forse anche inaspettate per chi non lo conosceva».

Bosso all’epoca non era ancora famoso. Come arrivò a lui?

«Quando lavori al Festival cerchi di trovare proposte diverse, cerchi qualcosa che si vede poco o si conosce meno. Quando ci imbattemmo in Bosso, non avemmo nessun dubbio: ci conquistò subito».

Come fu il primo incontro in vista del Festival?

«In realtà fu direttamente sul palco. Sanremo ti assorbe, tra mille cose da fare. Ezio arrivò il pomeriggio stesso per provare e non avemmo modo di incontrarci. Ci trovammo direttamente sul palco. Fu tutto vero, naturale, spontaneo. E questo forse è il segreto di quel momento perché non c’era niente di preparato. Tutta la nostra chiacchierata, tutto quello che è successo sul palco, tutto quello che ci ha regalato, tutto quello che ci ha fatto sentire, tutte quelle emozioni sono venute di getto, al momento. Per questo credo abbiano avuto una forza unica. In quel momento ero appoggiato al suo pianoforte, eravamo io e lui e basta. Come se intorno non ci fosse nulla. Mi sono trovato di fronte a una saggezza e una forza incredibile, tutto il resto era sparito».

Fu una delle poche volte che ha sforato sulla scaletta...

«Non era prevista una chiacchierata così lunga, ma quei minuti meritavano di essere prolungati e vissuti da tutti».

Con quel Sanremo davanti a milioni di spettatori Bosso raggiunse la popolarità e il suo messaggio fu di una forza dirompente.

«All’epoca Bosso era più conosciuto all’estero che in Italia, il Festival gli diede la ribalta che meritava. Ezio ci ha lasciato un messaggio unico di forza, energia, amore per la vita. Aveva ancora tanto da raccontare, da insegnarci, musicalmente e umanamente».

La scomparsa. E’ morto Ezio Bosso, il pianista e compositore aveva 48 anni. Redazione de Il Riformista il 15 Maggio 2020. Ezio Bosso ha perso la sua battaglia, portata avanti da anni con coraggio. Il pianista e direttore d’orchestra, torinese di nascita, è scomparso all’età di 48 anni: dal 2011 conviveva con una malattia neurodegenerativa che gli fu diagnosticata dopo aver subito un intervento per un tumore al cervello. La patologia non gli aveva impedito di continuare a suonare, dirigere e comporre musica, tanto da emozionare il pubblico del Teatro Ariston nel 2016, esibendosi al Festival di Sanremo. Nel settembre del 2019 il progressivo manifestarsi della malattia l’aveva quindi costretto a fermare l’attività di pianista, con la patologia che gli aveva compromesso l’uso delle mani. Bosso ha vinto alcuni tra i più importanti riconoscimenti, come il Room Award in Australia (unico non australiano a vincerlo) o il Syracuse NY Award in America. Dall’ottobre 2017 al giugno 2018 è stato direttore stabile residente del Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste, mentre a Londra, dove ha vissuto, ha diretto l’unica orchestra d’archi di grande numero inglese, The London Strings.

Ezio Bosso, il Socrate della musica. Alberto Veronesi, Direttore d'orchestra, su Il Riformista il 16 Maggio 2020. Non possiamo sapere come siano stati gli ultimi istanti della vita del Maestro Bosso, ma possiamo immaginarli sicuramente sempre pieni di quella musica che, come diceva lui, non si smette mai di ricercare, di perfezionare, sapendo che la felicità del musicista non è trovare una verità, ma cercarla. Fu nostro ospite già nel 2016, al Festival Puccini di Torre del Lago, si presentò con un quartetto d’archi e un gruppo di fiati, mi stupì perché suonava il pianoforte quasi in piedi, su uno sgabello altissimo. Era una persona difficile da non amare immediatamente. L’uomo come il musicista si presentava con delle caratteristiche di immediata comunicativa, e anche le sue stesse idee musicali lo erano, sempre chiare, limpide, immediatamente comprensibili. Mai una involuzione, mai un pensiero nascosto, mai un retro pensiero. Colpiva la sua frase tipica “la musica la facciamo insieme, la musica è una cosa che si fa insieme”, ma fare insieme la musica non voleva dire semplicemente che ci si vuole bene, che c’è il calore del volersi bene, dell’abbracciarsi. C’era in quelle parole anche qualcosa di più profondo: la musica è la metafora della ricerca della verità, e la verità è frutto di un dialogo; è nel dialogo che Socrate trova la verità, partendo sempre dal dubbio, dal togliere le certezze, dal punto zero, dal sapere di non sapere. “La musica è il fatto di non essere mai contenti, ma di essere felici di non esserlo”, il filosofo musicista, per Bosso, è un ricercatore, mai soddisfatto dei propri risultati, ma felice di continuare a ricercare. Dentro queste semplici parole c’è tutta la nostra storia, non solo musicale, qui sta l’orgoglio di tutta la storia della scienza, di tutta la storia del sapere occidentale: non c’è nulla di rivelato e di assoluto, e questo vale per i compositori, per gli esecutori, per i direttori, ma anche per tutti gli altri: politici, filosofi, scienziati, sportivi, artigiani, artisti. Torno ancora a “La musica si fa insieme” : parrebbe di vedere però anche il musicista-filosofo che, come il Socrate di Platone (ne “la Repubblica”), ritorna nella caverna a condividere con gli altri uomini la verità che ha trovato fuori; c’era in Bosso anche questo desiderio di condivisione, questo entusiasmo nel raccontare ciò che si è trovato, ciò che si è intravisto nella luce meravigliosa che sta fuori della caverna, quella luce meravigliosa che sicuramente Bosso identificava con la musica. Bosso dice “la musica non finisce con l’ultima nota, continua, anche nel silenzio”, è la verità dell’essere, chi intravede la verità, ne rimane toccato, porta una esperienza che non finisce con la fine della musica…..veramente sembra ancora di ascoltare Socrate nel “Fedone” e ancora: “la musica ci fa ritrovare parti di noi che non sapevamo di avere”, e questa è la teoria dell’anima, l’anima che è immortale e che attraverso la reminiscenza ci fa sapere delle verità che non sapevamo di sapere (…è sempre il Fedone). “Eseguiamola come fosse la prima volta, ma anche come se fosse l’ultima”, dice all’inizio del quarto movimento della settima di Beethoven, qualche mese fa, per Rai tre. Sentito oggi quel dire “come se fosse l’ultima” ci commuove, ma nel dirigere il suo sguardo è sempre pieno di gioia. Condannato da una malattia implacabile, quello sguardo è come volesse dirci, come disse Socrate di fronte ai suoi discepoli piangenti, “sono condannato ma non scappo dal mio destino, non mi dispero, bevo con serenità la cicuta, non è giusto che debba morire, perché la condanna è ingiusta, ma la accetto serenamente perché così è stato deciso”. Bosso era un grande uomo.

È morto il pianista Ezio Bosso, Mattarella: “Un’indomabile carica umana”. Redazione de Il Riformista il 15 Maggio 2020. Ezio Bosso ha perso la sua battaglia, portata avanti da anni con coraggio. Il pianista e direttore d’orchestra, torinese di nascita, è scomparso all’età di 48 anni: dal 2011 conviveva con una malattia neurodegenerativa che gli fu diagnosticata dopo aver subito un intervento per un tumore al cervello. Il musicista è scomparso nella sua casa di Bologna. La patologia non gli aveva impedito di continuare a suonare, dirigere e comporre musica, tanto da emozionare il pubblico del Teatro Ariston nel 2016, esibendosi al Festival di Sanremo. La sua magnifica esecuzione di “Following a bird“, composizione inserita nel suo album “The 12th Room”, aveva colpito il pubblico sanremese e televisivo, col suo nome che da allora non è rimasto più riservato ad una ‘nicchia’ di cultori della musica colta. Nel settembre del 2019 il progressivo manifestarsi della malattia l’aveva quindi costretto a fermare l’attività di pianista, con la patologia che gli aveva compromesso l’uso delle mani. “Se mi volete bene, non chiedetemi più di sedermi al pianoforte e di suonare. Tra i miei acciacchi adesso ho anche due dita fuori uso. Se non posso dare abbastanza al pianoforte, è meglio lasciar perdere”, aveva detto in quell’occasione il compositore. Bosso ha vinto alcuni tra i più importanti riconoscimenti, come il Room Award in Australia (unico non australiano a vincerlo) o il Syracuse NY Award in America. Dall’ottobre 2017 al giugno 2018 è stato direttore stabile residente del Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste, mentre a Londra, dove ha vissuto, ha diretto l’unica orchestra d’archi di grande numero inglese, The London Strings. Il 20 giugno dello scorso anno era stato anche nominato cittadino onorario di Roma. “Sono rimasto molto colpito dalla prematura scomparsa del maestro Ezio Bosso. Desidero ricordarne l’estro e la passione intensa che metteva nella musica, missione della sua vita, e la sua indomabile carica umana”, ha scritto su Twitter il presidente della Repubblica Sergio Mattarella. A esprimere dolore per la scomparsa del compositore molti esponenti del mondo della politica e dell’arte. Così Lorenzo Jovanotti: “Che dispiacere, il silenzio di stamattina è un vuoto improvviso, come se la musica avesse perso un suo figlio prediletto”.

Morto Ezio Bosso, pianista e direttore d’orchestra: aveva 48 anni. Linda il 15/05/2020 su Notizie.it. Ezio Bosso, famoso pianista, direttore d'orchestra e compositore, è morto a soli 48 anni: combatteva contro una malattia neurodegenerativa. Si è spento a soli 48 anni Ezio Bosso: il pianista e direttore d’orchestra combatteva dal 2011 con una malattia neurodegenerativa. Nel 2011, il grande musicista era stato sottoposto a un intervento chirurgico per l’asportazione di una neoplasia. Inoltre era stato colpito da una sindrome autoimmune, tutte patologie che inizialmente non gli avevano impedito tuttavia di continuare a comporre, suonare e dirigere. Purtroppo, però, il peggioramento della malattia neurodegenerativa, all’inizio inesattamente indicata dai media come SLA, l’aveva costretto a fermarsi del tutto lo scorso anno. I gravi problemi di salute avevano infatti compromesso l’uso delle mani del grande compositore torinese, portandolo a dover necessariamente smettere di suonare. Come amava definirsi lui stesso, Ezio Bosso era un pianista per caso. Trovò grande popolarità quando nel 2016 venne invitato da Carlo Conti come ospite d’onore a Sanremo. Sul palco dell’Ariston eseguì una composizione contenuta nell’album “The 12th Room”, uscito qualche mese prima. Il brano “Following a Bird” finì così subito in classifica e da quel momento il suo nome è diventato noto al grande pubblico, che lo ha sempre seguito con grande affetto negli anni a seguire. Il musicista si esibiva sul palco senza spartiti, suonando o dirigendo tutto a memoria. “Quando dirigo è come se avessi tutti i suoni scritti, […], io li ho davanti, per me è un contatto visivo. Dirigo con gli occhi, con il sorriso, mando anche baci quando qualcuno ha fatto bene”. Proprio questa solarità e la grande voglia di vivere di Ezio Bosso resteranno nel cuore di tutti.

“Sei in ogni nota suonata”. Il saluto della sua orchestra ad Ezio Bosso. Diletta Capissi su Il Dubbio il 15 maggio 2020. Vogliamo ricordarlo con questa frase: «Noi cambieremo il mondo a colpi di musica». L’addio di Ezio Bosso squarcia il greve silenzio di questi difficili mesi. “E’ andato via con le sue braccia da ali di corvo con le quali dirigeva – scrive Patrizia de Mennato, raffinata signora della cultura e proprietaria della dimora antica napoletana Villa Di Donato – perdiamo un esempio di forza morale e di umanità che solo lui sapeva esprimere”. Bosso riusciva a tratteggiare nell’aria il disegno della sua musica volteggiando con vigore la bacchetta di direttore d’orchestra così da accarezzare e catalizzare sia i musicisti che il pubblico che lo ha tanto amato.  Così è stato la sera di Natale 2019, gli ascolti lo hanno confermato, con il suo concerto su Rai3 dal titolo «Che storia è la musica», dedicato a Cajkovskij, al compositore russo e al suo più struggente capolavoro, la Patetica.  «Una musica che è dolore ma anche consolazione. Nell’ultimo movimento Cajkovskij annota di suo pugno la parola “lenezza”, che non sta per lentezza ma per carezza. La musica lenisce il dolore. Se credi in lei e ti lasci guidare, ti cambia la vita». Così è stato per lui, da anni sofferente per una malattia neurodegenerativa, così per Cajkovskij. (Dichiarava nell’intervista a Giuseppina Manin, pubblicata su Corriere.it). Il peggioramento della sua condizione fisica ci aveva privato del suo tocco delicato di pianista. “Se mi volete bene, smettete di chiedermi di mettermi al pianoforte e suonare –  l’avvertimento durante la Fiera del Levante di Bari – Non sapete la sofferenza che mi provoca questo, perché non posso, ho due dita che non rispondono più bene e non posso dare alla musica abbastanza. E quando saprò di non riuscire più a gestire un’orchestra, smetterò anche di dirigere”. Enfant prodige della musica, si era avvicinato all’età di quattro anni, grazie ad una prozia pianista e al fratello musicista. Ha debuttato in Francia a 16 anni come solista ed ha partecipato a prestigiose orchestre europee in qualità di compositore, esecutore e direttore d’orchestra. Una breve ma intensa vita da artista che inizia presto ma che non termina con la sua morte perché ci lascia un prezioso testamento musicale e di vita, e quella passione che aveva verso i giovani musicisti.  “L’abbiamo visto provare senza risparmiarsi con i giovanissimi – scrive ancora Patrizia de Mennato – per insegnare loro non solo a suonare ma a sentire lo stare insieme. L’abbiamo visto dirigere una epica Settima Sinfonia di Beethoven, il genio che ha amato di più, con l’Accademia di Santa Cecilia”. Il concerto su Rai3 «Che storia è la musica», in onda a Natale l’aveva registrato al Teatro dell’Unione di Viterbo con la sua Orchestra Europa Filarmonica, arricchita dai giovani della Filarmonica di Benevento e il Coro Rossini di Pesaro. Dal 2017, è stato testimone e ambasciatore internazionale dell’Associazione Mozart14 – si legge sul suo sito – eredità ufficiale dei principi sociali ed educativi del Maestro Claudio Abbado, diretta dalla figlia Alessandra. A conferma della sua attenzione, “impegno didattico e sociale”, Bosso si è profuso nell’attività svolta con “Opera Pia Barolo” e “Medicina a Misura di Donna a Torino”. Indimenticabile sarà per tutti il toccante e memorabile intervento sullo stato della cultura europea, nel 2018, al Parlamento Europeo, dove fu invitato come testimone ufficiale alla Festa Europea della Musica.  Il 30 agosto scorso, Ezio Bosso ha incantato il pubblico di Santa Maria di Castellabate, nell’ambito dell’evento “Camera in Tour”, dove ha diretto l’Orchestra Filarmonica Salernitana nello scenario dei giardini di Villa Matarazzo. Forte è il cordoglio del nostro Presidente della Repubblica, Sergio Mattarella: “Sono rimasto colpito dalla prematura scomparsa del maestro Ezio Bosso. Desidero ricordarne l’estro e la passione intenza che metteva nella musica, missione della sua vita, e la sua indomabile carica umana”.  Ci piace ricordarlo con questa sua frase: «Noi cambieremo il mondo a colpi di musica». Grazie Ezio Bosso, vola leggero e continua a disegnare nell’aria la musica con la tua bacchetta. Le nostre porte saranno sempre aperte.

È morto Ezio Bosso, il pianista che non ha mai smesso di sorridere. Compositore e direttore d'orchestra aveva 48 anni. Da tempo malato, ha continuato a suonare, comporre e dirigere. La sua ultima apparizione in tv a Natale con la serata "Che storia è la musica". Silvia Fumarola il 15 maggio 2020 su La Repubblica. Ezio Bosso era una persona molto speciale. Intelligentissima, sensibile, sapeva trasmettere la passione per la musica e per la vita. Se n'è andato a 48 anni, e lascia un grande vuoto. "La musica ci cambia la vita e ci salva. Le persone che vengono ospiti da me, entrano da personaggi e escono da persone. La bacchetta mi aiuta a mascherare il dolore e non è una cosa da poco" spiegava dopo la serata evento di Che storia è la musica, andata in onda a giugno, incentrata sulla Quinta e la Settima Sinfonia di Beethoven, vista da oltre un milione di spettatori. La sera di Natale Bosso era tornato su Rai 3  con Cajkovskij  e Mozart. Il Teatro dell'Unione di Viterbo aveva ospitato il maestro con l'Orchestra Filarmonica, da lui fondata, arricchita per l'occasione dai giovani dell'Orchestra Filarmonica di Benevento e il Coro Filarmonico Rossini di Pesaro. "Ascoltate a tutto volume il nostro concerto, dobbiamo disturbare i vicini e riempire l'Italia di questa musica meravigliosa. La nostra forza sarà la televisione, ma non in casa, deve uscire dalle case. L'arte e la bellezza sono contagiose: così cambieremo il mondo". Aveva un entusiasmo contagioso. Il direttore d'orchestra, compositore e pianista torinese soffriva di una malattia neurodegenerativa da anni ma non si era mai fermato. Era diventato popolarissimo quando nel 2016 fu invitato da Carlo Conti come ospite d'onore al Festival di Sanremo. Sul palco dell'Ariston Bosso eseguì Following a Bird, composizione contenuta nell'album The 12th Room, che dopo quell'esibizione, applauditissima, finì subito in classifica. "Sul palco sono senza spartito, faccio tutto a memoria. Quando dirigo è come se avessi tutti i suoni scritto, primi e secondi violini, violoncelli, bassi, flauti, oboi, clarinetti, fagotti, corni, trombe, tromboni, percussioni, io li ho davanti, per me è un contatto visivo, dirigere con gli occhi, con i sorrisi, mando anche baci quando qualcuno ha fatto bene". Spiegava come fosse stato difficile essere accettato nel mondo della musica classica e dei pregiudizi "perché guardavano la malattia: è evidente, non è che posso negarlo. Ho combattuto il pregiudizio. Fin da bambino ho lottato col fatto che un povero non può fare il direttore d'orchestra, perché il figlio di un operaio deve fare l'operaio, così è stato detto a mio padre". Lo studio come riscatto, la passione che lo guida e gli fa vincere anche il dolore. "Ho avuto paura anche delle 'mazzate' che mi sono preso, ho preso schiaffoni perché sono una persona normale. Il nostro entusiasmo, la nostra voglia di fare, però, alla fine, diventa un contagio. Mi auguro una pandemia di voglia di fare. Dirigere la Patetica è una delle direzioni più difficili che esistono. Credere nella musica non è unicamente un processo di allegria ma è un processo faticoso che, a volte, ti consuma. Lasciarsi guidare dalla musica è anche un gesto di umiltà, riconosci la grandezza dell'altro e diventi grande insieme a lui". Bosso parlava davvero a tutti, ci faceva emozionare, arrivava dritto al cuore. Tra gli eventi che lo hanno visto grande protagonista, Grazie Claudio, l'omaggio a Claudio Abbado. Fu lui a dirigere il concerto evento di Mozart14 per i cinque anni dalla scomparsa del maestro. Bosso mise insieme cinquanta musicisti delle migliori orchestre del mondo per unirsi all'European Union Youth Orchestra e agli amici della Europa Philharmonic Orchestra fondata da lui stesso. Nella sua vita, piena, diceva che gli mancavano " i viaggi lunghi che facevo una volta", ma non aveva paura. "Le paure servono. Non è utile scacciarle. Ho paura che la paura un giorno mi paralizzi. Questo sì. Ma non vale solo per me. Mi spaventa che possa accadere a chiunque". Era rigoroso ma anche ironico, su Twitter aveva risposto al blog satirico Spinoza che prendeva in giro la sua capigliatura 'da coglione'. "Non mi sono offeso" spiegava. "Spinoza mi piace un casino. Potrei mai prendermi sul serio? Io sono già così, come mi vedete. Se facessi il tronfio, sai che noia. Solo la musica merita tutto l'impegno. Gli esempi veri non si vedono quasi mai. Ho messo in pubblico le mie mani e la mia faccia, così come ascolto le storie degli altri, ogni tanto provo a raccontare un pezzetto della mia. Sono un essere umano, uno solo, se vi girate a guardare ne trovate tanti". "Essere leggeri, prendersi in giro", osservava Bosso "è una cosa seria. Se non ci si prende in giro, non si può essere seri. Quando non mi ricordo il nome di un musicista e faccio una figuraccia è una cosa bella. Ascoltatelo a tutto volume il nostro concerto, dobbiamo disturbare i vicini e riempire l'Italia di questa musica meravigliosa. La nostra forza sarà la tv, non dentro casa, ma fuori dalle mura. Cambieremo il mondo". Lui l'ha cambiato, l'ha reso davvero più bello.

L’ultima intervista a Ezio Bosso: “Un sorriso al giorno, facciamo la rivoluzione con atti di gentilezza militante”. Rossella Grasso de Il Riformista il 15 Maggio 2020. Ezio Bosso non lascia in eredità all’umanità intera solo la sua musica ma anche una vera e propria filosofia di vita che non ha smesso di emozionare fino all’ultimo. È stato un vero lottatore, non solo contro la sua malattia, ma anche contro le difficoltà di riuscire a suonare, a muovere gli arti nonostante la patologia gli assottigliasse sempre di più gli arti. E lotta anche contro le malelingue che gli attribuivano successo solo per essere il personaggio che era diventato. Ma lui a queste rispondeva con ironia e con il suo modo sempre delicato di raccontare qualsiasi cosa, con gli occhioni pieni di emozioni e i gesti di chi ama la musica. L’ultima volta che Ezio Bosso ha suonato in Campania è stato in occasione di “Estate da Re. La Grande Musica alla Reggia di Caserta”, iniziativa estiva finanziata dalla Regione Campania e organizzata e promossa dalla Scabec, la società inhouse della Regione. Era la fine di Agosto 2019 e il maestro diresse l’Orchestra Filarmonica del Teatro Giuseppe Verdi di Salerno, nel parco allestito nel meraviglioso emiciclo sotto le stelle dell’Aperia, situato nella parte alta del parco reale della Reggia di Caserta, incastonato nel Giardino Inglese e restaurato anno dopo anno proprio grazie al festival. La sua esibizione fu una emozione enorme, cavalcando le note di Bolero di Ravel, Sinfonia di Dvoràk e le Danze Ungheresi di Johannes Brahms. “La musica ci serve a questo – disse Bosso in conferenza stampa con pantalone di pelle, chiodo e borchie – portarci a quell’ascolto neutro, dolce e gentile. Per questo motivo ho deciso di iniziare questa campagna di atti di gentilezza militante. Mettiamoci tutti, un sorriso al giorno, una mano tenuta a chi ne ha bisogno. Perchè la musica è così, è fatta di atti di gentilezza”.

Leonetta Bentivoglio per “la Repubblica” – 29/08/2016. «La musica salva il mondo, induce a stare insieme, illumina gli spazi, fa sì che gli esseri umani si ascoltino», dice con amichevole grazia Ezio Bosso accomodato su un sofà della sua dimora bolognese, col grande soffitto dalle volte antiche e lo spazio centrale dominato dalla bellezza sinuosa e lucida di un pianoforte a coda. Per la maggior parte dell’umanità esistono un tempo per la musica e altri tempi per il resto. Per Ezio Bosso no, la musica è “sempre”. È il tempo della vita, della guarigione, del comunicare, del sentire amore, vitalità e piacere. «La musica è magia e non a caso i direttori d’orchestra hanno la bacchetta», dichiarò Bosso quest’anno all’Ariston di Sanremo, davanti alla sterminata platea televisiva del Festival, dopo aver fatto il suo ingresso sul palco in sedia a rotelle. Poi si mise a suonare con un’intensità che avvolse come un’onda di emozioni il pubblico nella sala, compatto nel tributargli un abbraccio in forma di standing ovation. Bosso è un combattente fertile per creatività e per lo slancio nella diffusione della propria arte, «di cui sono solo un tramite», afferma sorridente. «La musica è una sfera empatica e io cerco di dare agli altri stimoli per trovare in ogni brano i rispettivi racconti». Nato a Torino nel ’71, ma ormai da decenni cittadino del pianeta («le due case in cui torno fra i vari viaggi sono a Londra e a Bologna, dove ritrovo la meravigliosa famiglia disfunzionale dei miei amici»), Ezio abita nella musica come in una dimensione «a cui devo tutto, anche il mio respiro». Formatosi principalmente a Vienna come pianista, compositore, direttore d’orchestra e contrabbassista, si applica alla esecuzione dei classici («il vecchiaccio Bach non manca mai nelle mie giornate, e Beethoven lo sento come un padre») e alla scrittura di pezzi sinfonici, cameristici e solistici, oltre che di musiche destinate al teatro, alla danza e al cinema. Non è riuscita a distoglierlo dalla sua totalizzante vocazione nemmeno la malattia neurologica degenerativa con cui convive dal 2011, anzi. La vede addirittura come una modalità che può fargli esplorare nuove strade: «Suono ogni giorno finché il corpo lo permette, anche otto ore. Imparo a riconoscere ciò che può fare il mio fisico e ad assecondarlo nonostante gli ostacoli, perché è impossibile rinunciare alla gioia della musica. Ho dovuto adattarmi alla disabilità: mi serve uno sgabello alto e i miei tasti sono più leggeri del normale. A volte non controllo una mano ma la musica svela sempre altre opportunità. Quando un dito non funziona ne uso un altro e magari esce un suono più bello; se la mano s’inceppa rallento il tempo, forse scoprendo che in tal modo mi piace di più. Allora lo rifaccio e mi diverto: in me non c’è frustrazione». Il pianoforte è un compagno amato e fidato lungo il cammino nelle “stanze” che fungono da filo conduttore del suo doppio album, The 12th Room. Lo formano un primo cd con dodici brani, sia suoi che di compositori storici, e un secondo che include una sua Sonata. The 12th Room Tour è anche il titolo dell’acclamato tour di concerti di cui è stato protagonista quest’estate in giro per l’Italia. cui appartengo o che appartengono alla mia esperienza o alla storia delle stanze stesse», spiega. «Alcuni di questi brani mi hanno aiutato a tornare a suonare, cioè a uscire dalla stanza in cui mi aveva relegato la malattia. Altri sono pezzi che autori come Bach e Chopin hanno dedicato a storie di stanze, dato che tra le funzioni della musica c’è quella di farci vivere storie». Secondo un’antica teoria, sostiene Bosso, la vita è composta da dodici stanze: «Nessuno può ricordare la prima perché quando nasciamo non vediamo, ma pare che questo si realizzi nell’ultima stanza che raggiungeremo. Costruiamo stanze quando troviamo posti dove fermarci, attribuendo loro nomi e significati: la stanza dei giochi, della musica, dei sogni. La stanza della luce o quella cieca. Le stanze della memoria e quelle abbandonate. Le stanze del potere, dette “dei bottoni”. In certi momenti entro in una stanza priva di musica e vi resto bloccato a lungo, pensando di non uscirne più», racconta riferendosi al periodo in cui venne operato al cervello e la malattia gli impedì di suonare. «Comunque la mia stanza preferita è quella del pianoforte ». Bosso è stato molto amico del direttore d’orchestra Claudio Abbado, che ha sempre promosso la musica in quanto inesauribile fonte di dialogo, terapia e salvezza. Come Claudio, scomparso due anni fa, Ezio crede nell’idea del “Zusammenmusizieren”, cioè del fare musica insieme, e ha dato quest’appellativo a un progetto in cui accoglie periodicamente, nella sede di Palazzo Barolo a Torino, musicisti di ogni età e livello per farli suonare con lui e per parlare di suono, di sicurezza di sé, di memoria e d’importanza dell’ascolto: «Non pontifico né faccio il santone: semplicemente condivido. Sono incontri aperti, anzi spalancati, dove arriva di tutto, dal quartetto che vuol provare un brano al bambino che suona Piva l’olio d’oliva». Lo stesso spirito anima i concerti di Bosso, rilassati e anti-accademici. Ogni pezzo è introdotto dai suoi discorsi fluidi e caldi, e gli spettatori sono persino invitati a non spegnere i cellulari, se lo desiderano: «Non bisogna porre la musica su un piedistallo. I cellulari non mi piacciono ma è più fastidioso un colpo di tosse che s’inserisce in un “pianissimo”». Non gli piace il termine “musica classica”: «Preferisco parlare di musica libera da costrizioni e forme di ego. La musica di cui mi occupo è universale: Beethoven puoi suonarlo anche in Africa e arriva a chiunque. Ciò che scrivono Bach o Beethoven non ha regole di mercato né di nicchie o d’intellettualismo. E poi non c’è la mia musica: esiste la nostra». La musica è salvezza non solo per chi suona, ma per chi ascolta assimilandola naturalmente: «Spaventano certi busti di compositori, tutti severi e antipatici. Io cerco di descriverne al pubblico l’umanità. Mi piace, ad esempio, parlare di Chopin anche con ironia, mostrando un uomo che dal punto di vista della salute era un bel po’ sfigato come me. Col mio amico Mario Brunello ho fatto molta musica da camera, e insieme proviamo a dare un senso narrativo a ciò che suoniamo, per far capire che le note derivano da una persona, dal suo contesto, dalle sue esperienze». Quanto al clamore ottenuto a Sanremo, Bosso non ne minimizza gli effetti, ma specifica che al festival ha parlato solo «di quel che dico continuamente nei miei concerti così come chiacchierando con gli amici e al bar. Sanremo è stato un vettore enorme, però non ci sono andato per me stesso, ma per la musica, che è di tutti. La cosa bella è quando sento l’ovazione dopo Bach e comprendo di aver incuriosito i giovani, i quali vorranno sentirne ancora». Tornerà in televisione Bosso? «Dopo Sanremo mi sono arrivati gli inviti televisivi più assurdi. Mi hanno chiesto persino di partecipare a programmi sul calcio. Ma io non so niente di calcio! In tivù tornerò solo quando trasmetteranno un concerto in prima serata».

Da corriere.it il 15 maggio 2020. «La prima cosa che farò è mettermi al sole. La seconda sarà abbracciare un albero». Dalla sua casa di Bologna, Ezio Bosso stila i propositi per quando «si apriranno le gabbie». Purtroppo non sarà così. Ezio Bosso è morto. Direttore d’orchestra, compositore e pianista, Ezio Bosso era nato a Torino il 13 settembre 1971. Aveva 48 anni. Bosso conviveva ormai dal 2011 con una malattia neurodegenerativa che gli fu diagnosticata subito l’intervento per un tumore al cervello a cui fu sottoposto lo stesso anno. Inizialmente la sua malattia venne identificata dai media come la Sla, la sclerosi laterale amiotrofica, patologia in cui i primi sintomi, episodi di atrofia muscolare, si trasformano in pochi anni nella compromissione totale delle funzioni vitali.

Giuseppina Manin per il "Corriere della Sera" - 21 aprile 2020 (da cinquantamila.it - di Giorgio dell'Arti)

«La prima cosa che farò è mettermi al sole. La seconda sarà abbracciare un albero». Dalla sua casa di Bologna, Ezio Bosso stila i propositi per quando «si apriranno le gabbie». 

Da quanti giorni non vede il sole? 

«Sono ai domiciliari dal 24 febbraio. Se poi calcolo il periodo delle cure, dal 9 per le solite terapie, i mesi di clausura sono ormai più di due» considera il 48enne maestro torinese, da nove sofferente per una malattia degenerativa.

Una condizione che implica la massima prudenza. 

«Se non metto il naso fuori non è per paura ma per sconforto. Bologna deserta, quattro pietre, due persone dall’aria triste… Che esco a fare? C’è più vita a casa mia». 

Una casa peraltro grande e bella. 

«Con un solo difetto, non ci entra mai il sole… Ma non mi lamento. Vivo bene la solitudine, la divido con la mia compagna Annamaria e i nostri cani, due basset hound e un bassotto. I più felici sono loro. Non gli par vero di averci vicini giorno e notte». 

Come sono cambiati i suoi ritmi di vita? 

«La malattia mi ha allenato a soste forzate ben peggiori. Stavolta però non è il mio corpo a trattenermi ma qualcosa di esterno, collettivo, misterioso. Sono giorni strani, il tempo e lo spazio si sono fatti elastici, a volte le ore sono eterne, a volte volano. A volte ti senti in prigione, a volte scopri la Dodicesima stanza, quella che ti libera. Era il titolo di un mio vecchio album».

Cosa l’aiuta a far fronte a questa nuova situazione? 

«La disciplina della musica. Le note lunghe, le scale, ti educano all’ordine interiore. Non ho cambiato le mie regole; anche se non esco, mi alzo presto, faccio la barba, mi vesto. E studio. Approfondisco e metto in dubbio ciò che ho fatto, affronto partiture che forse non dirigerò mai perché non me le faranno fare. E poi singole parti, processi tecnici e storici necessari… Esercizi che praticavo all’aperto, per costringermi alla concentrazione. Ora ci provo in casa». 

Le giornate sono tutte uguali? 

«Solo in apparenza. Variano in funzione di come ci sentiamo. È un tempo senza scansione. A me manca il tempo della musica fatta. Ma si può approfittare di questa sospensione per provare a migliorarci pensando agli errori commessi. Cosa che non vedo molto in giro».

Sarà così? 

«Diventare migliori è una scelta non una conseguenza, richiede un impegno forte con se stessi. Star chiusi in casa non basta. Questa retorica vuota che ci circonda è insopportabile. Così come tanta cattiveria sparsa nel web, l’ottuso complottismo di chi vuole un colpevole a ogni costo». 

Cosa le manca di più? 

«Fare musica. E ritrovarmi con i musicisti della mia Europe Philharmonic Orchestra, loro sono i miei fratelli, i miei figli. Ci sentiamo moltissimo ma non è lo stesso. Alcuni di loro stanno vivendo un periodo di grande sofferenza, non possono più suonare, non hanno più un reddito». 

Come sarà la musica «dopo»? 

«Ci stiamo ragionando insieme. Le nuove regole sulla distanza incideranno sul repertorio. Forse per un po’ il mio amato Beethoven lo coltiveremo più nella parte cameristica che nelle Sinfonie, strumentalmente troppo affollate. Dobbiamo ridisegnare delle mappe, sto lavorando con tecnici del suono e architetti. Mi piacerebbe parlarne con Renzo Piano. Ripartiremo, ma in altro modo. La classica deve diventare un elemento di crescita del Paese, può insegnare a stare insieme con ordine e disciplina». 

Cosa ascolta in questi giorni? 

«Ascoltare solo per piacere per me è complicato, visto che sento ogni parte dell’orchestra separatamente. Mentre quello che studio mi risuona in testa con più forza. Adesso mi succede con la Quinta di Mahler». 

Cosa legge? 

«Testi di storia antica, su come si ascoltava la musica mille anni fa. Ho la fortuna di avere amici colti. Professori universitari con cui parlo di diritto canonico o storia medioevale…» 

Guarda la tv? 

«Il meno possibile. E basta con questo lessico bellico, il virus non è un nemico, non c’è una guerra in corso. Non lo sconfiggeremo, come per altre malattie, da l’Aids al cancro, ci dovremo convivere». 

Si trasmettono concerti e opere, mai così tanta musica in tv. 

«Se esiste è perché l’abbiamo fatta, ma le teche si stanno esaurendo. È un patrimonio che va alimentato. La musica in tv ci tiene compagnia, ci fa sperare di risentirla presto in sala. Come il teatro, la classica ha senso solo dal vivo».  

La sua voglia matta? 

«Abbracciare gli amici. Di natura sono timido, riservato, e con il corpo ho un approccio particolare. Non abbraccio chiunque, solo chi amo. Sempre avvolgendo l’altro totalmente. Questa astinenza forzata mi pesa. Sarà interessante ritrovare un rapporto fisico. Magari ci sarà un po’ di imbarazzo, magari un po’ di paura. Ci metteremo a ridere o ci spunteranno le lacrime. Non so come sarà. Ma qualsiasi cosa sia sorrideremo. Felici di essere vivi».

·        È morto Giulio Savelli, editore di "Porci con le ali".

È morto Giulio Savelli, editore di "Porci con le ali". Pubblicò anche la controinchiesta che svelò la pista nera della strage di piazza Fontana. La Repubblica il 12 maggio 2020. È morto a Roma, all'età di 78 anni, Giulio Savelli, l'editore che con i suoi titoli aveva rappresentato più di altri la "nuova sinistra" italiana negli anni Sessanta e Settanta. Tra i 1.200 libri pubblicati dalla sua casa editrice restano nella memoria collettiva "La strage di Stato" (1970), controinchiesta sulla strage di piazza Fontana del 12 dicembre 1969, e, soprattutto, "Porci con le ali" (1976). Con la pubblicazione nel 1970 della controinchiesta sulla strage di piazza Fontana, "La strage di stato", la casa editrice Savelli si afferma come uno dei maggiori punti di riferimento per la sinistra extraparlamentare. Nell'ottica della ricerca di nuovi linguaggi editoriali la casa editrice intraprende alcune iniziative volte ad esempio alla promozione del fumetto, che nel contesto culturale italiano è ritenuto un genere letterario secondario, e alla diffusione delle canzoni popolari di protesta, attraverso la pubblicazione di numerosi canzonieri: i titoli in questo senso più rilevanti sono certamente l'edizione italiana del volume svedese "Il libro di storia" nel 1974, una controstoria del mondo raccontata a fumetti e dedicata a bambini rivoluzionari e adulti, e "L'ammazzapreti. Canti satirici e anticlericali" del 1973, probabilmente il primo libro accompagnato da un disco sonoro che sia stato venduto in Italia. Ma L'impresa che consacra la casa editrice come una delle più rilevanti nel panorama controculturale è tuttavia il lancio nel 1975 della collana "Il pane e le rose", ideata da Audino in collaborazione con i redattori dell'eponima rivista torinese, Lidia Ravera e Marco Lombardo Radice. La collana è dedicata in particolare al tema della libertà dei costumi e degli orientamenti sessuali nelle diverse prospettive di genere, specie quella femminile e quella omosessuale, con una particolare attenzione alla condizione degli adolescenti e con l'intento di approfondire il nesso tra quotidiano, personale e politico. Tra i titoli della collana, il più noto è il romanzo "Porci con le ali" del 1976, scritto da Ravera e Lombardo Radice con la copertina disegnata da Pablo Echaurren. E' il diario politico-sessuale di due giovani, Rocco e Antonia, due adolescenti romani iscritti al liceo classico Mamiani di Roma. Il linguaggio aderente alla realtà e la verosimiglianza delle esperienze narrate contribuiscono a farne un bestseller. La casa editrice chiude nel 1982. Savelli, che era sposato con la giornalista Pialuisa Bianco, approderà poi in Parlamento negli anni Novanta con Forza Italia. Un altro segmento molto importante e quasi pionieristico è stato quello della pubblicazione di libri dedicati alla musica in un periodo storico in cui è difficilissimo reperire informazioni a riguardo. Nel 1978 nasce così la collana "La chitarra, il pianoforte e il potere" che andrà avanti fino al 1982, caratterizzandosi già a partire dal nome per uno sguardo fortemente politicizzato sulla musica del periodo, cantautori in primis come Luigi Tenco e Lucio Dalla ("Cercando un altro Egitto", una guida per le nuove generazioni ai cantautori),  allargandosi anche ad alcuni dei personaggi più interessanti e "ribelli" della scena internazionale come Lou Reed, Bob Marley, Patti Smith, Bob Dylan, Jim Morrison o gli stessi Beatles di cui vengono tradotti i testi e viene analizzata l'opera degli artisti in rapporto al contesto sociale e culturale in costante trasformazione tipico del periodo storico. Non a caso il tema musicale viene anche ripreso nella collana "Controcultura" in modi fortemente polemici nei confronti della gestione delle multinazionali del disco e degli organizzatori di concerti con titoli come "I padroni della musica". Anche questo lavoro così fuori dagli schemi dell'editoria del tempo (insieme a quello di altre case editrici come Lato Side e Arcana) lascerà un'importante traccia sul modo di trattare il tema musicale di riviste come "Gong" e "Muzak" che sarà critico e militante e non accondiscendente come avverrà in futuro nei confronti delle rockstar. Un altro elemento importante e caratterizzante sta nella cura della veste grafica delle copertine che utilizza molto spesso i disegni di Pablo Echaurren su sfondo bianco in maniera molto simile a quella della compagna-concorrente Lato Side che, sempre su fondo bianco, utilizza per la sua collana musicale illustratori che vanno da Guido Crepax a Emanuele Luzzati. Si tratta insomma di un tipo di editoria nuova che, oltre a trattare temi inusuali e spesso scomodi va a pescare tra i migliori nuovi talenti della cultura, della musica, del giornalismo d'inchiesta. La casa editrice non riuscirà però a sopravvivere a lungo e dopo un periodo a metà anni '70 in cui viene in qualche modo autogestita dai redattori finirà per chiudere definitivamente le pubblicazioni agli inizi degli anni '80. Il mondo era cambiato di nuovo. 

Giampiero Mughini per Dagospia il 13 maggio 2020. Caro Dago, è nell’ordine naturale delle cose che la mia generazione sia sottoposta a una sorta di decimazione. Il nostro tempo giunge al capolinea. Giulio Savelli era nato nel 1941, il mio stesso anno di nascita. Stiamo tutti avvicinandoci agli ottant’anni, qualcuno li ha superati. Avevo avuto pochi rapporti professionali con Savelli, ma è un fatto che il suo brand editoriale - la casa editrice Samonà e Savelli - è stato fra quelli iconici della mia giovinezza. Nella libreria che portava il nome della casa editrice, lassù a 80 metri dal Quirinale, c’ero stato a metà dei Sessanta e ricordo di avere comprato un libro di Paul Nizan. Quando mi trasferii a Roma nel gennaio 1970, se ricordo bene la casa editrice s’era già trasferita in un ufficio dirimpetto a Castel Sant’Angelo, presieduto da Dino Audino e dove sedeva Luigi Manconi che divenne subito un mio amico e di cui mi dispiacque quando mi querelò per un mio libro del 2006 dedicato all’omicidio Calabresi, una querela che il giudice istruttore giudicò priva di qualsiasi fondamento. Mi dispiacque perché nella mia scala sentimentale (che è cento volte più importante di qualsiasi altra), Luigi resta il ragazzo che sedeva nella redazione della casa editrice Savelli (Samonà s’era congedato). Più ancora, quello al quale nel 1987 confidai che stavo attraversando un periodo di grave insonnia e lui mi fece telefonare da Marco Lombardo Radice (il coautore di “Porci con le ali” edito dalla Savelli) che di mestiere faceva il medico e da lui ebbi preziosi consigli a combattere il malanno. Ve li sto via via facendo i nomi di quella costellazione che per tutti gli anni Sessanta ruotò attorno alla Savelli. L’autore del più importante libro che ne portava il marchio, il libro di Alberto Asor Rosa sulla letteratura italiana “populista”, sarebbe stato correlatore della mia tesi di laurea in Lingua e letteratura francese. Fu Dino Audino a chiedermi per la loro casa editrice una prefazione al saggio di Pierre Chaulieu, il direttore/fondatore di “Socialisme ou Barbarie” - la rivista madre di tutto il gruppettarismo di estrema sinistra -, e ne venne fuori il mio primissimo librino in un collana diretta da Lucio Colletti. Sarebbe stato Colletti a metà degli anni Sessanta il direttore di quella rivista mensile un tantino à la Trotski, “La Sinistra”, di cui Savelli fu il redattore capo e probabilmente quello che la faceva da cima a fondo. Era un ambiente da cui le riviste venivano fuori come funghi, nel senso che ogni gruppetto di cinque amici ne fondava una, poi quel gruppo si scindeva e in tre ne formavano una seconda, poi quei tre si scindevano nuovamente e ne nasceva una terza. Una di quelle riviste la dirigeva Paolo Flores d’Arcais, al cui fianco lavoravano Ernesto Galli della Loggia e Franco Moretti, entrambi miei grandissimi amici. Era l’ambiente che il giovanissimo Nanni Moretti scrutava con occhio geniale a farne il teatro dei suoi film del debutto. Paolo Flores e Franco Moretti vivevano nella stessa casa, e la loro era per me una casa la più familiare possibile. Alla Savelli lavorava un fratello più giovane di Paolo, Maurizio, un ventiquattrenne che sprizzava qualità da tutti i pori. Quando si tolse la vita, al suo funerale c’eravamo tutti in fila l’uno dietro l’altro, Manconi, Veltroni, Gianni Borgna, i due fratelli Moretti, Ernesto Galli della Loggia e ne sto dimenticando. Era esattamente una scena alla “Ecce bombo”. Qualche anno dopo Colletti e Savelli fecero combutta nello strapparsi di dosso i panni del marxismo o trotskismo che fosse, ed è stato uno degli episodi chiave della nostra storia politico culturale. Loro due e Saverio Vertone (altro comunista d’antan) e Piero Melograni vennero eletti al Parlamento nelle liste della Forza Italia berlusconiana. S’erano tutti spostati su posizioni di centro-destra come leggo in qualche ragguaglio da due soldi? Ma nemmeno per idea. Tutti loro avevano creduto nella “rivoluzione liberale” annunciata dal fondatore di Mediaset. Una illusione che durò pochissimo. Colletti mi disse una volta che era arrivato al punto di dover volgere via lo sguardo se vedeva per strada affisso ai muri un manifesto elettorale di Forza Italia. Dopo meno di un anno dalla sua elezione Savelli passò al Gruppo Misto. Da allora si era ritirato dalla prima linea, e lo aveva fatto con eleganza. Del resto era uno che amava la vita e che a darsi un’identità non aveva bisogno a tutti i costi della politica. “Era un principe non solo di nascita”, ha scritto nel ricordo funebre sua moglie, Pialuisa Bianco, anche lei un’allieva di Colletti.

·        Addio a Jerry Stiller.

Addio a Jerry Stiller, commediografo di successo e papà di Ben Stiller. É venuto a mancare Jerry Stiller, attore, comico e papà di Ben Stiller. In un tweet il cordoglio di tutta la famiglia. Carlo Lanna, Lunedì 11/05/2020 su Il Giornale. La notizia è trapela in rete come un fulmine a ciel sereno. Il mondo del cinema americano saluta per l’ultimo volta il celebre Jerry Stiller. L’attore aveva 92 anni ed è morto nel corso della giornata di domenica, 10 maggio, per cause naturali. È stato il figlio Ben Stiller, celebre attore anche a lui, a confermare la scomparsa del padre, pubblicando un lungo e accorato tweet sul suo profilo. Una notizia che, di fatto, sconvolge tutto il mondo del cinema e della tv. Jerry Stiller, infatti, nel corso del tempo, si era imposto come uno tra i commediografi più apprezzati del piccolo schermo, trovando successo in "Seinfeld". "Sono rattristato nel confermare che mio padre, Jerry Stiller, è morto per cause naturali ma circondato dall’affetto della sua famiglia – recita il post su Twitter -. È stato un grande uomo, un padre meraviglioso e un nonno eccezionale. Per Anne è stato un marito encomiabile. Mi mancherai tantissimo. Ti voglio bene, papà". Nato a New York l’8 giugno del 1927, fin da giovane ha sempre avuto una grande passione per la recitazione che ha poi trasformato in un lavoro. Jerry Stiller dopo diverse esperienze, ha trovato successo tra gli anni ’60 e ’70. E dopo aver sposato la sua amata Anne Meara, con lei formò un duo comico noto a tutti con il nome di "Stiller e Meara". Divennero molto popolari tanto è vero che, nel 1986, debuttarono insieme in tv in una sit-com che portava il loro stesso nome. Ebbe successo solo per qualche episodio, infatti andò in onda solo per una stagione. Ma questo passo falso non ha di certo impedito all’attore di esplorare nuovi lidi. La sua comicità ha trovato enorme popolarità nel corso degli anni ’90, periodo in cui in tv diverse sit-com hanno trovato grande consensi. Come "Seinfeld", dove ha interpretato il padre di una delle protagoniste dello show, rimanendo nel cast dal 1993 fino al 1998. Poi ha preso parte anche a "The Kings of Queens" nel ruolo di Arthur Spooner. Una passione per la recitazione che Jerry Stiller ha trasmesso a suo figlio, ora attore e commediografo di successo. Con l’avanzare dell’età ha accettato meno ruoli in tv, ma non ha lasciato il suo lavoro. Ha preso parte, infatti, a diversi film di successo e ha recitato insieme a suo figlio. È stato visto in "Lo spaccacuori", "Zoolander" e "Zoolander 2".

·        E’ morta Costanza  Rossi in Ichino.

L'addio di Pietro Ichino alla moglie: "Cara Costanza, nella tua malattia abbiamo vissuto l'intensità del matrimonio". La struggente lettera del giuslavorista alla compagna morta due giorni fa. Una riflessione sulla sofferenza, ma anche sulla gioia degli ultimi anni insieme. La Repubblica il 10 maggio 2020. Pietro Ichino è uno dei più famosi giuslavoristi italiani. Due giorni fa, dopo una lunga malattia, ha detto addio a sua moglie Costanza, sposata nel 1973 e madre delle sue due figlie. E nell’ultima notte trascorsa accanto alla moglie (quelle notti senza sonno di quando si sta accanto a una persona amata che sta per lasciarci) Ichino ha scritto una sorta di lettera-riflessione sul senso degli ultimi anni della vita di Costanza, quelli in cui la malattia “ha infierito più duramente”, solcati sì al dolore, ma rispetto ai quali, annota Ichino, “non ho solo una memoria di sofferenza: è stato forse il periodo più ricco e intenso di tutto il nostro matrimonio”. Una lettera d'amore che Ichino ha pubblicato sul suo blog. "Costanza ha sofferto per circa otto anni di una PSP-Paralisi Sopranucleare Progressiva (o sindrome di Richardson), che ne ha lentamente menomato, fino ad azzerarle, tutte le facoltà vitali. In questi due ultimi anni nei quali la mia vita è stata legata a quella di Costanza ancor più di quanto non fosse stata nei precedenti, per tutte le svariate necessità dell’assistenza diurna e soprattutto notturna, in molti mi hanno chiesto come facessi a sopportare questo grande sacrificio. All’inizio confesso che anch’io ne fui spaventato. Mi parve un caso in cui non si poteva applicare la grande regola secondo cui a cercare il bene nascosto in ogni situazione difficile, lo si trova sempre. Provai a impegnarmi in questa prova con uno spirito sportivo: “vediamo quanto tempo resisto”. Poi, pian piano, mi sono accorto dei tesori che questa situazione nascondeva". Scrive Ichino: "Mi ero impegnato a essere per Costanza le gambe che aveva perduto, gli occhi al posto dei suoi che non funzionavano più, e nell’ultimo periodo anche le braccia e le mani per lavarsi, pettinarsi, vestirsi, portare il cibo alla bocca; questo ben presto ha creato tra me e lei, dopo 45 anni di matrimonio, un’intimità che non avevamo mai vissuto. Ogni volta – e potevano essere decine in una giornata – che lei mi chiedeva di spostarsi dal letto o dalla poltrona alla carrozzella e viceversa era un abbraccio stretto, e qualche volta ci fermavamo a metà strada abbracciati così, indugiando a dondolarci come in un ballo cheek to cheek". "Abbiamo scoperto la delizia nuova, mai sperimentata prima, del leggere insieme ad alta voce per lunghe ore serali libri stupendi, che letti insieme diventano ancora più belli.  Ma l’intimità maggiore era quella delle sveglie notturne per una delle tante necessità, anche solo per aiutarla a cambiare posizione nel letto: accadeva che non ci riaddormentassimo subito, ma restassimo a lungo abbracciati nel letto parlando sottovoce di tutto quello che più ci stava a cuore, dai problemi di figlie e nipoti a quello che sarebbe stato di noi nelle prossime settimane e mesi". "E, a differenza di quel che accade di giorno – perché di giorno non si riesce a parlare della morte – nel buio della notte riuscivamo a parlare serenamente del tempo che ci era lasciato da vivere insieme e di quello che sarebbe seguito, nel quale lei non sarebbe stata più qui, ma che lei provava a immaginare con me, così in qualche modo lasciando in esso un segno della sua presenza. Riguardando indietro a questi ultimi due anni nei quali la malattia ha infierito più duramente su Costanza, e di riflesso su chi la assisteva, non ho solo una memoria di sofferenza: è stato forse il periodo più ricco e intenso di tutto il nostro matrimonio, che pure, nell’arco dei quasi cinquant’anni della sua durata, è stato straordinariamente ricco di vita e di lavoro comune".

"La lezione d'amore dei nostri genitori. Così hanno affrontato la malattia". Pietro e Costanza Ichino, al centro sulla sedia a rotelle. A destra le figlie Giulia ed Anna, attorno i cugini Caterina Lorenzo e Federico e i loro figli. Il racconto di Giulia e Anna, figlie di Costanza  e Pietro Ichino, il grande giuslavorista per anni "occhi e  gambe"   della moglie colpita dalla sindrome di Richardson. Caterina Pasolini su La Repubblica l'11 maggio 2020. “In questi giorni in cui tanti piangono i genitori senza neppure averli potuti salutare, noi siamo stati dei privilegiati. Mamma è morta a casa, tra le nostre braccia come aveva scelto, sedata.  I nipoti in giardino, papà sempre accanto giorno e notte. Abbiamo vissuto tutta la sua malattia insieme, col corpo giorno dopo giorno sempre più imprigionato dalla paralisi sopranucleare, e i ruoli che cambiavano, si  alternavano tra di noi: un giorno figlie e l’altro madri, ma senza che lei perdesse mai la sua straordinaria capacità di farci sentire accolte, accettate”. Giulia e Anna Ichino. Gruppo di famiglia in un interno per raccontare la  costruzione di un amore,  la storia di una malattia e di una famiglia intrecciata, nutrita da impegno e condivisione, ascolto e passioni. “Non ho solo una memoria di sofferenza: è stato forse il periodo più ricco e intenso di tutto il nostro matrimonio” ha scritto nel suo sito il loro papà, Pietro Ichino, uno dei più grandi giuslavoristi italiani, parlando degli ultimi difficili anni accanto alla sua Costanza.

La malattia ha cambiato tutto?

“Ha rinsaldato il loro legame già così speciale. Papà è stato straordinario, ha cambiato le priorità della sua vita, tanto dedicata al lavoro prima, e  ha deciso di restituire con gesti di quotidiana tenerezza e le notti accanto alla  mamma, tutto quello che aveva ricevuto in 45 anni di matrimonio. E stato capace di tenere vivo il mondo” dicono Giulia, 42 anni, editor da Giunti/Bompiani e la sorella Anna, 37, ricercatrice di filosofia alla Statale di Milano.

Come teneva vivo il mondo?

“E' stato capace di non trasformare la malattia in rancore e chiusura verso l’esterno, quando invece è facile pensare che nessuno ‘fuori’ capisca la sofferenza. Papà è rimasto vivo, aperto, anche per noi”.

Una vera lunga storia d’amore?

“Erano una coppia nata da un colpo di fulmine ma cresciuta su un’idea laboriosa dell’amore: per loro bisognava non solo voler bene ma voler, volersi bene. E ne sono stati capaci fino all’ultimo istante. Capaci di perdersi e ritrovarsi, di rispettare la vocazione dell’altro, di accogliere. È questa la loro lezione, e anche il modo in cui ci ha fatto sentire nostra madre Costanza: ascoltate e accolte, per quello che eravamo, non per come avremmo dovuto essere. Ci ha insegnato che la vera forza non è quella di chi ha energie e risorse illimitate, ma quella di chi sa accettarsi con i propri limiti e accettare gli altri”.

Com’era vostra madre?

“È stata ricercatrice in Storia, sulla Lombardia di Verri e Beccaria, poi per oltre 20 anni responsabile della redazione della Rivista italiana di diritto del lavoro e infine la nonna a tempo pieno. Una donna delicata e discreta, eppure capace di esserci sempre accanto a papà anche negli anni duri delle minacce brigatiste. Ma pure capace di cambiare, convinta – grazie ad anni di psicoanalisi da adulta – che è sempre possibile modificarsi e andare avanti, accettarsi”.

Com’è cambiato il vostro rapporto?

“È stato faticoso, anche perché all’inizio non si capiva cosa avesse, poi ci siamo ritrovate a volte ad esserle madri e ad accudirla nelle cose più intime. Senza  imbarazzi perché a casa si è sempre vissuto il corpo, nella sua gioia come nella sua sofferenza, come una parte della vita di cui non vergognarsi. Noi siamo state malate da bambine, ora toccava a noi renderle le cure.”

È diventata come una figlia?

“L’abbiamo accudita nel fisico, forse, ma in tutto lei è rimasta madre sino in fondo. Faceva piccole spese per noi, aveva in mente i nostri appuntamenti, palpitava per noi anche quando non poteva più muoversi o vedere. Capace di rispettare la nostra diversità, il nostro disordine, lei così ordinata che quando passava dalle nostre case sembrava la fata turchina. Capace di scrutarci dentro e dire: ‘togli gli occhiali neri con cui guardi te stessa’, quando eravamo ipercritiche su di noi.”

Com’erano le notti?

“Quelle le voleva fare tutte papà, pochissime volte ha accettato di lasciarsi sostituire da noi, o dalle badanti, che sono state comunque straordinarie. Noi siamo stati sostenuti anche dalla grande famiglia di cui siamo parte, non ci siamo mai sentiti soli. Il nostro pensiero corre sempre alle altre famiglie che vivono il percorso della malattia prive degli aiuti che noi abbiamo avuto: trovare la forza di compierlo senza lasciarsene annientare è difficilissimo. Comunque il papà era capace di alzare la mamma, rischiando il colpo della strega, anche cinque volte per notte se lei lo chiedeva. Restavano abbracciati o leggeva quando lei, lettrice accanita e raffinata, non ci vedeva più. Per lui le notti erano qualcosa di irrinunciabile, un momento prezioso, tutto loro. Come le poesie”.

Vostro padre le scriveva poesie?

“Ogni anno il papà regalava alla mamma l’agenda e sulla prima pagina le scriveva una poesia che era la sintesi, il punto del loro rapporto, della loro relazione. La costruzione di un amore.”

Cosa aveva chiesto Costanza?

“Di non accanirsi, di non alimentarla quando non sarebbe stata più in grado di deglutire e di comunicare. E così è stato, anche se è difficile farlo quando ami una persona. Ma mio padre si ricordava la morte del nonno, il dolore che non era stato possibile evitargli negli ultimi giorni e quindi lui e la mamma hanno fatto le Dat, il testamento biologico. Non era una donna disperata, fino all’ultimo ha sperato e progettato un futuro con noi anche se spesso il suo sconforto era profondo. Ma era appassionata della vita e profondamente spirituale.”

La religione l’ha aiutata?

“I nostri genitori sono stati cattolici un po’ eterodossi, del dissenso, per molti aspetti vicini al cristianesimo valdese: con una profonda fede nel Dio nelle mani degli uomini di cui parla Etty Hillesum, autrice amatissima da nostra madre”.

E adesso?

“Papà si è buttato nel lavoro, è un uomo dal grande senso del dovere. Ha detto che ora ‘può anche permettersi’ di prendere il Covid. Prima no, non sarebbe potuto stare lontano dalla mamma e lei senza di lui non avrebbe mai retto. Adesso torniamo a guardare avanti, forti dell’amore della nostra mamma e del pensiero della nostra nonna Francesca che diceva: La morte fa parte della nostra vita. Chi non accetta la morte non può vivere bene.”

·        Morta Betty Wright, regina del soul.

Morta Betty Wright, regina del soul e interprete di Clean up woman. A 66 anni si è spenta Betty Wright, regina del soul insieme ad Aretha Franklin; ha raggiunto il successo con Clean up woman e ha collaborato con le più grandi voci della musica internazionale. Francesca Galici, Domenica 10/05/2020 su Il Giornale. A soli 66 anni è morta la leggenda del soul Betty Wright, una delle più belle voci della musica statunitense. A darne l'annuncio su Twitter è stata la nipote, che non ha però specificato quali possano essere state le cause del decesso in un'età così giovane. Non si hanno notizie di gravi malattie che possano aver colpito la cantante. Solo lo scorso 3 maggio, sempre sui social, la sorella informò i fan che Betty Wright versava in gravi condizioni di salute, invitandoli a pregare per lei. Una delle regine del soul nacque a Miami nel 1953 e la sua carriera, così come quella di tante altre stelle della musica soul e r&b, iniziò con il gospel. La sua famiglia aveva un coro e così, fin da piccola. Betty Wright è cresciuta circondata dalla bellezza del canto. La decisione di intraprendere questa strada è avvenuta a soli 13 anni, quando è stata inserita in un coro professionista. Una gavetta necessaria per poi intraprendere la carriera da solista, che nel 1968 la porta in classifica Top 40 con il brano Girls can't do what the guys do. Tuttavia il vero successo per lei doveva ancora arrivare. Era il 1971 quando Betty Wright incide l'iconica Clean up woman. Da qui in poi la sua carriera è in continua ascesa, fino alla conquista due anni dopo di un Grammy per il brano Where is the love? Nella sua carriera si contano innumerevoli collaborazioni, compresa quella con l'immenso Stevie Wonder per la canzone What are you gonna do whit it? Ci sono anche collaborazioni più recenti per la regina della musica soul, come quella con Jennifer Lopez o con Michael Jackson. Ha scritto per loro ma ha collaborato anche per Gwen Estefan, laciando la sua firma indelebile nei brani di alcune delle più grandi icone del pop moderno e contemporaneo. La sua arte è destinata a rimanere indelebile nella storia della musica mondiale per il grande apporto artistico che ha regalato negli oltre 40 anni di carriera. Betty Wright ha avuto 5 figli ma uno di questi, Patrick, è stato brutalmente ucciso con un colpo di arma da fuoco nel 2005, all'età di 21 anni. Mai nessun colpevole è stato individuato e arrestato per quel crimine ma sua madre non ha mai smesso di cercare giustizia per il figlio. Ha sostenuto diverse cause affini negli ultimi anni, "perché quando mio figlio è morto sono riuscita a superarlo attraverso il potere della famiglia e della preghiera."

Addio a Betty Wright, icona del soul. Betty Wright, icona del soul, interprete di canzoni di grande successo come Clean up woman, Tonight is the night e No pain (no gain), è morta a Miami, in Florida, ieri all'età di 66 anni. La Repubblica l' 11 maggio 2020. Addio alla cantautrice Betty Wright, icona del soul e R&B americana, interprete di canzoni di grande successo come Clean up woman, Tonight is the night e No pain (no gain), è morta a Miami, in Florida, all'età di 66 anni. La scomparsa è stata confermata dalla famiglia, dopo che la notizia era circolata sui social.La donna era malata da tempo, la cantte Chaka Khan aveva chiesto preghiere per Betty il 2 maggio scorso scorso con un tweet: "La mia amata sorella ora ha bisogno di tutte le nostre preghiere.  In Gesù preghiamo per la sorella Betty. All My Love Chaka". Nata il 21 dicembre 1953 a Miami, in Florida, Bessie Regina Norris, meglio conosciuta col nome d'arte Betty Wright, inizia a cantare da bambina nel coro gospel della sua famiglia, gli Echoes of Joy, e a 13 anni è già solista in un coro. Nel 1968, a 15 anni, raggiunge la Top 40 con il brano GLirls can't do what the guys do e realizza il disco di debutto, My first time around. Nel 1971, a 18 anni, arriva il grande successo con Clean up woman che raggiunge il secondo posto nella classifica Rythm & Blues. Nel 1973 conquista il Grammy Award per la canzone Where is the love?. Seguono altri dischi di successo come Danger high voltage (1975) e Betty Wright Live (1978). Nel 1981 collabora con Steve Wonder per What are you gonna do with it? altro grande successo. Per tutti gli anni '80 ha continuato a incidere fino a conquistare di nuovo popolarità con No pain (No gain) del 1988. Nel corso della carriera ha collaborato con tanti artisti, tra i quali Erykah Badu, Regina Belle, David Byrne, Jennifer Lopez, Joss Stone, Angie Stone e Lil Wayne. Tra gli anni '90 e il duemila ha continuato a incidere e a esibirsi sebbene non abbia più raggiunto risultati significativi nelle classifiche. Tra i suoi ultimi album Fit for A King (2001), Betty Wright: The Movie - with the Roots (2011) e l'ultimo Living...Love...Lies (2014). 

·        È morto Little Richard, principe trasgressivo del rock'n'roll.

È morto Little Richard, principe trasgressivo del rock'n'roll. Aveva 87 anni. Travolgente, omosessuale, clownesco, esplosivo, nell'America degli anni Cinquanta incarnava l'anima più ribelle e meno addolcita. Tra le sue canzoni passate alla storia Tutti Frutti, Long Tall Sally, Lucille, Good Golly Miss Molly. Ernesto Assante il 09 maggio 2020 su la Repubblica. Elvis è stato senza dubbio il "re del rock'n'roll", ma nella famiglia reale della grande rivoluzione americana degli anni Cinquanta, il principe trasgressivo, quello che fece saltare in aria il banco delle buone maniere e delle sane abitudini, fu lui, Richard Wayne Penniman, meglio noto come Little Richard, scomparso oggi all'età di 87 anni. Fu il primo dei grandi padri del rock'n'roll a trasformare l'eccesso in una forma d'arte: travolgente, omosessuale, clownesco, esplosivo, Little Richard incarnava l'anima più ribelle e meno addolcita del rock'n'roll, il suo stile sguaiato e urlante, i suoi testi deliberatamente nonsense, scardivanano tutte le regole di comunicazione che la musica aveva vissuto fino ad allora, i suoi live show, narcisisti e grandiosi, non temevano il confronto con nessuno se non con quelli di Jerry Lee Lewis. Richard è stato, con Chuck Berry e Fats Domino, l'anima del rock'n'roll nero, animato da una fisicità travolgente, vicino al boogie e al rhythm'n'blues ma molto meno rigoroso. Decisamente poco incline alle buone maniere, in scena Richard suonava il pianoforte con i piedi, si presentava truccato in maniera eccessiva, alternava le canzoni con lunghi monologhi al limite della mitomania, era insomma il tipico esempio di "corruttore d'anime" inviso ai benpensanti. La sua teatralità era in realtà figlia della tradizione nera, gli artisti neri avevano uno stile scenico ricco di richiami sessuali e non avevano mai avuto il problema della "rispettabilità" che era proprio dei cantanti pop bianchi. Il rock'n'roll era la terra promessa di una intera generazione che cominciava a pensare alla vita in maniera diversa da quella dei genitori. Non più lavoro fisso, bella casa, famiglia numerosa, televisore in sala da pranzo, ma feste e parties tutta la notte, corse in macchina senza scopo, non più un futuro programmato dai genitori, ma la scoperta quotidiana di una vita tutta da immaginare. Il tutto racchiuso nella frase più esplosiva e chiara, per qualsiasi ragazzo dell'epoca, "Wop-bop-a-loo-mop-alop-bam-boom" o come diavolo fosse in realtà lo slogan urlato da Little Richard in apertura della sua Tutti Frutti nel 1955. Richard era nato da una famiglia canterina, terzo di ben dodici figli, tutti, assieme ai genitori, impegnati nei Penniman Singers, che si esibivano nelle chiese di Macon, Georgia, dove era nato nel dicembre del 1932. Appassionato di musica, imparò subito a suonare il pianoforte e il sassofono e iniziò la sua carriera musicale a diciannove anni, con una band di rhythm'n'blues con la quale incise diversi singoli senza particolare successo. Ma è nel 1955, con Tutti frutti e con l'esplosione del rock'n'roll che le cose per lui cambiarono radicalmente: il brano ebbe una forte programmazione dalle radio, valicò i confini del pubblico afroamericano coinvolgendo i giovani bianchi e scalò le classifiche portando Richard alla fama nazionale. La sua formula era semplice: molto ritmo, una vocalità che metteva insieme lo stile degli "shouter" con quello del pop, testi facilmente memorizzabili e spesso senza un tema particolare che non fosse l'amore o il sesso, e un'immagine decisamente diversa da quella dei "bravi ragazzi" del pop, con abiti molto colorati e vistosi, un lungo ciuffo imbrillantinato, gli occhi truccati. L'elenco delle sue canzoni passate alla storia conta, oltre alla già citata Tutti Frutti, anche Long Tall Sally, Lucille, Good Golly Miss Molly, Slippin' and slidin', mattoni solidissimi di un edificio musicale grande e duraturo, brani essenziali del repertorio di ogni buon rocker fino a oggi (dai Beatles a Springsteen, per intenderci). Nella sua band, negli anni Sessanta, militò un giovanissimo Jimi Hendrix, suo chitarrista fu anche Johnny Guitar Watson, persino Bob Dylan, giovanissimo, sognava di poter suonare con lui, e il suo stile ha influenzato generazioni intere di musicisti bianchi e neri. La sua vita è stata assai avventurosa, alla fine degli anni Cinquanta diventò un predicatore cristiano, ma già dieci anni dopo il suo universo era stato travolto da droga e sesso, e fino alla fine degli anni Settanta, tra eccessi e successi, il suo stile di vita non cambiò. Tornato a un regime più salutare, e anche all'attività di predicatore, Richard per buona parte degli anni Ottanta si limitò a frequentare comunità cristiane, fino a quando non trovò un punto di equilibro nella sua ricerca spirituale e musicale, iniziando a "servire Dio attraverso la musica" e ritornando sulle scene, suonando in tutto il mondo con una nuova band e partecipando, come attore, a film e programmi televisivi. Era un uomo gentile e di buone maniere, amatissimo dai colleghi di lavoro, mitizzato addirittura da Jagger, McCartney, James Brown, Otis Redding, David Bowie, Freddie Mercury, Prince, persino da molti esponenti del rap odierno, ognuno dei quali ha preso qualcosa dello stile di Little Richard per creare il proprio.

Marco Molendini per Dagospia il 10 maggio 2020. «A whop ba-baluma a whop bam bum»: il verso più selvaggio, carico di ritmo, erotico del rock aveva la pelle nera, il ciuffo impomatato a bomboniera, l'ambiguità sessuale di Little Richard. "Tutti frutti" faceva l'effetto di uno choc: pescata da un successo degli anni Trenta di un fantastico duo, Slim & Slam, jazzisti virtuosi e spettacolari, Richard Penniman l'aveva rilanciata in una lettura scatenata e libidinosa: «Tutti frutti, good booty/If it don't fit, don't force it/You can grease it, make it easy». Una frase troppo esplicita per l'America puritana degli anni 50, con il codice Hays che imperava e imponeva al cinema di far dormire le coppie sposate in letti separati. "Tutti frutti" diventò una canzoncina leggera, racconto di un amore giovanile, senza rinunciare a allusioni «I got a girl, her name 's Sue/She knows just what to do», sempre densa di sensualità e condita da un gridolino orgasmico destinato a far da scuola a una lunga lista di allievi, generazioni di rockers bianchi e neri (James Brown il più esplicito, macho seguace). "Tutti frutti" scalò le classifiche di vendita, arrivò al secondo posto delle chart di rhytm'n'blues americane ma, nell'apartheid, sempre confinata al pubblico nero. Per scalare la classifica generale ci sarebbe voluto Elvis Presley. Il rock era una faccenda razziale: nato nero, aveva successo in bianco. Prima si chiamava rhythm 'n'blues, versione scatenata dello swing riservato al pubblico nero (che aveva anche un suo circuito discografico separato, i race records), ora veniva scoperto dall'industria della musica. Il posto per quelli come Little Richard, ma anche Chuck Berry, Fats Domino e Bo Diddley era in seconda fila nell'America profondamente razzista della segregazione: i successi degli artisti coloured venivano ripresi, rilanciati e soprattutto venduti dai bravi ragazzi wasp con il ciuffo ala Elvis. Non solo "Tutti frutti", ma anche Rip it up, Long Tall Sally, Lucille e via dicendo. Agli autori solo spiccioli: Little Richard riceveva mezzo centesimo per ogni disco venduto, mentre aveva ceduto i diritti di "Tutti frutti" per soli 50 dollari. Gli spettava un posto di rincalzo, ma il suo talento strabordante ha varcato i confini del razzismo, sia pure pagando pegno pesante sul piano personale. Il suo personaggio esuberante, allusivo, con gli occhi bistrati, gli abiti luccicanti, i movimenti ambigui ha lasciato una lunga scia nella storia della musica, influenzando non solo il primo rock 'n'roll ma la seconda generazione del rock, i vari Elton John, David Bowie, ma anche la terza con l'evidente debito che verso il suo talento aveva Prince. Un'ammirazione mai nascosta. Anche in Italia c'è stato un tributo diretto al suo personaggio, quando Antonio Ciacci scelse come nome d'arte Little Tony (un nome che gli rimase cucito addosso anche in famiglia: ricordo una festa a casa sua sull'Appia Antica con lo zio che lo cercava: «Aho, ma andò sta Little?). Una notte, nel '59, mentre è in viaggio su un aereo durante l’ennesimo tour, sogna l’Apocalisse e vede la sua anima sprofondare tra le fiamme dell’inferno per tutti i peccati che compie in nome dell’arte e del piacere carnale. Un angelo durante il sonno gli suggerisce cosa deve fare. E così Little Richard, tormentato dal suo carattere sospeso fra diavolo e acqua santa, senso di colpa per la sua omosessualità e profondo senso religioso (da ragazzino avrebbe voluto farsi prete), decide di smettere con il rock and roll. Nel '62 il diavolo tornò alla carica e si fece convincere a fare un tour in Europa dove i suoi dischi avevano venduto benissimo ("Tutti frutti" era entrata in hit parade anche in Italia nel '59, con tre anni di ritardo). Brian Epstein, il manager dei Beatles in quel momento ancora in via di affermazione, offrì i suoi quattro ragazzi come apertura dei concerti. Nella band di Richard, in quel momento, c'era un chitarrista ritmico che si chiamava Jimi Hendrix (ma sarebbe durato poco, perché il leader non amava la sua esuberanza in scena). Fra i musicisti che lo accompagnavano c'era anche un organista sedicenne, Billy Preston (pare avesse una storia con il boss, ai tempi), destinato a diventare il quinto Beatles. L'anno seguente ad accompagnarlo in tour c'era un'altra formazione in ascesa, i Rolling Stones. La storia di Little Richard è una storia di abbandoni e ritorni, di lotta con se stesso e con la sua sessualità: «Sono omni-sessuale» dichiarò una volta. Confessò di amare il voyeurismo e di pagare per vedere coppie che facevano sesso. Una volta venne anche arrestato perchè sorpreso in una stazione di rifornimento a Macon in Georgia, la sua città, gli agenti lo sorpresero dentro una macchina mentre guardava una coppia eterossessuale che faceva all'amore. Ma non c'è dubbio, è giusto riconoscerlo ora che se ne è andato a 87 anni, a sessant'anni dalla sua prima sparizione, ma anche dalla sua fase fulminante creativa: oltre alla sua voce stridula e potente, al suo senso del ritmo travolgente, alla sua esuberanza e spettacolarità (quanti hanno copiato le sue evoluzioni sul pianoforte), buona parte del suo talento pagava pegno proprio a quell'anima sofferente, a quell'ambiguità, a quell'emotività repressa capace di esplodere in un grido profondo e incontrollabile: «A whop ba-baluma a whop bam bum».

Dagonews il 10 maggio 2020. Il tweet di Bob Dylan su Little Richard: Ho appena saputo di Little Richard e sono così in lutto. Era la mia stella brillante e la mia luce guida quando ero solo un ragazzino. Il suo è stato lo spirito originale che mi ha spinto a fare tutto quello che poi ho fatto. Sono stato in tour con lui in Europa nei primi anni Novanta e ho potuto passare parecchio tempo insieme nel suo camerino. Era sempre generoso, gentile e umile. E ancora dinamite pura come performer e musicista, potevi ancora imparare tantissimo da lui. In quei momenti, lui era sempre lo stesso Little Richard che avevo sentito la prima volta e mi aveva sbalordito, e io ero sempre lo stesso ragazzino. Certo che vivrà per sempre. Ma è come se una parte della tua vita non ci fosse più. Bob Dylan nella dedica del suo annuario scolastico, l'ultimo anno di liceo (1959) scrisse che la sua ambizione era ''unirsi a Little Richard''. E avrebbe emulato il suo modo di esibirsi nella sua primissima esibizione pubblica, a un talent show della Hibbing High School, due anni prima.

Ilmattino.it il 9 maggio 2020. Con Jerry Lee Lewis era rimasto l'ultimo padre fondatore del rock and roll vivo: con la scomparsa  a 87 anni di Little Richard, nome d'arte di Richard Wayne Penniman (Macon, 5 dicembre 1932) si chiude quasi definitivamente una delle pagine musicali, e di costume, del Novecento. The original king of rock and roll, come lui amava farsi chiamare non riconoscendo il reame del «bianco» Elvis Presley, negli anni Cinquanta imposte il suo sound sound ritmato e veloce unito a una interpretazione vocale innovativa e a un look decadente. Trasgressivo e oltraggioso per i tempi, ha attraversato la seconda metà del secolo scorso tra crisi religiose, ritiri e ritorni in scena, mentre generazioni di nuovi musicisti (soul, funk, rap) veniva influenzati dal suo stile e i suoi successi, a partire dal suo cavallo di battaglia «Tutti frutti» sino a «Long tall Sally», «Slippin' and slidin'», rip it up, «Lucille», «Good golly miss Molly». James Brown lo riteneva il suo idolo perché, spiegava, era stato il primo a mischiare il funk con il rock and roll negli anni cinquanta. Otis Redding gli riconosceva un ruolo da padrino del soul, per Ray Charles era «un uomo che diede inizio a un genere di musica che gettò le basi per molto di quello che venne in seguito», per Bob Diddley «un genio dello show business unico nel suo genere». Idolatrato anche da Paul McCartney e Mick Jagger, come da Bob Dylan che negli anni scolastici dichiarò di sognare di entrare nel suo gruppo, e da Jimi Hendrix, che dichiarò: «Voglio riuscire a fare con la mia chitarra quello che Little Richard fa con la sua voce».

ESISTE UN PERFORMER PIÙ “QUEER” DI LITTLE RICHARD? Claudia Perry per “Medium”, articolo del 27 luglio 2017. La presenza “queer” nella musica pop è stata massiccia, anche se il pubblico etero non è stato in grado di coglierla sempre. Da Little Richard alla “sissy bounce” di New Orleans, il “queer” continua a esistere, sia in classifica che nell’underground. Se scorrete queermusicheritage.com  scoprirete una sottocultura di uomini gay che fanno cover di canzoni che negli anni Sessanta erano cantate da gruppi di donne. La nascita del rock ‘n’ roll ha coinciso con la liberazione “queer”. Le due prime organizzazioni di genere (“Mattachine Society” e “Daughters of Bilitis”), risalgono proprio agli anni Cinquanta, e, all’epoca, la polizia era solita fare blitz nei bar e nei locali in cui si ballava. A New York era vietato danzare con una persona dello stesso sesso, e quando uscirono Little Richard e Chuck Berry, i genitori cominciarono a preoccuparsi per i loro ragazzi. Esiste un performer più “queer” di Little Richard? Usava trucchi, parrucche, ammiccava, si dimenava. Le parole originali di “Tutti Frutti” erano esplicite, si riferivano a sesso anale e “fruity” (si traduce “cosa da checca”) era un termine slang con cui al tempo ci si riferiva ai gay. Lesley Gore era lesbica e le sue famose “crying songs” scaturivano dall’impossibilità di esprimere il proprio orientamento sessuale. Fu la prima ad usare l’espressione femminista “You Don’t Own me”, ma le sue ascoltatrici erano convinte che lei cantasse di amori maschili. Brian Epstein, manager dei Beatles, era “queer” e “You’ve Got to Hide Your Love Away” fu per molti un inno di genere. Nella compilation di Jon Savage “From the Closet to the Charts: Queer Music 1961–1978”, c’è tutto ciò che è sfuggito all’audience disattento, da “Do you come here often” dei Tornados a “See My Friends” dei Kinks. Savage ha anche scoperto una etichetta gay californiana di nome “Camp” che aveva per slogan: “Più selvaggi, più pazzi e più gay dell’acconciatura dei Beatles!”. Gli artisti sono rimasti anonimi ma le canzoni parlavano di rimorchio, di incontri sessuali e di arresti. Se si facevano simili dischi, significa che c’erano degli acquirenti. Nello stesso periodo i dischi della drag queen Jose venivano spacciati agli etero come materiale da “party”. Dopo i moti di Stonewall, i queer erano ovunque. David Bowie si era dichiarato bisessuale e così aveva fatto Elton John, prima di identificarsi come totalmente omosessuale. Il Glam rock era un paradiso, Marc Bolan era un’ispirazione sul palco e “The Rocky Horror Picture Show” una rivelazione. Anche se non potevi vestirti come loro a casa o a scuola, era di conforto vedere qualcuno che ti rappresentava e che aveva successo. C’erano già state artiste donne “queer” (le folk singers Holly Near e Ferron per esempio), ma furono le incredibili Fanny, band tutta al femminile, a tirare fuori l’energia sessuale che il rock richiedeva. Senza loro, non sarebbero seguite le altre che conosciamo (vedi Beth Ditto dei Gossip). Anche la disco era multirazziale e pansessuale. Sylvester era imbattibile, mentre i Village People, con “YMCA” funzionavano più con il pubblico etero che con la vera cultura disco-queer. Nei Settanta, Savage segnalava due pezzi R&B assolutamente pro-queer: “Closet Queen” di Chairmen of the Board e “Ain’t Nobody Straight in L.A.” dei Miracles. Il punk era altrettanto pro-queer, basti pensare ai travestimenti e all’ambiguità sessuale dei New York Dolls, a brani come “Oh bondage Up Yours!” di X-Ray Spex o “Sing If You’re Glad to be gay” della Tom Robinson Band. Il punk rock è un altro ambito seguito dagli etero che non si erano accorti di nulla. Il post-punk? Trucco per tutti: Culture Club, Frankie Goes to Hollywood, Bronski Beat, The Smiths. Il punk americano era un po’ più mascolino con i  Ramones e misterioso coi Velvet Underground. Intanto i Queen stavano per diventare la più grande band del pianeta. Che Freddie Mercury fosse “queer” si vedeva lontano un miglio, anche se lui si dichiarò solo il giorno prima di morire di AIDS, nel 1991. Molti etero rimasero sorpresi. Poi, ovviamente, c’era Prince che si presentava sessualmente ambiguo e, negli anni Ottanta, Melissa Etheridge divenne una star. Nessuno si chiedeva come mai le sue canzoni d’amore non avessero mai un pronome specifico. I “queer” se lo chiedevano. Negli anni duemila, qualcuno ha fatto coming out per reinventarsi, altri non lo hanno fatto. Non avevano la spada di Damocle dell’AIDS che gli pendeva sulla testa come era capitato agli artisti degli anni ’80. E in genere, che lo dichiarino o lo lascino intuire, si tratta di bianchi esponenti del mondo pop-rock. Che succede se sei nero e fai hip-hop? Avrai qualche problema con gente sessista e razzista come Eminem. Frank Ocean ha fatto del suo meglio, pubblicando nel 2013 “Channel Orange”, un disco che raccontava il suo amore per un uomo. E non è un artista underground.

·        E’ morto Piero Gelli, il risvolto snob dell'editoria.

Firenze, addio a Piero Gelli, testimone della grande editoria del secondo dopoguerra. Si è spento a 81 anni a Firenze; fu direttore di Garzanti, Einaudi e amico di tanti scrittori, da Gadda a Caproni. Fulvio Paloscia il 09 maggio 2020 su La Repubblica. E' morto nella mattinata di sabato 9 maggio a Firenze, all'età di 81 anni,Piero Gelli, silenzioso e lucidissimo protagonista della letteratura e dell'editoria del secondo dopoguerra italiano, nato a Sesto Fiorentino nel 1939. Il suo nome, infatti, è legato alla direzione di Garzanti, dove approdò subito dopo la laurea in storia della lingua conseguita all'ateneo fiorentino sotto la prestigiosa docenza di Giovanni Nencioni, e dove rimase per una ventina d'anni, per poi passare ad Einaudi. Persona di cultura sterminata e per niente esibizionistica, grande amante della lirica - passione che aveva nutrtito frequentando le edizioni storiche del Maggio Musicale Fiorentino - si era avvicinato alla lettura divorando i libri della biblioteca circolante di Sesto. Poi gli studi universitari, la tesi su Carlo Emilio Gadda (che avrebbe in seguito conosciuto) contribuirono  fare di lui un intellettuale finissimo, dotato di un'ironia proverbiale negli ambienti letterari - è ormai storia la leggera maestria con cui riusciva a mitigare il carattere burbero e irascibile di Livio Garzanti, e la giocosità con cui scherzava sull'omonimia imbarazzante con un altro Gelli, Licio - e di una grande gentilezza e umiltà, nonostante la storia illustre e le esperienze che aveva accumulato. E fu proprio grazie all'autore del Pasticciaccio che Gelli intraprese la strada  dell'editoria: chiamato da Garzanti nel 1968 a studiare alcuni inediti dello scrittore (tra i quali scovò il manoscritto de La meccanica), non abbandonò mai quel mondo; dal 1980 al 1983  lavorò a Rizzoli, fianco a fianco con Oriana Fallaci; poi, dopo un breve ritorno a Garzanti - fu testimone dell'abbandono, da parte di Pasolini, della casa editrice che lo aveva "lanciato" - il passaggio a Einaudi dove, con Oreste Del Buono, inaugurò la collana dei tascabili e dove, tra l'altro, lavorò alla pubblicazione del romanzo postumo di Pasolini, Petrolio; al nome di Piero Gelli infine è legata la stagione più florida di Baldini e Castoldi: quella dei best seller di Susanna Tamaro e Giorgio Faletti. E proprio per la casa editrice milanese aveva curato, nel 1997, il Dizionario dell'Opera, opera di riferimento per cultori e neofiti. Amico di tanti grandi della letteratura italiana - da Giorgio Caproni a Attilio Bertolucci, da Sandro Penna a Arbasino - Gelli ha scritto per l'Unità, per Alias, e ha curato opere di Gide per Bompiani e la monografia di Massimo Mila su Verdi per Rizzoli.

 Piero Gelli, il risvolto snob dell'editoria. Ai vertici di Garzanti, Rizzoli e Einaudi, segnò una stagione culturale. Luigi Mascheroni, Domenica 10/05/2020 su Il Giornale. Molto sofisticato, appassionato di cinema e di opera (suo un famoso Dizionario), lettore formidabile armato del tipico snobismo culturale di chi, lavorando ai massimi livelli editoriali quando l'editoria era nella sua epoca d'oro, poteva dialogare alla pari con Pier Paolo Pasolini (cosa che in effetti faceva), Piero Gelli è stata una figura di peso del mondo intellettuale italiano, soprattutto fra gli anni Settanta e Ottanta. È morto ieri, nella sua casa di Firenze. Aveva 81 anni. Per la bio-bibliografia definitiva si veda l'intervista che gli fece Antonio Gnoli su Repubblica cinque anni fa, nel marzo 2015. Comunque, Gelli aveva lavorato per molto tempo come direttore editoriale in Garzanti quando c'era Livio, dai primi anni Settanta, e poi - ricoprendo lo stesso incarico - per un breve e non felicissimo periodo in Rizzoli, dal 1980 all'83 (quando direttore generale era Bruno Tassan Din, legato a doppio filo con il suo scomodo omologo, Licio...), quindi di nuovo in Garzanti, poi dal 1989 al '93 in Einaudi, in un momento particolarmente confuso per lo Struzzo (ma lì Gelli curò personalmente la pubblicazione di Petrolio di Pasolini), e infine nella Baldini e Castoldi dei successi di Faletti e della Tamaro... Lui che si era laureato in Filologia su Carlo Emilio Gadda, che poi conobbe, frequentò e studiò (fece anche pubblicare l'inedito La Meccanica), lui che aveva un'ammirazione per Sandro Penna e adorava André Gide...Grande uomo dei libri che non ha mai ceduto alla vanagloria di scriverne uno, magari addirittura un romanzo, e magari farsi candidare allo Strega - come invece accade oggi per vanità senile a qualche altro grande direttore editoriale del tempo che fu - Piero Gelli era non solo un editor di fiuto, un critico raffinato, alfiere dello scrivere pulito, musicofilo (per molti anni presentò i programmi musicali di Raitre e fece parte del cda del Teatro alla Scala), traduttore e curatore (di antologie di poesia, per esempio) e amabilissimo conversatore, come testimonia chi gli fu amico (...c'era qualcosa di arbasinesco e di diverso in lui...) ma fu anche in qualche modo un simbolo di quella gloriosa editoria fatta da persone colte che avendo letto i grandi autori potevano anche pubblicare spazzatura, per giustificate ragioni editoriali, ma sapendo che lo era. Mentre oggi, non sapendo la differenza, si giustifica la spazzatura facendo finta di pubblicare grandi autori, come quelli che non si sono neppure letti.

Piero Gelli: "Quando Livio Garzanti zittì Pasolini capii che il divorzio era consumato". Il direttore editoriale: "Fu una specie di chiarimento. Tutto ebbe origine da un telegramma nel quale l'intellettuale chiedeva spiegazioni su uno scrittore che la casa editrice aveva deciso di pubblicare. Il tono sembrava ultimativo: mi dica se è vero che ha preso un autore a me inviso". Antonio Gnoli il 09 marzo 2015 su La Repubblica. Credo che Piero Gelli fosse rimasto il solo, al di fuori della famiglia, a vedere ancora in vita Livio Garzanti: "Capitava che mi affacciassi. Vede questo galletto nel piatto? Si era ridotto così. Ristretto. Stranamente mitopoietico nel suo modo di volgersi al passato. Sospettavo che fosse perfino diventato buono. L'ultima volta che lo incontrai con la voce ormai spenta disse: ma lei perché ha tanti amici e io nessuno? E ho ripensato alla sua vita. Al suo carattere sgradevole, asociale, dissonante. Mi veniva in mente André Gide, un uomo animato da pulsioni contrarie". Nel ristorante romano dove sediamo le voci e i rumori creano un sottofondo di distrazione. Gelli socchiude gli occhi e la voce, intimamente fiorentina, lancia qualche amo nel passato: "Non distante da qui c'era un tempo l'Augustea. Un giorno con Garzanti vi incontrammo Pasolini. Nessuno poteva immaginare che di lì a poco sarebbe morto".

Perché vi vedeste?

"Fu una specie di chiarimento. Tutto ebbe origine da un telegramma nel quale Pasolini chiedeva spiegazioni su uno scrittore che la casa editrice aveva deciso di pubblicare. Il tono sembrava ultimativo: mi dica se è vero che ha preso un autore a me inviso".

Chi era?

"Alberto Bevilacqua. Organizzai il pranzo all'Augustea per smussare le posizioni. Per nulla preoccupato Garzanti sembrava un felino pronto ad attaccare. Pasolini parlò dello stile di una casa editrice, delle scelte coerenti e degli autori che la compongono. Garzanti ascoltava. Poi, improvvisamente lo interruppe: "Lei ora è diventato soprattutto un cineasta. Non faccio film, ma libri. Ci lasci l'opportunità di pubblicare anche altro. Anche ciò che non le piace". Poi restò in silenzio. Capii che il divorzio si stava consumando. Era consumato. E a quel punto avrebbero parlato le carte, i documenti, i contratti. Ma c'era una cosa che non potevamo prevedere".

La morte di Pasolini?

"Sì, sarebbe avvenuta due mesi dopo quell'incontro. Era il 1975. Chi poteva immaginare che da quella morte violenta la casa editrice avrebbe ristampato non so quante volte i suoi libri. Ricavandone profitti impensabili. Le racconto questo non per qualche forma di cinismo. Ma perché sono sempre più convinto che la nostra vita è governata dal caso. Fin dalle origini, dal posto in cui nasci".

Dove è nato?

"A Sesto Fiorentino. L'ottanta per cento della popolazione era composta di comunisti tosti. Mio padre apparteneva al rimanente venti per cento. Era segretario della Democrazia cristiana di Sesto. Nel 1948 ci fu l'attentato a Togliatti. Vennero a centinaia sotto casa nostra. Minacciosi. Urlanti. Non ho mai visto mio padre così terrorizzato".

A parte occuparsi di politica cosa faceva?

"Avevamo una piccola industria. Erano gli anni a ridosso del boom. Le fabbrichette crescevano tutte intorno alla Richard-Ginori e all'Arrigoni. C'era un teatro ottocentesco e una biblioteca circolante che apriva il giovedì e la domenica. Qui, fino a quindici anni, ho sperimentato le prime passioni: Dostoevskij, Tolstoj, ovvio, il Proust telato dell'Einaudi, Pirandello, Moravia, e tutti gli altri, ma soprattutto Gide. Questa biblioteca esiste ancor oggi, è bellissima rinnovata e intitolata a Ernesto Ragionieri che fu mio professore di Storia contemporanea alla facoltà di lettere".

Si respirava ancora l'aria pratoliniana?

"Pratolini, in quegli anni, era diventato demodé, Metello suonava già barlaccio anche presso i più irriducibili neorealisti-marxisti".

"Barlaccio"?

"Sì, stantio, marcio, alterato nella forma come nella sostanza ".

I romanzi degenerano rapidamente?

"Dipende. Se sono protetti dallo scudo ideologico è facile coglierne i limiti. La grande letteratura non ammette scorciatoie".

Lei ha studiato filologia?

"Ho fatto l'università a Firenze. Fu una stagione forse irripetibile. Vi insegnavano Cantimori, Contini, Garin. Ma devo dire che il terreno fu fecondato già prima. Quando ormai quindicenne le mie giornate e nottate divennero fiorentine. Fu la scoperta del cinema e della musica a segnare quel periodo".

Cosa vedeva?

"Tanti film, quasi tutti i giorni: i primi Fellini, i Visconcui ti, Hitchcock, i francesi, Clouzot, Autant-Lara, Clement. E poi l'opera, la Callas ancora grassa, ne I Puritani, diretta da Tullio Serafin. La fanciulla del West diretta da Mitropoulos e regia di Curzio Malaparte, spettacoli memorabili sul duro marmo delle gradinate del Comunale. Molti pomeriggi al Gabinetto Vieusseux, accogliente, piacevole tra la riservatezza e l'umanità di Alessandro Bonsanti: lì capitavano sempre Luzi, Betocchi, Dallapiccola, Bilenchi, prima ancora dell'Università".

E poi una laurea in filologia?

"Mi sono laureato con Giovanni Nencioni su Carlo Emilio Gadda, che poi ho conosciuto grazie all'amicizia di Giuseppe Bertolucci, ma soprattutto di suo padre Attilio. Furono anni intensi. Ricordo Giacomo Devoto con la sua faccia orientale. Un giorno da una porta della biblioteca di facoltà, allora in piazza San Marco, uscì un vecchietto azzimato con tanto di farfallino; e io: "Ma lei è Umberto D!" E infatti era il glottologo Carlo Battisti, ormai pensionato anche lì come nel film, ma felicissimo che l'avessi riconosciuto. Andavo a trovarlo spesso, in quel primo anno di università. Mi era talmente grato che mi regalò i cinque volumi del suo Dizionario Etimologico Italiano che conservo ancora adesso. Da qui è nato il mio interesse per la glottologia e filologia, poi lo strutturalismo, e anche il mio amore per Gadda".

Che ha conosciuto bene?

"Direi di sì. Venni a Roma, abitava in via Blumenstihl. Mi fermai alcuni giorni. Discutemmo di tutto. A pranzo si andava in una trattoria non lontano dall'abitazione. Gadda era visibilmente preoccupato che io mi accollassi le spese del soggiorno. Pretese di passarmi del contante con mi sarei pagato il soggiorno di quella straordinaria settimana".

Si è molto insistito sulla sua timidezza, al limite del patologico.

"Era imbranato e profondamente convinto che un gesto poco convenzionale avrebbe prodotto catastrofi ingovernabili. Esigeva che il suo ordine mentale fosse al riparo dall'imprevisto. Tanto la sua lingua era ricca di invenzione e vitalità quanto la sua vita doveva essere povera di eventi".

In fondo non gli si riconoscono passioni e storie.

"Si è molto malignato sulla sessualità di Gadda. Sandro Penna si spinse a dire che insieme si appostavano nei vespasiani in attesa dei militari. Falso. Semmai era Penna aduso a queste pratiche. Sono convinto che Gadda per tutta la vita restò vergine. Non mi chieda perché. Ma non lo vedo lasciarsi coinvolgere da una donna né tanto meno da un uomo. Fu un personaggio straordinario dotato di una disciplina nevrotica e divorato dai limiti mentali che seppe imporsi".

In che misura questi limiti agirono sulla sua scrittura?

"La grandezza di Gadda è stata di aggirare in letteratura quei limiti. O servirsene come fondo oscuro di ne vrosi capace di alimentare la sua creatività. Ma a un certo punto la vena si inaridì".

Ossia?

"L'ultima grande cosa fu la riscrittura del Pasticciaccio . Il suo dramma, secondo me, è che quando divenne famoso esaurì la sua forza creativa".

Si è chiesto perché accade?

"È una questione irrisolvibile. Perché Verdi a ottant'anni scrive il Falstaff e Rossini a 35 è un artista finito, un sopravvissuto? Non ho risposte convincenti".

Fu Gadda ad aprirle le porte della Garzanti?

"Sì, gli devo anche questo: aver orientato la mia vita nell'editoria. Come giovane esperto di Gadda fui convocato in casa editrice a studiare alcuni inediti dello scrittore. Per tre giorni, era il 14 dicembre del 1969, mi chiusi negli archivi di via Spiga. E scoprii tra le varie cose l'inedito de La Meccanica. Garzanti mi assunse e con qualche intervallo sono rimasto per circa vent'anni al suo fianco".

Quando dice intervallo a cosa allude?

"Ho trascorso un periodo alla Rizzoli. Tutt'altro che glorioso. Si era in piena P2. Tassan Din ero il vero capo, il referente di Licio Gelli. Con il cognome che avevo molti pensavano a una parentela. Ovviamente inesistente. Ricordo che all'Excelsior il barman mi serviva un intruglio dentro una flute: lo beva, piace molto a suo zio! Stetti alla Rizzoli dal 1980 all'83. Pubblicavo Ortese, Manganelli. Libri belli che non vendevano. Alla fine mi misero al fianco di Oriana Fallaci".

Come fu il rapporto?

"Ero un po' a mezzo servizio. La seguivo nei suoi spostamenti. Andai con lei a Mosca. Voleva assolutamente intervistare Breznev. Non ci riuscì. E per tutto il viaggio di ritorno fu insopportabile. Era odiatissima. A volte da Roma l'accompagnavo nella sua casa in Chianti. Dove c'era il padre ad attenderla. "Babbino caro, come stai?", chiedeva. Ma anche il padre non la sopportava. Però era una donna straordinaria. Tenace come poche. L'ho amata nonostante la sua villania. Ma non avrei mai più potuto lavorare con lei".

Perché?

"Troppo stress, troppi ripensamenti, troppi insulti. Quando a un certo punto tornai in Garzanti mi fu, dopo un po' di tempo, offerta la possibilità di andare a lavorare da Einaudi o tornare alla Rizzoli. Oriana mi telefonò chiedendomi di tornare. Stava scrivendo Insciallah. Non avevo alcuna voglia di seguirla in questa nuova e faticosa avventura. Scelsi Einaudi".

Chi l'aveva chiamata?

"Alessandro Dalai che era il direttore amministrativo e nipote di Oreste Del Buono".

Che clima trovò?

"Non buono. C'era in atto uno scontro tra Giulio Einaudi e Dalai. Tra due concezioni. Una ancora legata al passato, al suo editore e alla figura di Roberto Cerati e l'altra che tentava il fatidico svecchiamento. Da direttore editoriale il mio ruolo divenne sempre più marginale. Compresi due cose: l'inutilità dei cosiddetti mercoledì; e il fatto che tutte le vere decisioni venivano prese durante le cene. Alle quali non andavo. Sono stato a Torino dal 1989 al 1993. Realizzai Petrolio di Pasolini. Mi sembrava che quell'autore così importante negli anni di Garzanti tornasse a nuova vita con un romanzo misterioso e incompiuto ".

Che ricordo ha di Sandro Penna?

"Un grande poeta. Lamentoso e malevolo. Si nutriva delle confezioni della Nipiol. Pensavo: ecco un modo curioso di tornare all'infanzia".

Nel suo mondo tra Firenze e Milano una figura di rilievo fu Franco Fortini. Cosa le fa venire in mente?

"Era coltissimo, vanaglorioso, sospettoso, maldicente, anche divertente per tante sue ubbie. In realtà un uomo insopportabile. Ricordo che una volta gli ho proposto la prefazione, sempre per i grandi libri Garzanti, di un romanzo di Solgenitsyn appena tradotto dalla Olsufieva (che viveva a Firenze), Divisione Cancro. Lui sospettò un tiro mancino politico e al telefono inveì contro la mia ipocrisia. Non ho mai capito però in che cosa sarebbe consistito questo tiro mancino. Una volta mi disse che solo al cattivo gusto dei fiorentini, come Baldacci e me, si deve la fama immeritata di un pessimo scrittore come Tozzi".

Ha mai pensato di essere scrittore in proprio?

"Mai, soprattutto da quando ho cominciato a lavorare in casa editrice e a leggere inediti o novità estere. Ho pensato talvolta di scrivere sotto pseudonimo un thriller, ma non ne sarei stato capace, non so mantenere un segreto. Forse, se mi resta qualche anno da vivere, prima che la memoria svanisca nella demenza senile, scriverò delle memorie, di persone che vorrei ricordare come le ho conosciute, stimate, amate, come mi sono divertito con loro, un cimitero di nomi ormai, a Firenze, Roma, Milano. Evitando tante sbrodolature vanitose e sentimentaloidi di certi miei colleghi".

È possibile oggi una definizione dello scrittore?

"Per me, dico per me, uno scrittore vero, non un bellettrista, un autore di narrativa di genere, sta a metà strada tra un profeta o un missionario e un matto".

Cos'è un intellettuale?

"Nonostante il discredito odierno del termine, un professionista irrequieto, curioso e vago, anzi vagolo o vagotonico ".

Quanto ha pesato in lei la vanità?

"Abbastanza ma non troppo; sono stato per lungo tempo un partigiano delle cose futili".

Cosa le piace e cosa rifiuta del suo carattere?

"Mi piace di aver scelto la mia strada da solo e di aver trovato in ogni situazione di lavoro e di carriera, anche la più rognosa, la capacità di divertirmi, di vedere anche il lato comico di ciò che accadeva. Di me detesto la trascuratezza, la vaghezza, l'incostanza. Negli altri, tante cose, il rumore, lo sporco, la musica dovunque. Nei colleghi, negli scrittori, nei giornalisti, nei politici, insomma nei cosiddetti intellettuali: la presunzione e l'ignoranza".

Sono i nostri tempi più veloci o mediocri?

"Più veloci senz'altro, vorrei dirle anche più mediocri se non avessi il sospetto della laudatio temporis acti, tipica di chi sa di essere un sopravvivente".

·        Morto Franco Cordero, il giurista che inventò il "Caimano".

Morto Franco Cordero, il giurista che inventò il "Caimano". Raffinato uomo di legge, anticlericale, intellettuale militante si è spento a 92 anni. Indimenticabili le sue polemiche contro Berlusconi al quale dedicò il soprannome. Roberto Esposito l'08 maggio 2020  su La Repubblica. Con Franco Cordero scompare una delle figure più raffinate e poliedriche della cultura italiana contemporanea. Ma anche un intellettuale militante, impegnato in battaglie civili contro il lato oscuro del potere politico ed ecclesiastico italiano. Nato a Cuneo nel 1928, ha attraversato l'ultimo secolo, lasciando una traccia indelebile non solo nel campo del diritto di cui è stato riconosciuto maestro, ma anche in quelli della riflessione filosofica, teologica, antropologica. E infine nella letteratura con una serie di romanzi - tra i quali Opus, Bellum civile, L'armatura - di lettura non semplice, ma scritti con uno stile personalissimo che gli assegna un ruolo non secondario nella letteratura degli ultimi decenni. Allievo di Giuseppe Greco, ha insegnato in diverse Università italiane, tra cui Trieste, Torino, Roma, dove ha chiuso nel 2002 la propria brillante carriera accademica. Ma certamente l'esperienza che più lo ha segnato, diffondendo il suo nome anche all'estero, è stato l'insegnamento alla Cattolica di Milano, allora diretta da Agostino Gemelli, iniziato nel 1960. Entrato in conflitto per la sua posizione di intransigente polemica nei confronti della parte più retriva della gerarchia ecclesiastica, è stato espulso dalla Cattolica, scatenando quello che, sulle pagine dei quotidiani italiani e stranieri, ha assunto il nome di "caso Cordero". L'occasione dello scontro, non cercato ma neanche evitato da Cordero, è stata la pubblicazione del testo intitolato Gli osservanti (1967) ma soprattutto il successivo romanzo Genus che nel 1969 gli costerà l’allontanamento dalla cattedra. Accusato di eterodossia e attaccato frontalmente dalla destra cattolica, Cordero ha risposto con altrettanta nettezza, scatenando una polemica arrivata perfino alla Corte Costituzionale. Da allora la sua persona è diventata occasione di continue controversie. Attaccato dagli ambienti confessionali, è diventato per altri una bandiera di indipendenza e di libero pensiero. I suoi scritti, alcuni memorabili, vanno dalla tecnica giuridica - il suo manuale di procedura penale, ristampato più volte, costituisce ancora riferimento essenziale per gli studi di diritto - alla filosofia, alla teologia, all'antropologia. Ciò che di essi colpisce è la straordinaria miscela di erudizione e originalità, di filologia e di spregiudicatezza ermeneutica. Se la sua monumentale biografia di Savonarola in quattro volumi contiene ancora una miniera di informazioni per gli studiosi, il suo Commento alla Lettera ai Romani di Paolo di Tarso continua a sorprenderci per la radicalità della sua interpretazione, allo stesso tempo fedele ed estrema. Oggi, in una cultura accademica sempre più proclive a uno specialismo senza nerbo, la vastità e la poliedricità del suo sapere restano una sorta di unicum con cui è difficile stabilire confronti. Ma questa molteplicità di interessi e di linguaggi non sfocia mai in una sorta di vacuo eclettismo, tanto meno in divulgazione. Al contrario il suo stile di scrittura, a volte denso fino all'ermetismo, costituisce per il lettore una sfida che non può lasciare indifferenti. Si può anzi dire che, nonostante l'ampiezza di orizzonti della sua cultura, tutti i suoi testi sembrano convergere verso un fuoco centrale, al contempo teoretico ed etico-politico. La forza - nel senso pieno del termine - di Cordero stava nel rifiutare ogni compromesso, ogni risposta troppo facile a questioni complesse, come quella del rapporto tra sacro e profano, teologia e politica, eternità e tempo. Tra di essi, per Cordero, non c'è possibilità di sintesi dialettica. Ma continua tensione tra poli irriducibili, necessari l'uno ad illuminare l'altro non per analogia, ma per contrasto. Egli c'insegna che le grandi contraddizioni, nella vita e nel pensiero, non hanno mai soluzioni facili. Il suo - potremmo dire - è un pensiero teologico-politico consapevole del rischio di ogni sovrapposizione tra teologia e politica. Come è impossibile fondare razionalmente il sacro, così va evitato ogni sacralizzazione del potere. Che anzi è ciò che Cordero ha combattuto per tutta la vita. Alla fine dell'insegnamento universitario Cordero ha potenziato il proprio impegno politico attraverso una serie di interventi, articoli, polemiche rimaste insuperate per la loro radicalità e anche fantasia semantica. Come dimenticare le vere e proprie invenzioni lessicali, come quelle indirizzate contro Berlusconi, identificato ora con il "Caimano", ora con un Mackie Messer contemporaneo? Le sue polemiche nei confronti del collasso della cultura politica italiana dei due ultimi decenni hanno avuto un tono aspro e duro, come era il suo carattere. Oggi forse non sono più di moda. Ma basta rileggere alcuni suoi titoli - da Nere lune d'Italia a Morbo italico - per accorgersi che quei libri parlano ancora di noi. La sua etica, lucida e disperata, è una luce della quale c'è ancora bisogno. Il suo discorso, leopardiano, sopra lo stato presente dei costumi italiani non ha smesso di interpellarci. Esso attende ancora una risposta e una promessa di riscatto all'altezza delle sue domande.

Ezio Mauro per ''la Repubblica'' il 9 maggio 2020. «Qui posso studiare», diceva Franco Cordero mostrando con un gesto della mano i libri che lo circondavano nello studio, fuori casa, dove si ritirava ogni giorno dal mattino presto tra prime edizioni, volumi rari, codici antichi. Dopo una vita passata a insegnare, il professore voleva soltanto studiare, continuare a imparare, sapere. Il rigore piemontese, quasi ascetico, dava un ritmo metodico alle sue giornate, interrotto soltanto dall' ora fissa in piscina, pure questa imposta come esercizio: anche se in acqua, probabilmente, continuava a pensare diritto. Nel suo pensiero c' è l' impronta costante della filosofia del diritto, che coltiva dopo aver seguito Giuseppe Grosso nella storia del diritto romano. Qui cresce il culto per Dike, figlia di Zeus e di Temi, costretta a lasciare la terra per la vergogna della corruzione umana, trasformata in dea della giustizia e - come Astrea - stella nella costellazione della Vergine. Dike, nel disegno di Cordero, continua a lottare per stabilire il suo ordine nell'uguaglianza degli uomini, che in ogni epoca le professano devozione mentre la tradiscono quando salgono al potere. Il potere compare davanti al professore quando l' Università Cattolica gli toglie la cattedra, nel 1969,escludendolo dall' insegnamento, perché il libro Gli osservanti viene accusato di non essere conforme all' ortodossia. Un reato di pensiero, negli anni in cui la contestazione spalanca le università e mette in crisi l' autoritarismo accademico. Cordero replicherà con la Risposta a monsignore, raccontando l' ultima ora sul rogo di un eretico a cui i monaci strappano una conversione, per poi mandare comunque avanti il carnefice, che lo strozza: «Ogni particolare della messinscena traspira amore del prossimo - scrive il professore -, servizio disinteressato di Dio. Pensi, Monsignore, queste cose capitavano ancora quando era già nato quel mostro di Voltaire». Con l' incarico alla Sapienza, nella cattedra di Giuseppe Sabatini, c' è l' incontro della vita con la procedura penale. Cordero scriverà (e riscriverà dopo la riforma del codice nel 1988) un manuale che resta fondamentale, e continuerà a studiare la procedura fino alla fine. È questo rigore scientifico che lo porterà ad occuparsi della vicenda politica italiana, proprio negli anni del potere berlusconiano più forte e nello stesso tempo più esposto alle debolezze della tentazione costante di deformare il diritto a vantaggio personale, abusando del potere legislativo a vantaggio dell' esecutivo. Furono anni di dialogo e confronto con Giuseppe D' Avanzo, il reporter-editorialista di Repubblica che indagava l' uso degli strumenti giuridici nella presa del potere della destra italiana. Dike veniva offesa. Cordero avviò una lunga collaborazione con Repubblica che districava implacabilmente gli inganni e i sotterfugi della manomissione della procedura, mentre risvegliava la sua personale passione civile, rendendola pubblica e manifesta. Senza nemmeno volerlo, il professore diventava un attore della vicenda politica più controversa e incandescente degli ultimi decenni. Poco alla volta l' affresco politico lo cattura, suscitando il suo estro narrativo, l' invenzione linguistica, le metafore coltissime, le raffigurazioni grottesche, i giudizi ironici e definitivi, in un quadro ricorrente in cui tornavano con Berlusconi Verdini, Renzi, Dell' Utri, Napolitano. «Leggi ordinate à la carte, in un gaudioso marasma », «figure d' atlante antropologico», «ingordi boy scout», «Gran Visir e insostituibile alchimista», «mirabilia quotidianamente annunciati» per nascondere «lo scempio dei giudizi, che manda in fumo processi e delitti, con la procedura che diventa fuga dall' equazione penale». Restano le immagini fantasiose, dilatate e pertinenti dell'"Egoarca", dell'"Egolatra", del "Re Lanterna", e infine il fantasma grandioso e terribile del "Caimano": evocato da Cordero e poi diventato così perfetto nell' allegoria e così riconoscibile da camminare da solo nella lunga penombra italiana di quegli anni.

Addio a Franco Cordero: grande giurista e opinionista fulminante. Il Dubbio il 9 maggio 2020. Aveva 92 anni. Celebre il suo manuale di procedura penale, almeno quanto la sua battuta su Berlusconi: “E’ un Caimano”. Aveva 92 anni ed è stato un intellettuale a tutto tondo: giurista, scrittore, opinionista. La morte di Franco Cordero è stata annunciata ieri da Elisabetta Sgarbi, fondatrice della casa Editrice, La Nave di Teseo. Professore emerito di procedura penale presso l’Università La Sapienza, Cordero è stato tra i più insigni giuristi italiani del secondo Novecento: il suo manuale di “Procedura penale” (pubblicato per la prima volta da Giuffrè nel 1966, poi riscritto ex novo sul codice del 1988), è arrivato nel 2006 alla diciassettesima edizione. Nato a Cuneo il 6 agosto 1928, Cordero vince il concorso per la cattedra di procedura penale alla Facoltà di Giurisprudenza dell’Università di Trieste (1960). È poi chiamato dall’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, dove gli viene affidato anche l’incarico di insegnamento della filosofia del diritto (1960-1974). E proprio mentre insegna all’Ateneo fondato da padre Agostino Gemelli, il giurista è protagonista, suo malgrado, del clamoroso “caso Cordero”. Per l’insegnamento della filosofia del diritto scrive il libro di testo “Gli osservanti” (Giuffrè, 1967), un’analisi di come nascono i sistemi penali, rispettoso della sensibilità religiosa ma anche fedele alle verità storiche. Nel 1970 il testo vene accusato di “eterodossia” dal teologo monsignor Carlo Colombo: così l’Università Cattolica decide di escluderlo dall’insegnamento. Profondamente amareggiato, Cordero riepiloga la vicenda in un pamphlet, “Risposta a monsignore”, e al tempo stesso si rivolge anche alla giustizia amministrativa, la quale a sua volta investe la Corte Costituzionale di una questione di legittimità. Con la sentenza 195 del 1972 la Consulta si pronuncerà per la non fondatezza della questione di legittimità. In seguito all’esclusione dall’insegnamento dalla Cattolica per motivi ideologici, Cordero è chiamato alla cattedra di procedura penale della Facoltà di Giurisprudenza dall’Università di Torino e infine nel 1977 dell’Università ‘La Sapienza’ di Roma, succedendo a Giuseppe Sabatini. Dal 2003 era professore emerito. Con pamphlet e saggi ha attraversato i territori del diritto e i labirinti teologali, coniugando idee e fantasie in alcuni romanzi. Tra i suoi libri che hanno accompagnato gli anni dell’attività accademica: ”Trattato di decomposizione” (De Donato, 1970), ”L’Epistola ai Romani” (Einaudi, 1972), “La fabbrica della peste” (Einaudi, 1972), “Riti e sapienza del diritto” (Laterza, 1981), ”Savonarola” (quattro volumi, Laterza, 1986-88), “Criminalia. Nascita dei sistemi penali” (Laterza, 1986). CORDERO interrompe un lungo silenzio pubblico nel 2002 iniziando a collaborare con editoriali e commenti su ”La Repubblica”. Con una corrosiva vena satirica e un peculiare talento stilistico da pamphlet Cordero prende di mira i vari provvedimenti in materia di giustizia varati dal governo Berlusconi e dalla maggioranza di centrodestra. Cordero si sofferma sulle conseguenze dei provvedimenti legislativi sia dal punto di vista dei loro effetti immediati sia da quello dell’ordinamento complessivo del sistema penale: esamina così le leggi sulle rogatorie dall’estero e sul falso in bilancio, fino alla legge Cirami attraverso le varie forme del confitto d’interessi. Raccoglie questi suoi scritti nel libro ”Le strane regole del signor B.” (Garzanti), con cui nel 2003, tra le polemiche, vince la 68esima edizione del Premio Bagutta. E’ proprio in uno dei suoi editoriali, per la prima volta nel 2002, che Cordero paragonò con disprezzo Silvio Berlusconi a “un caimano”, fornendo poi l’ispirazione al regista Nanni Moretti per il film “Il Caimano” (2006), la cui trama ruota intorno alla figura del leader di Forza Italia. Cordero ha spesso riproposto la metafora Berlusconi-Caimano, non mancando di equipararlo a un Mackie Messer della contemporaneità, ossia il criminale senza scrupoli protagonista de “L’Opera da tre soldi” di Bertolt Brecht. Riprendendo l’antica passione per la narrativa, che lo aveva visto esordire con il romanzo “Genus” (De Donato, 1969), con cui vinse il Premio Viareggio Opera Prima di Narrativa, Cordero si è dedicato alla scrittura a tempo pieno, pubblicando negli ultimi vent’anni numerosi libri: “Nere lune d’Italia. Segnali da un anno difficile” (2004), “Fiabe d’entropia. L’uomo, Dio, il diavolo” (2005, Premio Brancati), “L’armatura” (2007) per Garzanti; “Che cos’è la giustizia?” (con cd audio, Luca Sossella Editore, 2007); “Aspettando la cometa. Notizie e ipotesi sul climaterio d’Italia” (2008), “Savonarola” (2009), “Il brodo delle undici. L’Italia nel nodo scorsoio” (2010), “Discorso sopra lo stato presente dei costumi degl’italiani. Seguito dai pensieri di un italiano di oggi (G. Leopardi)” (2011), “L’opera italiana da due soldi. Regnava Berlusconi” (2012) per Bollati Boringhieri. E ancora: “Morbo italico” (Laterza, 2013), “Rutulia” (Quodlibet, 2017), “Bellum civile” (Quodlibet, 2017).

·        E' morto "El Trinche" Carlovich: idolo di Maradona.

Federico Buffa per sport.sky.it il 9 maggio 2020. L’ex calciatore, ammirato da César Luis Menotti, José Pekerman e Marcelo Bielsa, e addirittura idolatrato da Maradona, è morto oggi a Rosario, la città argentina in cui era nato 74 anni fa, a causa di un forte trauma alla testa subito alcuni giorni fa, dopo essere stato aggredito da due giovani che gli hanno rubato la bicicletta, non molto distante dalla casa in cui era cresciuto e viveva da sempre. La città di Rosario, ribattezzata città del calcio, per via degli innumerevoli campioni a cui ha dato i natali, ricorda commossa quel suo figlio, considerato "il miglior giocatore della storia" da quelli che lo avevano visto in campo. Figlio di un idraulico croato, viveva ancora nella casa in cui era cresciuto come più giovane di sette fratelli, perché da quella città non voleva proprio andarsene. Pur essendo un tipo schivo e riluttante alle telecamere, Tomás Carlovich era adorato da tutti perché la sua figura da tempo occupava un ruolo leggendario nella mitologia collettiva. Non esistono immagini delle sue prodigiose giocate col numero 5 sulla schiena, eppure di lui si narrano aneddoti incredibili e soprattutto si ricorda una partita amichevole tra una squadra di giocatori di Rosario e la Selección argentina in partenza per i Mondiali del 1974, durante la quale si narra che qualcuno implorò di rimuovere quell'uomo “dai capelli lunghi e magro” che stava demolendo il morale dell’Albiceleste. Anni dopo, Cesar Luis Menotti, campione del mondo del ‘78, memore delle sue giocate, lo convocò nella sua selezione nazionale, ma il “Trinche” non si presentò e a chi gli chiese, rispose che non aveva tempo: doveva andare a pescare. Della sua leggenda e del suo mito, si era occupato nel 2016 Federico Buffa, nel suo racconto dedicato a Rosario, la Città del Calcio, che vi riproponiamo qui integralmente. Federico alcuni mesi fa aveva avuto il piacere di riproporre la sua storia in uno spettacolo teatrale in tre date. La storia del Trinche Carlovich è una di quelle che ti restano dentro e non è più possibile dimenticare. E’ una di quelle storie che ti fanno amare questo gioco, te lo fanno studiare nel profondo e ti spingono a volerlo raccontare. La sua storia s'avventa su di noi perché non è univoca, come se sul fiume , il fiume di Rosario, il grande Paraná, ci fossero rivoli e affluenti, ma soprattutto, perché è totalmente rosarina e poi, solo poi,  in subordine argentina. Profuma di polvere, resa spirale dall’eterno e onnipresente vento delle pianure santafecine. E profuma di zurda, che in Argentina è molto di più che dire piede sinistro, è dire artista del futbol. Indolente, slavo, volto da caratterista dei western di Sergio Leone, ma soprattutto zurdo. La drammaturgia della sua vita scavalca qualsiasi tentativo letterario. La scorsa estate , con la regia di Pierluigi Iorio e la consulenza del suo principale biografo, assieme a tanti appassionati d'argentina , 3 uomini e 2 donne, abbiamo provato a portarla in scena. Ogni sera tornando in camerino sembravamo pieni di polvere anche noi. Che la terra ti sia lieve, Trinche.”

Questo epilogo è il finale più struggente che una leggenda di quel calibro potesse avere. E’ stato un privilegio visitare la sua Rosario, camminare sul suo campo e in qualche modo poterlo immaginare. E’ stato il piccolo contributo di Sky Sport affinché la sua storia continui ad essere ricordata e non si possa dimenticare. Altri non l'hanno mai dimenticato. Come Maradona. Lo scorso 10 febbraio il Diez era a Rosario per accompagnare la sua squadra, il Gimnasia y Esgrima La Plata, contro il Rosario Central nella Super League. Il Trinche, convinto dai dirigenti della squadra locale, si presentò al suo hotel per poterlo incontrare. La sicurezza stava per cacciarlo, quando Maradona, apparso di fronte a lui, li fermò per abbracciarlo forte. Gli parlò all’orecchio per 10 minuti, senza sosta. Poi gli firmò una maglietta e gli disse: "Trinche, eri migliore di me." E Tomás, che non passava mai la palla a nessuno non poté che aggiungere: “L'unica cosa a cui potrei rispondere è: Diego, sei stata la cosa più grande che ho visto nella mia vita. Adesso posso andarmene con calma ”. Esta noche juega “El Trinche”. Questa notte, per sempre.

El Trinche. Post parzialmente non Covid. Gianfrancesco Turano su l'Espresso il 12 maggio 2020. Senza calcio, senza sport in diretta, le tv rimandano vecchie partite, sintesi di Olimpiadi trascorse e programmi con Auro Bulbarelli. Si guardano i campioni della nostra età migliore e ci si rimbecillisce un po' di più. Qualche giorno fa nell'attualità è finito, per via di paradosso, uno sportivo che nessuna telecamera ha mai inquadrato. È morto in Argentina Tomás Carlovich “el Trinche”, a 74 anni. È morto dopo essere stato picchiato da due delinquenti che gli hanno portato via la bicicletta e che, si è scritto, non sapevano chi stavano picchiando. Ammesso e non concesso che gliene importasse qualcosa, stavano picchiando il calciatore più forte della Storia, secondo Diego Armando Maradona che solo a lui si è dichiarato secondo. C'è una battuta indimenticabile del film The man who killed Liberty Valance (John Ford, 1962): “This the West, sir. When the legend becomes fact, print the legend”. Morto el Trinche, si stampa o si pubblica la sua leggenda. Non esistono sue immagini in partita perché ha sempre giocato a livello semiprofessionistico e negli anni Settanta la televisione era una cosa seria, riservata agli eventi nazionali e internazionali maggiori. Rimane qualche foto di campo in cui Carlovich assomiglia in modo impressionante a un Felice Centofanti più robusto o viceversa. Si ricorda la sua passione per i tunnel e si favoleggia che una volta lo si pregò di non rientrare in campo nel secondo tempo durante un'amichevole pre-Mondiale dell'Argentina contro una rappresentativa di Rosario (la città del Che e del Messi-a, fra parentesi) perché stava facendo fare pessima figura ai nazionali, fra i quali il ventenne Mario Kempes, che avrebbero incontrato l'Italia disastrosa del 1974. El Trinche è il tema perfetto del racconto decadentista sul football nella direzione tracciata da Osvaldo Soriano che il fulbito lo conosceva bene da dentro, avendo giocato da centravanti a buon livello fra i dilettanti finché, come disse con la sua frase più bella, “mi si restrinse la porta”. La leggenda del Trinche è la leggenda universale dell'uomo di talento che non ce l'ha fatta. Non perché vorrebbe ma non riesce, quello è il brocchus communis, ma perché fama, denaro, popolarità lo lasciano totalmente indifferente. El Trinche è un caso di ars gratia artis. Due sole partite in serie A, zero allenamenti, licenziato in tronco. Segue una vita di stenti e il suo coronamento finale, la morte tragica. Una volta il gioco dell'antitesi si faceva fra fuoriclasse acclamati. Per esempio, nella contrapposizione tra Pelè – avido, interessato, anemotivo – e Garrincha – zoppo per la polio, generoso, disposto a farsi derubare dal primo falso amico -. In breve, l'antagonismo razzista di sinistra fra nero calcolatore rinnegato che tenta di evolversi e nero che si immerge nella sua negritudine e pensa solo a danzare col pallone, ubriacando l'avversario in campo e se stesso fuori. Per chi è interessato al fatto più che alla leggenda - gente noiosa, gente invidiosa - proviamo a dare qualche indicazione. È fortemente improbabile che Maradona abbia mai visto giocare El Trinche Carlovich. Il rosarino di origine croata aveva già trent'anni nel 1976 quando il sedicenne Diego, nato a Lanús nella provincia di Buenos Aires (oltre 300 km da Rosario), debuttava in serie A con il club porteño degli Argentinos Juniors. È abbastanza ovvio che la battuta del Pibe, pronunciata durante la sua conferenza stampa di presentazione dopo l'ingaggio nel Newell's Old Boys, fosse destinata a guadagnare ulteriore adorazione dalla afición rosarina dove el Trinche aveva una sua popolarità di nicchia ma super partes rispetto alla feroce separazione derbistica tra fan del Rosario Central e tifosi del Newell's. Anche se Maradona avesse visto giocare Carlovich e il suo parere fosse meditato, sarebbe uno dei non pochi giudizi sballati di Diego che non dovrebbe nemmeno per scherzo paragonare il suo genio a quello di un saltimbanco di periferia. O magari di un fuoriclasse svogliato. Ma fare il fenomeno con i semipro di Rosario e, una tantum, con la nazionale argentina del '74, imballata, fuori forma ed essenzialmente modesta, non è come vincere un Mondiale e due (due!) scudetti a Napoli, per tacere del resto. Ognuno ha la sua idea del calcio e ognuno è il calcio che gioca. Ma il calcio non è uno sport decadentista. Il calcio è epica e tragedia. Lo dimostra Maradona come pochi altri. Lui però, nei suoi momenti migliori ha prevalso sulla parte decadente di se stesso. Per citare la battuta di Charlie Parker in un altro film Usa (Bird, Clint Eastwood, 1988): «Io non sono Bird grazie all'eroina. Sono Bird nonostante l'eroina». In nome di tutti i brocchi, avere ricevuto il carisma e disprezzarlo è la bestemmia assoluta. Con ciò, descanse en paz El Trinche e tutti quelli che si sono venduti la primogenitura per un piatto di lenticchie. Se sono stati più lazzaroni o più coraggiosi, non sta a noi brocchi dirlo.

Addio a Trinche Carlovich, leggenda argentina e idolo di Maradona. Alberto Pastori il 09/05/2020 su Notizie.it. Giocate leggendarie e rifiuto ad ogni tipo di schema: il calcio argentino piange Tomas 'El Trinche' Carlovich, idolatrato anche da Maradona. L’Argentina si stringe e piange una delle sua leggende, genio calcistico e perfetta incarnazione del “ribelle”. Tomas Carlovich, detto ‘El Trinche’, è morto a 71 anni. Si trovava in coma dopo aver battuto la testa con violenza mentre cercava di impedire che alcuni malviventi gli rubassero la bici. Il padre era emigrato in Argentina negli anni 30. Tomas, capelli lunghi e giganteschi baffoni, pur non avendo mai giocato in grandi squadre o vinto trofei, aveva conquistato una certa popolarità grazia alle sua giocate ricche di genio e il suo completo rifiuto degli schemi. Un talento, quello del Trinche, riconosciuto anche da colui che secondo molti è il più forte di sempre: Diego Armando Maradona. Nel 1993 Maradona, in vista dei Mondiali di USA ’94, andò a giocare nel Newell’s Old Boys di Rosario. Ovviamente fu venerato da tutti. Quando un giornalista lo definì il più grande giocatore della storia della città, Maradona rispose: non è vero, nessuno è come El Trinche. Carlovich infatti fu legato a due squadre, il Rosario Central e il Central Cordoba. Nonostante la possibilità di andare a giocare in altri paesi (Francia o USA) lui preferì sempre rimanere a casa. “Non mi è mai piaciuto stare lontano dal mio quartiere, dalla casa dei miei genitori, dal bar dove vado di solito, dai miei amici e dal “Vasco” Artola, che mi ha insegnato come colpire la palla quando ero un ragazzo.” disse. Il marchio di fabbrica del Tinche era il doppio tunnel. Le persone prendevano dall’assalto le tribune solo per vederlo e i dirigenti del Central gli davano un premio per ogni volta che lo eseguiva. Da oggi il calcio è meno poesia.

E' morto "El Trinche" Carlovich: genio senza schemi, era l'idolo di Maradona. Aveva 71 anni, era in coma dopo aver battuto la testa per evitare il furto della bicicletta. Ribelle alla tattica, innamorato della giocata. Persino Diego in lui vedeva un mito. Luigi Panella l'08 maggio 2020 su La Repubblica. L'Argentina perde il suo genio calcistico ribelle per antonomasia. Pochi giorni dopo aver compiuto 71 anni è morto Tomas Carlovich, detto 'El Trinche': era in coma dopo aver urtato violentemente il capo mentre cercava di impedire a dei malviventi di rubargli la bicicletta. Non ha mai giocato con la maglia della nazionale, non ha mai militato in Boca o River, non ha mai vinto grandi trofei. Ma era un personaggio letterario, nel gioco e nell'aspetto cinematografico, con i capelli lunghissimi e i baffoni spioventi. E le sue storie di calcio, velate dal tempo, sono spesso state sospese tra verità e leggenda. Non a caso neanche l'origine del suo alias è chiara: potrebbe derivare da Trinchador, intagliatore, un tributo all'arte delle sue giocate. E sempre non a caso, l'inchiostro speso per lui nel corso degli anni è paragonabile a quello dedicato ad alcuni grandissimi del calcio. Un dna balcanico (lo dice anche il cognome, il papà era emigrato dalla Croazia negli anni 30) miscelato alla tecnica argentina, il gusto per la giocata (addirittura meglio se fine a se stessa), una innata indolenza e il rifiuto degli schemi. Per descrivere la popolarità di Carlovich in Argentina, è sufficiente citare due episodi. Il primo risale a 27 anni fa, quando un Diego Armando Maradona ancora motivatissimo (l'anno dopo c'era il Mondiale negli Stati Uniti a cui teneva molto) andò a giocare nel Newell's Old Boys di Rosario. Ad un giornalista che, prima ancora che toccasse un pallone, lo aveva già eletto come il più grande giocatore della storia della città, Maradona replicò contestando l'affermazione: sbagliato, nessuno è come El Trinche. Il secondo bisogna andarlo a cercare nella marcia di avvicinamento al Mondiale del 1974 in Germania. L'Argentina, che si era qualificata dopo la deludente eliminazione patita dal Perù verso Messico 1970, non aveva una squadra grandissima ma stava gettando le basi per vincere in casa quattro anni dopo. Ai dirigenti federali venne l'idea di organizzare una amichevole contro una selezione rosarina, idea sempre rischiosa perché in molti considerano la tradizione di Rosario come vera e propria culla del calcio argentino. Tra i rosarini anche Carlovich che, trovata la classica serata in cui gli riusciva tutto, stava mandando ai matti quella della albiceleste. Tre a zero alla fine del primo tempo, e per evitare crisi di identità all'interno del gruppo che doveva fare il mondiale,  il ct dell'epoca, Vladislao Cap, chiese di togliere il 5 avversario. Quel 5, manco a dirlo, era El Trinche...Le sue squadre più importanti furono il Rosario Central e il Central Cordoba. Niente a che vedere con ingaggi stellari, ma i suoi guadagni comunque si accrescevano quando faceva il doppio tunnel (immaginare l'avversario come ci restava), il suo marchio tecnico di fabbrica. I dirigenti del Central, esaltati dal pubblico che per vedere quel gesto riempiva le tribune, gli davano infatti un premio per ogni volta che lo eseguiva. Avrebbe potuto guadagnare di più se avesse accettato la corte dell'Europa (fu cercato in Francia) e degli Usa, ma non si volle mai muovere dall'Argentina. Una scelta racchiusa in una frase: "Non mi è mai piaciuto stare lontano dal mio quartiere, dalla casa dei miei genitori, dal bar dove vado di solito, dai miei amici e dal "Vasco" Artola, che mi ha insegnato come colpire la palla quando ero un ragazzo..".

·        Morto Luca Nicolini, il libraio che inventò il Festivaletteratura di Mantova.

Morto Luca Nicolini, il libraio che inventò il Festivaletteratura di Mantova. È mancato all'età di 66 anni l'uomo che aveva creato, insieme alla moglie e altri sei pionieri, il primo happening di letteratura di massa italiano. Nicolini aveva scoperto di essere gravemente malato lo scorso settembre. Raffaella De Santis l'08 maggio 2020 su La Repubblica. È morto Luca Nicolini, il fondatore appassionato dall’aria mite del Festivaletteratura di Mantova. Nicolini aveva 66 anni e dallo scorso  settembre aveva scoperto di avere un tumore. Lo aveva saputo proprio nei giorni del festival ma ciò non gli aveva impedito di partecipare con il sorriso, di girare tra gli incontri, mescolarsi con il pubblico, il cartellino appeso al collo come fosse uno dei tanti. Invece lui quel festival lo aveva fondato nel 1997, quando con la moglie Carla Bernini avevano pensato di trasformare l'amore per i libri in una festa per tutti.  Erano partiti subito in grande con Salman Rushdie a inaugurare la prima edizione. Il destino ha voluto che se ne andasse proprio nell'anno dei festival cancellati, degli incontri online e dei viaggi negati. Lui che amava mescolarsi alla gente, girare in bicicletta di incontro in incontro. Marzia Corraini, insieme a lui nel comitato organizzatore della rassegna fin dall'inizio, ne ricorda il lavoro appassionato: "Anche in questo ultimo periodo di malattia era sempre con noi a ragionare sul prossimo Festival, che sarà diverso, ma ci sarà". La prossima edizione è prevista tra il 9 e il 13 settembre, in qualunque forma si riesca a immaginare. 

L’idea del Festival. Festivaletteraura è un festival speciale, chi ci è stato lo sa. Non solo perché vive tra le strade di Mantova, città bellissima, ma perché è un esperimento di manifestazione culturale creata dal basso, un happening culturale che parte dall’idea di un libraio per coinvolgere tutti, un esercito di ragazzi volontari con le magliette blu che sono diventati insieme agli organizzatori l’anima della rassegna. A crearlo con Nicolini e la moglie un comitato organizzativo di altri sei pionieri: Laura Boccaglioni, Annarosa Buttarelli, Francesco Caprini, Marzia Corraini, Paolo Polettini, Gianni Tonelli.  

Dalla libreria al Festivaletteratura. Nicolini per tanti anni ha fatto il libraio. La sua libreria, fondata nel 1979, si chiamava Nautilus ed era un posto in cui si andava per chiacchierare di letteratura e navigare tra le parole degli scrittori.  In tasca una laurea in storia, con la moglie Carla, laureata in filosofia, un giorno  ha avuto l’idea di inventarsi un festival di letteratura dopo essere stato colpito da quello di Hye-on-Wye, dopo un viaggio in Galles. Scommessa vinta, alla prima edizione del Festivaletteratura a Mantova c’erano 12 mila persone (lo scorso anno erano 122 mila, dieci volte tante). Nicolini era riuscito a mettere su una macchina perfetta, all’inizio coinvolgendo prevalentemente scrittori italiani e poi nel tempo sempre più internazionali, star e autori meno noti nel nostro paese da far conoscere ai lettori comuni. Tra i big lo scorso anno c’erano stati Ian McEwan, Jonathan Safran Foer e Margaret Atwood, seguita da uno stuolo di lettrici groupie vestite da ancella.  Nicolini aveva da poco lasciato la libreria Nautilus, ora nel gruppo delle librerie Coop, nelle mani di un’altra navigante Ilaria Beccari. "Eravamo un gruppo coeso pur nelle diversità delle rispettive formazioni", dice Corraini, "ci mancherà".

L'abbraccio del mondo della cultura. "Uomo visionario e al contempo fattivo, innamorato del libro e della lettura, capace di creare con il suo entusiasmo un festival pioneristico, divenuto da oltre vent'anni un'autentica eccellenza, grazie alla perseveranza e alla capacità che gli erano proprie e di tutti quelli che hanno collaborato con lui. La scomparsa di Luca Nicolini colpisce duramente Mantova e l'Italia intera". Così il ministro per i Beni e le attività culturali Dario Franceschini ricorda il fondatore del Festivaletteratura di Mantova. Il ricordo di Ricardo Franco Levi, presidente dell'Associazione italiana editori (Aie): "Siamo profondamente colpiti per questa perdita. Tutto il mondo del libro gli è grato per averci regalato il Festival di Mantova, 'capostipite' di tutti i festival del libro che tanto hanno da allora segnato la vita culturale dell'Italia". Tra i ricordi su Twitter quello di Marco Cassini, editore di Sur, un piccolo tenero esempio dell'alleanza amorosa e lavorativa tra Luca Nicolini e sua moglie Carla Bernini: "E poi ho sempre trovato una delle cose più romantiche al mondo il che condividessero un unico indirizzo email in cui i nomi di luca e carla si sono fusi in un meraviglioso 'lucarla', che gli ho sempre affettuosamente invidiato. So long, Luca, and thanks for all the fish!". E le edizioni Feltrinelli hanno postato questo Tweet: "Il @festletteratura è sempre un momento di festa, oggi però è un giorno triste. Oggi ricordiamo commossi la passione, la gentilezza e l'amicizia di Luca Nicolini e siamo vicini a tutto il comitato organizzativo, lo staff, i volontari e i partecipanti del Festival". Sui social l'abbraccio dell'editore Sellerio: "Luca Nicolini è stato un grande libraio. Attento, premuroso, sapiente, ha acceso il mondo del libro con un'idea luminosa come il @festletteratura, segnando la strada verso un modo diverso di diffondere la passione per il libro". E Guanda: "Lo ricordiamo per la sua infaticabile attività culturale e per le generose doti umane". Tra gli scrittori c'è Michela Murgia, a ricordarne la passione civica: "Il @festletteratura non è una kermesse: da 23 anni è soprattutto una grande assemblea civica e per immaginare la cultura in questo modo ci vogliono profeti, non organizzatori. Grazie, Luca. Niente andrà perso". E naturalmente il ricordo del Festivaletteratura: "Luca se n'è andato. Era il presidente del comitato organizzatore del Festival, ma per tutti noi - un noi allargatissimo - era anche molto di più". Elena Loewenthal, direttore della Fondazione Circolo dei lettori di Torino, ha così commentato la scomparsa di Nicolini: "Grazie a lui la cultura ha imboccato una strada nuova e ricca di bei frutti: è diventata qualcosa di condiviso, allegro e variopinto quale non era mai stata prima. Il Festivaletteratura era e resta per me il suo sorriso, la sua bicicletta. Il modo che aveva di accogliere gli ospiti, il pubblico, le parole. Tornare a Mantova, in quella atmosfera unica che Luca Nicolini ha saputo creare, sarà diverso d'ora in poi, seppure nella certezza che la sua comunità gli resterà fedele come e più di sempre". 

·        Morto il rapper Ty.

Morto il rapper Ty: il 47enne era positivo al Coronavirus. Antonino Paviglianiti il 09/05/2020 su Notizie.it. È morto a causa del Coronavirus il rapper Ty, nome d'arte di Ben Chijioke, è venuto a mancare all'età di 47 anni. Era ricoverato da giorni e alla fine non ce l’ha fatta: è morto il rapper Ty, nome d’arte di Ben Chijioke, venuto a mancare all’età di 47 anni a causa delle complicanze da Coronavirus. Lutto nel mondo della musica britannica per la dipartita di una delle star del palcoscenico hip-hop inglese: nominato ai Mercury Prize per l’album Upwards, il rapper 47enne era stato ricoverato in ospedale ad inizio aprile e poco dopo sotto indotto al coma farmacologico per aiutare il suo corpo a ricevere il trattamento appropriato. Dopo un miglioramento delle sue condizioni, Ty aveva lasciato la terapia intensiva a metà a aprile ma aveva contratto la polmonite. Diane Laidlay, stretta collaboratrice del rapper Ty, ha raccontato sui social le ultime ore di vita: “Le sue condizioni erano migliorate ma la scorsa settimana mentre era in ospedale aveva contratto la polmonite che ha peggiorato la sua guarigione e alla fine non è riuscito più a combattere. Siamo tutti devastati per la sua morte”. Nato a Londra nel 1972, figlio di immigrati nigeriani, Ty ha pubblicato il suo album di debutto Awkward nel 2001, presentando una versione britannica dello stile hip-hop americano. Era molto amato dal pubblico. Dopo il grande successo di “Upwards”, Ty ha pubblicato altri tre album da solista, l’ultimo “A Work of Heart” è uscito nel 2018. Membro del The Hip-Hop Shakespeare Company, fondato nel 2009 dal rapper Akala, nel 2019 è stato anche l’artefice della nascita di un supergruppo hip-hop britannico chiamato Kingdem con i rapper Blak Twang e Rodney P. Nel corso degli anni ha anche collaborato con De La Soul, Soweto Kinch e Roots Manuva.

·        E' morto Bob Krieger, il fotografo di Agnelli e Armani.

E' morto Bob Krieger, il fotografo di Agnelli e Armani. Il celebre ritrattista ha documentato il boom della moda italiana degli anni '80. Davanti al suo obiettivo ha sfilato anche tutto il Who’s Who degli ultimi decenni di vita nazionale italiana. Michele Smargiassi il 07 maggio 2020 su La Repubblica. Grazie a lui, il Made in Italy non è stata un’etichetta cucita sul collo del vestito, ma una storia di persone.  O meglio di personaggi, e di personalità. Se n’è andato ieri a 84 anni Bob Krieger, insospettabilmente italianissimo fotografo di moda e di grandi ritratti. Era rimasto bloccato da due mesi a Santo Domingo, in casa di amici, per l’interruzione dei voli causa pandemia: avrebbe dovuto rientrare a Milano proprio oggi. Italianissimo,  per scelta e vocazione, nonostante l’anagrafe e la genealogia: era nato ad Alessandria d’Egitto (dove la sua istitutrice fu nientemeno che la principessa Margherita di Savoia in esilio), da madre siciliana nipote d’arte e padre di ascendenze nobiliari prussiane, portava quel nome metà anglofono e metà tedesco, ma è stato l’artefice dell’immagine della moda italiana nel mondo, non solo con le sue foto di moda ma soprattutto attraverso i ritratti dei grandi protagonisti dello stile, da Armani a Valentino a Versace, Prada, Missoni; e più in generale dell’Italian Way fra gli anni Sessanta e i Novanta. Cominciò ad accompagnare l’ascesa del successo italiano nel mondo negli anni in cui Vogue America titolava, non si sa se con più eccitazione o apprensione “Italians are coming!”, l’ha seguita fino ai trionfi degli anni d’oro, smettendo solo all’avvento delle tecnologie digitali, che non amava. Davanti al suo obiettivo ha sfilato tutto il Who’s Who degli ultimi decenni di vita nazionale italiana, da Agnelli (di cui divenne di fatto il ritrattista ufficiale) a Montanelli a Ciampi, da Berlusconi a Baggio a Carla Fracci a Olmi, Arbasino, Zucchero… Pagine di riguardo non solo sui patinati ma anche sul New York Times, tre copertine di Time, per i media Usa fotografò anche Bill Gates. Il suo segreto: uno stile piacevolmente anacronistico, con citazioni formali da anni Cinquanta, soprattutto nei ritratti in bianco e nero, ma con tagli ed espressioni del volto non formali e spesso movimentate dall’intervento espressivo e ironico delle mani: Agnelli se ne porta una all’occhio come sorpreso, don Mazzi si stringe il mento fissando il cielo, Montanelli sembra volersi cucire la bocca…Artista, preferiva essere definito, forse ricordando il pianto della madre quando le annunciò che sarebbe vissuto di fotografie. Amante della musica. Negli ultimi anni si prese la libertà di dedicarsi a una ricerca creativa più personale, come in Anima nuda, un libro di corpi in posa senza veli, come a voler rincorrere l’essenza fragilissima che sta dietro la maschera sociale a cui, per decenni, è stato un sapiente edificatore. 

Gianluigi Colin per il “Corriere della Sera” l'8 maggio 2020. La fotografia italiana perde uno dei suoi più grandi autori. Bob Krieger, tra i più affermati ritrattisti di respiro internazionale è morto, improvvisamente all' età di 84 anni mentre si trovava in vacanza a Santo Domingo, ospite di amici. A dare la notizia della scomparsa è stata Maria Grazia Vernuccio, amica e curatrice della sua ultima grande mostra e che lo aveva sentito telefonicamente alla vigilia della partenza in aereo per rientrare a Milano, dove viveva. Krieger era stato «costretto» a prolungare di due mesi il soggiorno a Santo Domingo a causa delle restrizioni per la pandemia da coronavirus. La figura appassionata e instancabile di Bob Krieger è legata in modo particolare alla storia della moda italiana, a una personalissima e riconoscibile idea di ritratto, ma soprattutto incarna l' idea di rinascita di un' Italia capace di esprimere, quella feconda stagione di successi dell' Italian Style nel mondo, che va dagli anni Sessanta sino agli anni Novanta. In fondo, Krieger ha raccontato attraverso il suo sguardo rigoroso e non incline a compiacimenti estetici, il grande boom del Made in Italy, e i suoi protagonisti. Indimenticabili le sue foto in bianco e nero di personaggi che fanno parte della storia del nostro Paese: da Giorgio Armani a Indro Montanelli, da Bill Gates a Silvio Berlusconi, da Carla Fracci a Valentino, Carlo Azeglio Ciampi, Charlotte Rampling, da Miuccia Prada a Gianni Agnelli, di cui è stato il ritrattista ufficiale negli ultimi anni della sua vita. Il suo sguardo oltre a raccontare la poliedricità dei protagonisti della cultura, dello spettacolo, dell' economia, italiana, tracciandone una rigorosa idea di rappresentazione, ha letteralmente conquistato anche il difficile e complesso sistema dell' immagine americana: sue alcune copertine iconiche di «Time», a partire da quella storica di Giorgio Armani che lo incoronò definitivamente come il re della moda mondiale. Ed è stata proprio la moda a segnare in modo assoluto la sua avventura professionale. Krieger ha lavorato per tutti gli stilisti più importanti di quel periodo in cui la moda stava esplorando nuovi territori espressivi intorno ai modelli di rappresentazione. Con Armani ha avuto un rapporto strettissimo ma ha lavorato intensamente anche con Valentino, Versace, Krizia, Gianfranco Ferrè, Mila Schon, Moschino, Emilio Pucci. Intensa la sua attività editoriale: per circa otto anni è stato corrispondente del «New York Times Magazine», ha collaborato poi con «Vogue», «Esquire» e «Harper' s Bazaar», ma la sua avventura nel cuore dell' immagine lo ha portato anche ad assumere, dal 1970 al 1975, anche il ruolo di art director di «Bazaar Italia». Krieger era un uomo schivo, cordialissimo, a suo modo discreto, ma amava con simpatia raccontare della sua vita che appariva come un romanzo. Era un intellettuale dell' immagine e questa sua visione, in qualche modo «aristocratica», veniva dalla storia familiare abituata a superare confini di ogni tipo, territoriali e linguistici: nato ad Alessandria d' Egitto nel 1936, è come se avesse ereditato il rigore del suo carattere dal padre prussiano. Ma per fortuna aveva compensato la vena artistica dalla madre, appartenente alla famiglia di pittori, librettisti, attori, artisti. Per «la Lettura» aveva realizzato una copertina che si presentava come la sintesi potente di tutta la sua esistenza: il dettaglio di un occhio, metafora di tutta la sua vita dedicata a vedere, amare e scrivere con la luce.

·        E’ morto Vincenzo Abbagnale.

Lutto nel mondo del canottaggio: è morto Vincenzo Abbagnale. Addio al padre dei leggendari fratelli campioni olimpici. Mauro De Riso su La Repubblica il 02 maggio 2020. Lutto nel mondo del canottaggio per la morte di Vincenzo Abbagnale, padre dei leggendari fratelli Giuseppe, Carmine e Agostino, pluricampioni olimpici originari di Castellammare di Stabia. Il decesso è avvenuto all’alba a seguito dei postumi di un intervento chirurgico effettuato all’ospedale Cardarelli di Napoli. Vincenzo Abbagnale avrebbe compiuto 88 anni a giugno ed è stato fondamentale per i successi dei figli, avviati al mondo del canottaggio nel Circolo Nautico Stabiese, fucina di talenti che hanno scritto pagine di storia del canottaggio italiano. Giuseppe e Carmine sono stati per due volte campioni olimpici nel leggendario due con insieme al timoniere Peppiniello Di Capua, nel 1984 a Los Angeles e nel 1988 a Seul, e hanno conquistato un argento a Barcellona nel 1992, vantando nel palmares anche sette ori ai mondiali.Agostino, a sua volta, ha vinto tre medaglie d’oro alle Olimpiadi e due ori e due argenti ai mondiali. Vincenzo, figlio di Giuseppe, ha già vinto tre mondiali ed è pronto a portare avanti la tradizione di famiglia. Ad esprimere cordoglio per la morte di Vincenzo Abbagnale è stata la Federazione Italiana Canottaggio, di cui Giuseppe è il presidente. “Al presidente, ai suoi fratelli e sorelle, e a tutta la famiglia, - si legge nella nota della Fic - sono giunte immediate le più sentite condoglianze da parte dei vice presidenti e di tutto il Consiglio Federale, del segretario generale, di tutte le componenti della Federazione Italiana Canottaggio e dell’Italia del canottaggio”. Parole d’affetto arrivano anche da Giada Gervasi, sindaco di Sabaudia, città a cui i fratelli sono molto legati. “È con grande dolore che apprendo la notizia della scomparsa di Vincenzo Abbagnale, primo grande tifoso dei figli Giuseppe, Carmine e Agostino, campioni di canottaggio che hanno senza dubbio contribuito a scrivere la storia del mondo remiero italiano e internazionale. - sottolinea il primo cittadino di Sabaudia - Un particolare abbraccio voglio indirizzarlo al figlio Giuseppe, presidente della Federazione Italiana Canottaggio, da sempre legato alla nostra comunità e primo sostenitore di Sabaudia quale location d’eccellenza per le diverse manifestazioni remiere internazionali”.

·        È morto Florian Schneider, fondatore dei Kraftwerk.

È morto Florian Schneider, fondatore dei Kraftwerk. Il musicista tedesco aveva 73 anni. Insieme all'amico Ralf Hütter aveva creato nel 1970 il gruppo di musica elettronica realizzando album di successo tra cui Autobahn, Radio-Activity e Trans-Europe Express. Era uscito dalla formazione nel 2008. Gianni Santoro su La Repubblica il 6 maggio 2020. È morto Florian Schneider, membro fondatore dei Kraftwerk. Aveva 73 anni. Ad annunciare la sua scomparsa è stato il dj e produttore musicale Mark Reeder su Facebook, senza fornire dettagli, per poi cancellare il post che conteneva la notizia. Solo dopo varie ore la morte è stata confermata da Billboard. "Il cofondatore dei Kraftwerk Ralf Hütter ha dato la triste notizia: l'amico e socio per molti decenni Florian Schneider è morto dopo una breve battaglia contro il cancro pochi giorni dopo il suo 73esimo compleanno", ha annunciato poi la band in un comunicato. Schneider, precisa il Guardian, sarebbe morto già una settimana fa e ci sarebbe stato un funerale privato. Schneider, nato il 7 aprile 1947 a Düsseldorf, era diventato famoso in tutto il mondo come fondatore dei Kraftwerk, storica formazione tedesca di musica elettronica. Aveva creato il gruppo (il cui nome significa "centrale elettrica") insieme all'amico Ralf Hütter nel 1970, conosciuto durante gli studi presso la Academy of Arts di Remscheid, poi insieme studiarono a Düsseldorf. Prima come flautista e poi dedito agli strumenti elettronici, Schneider veniva dall'esperienza con la formazione dei Pissoff e poi con Hütter si dedicò all'ensemble di musica sperimentale e krautrock Organisation, fino all'inizio della storia dei Kraftwerk. In 50 anni di carriera, dopo gli esordi con il produttore Conny Plank (Il terzo album dei Kraftwerk portava come titolo semplicemente i nomi dei due fondatori: Ralf und Florian), la band ha pubblicato album fondamentali per la storia della musica come Autobahn, Radio-Activity e Trans-Europe Express, raggiungendo anche un grande successo di pubblico con il brano di electro-pop The model, che raggiunse il primo posto della classifica inglese nel 1982, e con The robots. L'influenza dei Kraftwerk nel mondo della musica è stata di grande portata, spaziando dal pop al rock, all'hip-hop, all'electro e alla techno (uno dei suoi pionieri, Derrick May, la definiva come "George Clinton e i Kraftwerk chiusi in ascensore"): tra i tanti musicisti che si sono detti influenzati dalla band ci sono David Bowie, che dedicò a Florian la traccia V-2 Schneider contenuta nel suo album del periodo berlinese Heroes, i Joy Division e la loro evoluzione New Order e l'electro-pop degli anni Ottanta, Depeche Mode, Soft Cell, Human League, quindi Afrika Bambaataa (che omaggiò la band con la sua Planet rock) per arrivare fino al nuovo Millennio: per la canzone Talk del 2005 i Coldplay presero la melodia di Computer love dei Kraftwerk. I testi dei brani alternavano spesso versioni in tedesco con versioni in inglese, per poi avventurarsi a volte anche in altre lingue: esiste anche una versione in italiano di Pocket calculator - singolo del 1981 tratto dall'album Computer world - per l'occasione diventato Minicalcolatore. Tre i Grammy vinti in mezzo secolo: quello alla carriera nel 2014, nella categoria dance-elettronica per l'album antologico 3-D The catalogue e nel 2015 Autobahn è entrato nella Hall of Fame dei premi. L'ultimo album uffciale dei Kraftwerk fu Tour de France Soundtracks del 2003 in occasione del centenario della gara ciclistica francese: il primo lavoro dopo 17 anni conteneva anche versioni alternative di composizioni note, come appunto Tour de France del 1983. Schneider fu insieme a Hütter l'unico componente fisso della band, che nell'immaginario artistico si presentava come un collettivo robotico in cui le macchine avevano più importanza delle persone che le manovravano (utilizzavano manichini per foto promozionali e in alcuni casi per le esibizioni). Fino al 2008, quando decise di lasciare la formazione, che continuò a esibirsi in giro per il mondo con nuovi componenti, spesso per concerti in cui al pubblico erano consegnati occhiali per le proiezioni in 3D. Altri due componenti storici, Wolfgang Flur e Karl Bartos, si erano allontanati durante gli anni Ottanta e Novanta. Ad accompagnare Hütter nei tour da alcuni anni erano Fritz Hilpert, Henning Schmitz e Falk Grieffenhagen. Nel 2015 Schneider pubblicò una nuova traccia senza la band, Stop Plastic Pollution, per la causa ambientalista. I Kraftwerk erano attesi in Italia per quattro date: il 21 maggio al Gran Teatro Geox di Padova, il 23 al Teatro Regio di Parma e il 25 e il 26 al Teatro degli Arcimboldi di Milano, appuntamenti ovviamente cancellati a causa dell'emergenza coronavirus.

Massimo Cotto per “il Messaggero” l'8 maggio 2020. Il mondo del rock piange un pioniere, uno dei più grandi. Se ne va a 73 anni il tedesco Florian Schneider, fondatore dei Kraftwerk, una delle band più importanti nella storia della musica popolare. Difficile raccontare la loro parabola ai più giovani, difficile spiegare che senza di loro tutto sarebbe stato diverso, più lento, più buio. Perché erano altri anni, altri tempi. Erano nati a Düsseldorf nel 1970, all'alba di un decennio che avrebbe rivoluzionato il mondo del rock e loro diedero a quel mondo una robusta spallata. Facevano musica elettronica, ma detto così non dice nulla. Non furono nemmeno i primi a sonorizzare la società industriale e nemmeno i primi a utilizzare le tastiere elettroniche, ma furono i migliori, perché riuscirono a riverberare ogni invenzione, a spargere il seme in tutte le direzioni. Florian Schneider era il grande architetto, il feticista del suono, come lo definì Ralf Hütter, artefice con lui della favola chiamata Kraftwerk. Le loro canzoni si sistemavano a metà strada fra l'ossimoro del dolce rumorismo e l'elettropop e per questa ragione possiamo affermare che tanto la musica industriale che la dance discendono dai Kraftwerk. Senza di loro la new wave avrebbe preso una piega differente, i Blondie non sarebbero esistiti e nemmeno Devo, Ultravox, Gary Numan, gli OMD. Senza di loro i Simple Minds non avrebbero conosciuto la loro prima fase, quella più disimpegnata, e i Depeche Mode avrebbero faticato a trovare una strada. Senza i Kraftwerk, Giorgio Moroder non avrebbe infilato l'elettronica nella disco e Donna Summer sarebbe rimasta una bellissima sconosciuta. Se non vi basta, sappiate che i pionieri dell'hip-hop hanno consumato i dischi del gruppo tedesco. Afrika Bambaataa scrisse uno dei primi classici del genere, Planet Rock dopo aver mandato a memoria Trans-Europe Express. Di conseguenza non esisterebbero Chemical Brothers e Daft Punk. Mi fermo qui. Potrei raccontare ancora della geniale invenzione di Schneider, l'e-flute, il flauto elettronico. O l'uso stratosferico, dopo l'avvento dei computer, dei sequencer virtuali, primo fra tutti il Cubabase. Ma, alla fine, quello che rende grande un artista non è solo il lascito, l'influenza sui posteri, il solco tracciato. È anche l'emozione. Ed è qui il capolavoro assoluto di Schneider. Perché è difficile davvero toccare le corde emotive quando suoni musica elettronica. Loro ci riuscirono, in album fenomenali come Autobhan, Trans-Europe Express e The Man-Machine, oltre che nel folgorante esordio. Le loro suite erano puro dadaismo elettronico, mai prima di loro la poesia si era avvicinata così tanto alla freddezza del suono. Fra i tanti a rimanere folgorati dall'avventura dei Kraftwerk, ci fu David Bowie, che inserì nella trilogia berlinese, insieme a Brian Eno, elementi introdotti o suggeriti da Florian Schneider. Non solo. Bowie volle che l'omaggio fosse chiaro, evidente a tutti. Per questo intitolò V-2 Schneider un brano di Heroes. Se n'è andato non di coronavirus, ma di tumore. Una settimana fa, anche se la notizia è stata data solo ieri, a funerali avvenuti. In forma privata. Come la sua musica, che è avanzata in punta di piedi, ma che ha fatto strada. Così tanta, che a raccontarla per intero nemmeno si può.

Bruno Ruffilli per "lastampa.it" il 7 maggio 2020. La voce circolava da qualche ora, ma la conferma è arrivata dopo che già su Twitter si moltiplicavano gli omaggi: Florian Schneider, uno dei due fondatori dei Kraftwerk è morto. Aveva 73 anni. La loro storia inizia nel 1970, quando Florian Schneider e Ralf Hütter, musicisti di formazione classica, debuttano col nome di Kraftwerk. Avevano già sperimentato col nome Organisation per qualche anno, citando Stockhausen e Pierre Schaeffer. Ma con la loro “centrale elettrica” influenzeranno la musica dei decenni successivi come forse solo i Beatles, pur partendo da Düsseldorf, alla periferia di tutto ciò che è rock e pop. Dai new romantic alla techno, passando per l'ambient, l’house, l’hip hop e mille altri generi, in tanti hanno ripreso da loro l'idea che le macchine potessero diventare strumenti musicali. Anche David Bowie aveva omaggiato Schneider, nell'album Heroes (1977): un brano quasi totalmente strumentale è intitolato V-2 Schneider, come il musicista tedesco. La loro Computer Love è stata campionata dai Coldplay in un singolo di qualche anno fa, da Trans Europe Express sono nati insieme gli Einstürzende Neubauten e Afrika Bambaataa, e i Daft Punk si sono coperti nipoti di Philip Glass. In Tour de France i rumori diventano musica, si intrecciano con le percussioni, si scompongono e si moltiplicano, si alternano con linee melodiche che rimandano alla tradizione sinfonica tedesca. Uno dei loro brani più noti, Radioactivity, è un delirio lucidissimo di suoni e rumori. Nel 1975, quando fu pubblicato, sembrava una dichiarazione d’amore per l’energia nucleare, oggi è un manifesto ecologista, con una strofa cantata in giapponese per ricordare Fukushima; per capovolgerne il senso è bastato aggiungere una parola al ritornello (“Stop radioactivity”). Schneider suonava il sintetizzatore, il vocoder, il flauto, il sax e molto altro, oltre a essere una delle due voci dei Kraftwerk: ha lasciato la band nel 2008. Durante il suo periodo con il gruppo, i Kraftwerk hanno pubblicato 10 album in studio, tra cui l'acclamato Autobahn del 1974. Hanno anche vinto il Grammy per il miglior album dance/elettronico nel 2017 per il 3D The Catalogue, e sono stati insigniti del premio alla carriera nel 2014. I Kraftwerk hanno scardinato i concetti tradizionali di artista e di ispirazione: si dichiarano “musik-arbeiter”, lavoratori della  musica, passano otto ore al giorno nei Kling Klang Studios come impiegati qualsiasi. Della formazione originale rimane oggi solo Ralf Hütter, dopo che nel 2008  Florian Schneider aveva lasciato la band. Sul palco però erano sempre in quattro, oltre a Hütter, Henning Schmitz e Fritz Hilpert c’era Falk Grieffenhagen, che non suona ma controlla gli effetti video. Dal vivo, quello dei Kraftwerk è uno show multimediale di teutonica precisione e complessità, il sogno dell’opera d’arte totale wagneriana costruito con computer e tecnologie digitali. Erano stati a Torino l’ultima volta nel 2017, proponendo dal vivo per Club To Club l’intero catalogo, con tutti e otto gli album. Avevano annunciato anche un tour per celebrare il 50° anniversario, che avrebbe toccato anche l’Italia, cancellato poi per il coronavirus. Nei bis le postazioni dei musicisti erano occupate da quattro automi con le loro sembianze, che si producevano in una danza surreale sulle note di The Robots, anno 1978. L’audio era a livelli di qualità mai sperimentato prima in un concerto, gli effetti visivi in 3D raffinati e nitidissimi, riproponevano l’immaginario estetico della band, una sorta di futurismo retrò, fatto di abiti antracite, camicie rosse e cravatte nere, dove il cielo è sempre azzurro e il progresso arriva sulle rotaie di un treno. Un ideale di futuro in cui le macchine e gli uomini convivono, in cui l’Europa non ha confini e i computer possono essere perfino divertenti: quanto pare lontano tutto questo dalla distopia dei tempi che stiamo vivendo. 

Gino Castaldo per “La Repubblica” - 16 luglio 2014 il 7 maggio 2020. Spinta in 3D la loro musica è ancora più aliena, un film sonoro di robotiche geometrie non euclidee. Un gioco cosmopolita dove le lingue parlate sono tante, compreso l’italiano, e quando sull’onda dei loro scheletrici e raggelanti ritmi sintetici un disco volante (che grazie al 3D sembra passare sulle nostre teste) arriva sulla Terra, sbarca proprio davanti al Colosseo. L’omaggio è al pubblico della capitale, ma ovviamente cambia in ogni città. «Alla gente piace» spiega Ralf Hütter che guida ancora dopo più di quarant’anni la band che più di ogni altra ha influenzato l’immaginario elettronico della musica contemporanea, «e tecnicamente non è molto complicato cambiare a ogni tappa. E’ anche questa una forma di pop art». Il pubblico, con gli occhialini 3D, è in visibilio, riconosce a ogni incipit i gioielli dei Kraftwerk: Radioactivity, Trans Europe Express, The robots , un trionfo di estrema tecnologia che però oggi lascia una strana sensazione. Se un tempo questi pezzi sembravano un’audace visione del futuro, oggi sembra tutto più normale, come se la realtà si fosse avvicinata sempre di più a queste visioni. «E’ vero» conferma Hütter, dopo il concerto, «è come un sogno diventato realtà, o meglio una storia di fantascienza diventata realtà. La realtà ci assomiglia di più, oggi, e del resto quando abbiamo incominciato la gente ci definiva pazzi, idioti, non capivano bene quello che cercavamo di fare, per non dire del fatto che negli anni Settanta era molto difficile riprodurre dal vivo le nostre ricerche sonore. Oggi è molto semplice, ci sono piccoli equipaggiamenti elettronici che permettono di comporre dovunque ci troviamo, fare video in 3D, sincronizzare la musica, ma tutto questo è molto energetico». Allo stesso tempo sembra di vivere attraverso di loro una sorta di futuro vintage, come quando arriva Autobahn, il loro pezzo più celebre, quello in cui riuscirono a dare voce all’essenza sonora di un’autostrada. Il video tridimensionale utilizza la grafica del 1974, quella della copertina del disco, così che sembra un vecchio videogioco verde e azzurro, con un maggiolino Volkswagen che sfreccia orgoglioso sul suo artificiale percorso. Come se oggi fosse diventato impossibile pensare in termini di futuro e l’idea di futuro fosse rimasta sostanzialmente quella. «Non è impossibile pensare al futuro. Sono cicli, ci sono stati momenti in cui la corsa creativa era veloce, oggi molte cose sembrano dinosauri, ma la storia ci ha insegnato che anche i dinosauri non sono eterni. La tecnologia ci ha messo in condizioni che prima non avremmo neanche saputo immaginare, e noi continuiamo a guardare avanti ». Sì, ma verso dove, come si può spostare ancora in avanti l’asticella dell’orizzonte immaginario? Su questo Hutter è sfuggente: «Ci stiamo lavorando, quando ci troviamo insieme improvvisiamo, e cerchiamo di capire dove ci porterà il futuro». Certo, vedendo il loro concerto viene da pensare che una possibile evoluzione della musica possa essere quella di una unione sempre più stretta tra suoni ed effetti visivi. «Per noi è sempre stato così, fin da quando abbiamo cominciato ci siamo connessi alla scena artistica visiva che c’era a Düsseldorf, ed è sicuramente la strada giusta, anche perché oggi è possibile unire tutti i linguaggi, immaginare una musica pittorica, prima tutte le arti erano separate, oggi è molto più semplice unire tutto. E del resto voi italiani lo sapete bene, c’era un artista di nome Leonardo che si occupava di tutto, scienza, anatomia, pittura, scultura. Lo specialismo è idiota». Altro merito dei Kraftwerk è quello di essere stati la prima voce esterna al monopolio anglosassone del rock, e questo ci fa pensare a una connessione più frivola, ai Mondiali appena terminati col trionfo della Germania. Ma Hütter è molto freddo su questo: «Oh sì, è bello aver vinto, ma il fatto è che non amo molto il calcio, non amo la brutalità e il calcio ne è pieno. Nello sport preferisco la fantasia, la costruzione, per questo abbiamo reso omaggio al ciclismo». Ma alla fine, signor Hütter, non è che la relazione tra artificiale e naturale, da lei a lungo esplorata, sta diventando troppo sbilanciata in favore dell’artificiale? «Oh no, non deve essere una guerra tra uomo e macchine. E’ vero dipendiamo dalle macchine molto più che in passato, è pericoloso ma dobbiamo cercare un equilibrio. Per l’arte è una possibilità meravigliosa. Siamo entrati nell’era dell’arte tecnologica

·        Addio a Michael McClure, principe della Beat Generation.

Addio a Michael McClure, principe della Beat Generation. Simbolo del movimento hippie di San Francisco, lo scrittore aveva 87 anni. Amico di Kerouac era una figura leggendaria della cultura alternativa californiana, autore di opere di poesia e teatro fuori dagli schemi amate da critici e lettori comuni. Enrico Franceschini su La Repubblica il 6 maggio 2020. Se qualche editore italiano è alla ricerca di autori americani da riscoprire, o in questo caso, per il pubblico di casa nostra, praticamente da scoprire da zero, la scomparsa di Michael McClure, leggendaria figura della Beat Generation, morto ieri a San Francisco all’età di 87 anni, potrebbe servire ad attirare su di lui l’attenzione che da noi sfortunatamente non ha avuto da vivo. Poeta, drammaturgo, scrittore, immortalato da Jack Kerouac in due romanzi, I vagabondi del Dharma e Big Sur, autore della canzone Mercedes Benz per Janis Joplin, amico di Bob Dylan e promotore di Jim Morrison dei Doors, McClure era soprannominato in America “il principe della scena di San Francisco”, la città in cui ha abitato per la maggior parte del tempo e di cui è stato a lungo il cantore. Proprio lì, nel 1955, fu uno dei cinque poeti, tra cui Allen Ginsberg, che parteciparono a un famoso reading di poesia, passato alla storia come il “San Francisco Six Gallery reading”, considerato la fonte da cui è sbocciata la Beat Generation. La sua produzione letteraria è stata estremamente prolifica: otto libri di poesia, cinque di saggistica, un’autobiografia romanzata, la sceneggiatura di mezza dozzina di documentari, più innumerevoli articoli per riviste come Rolling Stone e Vanity Fair, oltre che per il Los Angeles Times e il San Francisco Chronicle. In più ha scritto molto per il teatro: la sua opera più celebre e anticonvenzionale, The Beard, in cui immagina una relazione fra il bandito del Far-West Billy the Kid e l’attrice americana degli anni ’30 Jean Harlow, ha avuto repliche per un decennio al Magic Theatre di San Francisco. È apparso anche nei panni di sé stesso in vari film, tra i quali L’ultimo valzer, il film-concerto diretto da Martin Scorsese sull’ultima apparizione del gruppo The Band a cui presero parte tanti artisti famosi, compreso Dylan. Recipiente di numerosi premi, fra cui una Guggenheim Felllowship e un Obie Award per il teatro, McClure è rimasto tuttavia sempre un outsider, un simbolo della contestazione, del movimento hippie e della Beat Generation insieme a Kerouac, Ginsberg e Ferlinghetti. Uno scrittore alternativo e provocatorio, come quando andò a leggere le sue poesie ai leoni in gabbia nello zoo di San Francisco. Era anche un popolarissimo docente di letteratura inglese al California College of Arts and Crafts di Oakland.  “Michael è stato uno dei più significativi poeti americani della seconda metà del ventesimo secolo”, commenta Garrett Caples, direttore della casa editrice City Lights e suo amico, “e ha avuto un posto nella cultura popolare, in aggiunta alla cultura letteraria, che non molti autori hanno potuto occupare”.

·        Morto l’attore Mimmo Sepe.

Morto l’attore Mimmo Sepe, lutto nel mondo del teatro napoletano. Redazione su Il Riformista il 5 Maggio 2020. Napoli piange la scomparsa di Mimmo Sepe, attore e caratterista teatrale che negli anni era stato grande protagonista della scena teatrale. A darne l’annuncio è stato l’amico Corrado Taranto, suo compagno di scena per decenni: Sepe, 65 anni, era malato da tempo. Per Sepe la carriera teatrale iniziò nel lontano 1973, a soli 18 anni, recitando in “I giovani del Vomero”. Ma per l’attore diverse anche le partecipazioni in film come “Natale col boss”, “Sotto il vestito niente” o “No grazie, il caffè mi rende nervoso”, suo debutto al cinema nel 1983 nella pellicola di Lello Arena. La notorietà nazionale arriva grazie a “Seven show”, mentre dal 1995 fonda una propria compagnia teatrale.

·        Addio al barese Matteo De Cosmo, art director della «Marvel» a New York.

Coronavirus: addio al barese Matteo De Cosmo, art director della «Marvel» a New York. Si è spento il 21 aprile scorso a 52 anni, sconfitto dal Coronavirus nella stanza di una clinica del New Jersey. Marco Seclì il 4 Maggio 2020 su La Gazzetta del Mezzogiorno. Ha combattuto per un mese, come uno dei supereroi forgiati sulle scene dalla sua creatività smisurata, dal suo talento cristallino di artista. Si è spento il 21 aprile scorso a 52 anni, sconfitto dal coronavirus nella stanza di una clinica del New Jersey, Matteo De Cosmo, direttore artistico di numerose serie televisive di successo targate Marvel-Netflix. Barese doc, anzi barivecchiano doc, aveva sfondato nello showbiz a stelle e strisce, diventando uno degli scenografi più apprezzati della Grande Mela, epicentro delle produzioni che finiscono nei cinema e sulle Tv di tutto il mondo. Diploma al liceo artistico «De Nittis», poi l’Accademia delle belle arti, matita e penna sempre in mano, pronta per i bozzetti di ogni genere, una bravura riconosciuta dai prof, le borse di studio. Quindi, nel ’94, il grande salto in America, con una valigia di sogni. C’è da fare la gavetta e Matteo non si tira indietro. Iniziano le piccole collaborazioni sui set, ma anche nell’allestimento scenografico dei palchi delle star della musica, come Michael Jackson. E, così, passo dopo passo, quell’italiano affascinante, gentile e sensibile, grande creativo, viene sempre più apprezzato, si fa strada. Iniziano le collaborazioni per il grande schermo in film come «21 Bridges», «Mai così vicini» di Rob Reiner, «Precious» e molti altri. Per la Tv lavora a The Affair e Madam Secretary. Fino alla consacrazione definitiva. C’è la mano di Matteo De Cosmo in serie tv popolarissime Marvel-Netflix come «Luke Cage», il supereroe nero di Harlem impegnato nella lotta tra il bene e il male. O nell’altro serial di successo planetario, «The Punisher». Manager ormai affermato, era impegnato nelle lavorazioni della nuova serie «Harlem’s Kitchen», bloccate a marzo dallo scoppio dell’epidemia di Covid-19. La stessa che ha spezzato la vita di Matteo. Dopo due anni di assenza, a Natale era tornato nella sua Bari per stare vicino all’adorata sorella Lucia, per trovare papà Nicola, operaio in pensione, e il fratello minore Michele. Mamma Rosaria, sarta e modellista, anch’essa di talento, era scomparsa prematuramente nel ‘95, 25 giorni dopo la partenza di Matteo per gli Stati Uniti. Quella di fine dicembre è stata la sua ultima passeggiata tra i vicoli che lo hanno visto crescere. Il 23 marzo chiede il ricovero in una clinica privata dopo qualche giorno di febbre: esami, problemi respiratori che si accentuano. Sembra riprendersi ma non è così. La sua scomparsa viene comunicata ufficialmente il primo maggio, ripresa dai principali giornali americani e non solo specializzati in cinema e tv. Getta nello sconforto la moglie Aris Mejer, attrice di origine portoricana, il figlio Marcello, 15 anni, che vive in Australia con la seconda moglie. Lascia di stucco i tanti colleghi e amici che gli volevano bene. Zahir McGee, regista di Harlem’s Kitchen, ha commentato: «Fare televisione è difficile, ma ci sono persone che ti rassicurano ogni giorno con il loro talento, la loro passione e il loro sorriso, convincendoti che tutto sia possibile. Matteo era una di queste persone. Mancherà a tutti». E Il produttore Gail Barringer, con cui aveva lavorato a lungo, ha sottolineato: «La nostra comunità cinematografica di New York è piccola. Siamo sconvolti per la morte di Matteo. Era un vero artista, collaborativo, che ha portato felicità a ogni spettacolo cui ha lavorato. Ci mancherà molto». E quando la notizia ha varcato l’oceano ed è giunta in città, anche i tanti baresi che lo hanno conosciuto non hanno trattenuto le lacrime. Compagni di liceo e di Accademia, professori, amici, ragazzi di Bari vecchia conosciuti in quella giovinezza felice protetta da una famiglia per bene. Lucia De Cosmo è ancora distrutta dal dolore: «L’ho visto per l’ultima volta in una videochiamata che mi ha fatto prima del ricovero, non riesco ancora a capacitarmi che sia finita così...era venuto a Bari per me, perché ero alle prese con problemi di salute. Matteo era una persona incredibile. A parte il talento che ha mostrato fin da ragazzino, aveva un cuore grande, immenso. Sì, era l’uomo della mia vita...». Una dichiarazione d’amore che lui, uomo dalle relazioni sentimentali un po’ turbolente come lo sono quelle di molti artisti, sposato tre volte, avrebbe ricambiato. Lucia, in questi giorni difficili, è stata confortata dall’affetto che ha percepito intorno a sé, dal sapere quante persone hanno voluto bene al fratello. «Mi hanno chiamata in tanti, anche qualche docente di Matteo, come il professor Michele Di Pinto, che lo aveva sempre apprezzato». Ora Lucia, mentre elabora un lutto così devastante, pensa a un modo per ricordare la personalità e il talento puro di Matteo. «Non lo so, magari un premio che porta il suo nome per i giovani studenti del De Nittis o dell’Accademia. Vorrei anche contattare il sindaco Decaro per chiedergli, quando sarà possibile, di intitolare a Matteo una via della città vecchia, cui era ancora così legato nonostante i tanti anni vissuti lontano». Sì, Matteo De Cosmo aveva conquistato New York, ma non aveva mai dimenticato le stradine da cui era partito. 

·        Morto McNamara: campione Nba di basket.

Morto McNamara: addio al campione Nba di basket. Marco Alborghetti il 02/05/2020 su Notizie.it. L'ex cestista americano è venuto a mancare a causa di un infarto fulminante all'età di 60 anni. Ennesimo lutto nel mondo dello sport: il basket piange la scomparsa di Mark McNamara, ex cestista di Livorno e Nba morto all’età di 60 anni a causa di un infarto. Una carriera di alti e bassi particolari: dall’anello conquistato coi 76ers in Nba, alla promozione in A1 con Livorno, fino alla sua comparsa in Star Wars.

Morto Mcnamara, il basket piange il suo Chewbecca. Ennesima tragedia nel mondo dello sport: Mark McNamara, ex campione NBA con un passato in Italia, è morto all’età di 60 anni a causa di un infarto fatale. L’ex cestista da tempo soffriva di cuore, ma dopo il suo ritiro avvenuto nel 1993 aveva deciso di vivere con la famiglia in Alaska, dove allenava in una High School.

La carriera da cestista. Alto 2.11 metri, ex stella di California University, centro di ruolo e con un tiro libero niente male, fu scelto nel 1982 dai 76ers come rookie vincendo subito l’anello di campione facendo la riserva della star Moses Malone. Nonostante la vittoria all’esordio con i 76ers, non riuscì a sfondare come stella del basket americano: in seguito a San Antonio, Kansas City, Los Angeles (Lakers) e Orlando, per poi fare presenza anche in Europa: nel 1985-86 ha giocato alla Cortan Livorno centrando la promozione dalla A2 alla A1, per terminare la sua carriera in Spagna nel Murcia e poi nel Real Madrid.

Chewbecca per caso. Molti appassionati del cinema lo hanno potuto vedere all’opera anche fuori dal campo di gioco. McNamara, infatti, nell’estate in cui passo dal college all’NBA fu scritturato nel ruolo di controfigura di Peter Mayhew, alias Chewbecca sul set de “Il ritorno dello Jedi“, della famosa saga di Star Wars. Ha raccontato infatti che suo era uno degli assistenti di Carrie Fisher (la Principessa Leila), e non appena seppe che cercavano un attore alto per il ruolo, fece il nome del cugino Mark. 

·        E’ Samantha Fox, la porno attrice.

Marco Giusti per Dagospia il 3 maggio 2020. Vecchi fan del porno, piangete. Il Covid-19 si porta via anche una delle prime e più amate star dell’industria dell’hard in America, Samantha Fox, da non confondere con la cantate, il vero nome era Stacia Micula, 69 anni, essendo nata a New York nel 1950, di origine polacche e scozzesi. Assieme a divinità del porno come Vanessa Del Rio, Gloria Leonard, Veronica Hart, Jamie Gillis, Marlene Willoughby, Samantha Fox dette vita e soprattutto corpo a una serie di hard, una novantina!, girati in pellicola da buoni registi, Henri Pachard, Robert McCallum, Chuck Vincent, che fecero il giro del mondo e imposero un tipo di racconto erotico dove non si trattava solo di vedere scopate su scopate. Diciamo che c’era ancora del sentimento. I fan lo sanno bene. Newyorkese, studia balletto e danza. Diventa ballerina professionista. Ma Gerard Damiano, maestro del genere, le fa fare il suo primo hard, “Odyssex” nel 1977, con Robert Kerman, anche lui morto per Covid neanche un mese fa, e un anno dopo il regista Chuck Vincent la nota in una tv cavo e le propone il ruolo da protagonista nel suo “Bad Penny”, che diventa il suo vero primo film di successo. Diventa popolarissima nei primissimi anni ’80 con film come “Tiffany Minx” (“Intrighi proibiti di mia moglie”) di Robert Walters con Marlene Willougby, Crystal Synk, che alterna situazioni di stupro e violenza a altre solo erotiche, “Mistique”, “October Sylk” (“Mogli morbose”) di Henri Pachard con Candida Royalle e Gloria Leonard, “Jack’n Jill” (“I superporno fallocrati”) di Mark Ubell con Jack Wrangler e Vanessa Del Rio, col quale vince il suo primo Erotica Award, l’altro è “This Lady Is a Tramp”, “Her Name Was Lisa” di Richard Mahler, “Amanda By Night” di Robert McCallum con Veronica Hart e Jamie Gillis, “Pink Ladies” con Vanessa Del Rio, “Foxtrot” di Cecil Howard, “Roonmates” di Chuck Vincent, “Dracula Exotica”. “Outlaw Ladies” di Henri Pachard venne segnalato dalla rivista “Hustler” come il miglior porno del 1981. Fece anche dei  B-movie soft, una particina in “Io sono la legge” di Robert T. Heffron, in “Violenza” nel 1988, fino a quando Doris Wishman la volle protagonista del suo “A Night to Desmeber” nel 1989. Dal porno si era già ritirata a metà degli anni ’80 col suo compagno Bobby Astyr, anche lui nel settore. Ebbe qualche guaio in Utah per una sua linea erotica telefonica nel 1984. Cercò di tornare al cinema, soft, con Doris Wishman, ma la cosa finì lì. Si adattò, sia nel mercato del porno sia nel mondo della fisioterapia. E non se ne sentì più molto parlare, oltre tutto soffocata dal successo della Samantha Fox cantante. Hanno dato notizia della sua morte, che dovrebbe essere il 22 aprile, sia la sorella che la pornostar e collega Anne Sprinkle, che ha twittato “Fox è stata speciale nella mia vita, e il suo amore con Bobby fu per tutta la vita. Lei è finalmente libera! Sarà ricordata. Sebbene amasse, amasse, amasse il suo corpo. Dannato #covid 19. Lei rimane viva attraverso il suo lavoro leggendario”.

·        È morto Sam Lloyd, l'avvocato di Scrubs.

È morto Sam Lloyd, l'avvocato di Scrubs. Aveva 56 anni, era malato di tumore. La Repubblica il 02 maggio 2020. Era l'avvocato Ted Buckland nella serie medica Scrubs - Medici ai primi ferri, nove stagioni andate in onda in Italia su MTV. La serie americana deve il titolo al gioco di parole in inglese tra due termini "scrubs" e "to scrub", la prima indica la divisa indossata da medici e infermieri, la seconda la pratica così fondamentale di questi tempi di lavarsi accuratamente le mani prima di un intervento, ma "scrub" è anche una persona insignificante (è stato tradotto con ai primi ferri per indicare principianti). L'attore statunitense Sam Lloyd è morto ieri sera a Los Angeles a causa di un tumore. Aveva 56 anni. L'annuncio della scomparsa è stato dato dal suo agente, Kevin Turner, all'Hollywood Reporter. Nel febbraio 2019 gli fu diagnosticato un cancro ai polmoni inoperabile, lentamente diffusosi ad altri organi del corpo quali il cervello, il fegato, la colonna vertebrale e l'osso della mascella. Di recente era stata lanciata una campagna su GoFundMe, promossa dal produttore di Scrubs, Tom Hobert, e sua moglie Jill, per raccogliere fondi per curare l'attore, che ha incassato circa 160.000 dollari. Lloyd ha interpretato tutti e 95 gli episodi di Scrubs andati in onda nella serie originale dal 2001 al 2009. La star della serie, Zach Braff, ha reso omaggio a Lloyd su Twitter, scrivendo: "Addio a uno degli attori più divertenti con cui abbia mai avuto la gioia di lavorare. Ricorderò per sempre il tempo che abbiamo passato insieme". Il creatore di Scrubs, Bill Lawrence, ha twittato: "Sto pensando molto oggi a Sam Lloyd oggi. Eri davvero un ragazzo gentile e dolce. Mancherà a molti".

·        È morto l'attore BJ Hogg.

È morto l'attore BJ Hogg, Ser Addam Marbrand de "Il trono di spade". Aveva compiuto ieri 65 anni. Ha recitato anche in una ventina di film. La Repubblica l'1 maggio 2020. L'attore nordirlandese BJ Hogg, celebre per aver vestito i panni di Ser Addam Marbrand nella serie dei record Game of Thrones - Il trono di spade, è morto ieri a Lisburn, città dell'Irlanda del Nord dove era nato, nel giorno del suo 65esimo compleanno. Hogg, dopo una lunga carriera televisiva, nel 2011 ha preso parte alla prima stagione della la serie tv prodotta da Hbo e ispirata alla saga dello scrittore George R.R. Martin. L'attore ha interpretato il ruolo di un cavaliere al servizio di Lord Tywin Lannister, Ser Addam Marbrand, leader carismatico che sa facilmente trascinare gli uomini ed è considerato il più tenace degli alfieri Lannister. Da giovane ha servito a Castel Granito come paggio, dove ha stretto amicizia con lo sterminatore di re, Jaime Lannister. A dare la notizia della scomparsa di Hogg alla Bbc è stato Geoff Stanton, l'agente dell'attore: "Non ci sono parole per esprimere il dolore in questo momento. Era un grande uomo, una grande personalità e un attore eccezionale. La sua famiglia sarà devastata e il mio cuore è vicino a loro. È stata una delle persone più gentili che io abbia mai conosciuto, è una grande perdita per tutti". Interprete di molte serie tv e telefilm del piccolo schermo britannico, Hogg ha recitato anche in una ventina di film, tra cui Niente di personale (1995), Resurrection Man (1998), Titanic Town (1998), Ember - Il mistero della città di luce (2008), Sua Maestà (2012). 

·        È morto il batterista Tony Allen.

È morto il batterista Tony Allen. Con Fela Kuti creatore dell'afrobeat. Aveva 79 anni. Con il gruppo 'Africa 70' ha registrato una quarantina di album. La Repubblica l'1 maggio 2020. Il musicista nigeriano Tony Allen, batterista e creatore dell'afrobeat insieme al suo connazionale Fela Kuti, è morto ieri a Parigi all'età di 79 anni. Lo rende noto oggi il suo manager. "Non conosciamo esattamente la causa della morte", ha detto Eric Trosset, precisando però che Allen non sarebbe stato ucciso dal virus Covid-19. Il suo saluto sui social: "Addio Tony! I tuoi occhi hanno visto ciò che la maggior parte di noi non poteva vedere. Sei la persona più cool della terra! E come dicevi sempre 'Non c'è fine'". Il musicista britannico Brian Eno ha definito Tony Allen "il miglior batterista di sempre". Autodidatta, Allen inizia a suonare all'età di 18 anni nutrendosi della musica di Dizzy Gillespie e Charlie Parker e di quella contemporanea africana. Con Fela Kuti, che lui definiva "un intransigente che usava la musica come arma", e il gruppo 'Africa 70' registrerà una quarantina di album. Dei tanti artisti che in qualche modo guardavano all'afrobeat diceva in un'intervista del 2017: "Prima che lo suonassimo noi, l'afrobeat non esisteva, c'è stata una creazione e di quella creazione mi sento parte e motore, nessuno suonava la batteria in quel modo prima di me, oggi sì ma sono solo copie. Per tanti anni abbiamo copiato lo stile dei batteristi americani, lasciamo ora che siano loro a copiare noi". In un concerto a Bari nel 2017, aveva sfidato le intemperie e il vento ottenendo un grande successo. Tra i suoi tanti estimatori anche Jovanotti, che lo aveva voluto nel suo Jova Beach Party e con il quale aveva suonato Oh Vita che lo ha salutato così: "Ciao maestro, genio del ritmo". Nato a Lagos, Allen è stato uno dei grandi innovatori della musica africana. Dopo la morte di Fela Kuti si era trasferito a Londra e successivamente a Parigi, dove aveva collaborato con artisti come King Sunny Ade e Manu Dibango. Negli anni Allen aveva elaborato i concetti dell'afrobeat mescolandoli con generi contemporanei come il dub, l'elettronica e il rap: attraverso quel mix riuscì a creare un nuovo stile, ribattezzato afrofunk. Negli ultimi anni le richieste di collaborazione erano diventate sempre più numerose e in ambiti differenti: aveva lavorato con Air, Susheela Raman, Sebastian Tellier,, Charlotte Gainsbourg e Jeff Mills. Era stato il batterista del gruppo The Good, The Bad e The Queen, fondato da Damon Albarn dei Blur insieme all'ex Clash Paul Simonon e all'ex Verve Peter Tong. Solo poche settimane fa era uscito l'album Rejoice, realizzato con Hugh Masekela prima della morte del grande trombettista sudafricano.

·        Morto Fra' Giacomo Dalla Torre: Gran Maestro del Sovrano Ordine di Malta.

Da adnkronos.com il 29 aprile 2020. Il Gran Magistero annuncia, con profondo dolore, la scomparsa di Sua Altezza Eminentissima il Principe e 80° Gran Maestro, Fra’ Giacomo Dalla Torre del Tempio di Sanguinetto, avvenuta a Roma poco dopo la mezzanotte, in seguito ad una malattia incurabile diagnosticata pochi mesi fa. Lo rende noto una nota dello Smom. Secondo l’articolo 17 della Costituzione del Sovrano Ordine di Malta, il Gran Commendatore, Fra’ Ruy Gonçalo do Valle Peixoto de Villas Boas, ha assunto le funzioni di Luogotenente Interinale e rimarrà a capo del Sovrano Ordine di Malta fino all’elezione del nuovo Gran Maestro. Uomo di grande spiritualità e calore umano, Fra' Giacomo Dalla Torre del Tempio di Sanguinetto si è sempre personalmente impegnato nell'assistere i bisognosi, servendo i pasti ai senzatetto nelle stazioni ferroviarie di Termini e Tiburtina a Roma. Ha partecipato a numerosissimi pellegrinaggi internazionali dell'Ordine di Malta a Lourdes e ai pellegrinaggi nazionali a Loreto e ad Assisi. Grande gioia dimostrava nel partecipare ai Campi estivi internazionali dell'Ordine per giovani disabili nei quali grande affetto riceveva dai giovani volontari e ospiti. Nella sua carica di Gran Maestro, Fra' Giacomo Dalla Torre ha intrapreso numerosi viaggi ufficiali e di Stato. Solo lo scorso gennaio si era recato in visita di Stato in Benin e lo scorso luglio in Cameroon e più recentemente si era recato in Germania, Slovenia e Bulgaria per incontrare i rispettivi capi di Stato. Nel corso di queste visite, era sempre suo desiderio quello di poter visitare le strutture medico-sociali dell'Ordine di Malta per poter salutare personalmente sia lo staff che i pazienti. Una spiccata umanità e una profonda dedizione alla vita caritatevole hanno animato l'operato dell'80esimo Gran Maestro del Sovrano Ordine di Malta, il quale verrà ricordato da tutti coloro che lo hanno conosciuto per le sue doti umane e i suoi modi sempre cordiali e affettuosi. 

Morto il Gran Maestro del Sovrano Ordine di Malta. Fra' Giacomo Dalla Torre aveva 76 anni, era malato da alcuni mesi. La Repubblica il 29 aprile 2020. E' morto a Roma, per una malattia diagnostica mesi fa, il Gran Maestro del Sovrano Ordine di Malta, Fra Giacomo Dalla Torre del Tempio di Sanguinetto. A darne la notizia, "con profondo dolore", il Gran Magistero del Sovrano Ordine di Malta. Fra' Giacomo Dalla Torre, '80/o Gran Maestro, era nato a Roma nel 1944. Secondo la Costituzione del Sovrano Ordine di Malta, il Gran Commendatore, Fra' Ruy Gonçalo do Valle Peixoto de Villas Boas, ha assunto le funzioni di Luogotenente interinale e rimarrà a capo del Sovrano Ordine di Malta fino all'elezione del nuovo Gran Maestro. Fra' Giacomo Dalla Torre si era laureato in Lettere e Filosofia, specializzandosi in Archeologia Cristiana e Storia dell'Arte. Ha ricoperto incarichi accademici nella Pontificia Università Urbaniana, insegnando greco classico. È stato anche bibliotecario e archivista capo. Nel corso degli anni ha pubblicato saggi accademici e articoli su aspetti della storia dell'arte medievale. Ammesso nel Sovrano Ordine di Malta nel 1985, Fra' Giacomo Dalla Torre del Tempio di Sanguinetto ha emesso i voti solenni nel 1993. Da allora ha ricoperto una serie di incarichi, tra cui per nove anni quello di Gran Priore di Roma, fino all'elezione a Gran Maestro, il 2 maggio 2018. Molto impegnato nel sociale e nell'assistenza dei più bisognosi - era solito servire i pasti ai senzatetto delle stazioni Termini e Tiburtina, a Roma - Fra' Giacomo Dalla Torre ha compiuto diversi viaggi internazionali nella sua carica di Gran Maestro: solo negli ultimi mesi si era recato in Benin, Camerun, Germania, Slovenia e Bulgaria per incontrare i rispettivi capi di Stato. Il Sovrano Militare Ordine Ospedaliero di San Giovanni di Gerusalemme di Rodi e di Malta, fondato a Gerusalemme intorno all'anno 1048, è ente di diritto internazionale ed Ordine religioso cattolico laicale. La missione dell'Ordine è di testimoniare la fede e servire i poveri e gli ammalati. Oggi l'Ordine di Malta opera principalmente nell'ambito dell'assistenza medico sociale e degli interventi umanitari, svolgendo la propria attività in oltre 120 paesi. Insieme ai suoi 13.500 membri, operano 80.000 volontari, coadiuvati da oltre 42.000 tra medici, infermieri e ausiliari paramedici. L'Ordine gestisce ospedali, centri medici, ambulatori, istituti per anziani e disabili, centri per i malati terminali, corpi di volontari. L'Ordine di Malta è neutrale, imparziale e apolitico. Ha rapporti diplomatici bilaterali con 110 Stati, relazioni ufficiali con 6 altri Stati, relazioni a livello di ambasciatore con l'Unione Europea. È Osservatore permanente presso le Nazioni Unite e le sue agenzie specializzate e ha rappresentanze presso le principali Organizzazioni internazionali. Dal 1834 la sede del Governo del Sovrano Ordine di Malta è a Roma, dove ha garanzie di extraterritorialità.

·        E’ morto l’attore Irrfan Khan.

Grave lutto nel cinema: è morto Irrfan Khan. All'età di 53 anni si è spento per un tumore l'attore Irrfan Khan che da Bollywood ha conquistato il mondo del cinema occidentale.Carlo Lanna, Mercoledì 29/04/2020 su Il Giornale. La notizia è stata battuta dalle agenzie poco fa. A 53 anni è venuto a mancare Irrfan Khan. Celebre attore di Bollywood e star indiscussa di 100 film, è molto conosciuto anche tra il pubblico occidentale per aver preso parte a diverse produzioni americane di grande successo. Da due anni stava combattendo contro una grave forma di tumore al cervello. La malattia era sotto controllo, almeno come avevano confermato le news sullo stato di salute di Irrfan. Invece a causa di un’infezione, l’attore è corso in un ospedale di Mumbai dove purtroppo è spirato. I medici hanno sapere che non è morto per il coronavirus ma per un aggravamento delle sue condizioni di salute e a causa del tumore al cervello. La notizia ha scosso il mondo del cinema ed è stata diramata solo qualche ora fa. E il primo a farlo è stato il suo agente, il quale in poche e semplici parole, fa sapere che Irrfan Khan è morto "circondato dall’amore della sua famiglia alla quale teneva più di tutto. Ora preghiamo tutti che sia in pace, finalmente". L’annuncio della sua malattia è arrivata sui social, nel 2018. L’attore ha raccontato ai suoi fan che avrebbe iniziato una battaglia contro il tumore. Irrfan Khan è stato colpito da una malattia rara che colpisce le ghiandole che rilasciano gli ormoni nel sangue. In altri post aveva rivelato che le cure erano intese e molto dolorose, ma era convinto che avrebbe superato il brutto momento. Infatti le sue condizioni erano migliorate, ma si sono aggravate all’improvviso. È arrivato al successo, al di fuori dell’India, grazie al film "The Millionaire", diretto da Danny Boyle che ha vinto 8 premi Oscar. Senza dimenticare la sua partecipazione a "La vita di Pi", diretto da Ang Lee. È nato a Jaipur nel gennaio del 1967 e fin da ragazzo ha sempre seguito il sogno di diventare un attore. Si è diplomato alla National School of Drama di Nuova Delhi ed ha debuttato al cinema a fine anni ’80 in una commedia romantica. Da lì in poi si sono susseguite una serie di apparizioni più o meno importanti. Nel 2006 inizia la scalata ad Hollywood, dato che molto registi americani riconoscono il suo talento. Il resto è già storia. Oltre ai film già citati, ha perso parte anche a "Inferno", "The Amazing Spiderman" e "Jurassic Worl".

Paolo Martini per adnkronos.com il 29 aprile 2020. L'attore indiano Irrfan Khan, star di Bollywood di fama internazionale che ha conquistato Hollywood, consacrato al successo da film come "The Millionaire" (2008) di Danny Boyle e "Vita di Pi" (2012) di Ang Lee, è morto oggi nel Kokilaben Dhirubhai Ambani Hospital di Mumbai, all'età di 53 anni, in seguito a un tumore. L'annuncio è stato dato dal suo agente con una dichiarazione: "Circondato dall'amore della sua famiglia, alla quale teneva più di tutto, è partito per la dimora del Paradiso lasciandosi alle spalle un'eredità di arte e bellezza. Tutti preghiamo e speriamo che sia in pace". Nel 2018 Khan aveva annunciato sui social che gli era stato diagnosticato un tumore neuroendocrino, malattia rara che colpisce le ghiandole che rilasciano ormoni nel sangue. E sempre sui social aveva raccontato la sua sofferenza durante le cure e parlato dell'incertezza della vita. Nel 2019 era stato ricoverato per un ciclo di terapie in un ospedale a Londra. Irrfan Khan, all'anagrafe Sahabzade Irrfan Ali Khan, era nato a Jaipur il 7 gennaio 1967. Dopo essersi laureato alla National School of Drama di Nuova Delhi, è apparso per la prima volta al cinema in una breve ma intensa scena nell'acclamato esordio alla regia di Mira Nair, "Salaam Bombay!" (1988). Da allora ha recitato in decine di film girati a Bollywood. Nel 2003 lo sguardo inconsueto di Khan e i suoi occhi intensi gli sono valsi l'ambito ruolo del protagonista nella pellicola "Maqbool", una versione hindi del Macbeth, ambientata nei quartieri malfamati di Bombay. Quello stesso anno ha fornito un'altra interpretazione notevole nella storia d'amore "Haasil". Sempre nel 2003 è stato il protagonista di "The Warrior" del regista britannico Asif Kapadia, la pellicola in lingua hindi si è aggiudicata il Bafta come miglior film britannico. Nel 2006 Khan ha iniziato la scalata ad Hollywood ed ha ottenuto subito consensi internazionali nel ruolo dell'emigrante indiano negli Stati Uniti nella pellicola di Mira Nair "Il destino nel nome - The namesake" e poi interpretando il capitano che è alla caccia dei rapitori di Daniel Pearl nel film di Michael Winterbottom "Un cuore grande" (2007), con protagonista Angelina Jolie. Il pluripremiato film "The Millionaire - (Slumdog Millionaire)", che lo vede nel ruolo dell'ispettore di polizia, consente all'attore indiano tante altre importanti partecipazioni. Khan recita così in "Hisss" (2010) di di Jennifer Lynch, "Thank You" (2010) di Anees Bazmee, "The Amazing Spider-Man" (2012) di Marc Webb, "Vita di Pi" (2012) di Ang Lee, "Lunchbox" (2013) di Ritesh Batra (2013), "Jurassic World" (2015) di Colin Trevorrow, "Piku" (2015) di Shoojit Sircar (2015), "Inferno" (2016) di Ron Howard. Ha recitato anche nella mini serie tv "Il processo di Tokyo" (2016) di Rob W. King e Pieter Verhoeff. Nel 2017 gli ultimi due film "Hindi Medium", per la regia di Saket Chaudhary, e "The Song of Scorpions" di Anup Singh.

·        Addio a Germano Celant.

Addio a Germano Celant, protagonista dell'arte e firma dell'Espresso. Scompare a Milano il padre dell' "Arte povera", che ha raccontato per moltissimi anni sulle nostre pagine tutte le novità e gli interpreti più interessanti dell'arte contemporanea. Sabina Minardi il 29 aprile 2020 su L'Espresso. Un universo d'arte, nello spazio di una cartella. Con una rubrica fissa sulle pagine dell'Espresso, per moltissimi anni Germano Celant ha sintetizzato, con i suoi fulminei colpi d'occhio, le novità e le contraddizioni, i passaggi, gli strappi, gli interpreti più significativi dell'arte contemporanea. Curatore, critico, teorico e aggregatore di talenti, consapevole dell'importanza della comunicazione, ha inventato slogan, definizioni. E anche quando gli stavano stretti, come ha più volte detto riguardo a quella di “Arte povera”, ha mantenuto e ribadito la consapevolezza di quanto le etichette siano la strada migliore per portare all'attenzione la complessità. A partire da quella di Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Pino Pascali, Luciano Fabri, Emilio Prini, appunto: entrati nella comunicazione e negli immaginari proprio grazie a quell'efficace e fortunata espressione di “arte povera”, prima ancora di essere studiati come movimento artistico, riuniti nei musei, catalogati (“Arte povera. Storia- Storie”, Electa) e scandagliati in tutto il mondo. Per questo i suoi testi erano facili da titolare: immagini fatte di parole, che si imponevano da sole, esattamente come le foto da lui puntualmente suggerite per illustrare con efficacia gli argomenti. Caustico e tagliente, non disdegnava le sfide intellettuali e la difesa delle sue posizioni, come quando scendeva in campo, anche sul nostro giornale, contro altre visioni su una mostra, un'artista, una tendenza. Davvero lungo l'elenco delle esposizioni da lui curate, in tutti gli spazi più prestigiosi del mondo: dal Centre Pompidou di Parigi a Palazzo Grassi a Venezia, da Londra al Museo Guggenheim di New York, dove è stato senior curator: fu lì che nel 1994 allestì  la famosa mostra “Italian Metamorphosis 1943-1968”, con l'obiettivo di mettere in dialogo l’arte italiana con la cultura americana. Nel 1997 è stato direttore della Biennale d'Arte di Venezia. Ha diretto la Fondazione Prada a Milano; tra le mostre curate più di recente quella dedicata alla carriera del fotografo Paolo Pellegrin al Maxxi di Roma. Celant ha segnalato ai nostri lettori, prima di molti altri, i nomi più sorprendenti dell'arte destinata a durare. Come in queste rubriche che vi riproponiamo, tra le tante che chiunque può rileggere on line: u na dedicata a Marina Abramovic  su una performance, “The Artist is present”, diventata virale sui social network in tempi recenti, da lui recensita nel 2010;  una forte critica alla valanga di denaro  che, travolgendo il mondo dell'arte, lo trasforma in un mercato qualunque, uscita nel 2006; e “ Quelle banalità solidali alla Biennale ”, del 2017: controcorrente giudizio su alcune proposte della rassegna.

Pierluigi Panza per il “Corriere della Sera” il 30 aprile 2020. In When Attitudes Become Form , curata da Harald Szeemann alla Kunsthalle di Berna nel' 69, Io che prendo il sole a Torino il 19 gennaio 1969 di Alighiero Boetti stava sdraiato sul pavimento con opere di Bruce Nauman; in fianco, Mario Merz aveva piantato un igloo di stracci e sulle scale Jannis Kounellis aveva sparso sacchi di grano. Germano Celant, scomparso ieri a seguito del coronavirus (era ricoverato al San Raffaele di Milano e aveva manifestato i primi sintomi un mese fa, di ritorno dell' Armory Show negli Usa), aveva allora trent' anni e da due aveva capito che quel cemento a presa rapida di Boetti, quegli stracci di Merz e Pistoletto, quella rottameria messa insieme da Mario Ceroli, Pino Pascali, Giulio Paolini, Luciano Fabro, Pier Paolo Calzolari e altri costituivano il detonante bric-à-brac che l' arte italiana poteva offrire all' estetica del '68. Tanto che ieri il ministro Dario Franceschini ha parlato di «un' Italia impoverita per la perdita del talento di Celant». L' Arte Povera era nata nel '67 alla Galleria La Bertesca di Genova, città nella quale Celant era nato nel 1940. Ma quella tappa a Berna fu per alcuni «poveristi» come uno sbarco sulla luna. Celant aveva già scritto il manifesto del gruppo: Arte Povera. Appunti per una guerriglia nel quale, riprendendo Marx, scriveva: «L' arte povera è impegnata con la contingenza, con l' evento, con l' astorico, col presente, con la concezione antropologica, con l' uomo reale». Arte Povera significa, ci disse un giorno, «usare quello che vuoi». Lui, esistenzialista nerovestito tutta la vita, incarnò la metafora di Oscar Wilde del «critico come artista»: lui ci metteva lo slogan, gli artisti creavano forme e gesti basati sulla riappropriazione del rapporto Uomo-Natura. Fu Eugenio Battisti, docente a Genova, a lasciare al suo protégé la conduzione del Museo Sperimentale e della rivista «Marcatré», della quale avrebbero fatto parte Umberto Eco ed Edoardo Sanguineti. La qualità di Celant come curatore emerse subito e si riassume nel lasciare massima libertà nella selezione e presentazione delle opere all'artista. In breve mise a punto anche un' altra qualità: quella di coltivare contatti internazionali. Questo aspetto lo portò a infiniti viaggi e a comprendere e accettare la trasformazione dell' arte in gioioso bene di consumo delle élite . Rispetto alle ideologie del Futurismo o dell' Arte impegnata, Celant privilegiò una libertà antiprogrammatica, una «pratica aperta» accompagnata dalle prime forme di costruzione del consenso. Prese a curare le sue grandi mostre: Identité italienne al Centre Pompidou nel 1981, Italian Metamorphosis, 1943-1968 al Guggenheim nel 1994 e altre alla Royal Academy di Londra e a Palazzo Grassi a Venezia. Diventa un monumento curatoriale, sempre disponibile sotto la nera divisa e il fluente capello bianco: direttore della prima Biennale di Firenze, della Biennale di Venezia nel 1997 ( Futuro, presente, passato con 67 artisti internazionali), senior curator al Guggenheim di New York, direttore della Fondazione Vedova di Venezia, supervisore di Genova Capitale della Cultura (2004), curatore della sezione «Food and Art» dell' Expo 2015. Scrive per «Artforum» e l'«Espresso» e realizza una cinquantina di monografie e scritti teorici su Conceptual Art, Land Art e l' Inespressionismo (1988). Miuccia Prada è il munifico committente che tutti i curatori vorrebbero avere: nel 1995 lo chiama a dirigere e sovrintendere la gioiosa e concettuale macchina estetica della maison . Concepisce una quarantina di mostre, dalla personale di Michael Heizer all' ultima retrospettiva su Kounellis. Ieri, insieme al marito Patrizio Bertelli, Miuccia lo ha ricordato come «un compagno di viaggio che ha contribuito a farci ripensare il significato della cultura nel nostro presente». Per la mostra When Attitudes Become Form , svoltasi nella sede veneziana di Prada, Ca' Corner della Regina, nel 2013 Celant riceve il The Agnes Gund Curatorial Award accanto a Miuccia, che ottiene il The Leo Award (riconoscimenti dell' Independent Curators International). Le sedi Prada di Ca' Corner a Venezia, Osservatorio e Fondazione (firmata da Rem Koolhaas) a Milano diventano come quella «scatola magica» dipinta nel Mondo nuovo da Tiepolo. In quest' affresco a Ca' Rezzonico, a due passi da Ca' Corner, Tiepolo dipinse una folla che si precipita a guardare cosa si vede traguardando una scatola ottica mentre un Celant del Settecento, con la bacchetta in mano, invita a osservare. Nell' affresco di Tiepolo accorrono popolani; da Prada griffati radical chic . Ma analoga è la voglia di osservare dentro una scatola-osservatorio per vedere un mondo nuovo. Grazie a Celant si è sognato di trovarlo: ci si metteva lì, in coda, dentro una fantasia «povera» ma ricca, quasi esotica, possibile.

Francesco Bonami per “la Repubblica” il 30 aprile 2020. Alla notizia, improvvisa, della morte di Germano Celant a ottant' anni, vittima del coronavirus (era ricoverato al San Raffaele di Milano), mi è venuta in mente la poesia Il Cinque Maggio di Manzoni scritta per la morte di Napoleone. Il mondo dell' arte è infatti attonito. Germano Celant è stato e rimane una delle pietre angolari della storia dell' arte contemporanea mondiale. Un Napoleone, un po' rock e un po' punk, della cultura contemporanea capace di anticiparne la storia, qualità che solo pochi hanno avuto. Chi mi conosce sa che non nutrivo simpatia professionale per Celant. Apparteneva ad una generazione culturale e politica che ritengo abbia prodotto a volte danni per il sistema dell' arte italiano. Ma la realtà spazza via ogni dubbio. I grandi personaggi, uscendo dal tempo, fanno scomparire difetti, imperfezioni e dettagli, obbligandoci a guardare esclusivamente alla loro genialità e capacità d' interpretare il mondo. È geniale Celant nel 1967, qualche mese prima che arrivi lo tsunami del '68 ad intuire prima di ogni altro che i linguaggi dell' arte così come sono non resisteranno all' impatto dell' onda di una rivoluzione culturale che cambierà tutto. L' artista-individuo non ce la farà a galleggiare nel maremoto che sta per travolgerlo. Con una lucidità che non lo abbandonerà mai nel corso della sua carriera Celant inventa l' Arte Povera, che diventerà uno dei più importanti movimenti artistici della storia dell' arte di tutti i tempi. Nel novembre del 1967 sul numero 5 della neonata rivista Flash Art il giovane curatore genovese pubblica il manifesto Arte Povera. Appunti per una Guerriglia. Il testo inizia in questo modo: «Prima viene l' uomo poi il sistema, anticamente era così». Una frase che osservando il mondo in questo momento acquista un' attualità che son certo Celant stesso avrebbe preferito non avesse. Il manifesto diventerà un punto di riferimento assoluto per tutti coloro che abbiano poi intrapreso il mestiere di curatore o gli storici dell' arte del presente. La genialità dell' intuizione di Celant consiste nel mettere dentro o sotto il cappello dell' Arte Povera un gruppo di artisti che da un punto di vista biografico e stilistico avevano poco in comune e che senza la capacità di sintesi di Celant difficilmente sarebbero riusciti ad affermare in quel particolare momento storico la propria identità individuale. Per questo forse nessuno, compreso il più anarchico fra loro, Alighiero Boetti, ha mai rinnegato l' appartenenza al gruppo. Pur avendo Celant nel 1972 sciolto le righe del movimento per poi ricompattarlo nel 1985 con una mostra a New York al P.S. 1, Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Marisa e Mario Merz, Giulio Paolini, Michelangelo Pistoletto, Piero Gilardi, Pino Pascali, Giovanni Anselmo, Giuseppe Penone, Emilio Prini, Pier Paolo Calzolari, hanno sempre viaggiato nelle loro rispettive carriere con l' ombra rassicurante dell' Arte Povera alle spalle. Lo stesso Celant, pur curando un numero di mostre strabiliante, non abbandonerà o forse non si libererà mai della sua eccezionale creatura. Ma oltre all' Arte Povera un trittico di mostre curate da Celant rimangono fondamentali per il racconto della eccezionalità italiana attraverso l' arte, Identité Italienne nel 1981 al Centro Pompidou di Parigi, The Italian Metamorphosis nel 1994 al Guggenheim Museum di New York e la più recente Post Zang Tumb Tuuum. Art, Life, Politics: Italia 1918-1943, nel 2018 alla Fondazione Prada di Milano. Ma non si può dimenticare la Biennale di Firenze curata nel 1996 assieme ad Ingrid Sischy e Luigi Settembrini. Un' anticipazione sul rapporto fra moda e arte che in seguito si sarebbe sviluppato in modo quasi morboso. Come La settimana enigmistica questa Biennale vanterà numerosi tentativi d' imitazione ma nessuno riuscirà mai a rimettere assieme una mostra di quel genere. Lo stesso Celant vanta fra le generazioni di giovani curatori numerosi tentativi di imitazione senza che nessuno di loro sia mai riuscito nell' impresa di replicare il "metodo Celant", rigoroso e visionario al tempo stesso. Se un difetto Celant ha avuto, è stato quello di essere stato un padre padrone dell' Arte Povera e un po' del sistema dell' arte italiano in generale. Appassionato e possessivo è stato un dio che non è riuscito o non ha voluto fare quello che la Kabbalah dice abbia saputo fare il Dio ebraico, Tzimtzum, ovvero un passo indietro, lasciando alle sue intuizioni e creazioni la possibilità di esprimersi liberamente. Poco importa. Con Celant se ne va una delle ultime carismatiche figure di un mondo dell' arte che non esiste più, completando assieme ad Harald Szeemann e Jan Hoet quella "trinità" di curatori che hanno trasformato l' arte contemporanea, la sua percezione e i suoi linguaggi. Nel manifesto del '67 un passaggio riflette e lo celebra con definitiva e commovente precisione: «Un' imprevedibile coesistenza tra forza e precarietà esistenziale (...) pone in crisi ogni affermazione, per ricordarci che ogni cosa è precaria, basta infrangere il punto di rottura ed essa salterà. Perché non proviamo con il mondo?».

Morto Germano Celant. Addio al critico d’arte padre dell’Arte Povera, ucciso dal Coronavirus. Carlo Franza il 29 aprile 2020 su Il Giornale. E’ morto Germano Celant, critico dell’Arte Povera, oggi 29 aprile 2020  ucciso dal Coronavirus. Ho perso un grande amico. Aveva 80 anni, era ricoverato a Milano per Covid-19. Il collega era  uno dei più celebri storici dell’arte contemporanea,  italiano,  alla fine degli anni Sessanta aveva dato vita al movimento di Arte povera, poi diventato il più rilevante fenomeno artistico in Italia nella seconda metà del Novecento. Germano Celant era nato a Genova nel 1940, si è spento all’Ospedale San Raffaele di Milano, dove era ricoverato  da circa due mesi nella terapia intensiva e non ce l’ha fatta nella sua lotta contro le complicazioni dovute al Coronavirus. Aveva manifestato i primi sintomi di ritorno in Europa dagli Stati Uniti, dove era stato per l’Armory Show; ad aggravare la situazione, erano state le complicazioni consequenziali anche dovute al diabete. Lascia la moglie Paris Murray e il figlio Argento Celant. Scompare con lui una pagina basilare  della storia dell’arte italiana contemporanea.Teorico di uno dei più noti movimenti d’arte italiana dal secondo dopoguerra, grazie alla sua vocazione internazionale aveva fatto conoscere gli artisti nostrani al mondo.  La notizia  ha destato sorpresa  nel campo dell’arte internazionale, nelle sedi museali e negli amici e colleghi  – ad iniziare da me- con i quali ha condiviso segmenti importanti dell’arte mondiale.   Di famiglia modesta,  si era laureato in Lettere (contro la volontà del padre, che l’avrebbe voluto ingegnere). Alla fine degli anni Sessanta ha dato vita al movimento di  “Arte povera” coniandone la definizione e raccogliendo a sé un gruppo di artisti italiani illustri, Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Pino Pascali ed Emilio Prini, esposti nella prima mostra alla Galleria La Bertesca di Genova. “Là un’arte complessa, qui un’arte povera, impegnata con la contingenza, con l’evento, con l’astorico, col presente, con la concezione antropologica, con l’uomo ‘reale’ (Marx), la speranza, diventata sicurezza, di gettare alle ortiche ogni discorso visualmente unico e coerente (la coerenza è un dogma che bisogna infrangere!), l’univocità appartiene all’individuo e non alla ‘sua’ immagine e ai suoi prodotti”, ha scritto Germano Celant in Appunti per una guerriglia, testo teorico fondamentale stilato nel 1967.  E ancora: “Un nuovo atteggiamento per ripossedere un ‘reale’ dominio del nostro esserci, che conduce l’artista a continui spostamenti dal suo luogo deputato, dal cliché che la società gli ha stampato sul polso. L’artista da sfruttato diventa guerrigliero, vuole scegliere il luogo del combattimento, possedere i vantaggi della mobilità, sorprendere e colpire, non l’opposto”. Germano Celant era noto per essere il fondatore di Arte Povera, movimento artistico basato sulla riappropriazione del rapporto Uomo-Natura, sull’immanenza, sull’importanza del gesto artistico, in opposizione a un’arte piacevole  e consumista che stava prendendo piede alla fine degli anni ’60, quando si affermò. Gli artisti che vi presero parte sono tutt’oggi gli italiani tra i più conosciuti e presenti sul mercato internazionale. È stato  autore di oltre cinquanta pubblicazioni, tra cataloghi, approfondimenti sul lavoro di singoli artisti o scritti teorici come Conceptual Art, Arte Povera, Land Art del 1970. L’impegno di Germano Celant di presentare al mondo l’arte italiana si era manifestato attraverso il suo incarico come curatore al Guggenheim di New York e numerose mostre nei musei esteri. È stato direttore della prima Biennale di Firenze Arte e Moda e della Biennale di Venezia nel 1997. Tra i critici italiani più conosciuti, la sua carriera dal 2015 aveva raggiunto l’apice con la direzione artistica di Fondazione Prada. Germano Celant è stato  tra i maggiori protagonisti dell’arte contemporanea italiana e del suo rinnovamento, voce seguitissima della critica internazionale. Molti lo conoscevano come il “critico faraone” per i lautissimi compensi, per il suo stile, per la sua verve, per il suo vestire sempre di nero, per un modario in cui ha lasciato su tanti progetti il suo nome. Un collega il cui nome  era  segnale di serietà e garanzia, e soprattutto professionalità,  certo costosissima. Con lui si chiude così, in maniera drammatica, una grande epoca per l’arte contemporanea in Italia. Mi rimangono le sue telefonate che  spesso mi faceva da New York, e lo scambio di prospettive che ci scambiavamo.

Germano Celant. Nato a Genova nel 1940, da padre impiegato in una ditta di import-export e madre casalinga, Germano Celant da giovanissimo iniziò a frequentare il vivace ambiente culturale che si stava sviluppando in quegli anni nella città ligure. Conobbe il gruppo dei cantautori, Gino Paoli, Umberto Bindi e Luigi Tenco e frequentò lo stesso Liceo di Fabrizio De Andrè. Nella metà degli anni ’60, iniziò a scrivere per riviste di cultura, nel 1964 lavorò alla progettazione di un libro sul design della Olivetti e, viaggiando tra Milano e Torino, conobbe Arturo Schwarz e Gian Enzo Sperone – qui ebbe modo di vedere la mostra di Andy Warhol, con Leo Castelli e Ileana Sonnabend tra gli invitati – oltre al gruppo di quelli che sarebbero poi diventati gli alfieri dell’Arte Povera. Celant coniò la definizione di Arte Povera nel 1967, inquadrando un nutrito gruppo di artisti italiani che comprendeva Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Pino Pascali ed Emilio Prini, le cui opere furono esposte nella mostra leggendaria alla Galleria La Bertesca di Genova. Nel 1968 la consacrazione con la mostra “Arte Povera più azioni povere”, nell’ambito della Rassegna Internazionale di Pittura agli Arsenali di Amalfi, organizzata da Marcello Rumma e recentemente ricordata in una mostra al Madre di Napoli, a cui parteciparono Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini, Gilberto Zorio, Ableo, Paolo Icaro, Pietro Lista, Gino Marotta, Gianni Piacentino, Richard Long, Jan Dibbets, Ger van Elk. Piero Gilardi, invece, non espose ma partecipò al convegno successivo, considerato uno degli atti fondativi dell’Arte Povera e, in generale, del rinnovamento dell’arte italiana, durante il quale intervennero anche  i colleghi storici e critici  Achille Bonito Oliva, Gillo Dorfles, Filiberto Menna, Angelo Trimarco. Successivamente precisò la direzione teorica del gruppo, attraverso scritti ancora oggi attualissimi, come Conceptual Art, Arte Povera, Land Art del 1970. Nel 1977, iniziò a collaborare con il museo Guggenheim di New York, di cui diventò in seguito senior curator.  Sempre al Guggenheim allestì nel 1994 la mostra “Italian Metamorphosis 1943-1968”, nel tentativo di avvicinare l’arte italiana alla cultura americana, un obiettivo costantemente ricercato da Celant, attraverso una serie di mostre dal forte taglio innovativo, nei musei più importanti al mondo, dal Centre Pompidou di Parigi, nel 1981, a Palazzo Grassi, a Venezia, nel 1989. Nel 1997 fu nominato direttore della 47ma Biennale d’Arte di Venezia. «Non vorrei essere presuntuoso, ma credo che il compito che mi sono posto, appena venuto a conoscenza dell’incarico, sia stato quello di “mostrare” che la Biennale è potenzialmente uno strumento ad alto funzionamento qualitativo. A parte le infinite difficoltà politiche e burocratiche, la Biennale è un meccanismo espositivo unico al mondo, con potenzialità infinite sia sul piano dell’informazione che della didattica, sia della ricerca che del funzionamento. Gestita al massimo della sua potenza – che non è potere – potrebbe diventare un meccanismo a tempo pieno per la cultura contemporanea, e questo senza gravare molto sulla città e sullo stato. Lavorando a una sua ottimizzazione procedurale e funzionale, i risultati sarebbero sorprendenti. Infine, un altro traguardo che mi sono imposto è stato quello di riportare a Venezia i grandi protagonisti dell’arte mondiale, in tutte le loro manifestazioni linguistiche e di diverse generazioni», scriveva a commento della sua nomina. “Futuro, Presente, Passato” era il titolo della sua mostra, che presentava opere di artisti come, tra gli altri, Maurizio Cattelan, Enzo Cucchi, Ettore Spalletti, Marina Abramovic, John Baldessari, Vanessa Beecroft, Daniel Buren, Cai Guo Qiang, Dinos e Jake Chapman, Francesco Clemente, Gino De Dominicis, Jan Dibbets, Jim Dine, Jan Fabre, Luciano Fabro, Rebecca Horn, Ilya e Emilia Kabakov, Anselm Kiefer, Jeff Koons, Sol LeWitt, Roy Lichtenstein, Mario Merz, Annette Messager, Mariko Mori, Maria Nordman, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim, Giulio Paolini, Gerhard Richter, Pipilotti Rist, Edward Ruscha, Haim Steinbach, Luc Tuymans, Emilio Vedova, Franz West, Gilberto Zorio. Celant non abbandonò mai il piacere della scrittura e ha continuato a collaborare per importanti riviste e giornali. Dal 2015, Celant è stato soprintendente artistico e scientifico della Fondazione Prada, per la quale, fin dalla metà degli anni ’90, ha curato mostre memorabili. Dalla prima personale in Italia di Walter De Maria, nel 1999, a “Post Zang Tumb Tuuum. Art Life Politics: Italia 1918–1943“, grande collettiva, presentata nel 2018, con più di 600 lavori, fino alla prima retrospettiva dedicata a Jannis Kounellis dopo la sua scomparsa, presentata nel 2019 nella sede di Venezia della Fondazione. Nel 2001 è stato commissario del Padiglione Brasiliano alla 49ma Biennale Internazionale d’arte di Venezia, nel 2004 supervisore artistico della programmazione dei cento eventi culturali di “Genova 2004, Capitale Europea della Cultura”. Dal 2005 è curatore della Fondazione Aldo Rossi, Milano e, dal 2008, è stato curatore artistico e scientifico della Fondazione Annabianca e Emilio Vedova, Venezia. In occasione di Expo 2015, ha curato la mostra “Art & Food” alla Triennale di Milano.  Figura  e intellettuale  da sempre in relazione con le avanguardie, le neoavanguardie, i collettivi e  le tendenze. L’Italia perde un intellettuale di chiara fama. Carlo Franza  

Giulia Ronchi per Artribune.com il 29 aprile 2020. Muore a all’età di 80 anni Germano Celant, nato a Genova nel 1940. Era da circa mese ricoverato a Milano e non ce l’ha fatta nella sua lotta contro le complicazioni dovute al Coronavirus, anche se qualche settimana fa si erano visti spiragli di un miglioramento. Aveva manifestato i primi sintomi di ritorno in Europa dagli Stati Uniti, dove era stato per l’Armory Show. A un tratto pareva “guarito” dal virus e un po’ migliorato, ma era stato trattenuto in ospedale per le complicazioni consequenziali anche dovute al diabete. Scompare con lui una pagina imprescindibile della storia dell’arte italiana. Il critico d’arte genovese è noto come fondatore di Arte Povera, movimento artistico basato sulla riappropriazione del rapporto Uomo-Natura, sull’immanenza, sull’importanza del gesto artistico, in opposizione a un’arte patinata e consumista che stava prendendo piede alla fine degli anni ’60, quando si affermò. Gli artisti che vi presero parte sono tutt’oggi gli italiani tra i più conosciuti e presenti sul mercato internazionale. È autore di oltre cinquanta pubblicazioni, tra cataloghi, approfondimenti sul lavoro di singoli artisti o scritti teorici come Conceptual Art, Arte Povera, Land Art del 1970. L’impegno di Germano Celant di presentare al mondo l’arte italiana si era manifestato attraverso il suo incarico come curatore al Guggenheim di New York e numerose mostre nei musei esteri. È stato direttore della prima Biennale di Firenze Arte e Moda e della Biennale di Venezia nel 1997. Tra i critici italiani più conosciuti, la sua carriera dal 2015 aveva raggiunto l’apice con la direzione artistica di Fondazione Prada. Germano Celant è nato a Genova nel 1940 da una famiglia di origini modeste. Laureatosi in Lettere (contro la volontà del padre, che l’avrebbe voluto ingegnere), alla fine degli anni Sessanta ha dato vita al movimento di Arte povera, coniandone la definizione e raccogliendo a sé un gruppo di artisti italiani del calibro di Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Pino Pascali ed Emilio Prini, esposti nella prima mostra alla Galleria La Bertesca di Genova. “Là un’arte complessa, qui un’arte povera, impegnata con la contingenza, con l’evento, con l’astorico, col presente, con la concezione antropologica, con l’uomo ‘reale’ (Marx), la speranza, diventata sicurezza, di gettare alle ortiche ogni discorso visualmente unico e coerente (la coerenza è un dogma che bisogna infrangere!), l’univocità appartiene all’individuo e non alla ‘sua’ immagine e ai suoi prodotti”, ha scritto Germano Celant in Appunti per una guerriglia, testo teorico fondamentale stilato nel 1967. “Un nuovo atteggiamento per ripossedere un ‘reale’ dominio del nostro esserci, che conduce l’artista a continui spostamenti dal suo luogo deputato, dal cliché che la società gli ha stampato sul polso. L’artista da sfruttato diventa guerrigliero, vuole scegliere il luogo del combattimento, possedere i vantaggi della mobilità, sorprendere e colpire, non l’opposto”. Il movimento da lui fondato si basa su una riappropriazione del rapporto Uomo-Natura non in senso ascetico, bensì in contrapposizione con la imperante cultura dei consumi. La mercificazione dell’artista e della sua opera fu una minaccia contro la quale Arte povera si scagliò, utilizzando materiali poveri appunto, ossia organici, deperibili, privi di valore intrinseco. Alla galleria Bertesca di Genova presentò anche un’altra mostra: Im-Spazio, con i lavori di Umberto Bignardi, Mario Ceroli, Paolo Icaro, Renato Mambor, Eliseo Mattiacci e Cesare Tacchi. “Non invento niente”, diceva, intervistato da Antonio Gnoli per Repubblica, “’Arte Povera’ è un’espressione così ampia da non significare nulla. Non definisce un linguaggio pittorico, ma un’attitudine. La possibilità di usare tutto quello che hai in natura e nel mondo animale. Non c’è una definizione iconografica dell’Arte Povera”. Arte povera resta tutt’oggi tra i movimenti artistici italiani più conosciuti in ambito internazionale dal secondo dopoguerra. Dopo la realizzazione nel 1977 a Bari della mostra Off media, viene chiamato a collaborare con il Museo Salomon R. Guggenheim Museum di New York, dov’è senior curator of Twentieth-Century Art. Durante gli anni Ottanta cura mostre nei musei più importanti: al Centre Pompidou di Parigi (1981), alla Royal Academy of Arts di Londra (1989) e a Palazzo Grassi a Venezia (1986 e 1989). In questa fase, la sua attività è tesa a creare un ponte tra l’arte italiana e l’ambiente statunitense e internazionale: proprio per questo, ancora al Guggenheim di New York cura nel 1994 la mostra Italian Metamorphosis 1943-1968.  Nel 1996 realizza la prima Biennale di Firenze Arte e Moda, sviluppando la sua concezione dell’arte come intreccio linguistico connesso all’ambiente, di arte in continua evoluzione, strettamente connessa con la cultura contemporanea intesa come espressione dinamica di una creatività globale. Celant è stato anche direttore artistico, nel 1997, della 47esima Biennale d’Arte di Venezia. L’esposizione da lui curata, Futuro, Presente, Passato, si sviluppa alle Corderie, con la partecipazione di 67 artisti internazionali, tra i più in vista. “La scelta degli artisti dipende dal metro che si decide di usare. Nella mostra internazionale ho cercato di rappresentare tutte le stratificazioni dell’arte contemporanea, a partire dalla pop art e dalla minimal art”, spiega Celant ancora a Repubblica in un articolo del ‘97. “Insomma, da metà degli anni Sessanta in avanti. Prima cosa il taglio storico dunque, ma ho dovuto metterlo insieme con il presente: lavorando con la contemporaneità avevo bisogno di incontrare artisti viventi. Con questi due parametri ho cominciato una lettura per strati arrivando al concettuale, all’ arte povera… A guardare, c’è una campionatura molto forte dei vari movimenti: Lichtenstein per il pop, Jim Dine per una certa radicalità figurativa, Oldenburg per il contributo alla sensualità dell’oggetto, erano fondamentali. E poi Agnes Martin, Brice Marden sul senso della pittura, Heizer… Ho cercato un’esemplificazione dei vari movimenti, in modo che ci fosse un attraversamento sia in senso verticale sia in senso orizzontale, perché ognuno degli artisti ha contribuito con dei lavori nuovi”. Collaboratore di note riviste fra le quali L’Espresso con la rubrica Arte, Celant, dopo aver realizzato a Genova nel 2004 la grande mostra Arti & Architettura, diventa curatore della Fondazione Vedova a Venezia e direttore artistico di Fondazione Prada a Milano. Una carica prestigiosa, che lo porta a organizzare mostre con personaggi importantissimi dell’arte, ma anche del cinema, dell’architettura e del mondo accademico. Nel 2013, riceve il The Agnes Gund Curatorial Award, accanto a Miuccia Prada che ottiene il The Leo Award, due premi promossi dall’Independent Curators International (ICI) di New York. I riconoscimenti giungono “per i loro contributi al mondo dell’arte contemporanea, per l’attività a livello internazionale della Fondazione Prada e per la mostra When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013”, svoltasi nella sede veneziana di Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, in dialogo con Thomas Demand e Rem Koolhaas. In occasione di Expo 2015 ha curato la mostra Art & Food alla Triennale di Milano, organizzando un lunghissimo percorso focalizzato sulla commistione tra arte e cibo, dal 1851 (anno della prima Esposizione Universale, tenutasi a Londra) fino ai nostri giorni, con allestimenti progettati dall’architetto Italo Rota.

·        È morto Giulietto Chiesa, giornalista e politico.

È morto Giulietto Chiesa, giornalista e politico. Redazione de Il Riformista il 26 Aprile 2020. Giulietto Chiesa, noto giornalista con alla spalle una lunga carriera all’Unità, La Stampa, Manifesto e Micromega, è morto oggi all’età di 79 anni. A darne notizia è stato il vignettista Vauro Senesi su Facebook: “Giulietto Chiesa è morto”. Il disegnatore ha aggiunto nel post di “ricordare i suoi occhi lucidi di lacrime, a Kabul, davanti ad un bambino ferito dallo scoppio di una mina. È morto un uomo ancora capace di piangere per l’orrore della guerra. I suoi occhi sono un po’ anche i miei”. Chiesa è stato per anni uno dei più importanti osservatori del mondo sovietico, raccontandone anche la disgregazione dopo il crollo dell’URSS. Da sempre attivista comunista, era stato dirigente nazionale della Federazione Giovanile Comunista Italiana. Nel 1980 entra a L’Unità, il giornale del PCI che lo manda come inviato a Mosca per le Olimpiadi. Nel 2004 Chiesa viene candidato ed eletto da indipendente alle Europee per la lista “Di Pietro – Occhetto, società civile”, raccogliendo più di 14mila preferenze nella circoscrizione Nord Ovest, 8mila al Nord Est e 12mila al Centro. Nel 2017 il suo impegno politico si sposa con quello del magistrato Antonio Ingroia nella “Lista del Popolo per la Costituzione”, che alle politiche del 2018 raccoglie soltanto lo 0.03% a livello nazionale. Negli ultimi anni il suo nome è stato sempre più accostato al mondo del complottismo, con interventi rilasciati in particolare sulla televisione online Pandoratv.it, fondata da Chiesa nel 2014. Il giornalista era diventato un forte sostenitore di teorie come scie chimiche, la matrice americana dietro l’attentato dell’11 settembre alle Torri Gemelle, così come la ‘cabina di regia’ dietro gli attentati del 2016 a Bruxelles. Nel corso degli anni le sue posizioni filo-Putin si erano fatte sempre più forti, in particolare sulla guerra in Siria e sull’uso di armi chimiche da parte del presidente Bashar al-Assad, alleato proprio di Putin.

Addio a Giulietto Chiesa, ultimo vero giornalista militante. Il Dubbio il 26 aprile 2020. Si è spento a 79 anni. Era nato in Piemonte, aveva militato nel Pci ed era stato eletto europarlamentare nel 2004 con la Lista Di Pietro-Occhetto. È stato uno storico corrispondente da Mosca per l’Unità e poi per la Stampa. Un giornalista militante. Uno degli ultimi, se l’espressione è intesa nella sua forma pura. Giulietto Chiesa ci ha lasciati a 79 anni. Se ne va una firma storica della sinistra italiana, corrispondente da Mosca innanzitutto per l’Unità e poi per La Stampa, ma anche per la tv, dal Tg5 alla Rai. Nato il 4 settembre del 1940 ad Acqui Terme, in Piemonte, come altri intellettuali impegnati a sinistra Giulietto Chiesa ha unito all’attività professionale la presenza diretta nella politica. In particolare con la propria militanza nella Fgci, la Federazione giovani comunisti italiani, di cui è stato dirigente nazionale negli anni Settanta, e con le battaglie nelle amministrazioni locali, come nel consiglio provinciale di Genova, nel quale è stato capogruppo del Pci fino al 1979. Fino al ritorno nella politica attiva del 2004, quando viene eletto al Parlamento europeo nella Lista Di Pietro-Occhetto-Società civile, per poi aderire come indipendente al gruppo del Pse. Ma Giulietto Chiesa merita di essere ricordato innanzitutto come figura storica dell’informazione nella seconda fase della guerra fredda e per gli interi ultimi due decenni del secolo scorso. Nel 1980 viene inviato infatti dall’Unità a Mosca per seguire le Olimpiadi. Quei giochi sono uno snodo essenziale nella geopolitica, visto il clamoroso boicottaggio dell’intero Occidente, con la sola partecipazione di alcuni Paesi dell’area Nato, Italia in testa, limitata però alla “volontaria” presenza di singoli atleti. Il rigore con cui Chiesa testimonia sul giornale del Pci un evento olimpico dai risvolti tanto delicati ed extrasportivi gli vale la conferma come corrispondente per l’Unione Sovietica del quotidiano, fino al 1990. Si integra in pieno nella capitale dell’Urss, insieme con la compagna Fiammetta Cucurnia, giornalista di Repubblica. Passa quindi alla Stampa e continua a lavorare da Mosca fino al 2020, intraprende le collaborazioni con il Tg5, il Tg3 e il Tg1. Nell’ultimo periodo è notista politico per il manifesto, fino dal ritorno in Italia, quando torna a dedicarsi alla politica attiva.

È morto Giulietto Chiesa, raccontò la fine dell'Unione Sovietica. Profondo conoscitore della Russia e dei Paesi ex sovietici, Giulietto Chiesa è stato a lungo corrispondente da Mosca prima per L'Unità e poi per La Stampa. Aveva 79 anni. Roberto Vivaldelli, Domenica 26/04/2020 su Il Giornale. "Giulietto Chiesa è morto. Non riesco ancora a salutarlo. Ricordo i suoi occhi lucidi di lacrime, a Kabul, davanti ad un bambino ferito dallo scoppio di una mina. È morto un uomo ancora capace di piangere per l’orrore della guerra. I suoi occhi sono un po’ anche i miei". Con queste poche righe il vignettista Vauro ha diffuso sui social la triste notizia della scomparsa del giornalista Giulietto Chiesa. Aveva 79 anni. Per tanti anni corrispondente de l’Unità da Mosca e poi a lungo alla Stampa, ha raccontato dalla capitale moscovita la perestrojka dell'amico Michail Gorbaciov, il crollo dell'Unione sovietica, ed è stato, in generale, un grande esperto e osservatore di tutto ciò che accadeva nei Paesi ex sovietici. Come racconta il suo sito web, diventa giornalista nel 1979, quando entra a L’Unità come redattore ordinario. In precedenza aveva compiuto una lunga esperienza politica nel Partito Comunista, prima come dirigente studentesco universitario, a Genova e in campo nazionale (Vice-presidente dell’Unione Goliardica Italiana), poi come dirigente nazionale della Federazione Giovanile Comunista Italiana (Fgci), infine come dirigente della Federazione genovese del Pci negli anni 1970-1979. Capogruppo per il Pci nel Consiglio Provinciale di Genova dal 1975 al 1979, quando lascia il funzionariato di partito e viene assunto da L’Unità, a Roma. Dal 1° ottobre 1980 al 1° settembre 1990 è corrispondente da Mosca per l’Unità. Nel 1990 entra a La Stampa, sempre come corrispondente da Mosca, e rimane in Russia fino alla fine del 2000. Nel 2003 è stato eletto al Parlamento europeo. Giulietto Chiesa ha raccontato la Russia anche attraverso alcuni saggi, tra cui il recente Putinofobia (2016), nel quale scriveva: "La Russia è quel nemico. Lo è stato in passato, e oggi quell'ossessione ritorna in versione aggiornata. La Russia e il suo uomo forte Vladimir Putin sono il nuovo "nemico numero 1". Rispolverando gli slogan della Guerra Fredda, sono tornati a essere l'Impero del Male e Putin è un mostro da dare in pasto alle masse, opportunamente dipinto come tiranno psicopatico, responsabile di stragi o cinico tessitore di trame imperialiste". Negli ultimi mesi del 2008 Giulietto Chiesa, insieme a un nutrito gruppo di giornalisti, scrittori, intellettuali, riuniti attorno a Megachip, ha dato vita a Pandora Tv, esperimento breve di una televisione indipendente, autofinanziata dai suoi spettatori, su più piattaforme. Ha raccontato, nel 2008, la seconda guerra in Ossezia del Sud fra Georgia e Russia: "Nel 1991 - spiegò in un'intervista -contemporaneamente alla dichiarazione di indipendenza della Georgia da Mosca, l'Ossezia del Sud e l'Abkhazia si erano a loro volta dichiarate indipendenti, cosa che scatenò la guerra di allora. Inoltre, la Georgia ha dimostrato, con la sua ultima brutale aggressione, di non considerare gli osseti come suoi cittadini. Ha messo in opera una vera pulizia etnica e ha voluto la fuga, che è stata massiccia, degli osseti dal loro Paese". Il gironalismo piange un grande esperto di Russia e di politica internazionale.

Giulietto Chiesa e la Georgia: «Europa imprudente». Viola Fiore su cafebabel.com il 20 agosto 2008. Intervista al giornalista e deputato europeo sul conflitto nel Caucaso. Le responsabilità dell’Ue, la reazione “dovuta” della Russia e il trattamento mediatico “vergognoso”. Il 12 agosto la Russia ha affermato di aver cessato le operazioni militari nel Caucaso, accettando l'accordo di pace proposto dall'Unione europea per il tramite del Presidente francese Nicolas Sarkozy. Abbiamorivolto per l’occasione alcune domande a Giulietto Chiesa, giornalista, saggista e deputato europeo, che è stato a Tzkhinvali, capitale dell'Ossezia del Sud, la scorsa primavera. La vita di Giulietto Chiesa è segnata dalla storia recente della Russia e di quelle che, un tempo, erano le Repubbliche Sovietiche. Dopo aver ricoperto incarichi dirigenziali nel Pci (Partito comunista italiano, scioltosi nel 1991, ndr) durante gli anni Settanta, ha lavorato come corrispondente da Mosca per i quotidiani l'Unità e La Stampa e scritto numerosi libri sulla transizione all'era post-sovietica, rimanendo in Russia fino al 2000. Nel 2004 è stato eletto deputato al Parlamento europeo, prima nel gruppo dei Liberali e Democratici, poi nel Pse. Attualmente continua a collaborare con giornali e riviste italiani, europei, russi e americani.

Quali erano gli orientamenti politici prevalenti tra gli osseti, prima della guerra?

«Durante il mio recente viaggio in Ossezia del Sud, ho parlato in russo con decine e decine di persone, giovani e anziane, e posso assicurarle che non ne ho trovata una che desiderasse tornare sotto la Georgia. Il motivo è semplice: in ogni famiglia si conta almeno un morto nella guerra combattuta nel 1992 contro i georgiani. Nel 1991, infatti, contemporaneamente alla dichiarazione di indipendenza della Georgia da Mosca, l'Ossezia del Sud e l'Abkhazia si erano a loro volta dichiarate indipendenti, cosa che scatenò la guerra di allora. Inoltre, la Georgia ha dimostrato, con la sua ultima brutale aggressione, di non considerare gli osseti come suoi cittadini. Ha messo in opera una vera pulizia etnica e ha voluto la fuga, che è stata massiccia, degli osseti dal loro Paese».

Come giudica la reazione della Russia all'aggressione della Georgia?

«La Russia ha fatto con assoluta precisione quello che non poteva non fare. La Georgia lasciava alla Russia due alternative: o ritirarsi, dopo aver avuto dei morti nei suoi contingenti, che sono in Ossezia, ricordiamolo, legalmente, in base agli accordi di Dagomys del 1992, autorizzati quindi anche dalla Georgia. Ritirarsi avrebbe inoltre significato lasciare senza protezione la popolazione osseta, circa 100.000 persone che hanno, in maggioranza, passaporto russo. Oppure respingere le truppe di invasione georgiane dal territorio della Repubblica autonoma dell'Ossezia del Sud, che è ciò che è stato fatto».

Quale è il ruolo dell'Unione europea nella crisi del Caucaso?

«L'incontro di Nicolas Sarkozy con il Presidente russo Medvedev e la proposta europea di accordo di pace mi è sembrata un'iniziativa giusta e utile, arrivata con un po' di ritardo, per cercare di tornare alla normalità. Ritengo però che l'Europa abbia avuto delle responsabilità nello scoppio della guerra: sostenendo incondizionatamente il Presidente Saakashvili e le sue rivendicazioni su Ossezia del Sud e Abkhazia gli ha, di fatto, fornito un alibi. Non si dichiara una guerra per caso, e se Saakashvili lo ha fatto è perché si è ritenuto coperto dagli Stati Uniti, innanzi tutto, ma anche dall'Unione europea, della quale aspira a far parte in un futuro non troppo lontano. Non deve stupire se, quando annunciò in televisione che le sue truppe avrebbero aggredito l'Ossezia del Sud, Saakashvili si fece riprendere con la bandiera dell'Unione europea. Cosa ci faceva quella bandiera dietro le spalle del Presidente della Georgia, Paese che non fa parte dell'Unione? Ecco, credo che l'Europa avrebbe dovuto mantenere un atteggiamento più prudente nei confronti della Georgia. Ed è per verificare lo stato delle relazioni tra Unione europea e Georgia che andai personalmente in Ossezia del Sud, in primavera».

Cosa ne pensa della copertura di questa guerra da parte dei media?

«Considero in generale l'informazione che è stata fornita dalla maggior parte dei media una vergogna dell'Occidente. I telegiornali occidentali hanno mandato in onda immagini e titoli viziati dalla tendenziosità. Si è detto che la Russia volesse conquistare la Georgia, quando non è possibile dimostrare questa affermazione in alcun modo. Si è poi presentato Saakashvili come una specie di povera vittima del cattivissimo Putin, tralasciando, il più delle volte, di mostrare Tzkhinvali rasa al suolo dai bombardamenti georgiani. Credo che si sia arrivati a toccare il punto più basso dalla guerra all'Irak in poi».

BIOGRAFIA DI GIULIETTO CHIESA. Da cinquantamila.it - di Giorgio Dell'Arti.

• Acqui Terme (Alessandria) 4 settembre 1940. Giornalista. Funzionario del Pci di Genova fino al 1979, quando entrò all’Unità. L’anno successivo fu nominato corrispondente da Mosca, incarico che mantenne anche alla Stampa, dal 1990 al 2000. Rimase poi al quotidiano torinese come editorialista, mentre collaborava con numerose testate italiane, russe e americane. Ha lavorato anche per Tg5, Tg1 e Tg3 e per diverse emittenti straniere. Eletto come indipendente nella lista Di Pietro-Occhetto alle europee del 2004, la separazione dall’ex pm fu condita da insulti e accuse («non ho mai dubitato che il signor Antonio Di Pietro volesse tenersi il malloppo» ecc.). Esperto di globalizzazione e informazione, è autore di numerosi saggi, tra cui Cronache Marxziane (Fazi), Afghanistan anno zero (Guerini & Associati), G8-Genova (Einaudi), Russia addio (Editori Riuniti), Cronaca del golpe rosso (Baldini & Castoldi), La rivoluzione di Gorbaciov (Garzanti), Barack Obush (Ponte alle Grazie). Da ultimo Invece della catastrofe (Piemme 2013). [Giulietochiesa.it]. Cura un blog sul Fatto e uno sul Globalist oltre al suo sito Giuliettochiesa.it.

• Tra i più convinti sostenitori della teoria del complotto riguardo agli eventi dell’11 settembre 2001 (in particolare per quanto riguarda l’aereo caduto sul Pentagono), è autore dell’inchiesta Zero da cui Francesco Trento e Franco Fracassi hanno tratto un documentario presentato nel 2007 alla Festa del Cinema di Roma: «La gente crede di aver visto tutto con i propri occhi, in realtà non ha visto niente, da quel momento è dimostrato che siamo a pieno titolo nell’epoca della falsificazione delle immagini». Attaccatissimo per questo dal Foglio secondo il quale è un inviato «in ghingheri» che «gira per gli studi televisivi a raccontarci che la realtà sotto i nostri occhi non è quella giusta, che c’è una surrealtà di cui solo lui, l’esperto, è in possesso».

• Alle Europee del 2009 tentò di farsi eleggere in Lettonia. Andò male. Nel 2010 ha fondato il movimento politico culturale Alternativa politica.   

• Nel 2012 sostiene la candidatura di Giancarlo Cancelleri, del Movimento 5 Stelle, alla presidenza della Regione Sicilia.

• Sposato, un figlio, Lorenzo. Nel tempo libero gioca a tennis.

·        Claudio Risi rip.

Marco Giusti per Dagospia il 26 aprile 2020. Ecco. In questi brutti giorni perdiamo anche Claudio Risi, 71 anni, regista, sceneggiatore, fratello di Marco, figlio di Dino, nipote di Nelo. Simpatico, intelligente, allegro, sempre disponibile, è morto per le complicazioni di un brutto infarto che lo aveva colpito ormai due mesi fa. Ha diretto una delle serie di maggior successo e culto della tv italiana, “I ragazzi della 3a C”, 1987-89, il nostro “Happy Days”, ben 33 episodi che lasciarono il segno tra i ragazzi cresciuti negli anni ’80, dove unì a un gruppo di fresche presenze, Fabio Ferrari, Fabrizio Bracconeri, Claudia Vegliante, Stefania Dadda, Sharon Gusberti, vecchi e gloriosi caratteristi del cinema vanziniano più bello, da Guido Nicheli a Nicoletta Elmi a Ennio Antonelli, con apparizioni strepitose di Dagmar Lassander, Max Turilli, Sabrina Ferilli, Jimmy il Fenomeno, Martine Brochard, Paolo Panelli. La serie venne anche premiata con due Telegatti. Nato a Berna nel 1948, Claudio entrò giovanissimo nel cinema, seguendo il padre come assistente per tutti gli anni ’70 e ’80, in film come “Sono fotogenico”, “Sesso e volentieri”, “Fantasma d’amore”, “Dagobert”, lavorando anche con Mario Monicelli (“Vogliamo i colonnelli”), Carlo Di Palma (“Teresa la ladra”) e Franco Giraldi. Esordì nel cinema giovanil-vacanziero con il divertente e riuscito “Windsurf – IL vento nelle mani”, 1984, girato nella costa vicino a Sabaudia, con Pierre Cosso, Lara Lamberti, che si firmava Lara Nazinski, Urbano Barberini, un giovanissimo Alessandro Gassman, Paola Onofri, seguito da un primo tv movie, “Yesterday” con Jackie Basehart e dal giustamente celebre “I ragazzi della 3 C”. Lontano dal cinema più impegnato del fratello Marco, provò con “Pugni di rabbia” con Ricky Memphis e Johara Farley, qualcosa di più duro, ma tornò presto a occuparsi di commedia con la serie tv “S.P.Q.R”, 1998, nata dopo il successo dell’omonimo film di Carlo Vanzina. Nelle 11 puntate della serie troviamo però un cast diverso rispetto al film, Antonello Fassari, Nino Frassica, Nadia Rinaldi, Cristiana Capotondi, con apparizioni di Alvaro Vitali, Gigi Marzullo, Guido Nicheli e di Elenoire Casalegno come Poppea. Girò poi il film tv “A caro prezzo”, 1999, con Cesare Bocci e, assieme al padre Dino, il documentario “Rudolf Nureyev alla Scala”, 2005, con interventi di Roberto Bolle. Negli ultimi anni, dopo la fine della coppia Boldi-De Sica, protagonisti dei cinepanettoni classici di Aurelio De Laurentiis, era stato chiamato a dirigere Massimo Boldi e un bel gruppo di comici in due film di un certo successo, “Matrimonio alle Bahamas” e “Matrimonio a Parigi”. Film molto liberi, pieni di energie, e molto divertenti.  

·        Addio al giornalista Nicola Caracciolo.

Addio al giornalista Nicola Caracciolo, aveva 88 anni. Fratello di Marella Agnelli e di Carlo, primo editore di Repubblica, era stato corrispondente negli Stati Uniti per la Stampa. Per la Rai aveva realizzato importanti inchieste sulla Shoah degli ebrei italiani, sulla Seconda guerra mondiale e sull'immediato dopoguerra. Lara Crinò il 25 aprile 2020 su La Repubblica. È scomparso a 88 anni Nicola Caracciolo, giornalista, corrispondente dagli Stati Uniti per La Stampa e autore, negli anni Ottanta, di importanti inchieste televisive per la Rai sulla seconda guerra mondiale e il dopoguerra, e sulla Shoah degli ebrei italiani. Nato a Firenze il 19 maggio 1931, era fratello di Marella Caracciolo Agnelli e di Carlo, editore di Repubblica alla sua fondazione nel 1976. Alla morte della sorella, lo scorso anno, aveva dichiarato: “Spero che in in altri luoghi il nostro rapporto possa rimanere vivo”. Ambientalista convinto, si era speso in particolare per la conservazione dell’ambiente naturale e contro la realizzazione dell’autostrada in Maremma, dove era di casa, tanto da essere chiamato dalla gente “il principe di Capalbio”. Nella cittadina aveva guidato il premio letterario di piazza Magenta e la sezione Maremma Tuscia di Italia Nostra, associazione di cui era presidente onorario. La moglie Rossella Sleiter ha lavorato per molti anni come giornalista a Repubblica e ancora oggi cura sul Venerdì la rubrica "Natura". Tra le sue inchieste televisive, che oggi si possono recuperare su Rai Play, è particolarmente significativa la serie Il coraggio e la pietà, realizzata da Caracciolo con la consulenza dello storico Renzo De Felice, che analizzava in particolare, con interviste ai testimoni e ai sopravvissuti - tra cui il rabbino capo di Roma, Elio Toaff  - la storia degli ebrei italiani dopo la promulgazione delle leggi razziali del 1938, prendendo in esame sia il ruolo di chi, dopo l'invasione nazista, denunciò i propri concittadini ebrei, sia di chi, invece, si adoperò per proteggerli. Allo stesso tema aveva dedicato anche il saggio Gli ebrei e l'Italia durante la guerra 1940-45. Negli anni Novanta aveva firmato con Valerio Emanuele Marino il documentario Succede un Quarantotto sull'immediato dopoguerra italiano.

·        Addio al regista Luca De Mata.

Addio a Luca De Mata, il regista che promosse il dialogo tra religioni. Paolo Guzzanti de Il Riformista il 24 Aprile 2020. Mi chiama Cristian e capisco subito, visto che è l’amico e tuttofare di Luca e non mi sbagliavo: «Luca è morto ieri sera. Aveva superato l’ultima chemio abbastanza bene, poi però l’aggeggio che misura l’ossigenazione ha indicato un abbassamento, di corsa in ambulanza, l’ospedale con le porte che si chiudono per tutti, nessuna notizia, e adesso è morto».  Luca De Mata e io eravamo amici da pochi anni, ma per la pelle. Lui guidava questo palazzo magnifico e unico al mondo a cinquanta passi da casa mia e che è su Largo Argentina, dove presiedeva dopo Orsa, sua moglie nipote di Marco Besso, la Fondazione che dallo stato quasi decrepito lui aveva riportato a scintillare nella sua originaria bellezza di sede culturale laica e geniale. Marco Besso era stato un grande intellettuale ebreo e uomo d’affari che fece una buona parte del Risorgimento e che era amico di Mazzini e del sindaco Nathan, di tutta quella magnifica generazione che ebbe la sua onda lunga con Lanciani e con Giacomo Boni che riportò a galla le rovine del Foro andando a recuperare in India la pianta allora estinta dell’acanto insieme a mio nonno con cui scavava rovine e che era redattore capo della Nuova Antologia e che fu ammazzato con una revolverata nel 1921. Era una bella Roma quella nostra Roma, molto giudìa, patriottica e di ghetto, come eravamo giudii di complemento lui ed io e le nostre infanzie e amicizie ed è così che sono caduto con mia sorpresa nell’imboscata del pianto. Non mi capita mai di piangere una morte. Non sono riuscito a versare una lacrima, e me ne vergogno, per mia madre che ogni settimana quando ero bambino andava alla Fondazione Besso per i Martedì Letterari, né per mio padre che era ingegnere ma anche archeologo e mi portava a scoprire gli stili dei capitelli e dei rosoni delle chiese. Sono caduto nell’imboscata del pianto soltanto alla notizia della morte di Philip Roth con cui mi ero troppo tessuto nelle fibre e fu un pianto veramente disperato e l’altro ieri sera perché Luca se ne era andato, dopo avermi assicurato che saremmo ripartiti dopo il lockdown con il teatro della Fondazione, mancavano solo i permessi dei Vigili del Fuoco. Lui era un uomo di genio scomposto ed esagerato, ci ritrovavamo nell’eccessività dei segni, nella disperazione del turpiloquio del più osceno e delicato Belli, tanto più disperatamente genitale quanto più porta l’impronta della disperazione umana. E lui, Luca, figlio di un mangiapreti che scendeva da un aereo se c’erano a bordo troppe monache e di una madre partigiana nei Gap che non ha mai conosciuto e che l’aveva concepito a vent’anni, stranamente aveva passato tutta la vita o almeno buona parte dedicandosi alle imprese del papa polacco Karol Wojtyla che era anche da me molto amato per via della sua personale resistenza ai nazisti prima e ai comunisti dopo. Perché scrivere della morte di Luca De Mata? Perché farne un motivo di pubblico dolore? Lo conoscevano a migliaia e non sarò certo io a scoprire la sua cruda e crudele magnificenza, ma ne scrivo e ne piango perché con lui è morto un altro pezzo di una generazione che la tenaglia della morte in arrivo rende sempre più serrata e ne andiamo perdendo i pezzi non tanto o soltanto per l’amicizia, ma perché siamo gli ultimi testimoni di un’epoca di gatti preti comunisti suore rovine magnificenze palazzi arazzi papi colonne documentari, oh! i suoi documentari per la Rai, le sua partecipazioni teatrali con tutti i grandi, la divertita spinta alla competizione che io provavo nel ricordare insieme il poemetto risorgimentale e giovane di un’Italia pronta al colpo di mano nella Roma repubblicana e garibaldina che è La Scoperta dell’America di Cesare Pascarella, una geniale narrazione piena di strafalcioni all’osteria del come realmente fu che Cristoforo Colombo, uni’itajano, approfittando che «in quei tempi lì d’allora, regnava un re de Spagna portoghese, agnede in Portogallo e lì je chiese de poteje parlà p’un quarto d’ora». Fu così che cominciò. E ci scambiavamo le parti e le battute. Io facevo il monarca munifico e sospettoso: «Sì, p’aiutavve, v’aiuto, fece il re: ma st’America, c’è? ne sète certo?». Era roba per pochi. Laica, ma anche laicamente papale perché ci ricordavamo dei sonetti giudaico-romaneschi di una letteratura di Ghetto e del patriottismo immediato degli italiani ebrei. Luca De Mata aveva prodotto documentari, aveva vinto premi, aveva prodotto e fabbricato programmi per la Rai lavorando con Luca Ronconi, Franco Enriquez, Lina Wertmuller, Luigi Proietti, Michele Placido e Pippo Franco oltre a essere stato regista di una quantità straordinaria di documentari e analisi pubblicitarie, di studi sulla comunicazione anche negli Stati Uniti. Aveva scritto un libro, Il Pollo, che è un’opera di sue figure e parole e astrazioni e simboli in cui rendeva omaggio alla donna, ma più che altro a sua madre della cui assenza era invaghito. Ci incontrammo nella nuova Fondazione Besso da lui rimodernata e tirata a lucido, perfetta per conferenze e per fare cultura e avevamo una montagna di programmi insieme, ma erano tutti legati e collegati con il suo entusiasmo travolgente e amarissimo. E l’amarezza ci univa ed eravamo due compagni della stessa generazione che si erano finalmente incontrati e che avevano insieme goduto momenti bellissimi nelle sale eleganti e tripudianti della Besso, di cui è stato l’ultimo regista e di cui ora si occuperà la figlia Caterina, che era la sua testimone, quella che lui voleva che salisse sulle sue spalle per aiutarla a vedere più lontano di dove fossero arrivati i suoi occhi.

·        E’ morto il filosofo Aldo Masullo.

E’ morto il filosofo Aldo Masullo, pochi giorni fa aveva compiuto 97 anni. Redazione de Il Riformista il 24 Aprile 2020. E’ morto Aldo Masullo, filosofo e politico originario di Avellino. Pochi giorni fa, il 12 aprile scorso, aveva compiuto 97 anni. Laureato in Filosofia e in Giurisprudenza, è stato dal 1955 libero docente e dal 1967 professore ordinario di filosofia teoretica. Successivamente, ha insegnato filosofia morale presso l’Università di Napoli. È stato insignito della medaglia d’oro del Ministero per la Pubblica Istruzione. Candidato nelle liste del Partito Comunista Italiano prima e in quelle dei Democratici di Sinistra poi, dal 1972 al 1976 ha ricoperto la carica di Deputato, mentre dal 1976 al 1979 e dal 1994 al 2001 è stato Senatore della Repubblica. L’8 giugno del 2018 Napoli gli ha conferito la cittadinanza onoraria.

L’ULTIMA INTERVISTA – Lo scorso 30 marzo in una intervista rilasciata a Repubblica, il filosofo campano aveva analizzato con la consueta lucidità l’emergenza coronavirus: “Il mio stato d’animo? Sto lavorando, scrivo, cerco di essere il più tranquillo possibile”. Quando sarà finita la pandemia “sarà come uscire dalla guerra” ma adesso “ci sembra che fuori ci sia il buio: non sappiamo se le provviste basteranno, viviamo nella sospensione di un tempo fermatosi ed emergono i difetti”.

Scompare Aldo Masullo, il filosofo della passione civile. Si è spento a 97 anni nella sua casa napoletana, fu anche parlamentare del Pci e dei Ds. Collaborava con  "Repubblica Napoli". Nel libro sui 30 anni dell'edizione napoletana la sua poesia per i migranti. Stella Cervasio il 25 aprile 2020 su La Repubblica. Filosofo, uomo politico, maestro di etica per più di una generazione di allievi. Alla vigilia del 25 aprile, a pochi giorni dal suo novantasettesimo compleanno, nella sua casa napoletana è morto Aldo Masullo, professore emerito nella Federico II. La fine, nella sua casa napoletana, per un cancro alla prostata con cui aveva convissuto dieci anni. Ha lavorato fino alla fine, il filosofo che lascia la moglie e tre figli, Paolo, Lorenzo e Carlo, neurologo alla Cattolica di Roma. Tra gli ultimi scritti, la poesia, pubblicata nel libro per i 30 anni di Repubblica Napoli (di cui era collaboratore) che celebra il giovanissimo immigrato del Mali annegato nel Mediterraneo con in tasca la pagella: “T’è rimasta stretta sopra il cuore/fedele come il cane di famiglia/a custodir del tuo abbandono l’onta/ e finalmente sbatterne l’orrore/ in faccia all’impunita indifferenza/ della presente umanità d’automi”. Il sindaco Luigi de Magistris, che gli consegnò nel giugno 2018 la cittadinanza onoraria con Nino Daniele, assessore e suo allievo, ricorda «uno dei più grandi filosofi del secondo Novecento, di altissimo profilo etico, di profondo rigore intellettuale» e le sue «lucide analisi politiche sino ai giorni scorsi. Un faro per tanti, un solidissimo punto di riferimento della cultura partenopea». Per il ministro delle Affari europei Enzo Amendola Masullo era «un intellettuale brillante e coraggioso. Il suo pensiero e le sue opere restano ad indicarci un cammino razionale. Un punto di riferimento politico e culturale che ci ha insegnato che Nessuno di noi si salva da solo".  Nato nel 1923 ad Avellino, si era laureato in Filosofia e in Giurisprudenza; dal 1955 ha insegnato alla Federico II prima filosofia teoretica e poi morale, alternando periodi ricerca in Germania. Ha diretto dall’84 al ‘90 il Dipartimento di Filosofia; Accademico pontaniano, Masullo ha fatto anche parte della Società nazionale di scienze lettere ed arti e ha ricevuto la medaglia d’oro del ministero per la Pubblica istruzione. Lunga anche sua carriera politica, che correva in parallelo con la docenza: Masullo è stato deputato dal ‘72 al ‘76 e senatore fino al ‘79 e poi dal ‘94 al 2001, candidato prima nelle liste del Pci e poi in quelle dei Ds, lavorando sui temi dell’istruzione e poi, come parlamentare europeo, al fianco di Nilde Jotti. Si era laureato, dopo aver vissuto un periodo a Torino e poi a Nola, con Emilia Nobile, discutendo una tesi sul filosofo francese Julien Benda. Pur in presenza del prevalere del pensiero crociano, si formò con lo sperimentalismo di Antonio Aliotta. Nel ‘47 la seconda laurea con tesi in filosofia del diritto. Esistenzialismo, spiritualismo, autori come Gentile spingono il filosofo a formulare il proprio pensiero originale tenendo conto anche della fenomenologia di Husserl. Dal ‘63 scrive “Lezioni sull’intersoggettività. Fichte e Husserl” e “Antimetafisica del fondamento” (1971); “Il fondamento perduto” (1984) e “Metafisica. Storia di un’idea”. Con i successivi studi su tempo, senso e “paticità” si arriva sino al 2003. Nel 2005 Masullo scrive ancora il volume “Filosofia morale” per una collana di importanti testi di filosofia, sottolineando il ruolo di morale ed etica. Due anni fa, per Quodlibet Studio esce "L'Arcisenso. Dialettica della solitudine" dove il maestro dimostra che "assolutismo e fondamentalismo sono nemici dell'uomo" e che si può condividere e confrontarsi anche nelle rispettive diversità: la più attuale delle lezioni di Masullo, che in questo libro ha sostenuto che "il relativo è la salvezza".  Generoso anche nei periodi in cui i problemi di salute si acuivano, Masullo ha animato gli incontri del “Manifesto per salvare Napoli”. Nel 2011 è stato autore di “La libertà e le occasioni”, tema del suo ultimo seminario all’Istituto italiano per gli studi filosofici. Per nessuna ragione avrebbe lasciato l’impegno civile: nel ‘91 ha presieduto le Assise di Palazzo Marigliano contro NeoNapoli, ed è poi stato capolista del Pds alle amministrative del giugno 1992 e ancora protagonista nel marzo 1993, agli albori della stagione dei sindaci. Dal ‘94 al 2001 nuovamente al senato in Commissione vigilanza Rai e all’Istruzione e beni culturali, dove il suo apporto è stato fondamentale. I funerali si terranno in forma privata in attesa di una celebrazione pubblica al termine dell’emergenza Covid.

·        Morto Giuseppe Gazzoni Frascara: Ex presidente del Bologna Calcio.

Morto Giuseppe Gazzoni Frascara: aveva 85 anni. Antonino Paviglianiti il 24/04/2020 su Notizie.it. È morto Giuseppe Gazzoni Frascara: lutto nel mondo del calcio per la scomparsa dell'ex presidente del Bologna. È morto Giuseppe Gazzoni Frascara. Ex presidente del Bologna e attuale presidente onorario, l’imprenditore è venuto a mancare all’età di 84 anni. A lui si deve la rinascita del Bologna Fc 1909 a metà anni novanta con la risalita dalla C alla A, diventando presidente nel 1993 ed evitando il fallimento del club. Fu una grande cavalcata fino ai primi anni duemila quando la retrocessione post Calciopoli non gli consentì di proseguire, lui che già a metà anni ottanta si era avvicinato al calcio con la propria azienda Idrolitina. Sotto la sua gestione sono arrivati grandi campioni come Roberto Baggio e Beppe Signori e ha anche riportato un trofeo europeo, ovvero l’Intertoto 1998, propedeutica a quella grande cavalcata Uefa nel 1998/1999 che portò il Bologna fino alla semifinale. Grande protagonista della lotta a Calciopoli, Gazzoni ha continuato a lottare in sede giudiziaria dopo la retrocessione del 2005 sperando in un risarcimento. Nel 2006, da patron del Bologna, è stato uno dei principali accusatori di Calciopoli e delle pratiche, note come doping amministrativo, di cui si sarebbero serviti alcuni club di Serie A per posticipare i pagamenti di debiti verso l’erario o per abbellire i bilanci. Alla conclusione del campionato di Serie A 2004-2005, infatti, la squadra rossoblù retrocesse in Serie B dopo aver perso lo spareggio contro il Parma, giunto a pari punti in classifica al termine della stagione regolare. Nel corso di quel torneo, alcune partite del Bologna furono oggetto delle inchieste che portarono alle penalizzazioni di diversi club: in alcuni casi i felsinei furono coinvolto in maniera diretta, come nelle sconfitte interne contro Juventus e Lazio; in altre occasioni, invece, le indagini si incentrarono su ammonizioni nei confronti di calciatori diffidati al fine di favorire le avversarie della giornata seguente — fatto, quest’ultimo, mai provato. Nonostante le penalizzazioni inflitte a diverse società di quel campionato, la formazione emiliana non fu ripescata. 

Bologna, addio a Giuseppe Gazzoni: da Baggio a Signori fu il presidente del calcio con le bollicine. E' morto a 84 anni: rilevò il club dal fallimento nel 1993 e lo portò dalla serie C alla semifinale Uefa del 1999 persa contro l'Olympique Marsiglia. Giovanni Egidio il 25 aprile 2020 su La Repubblica. Prima che tutta Italia conoscesse Giuseppe Gazzoni Frascara, scomparso ieri all'età di 84 anni, come presidente del Bologna calcio, moltissimi conoscevano già il principale prodotto di famiglia, le bustine di Idrolitina, polverina ben presente nelle tavole italiane degli anni 60 e 70, col potere quasi magico di rendere l'acqua frizzante. Una geniale idea imprenditoriale del nonno, su cui era stato costruito un piccolo impero, irrorato in seguito da altri prodotti fortunatissimi, dalla pasticca del Re Sole alle Dietorelle. Meno fortunata, sebbene altrettanto vistosa, fu l'avventura di Gazzoni nel calcio. Rilevato il club dal fallimento nel 1993, ci investì un sacco di soldi per risollevarlo dalla Serie C fino alla semifinale Uefa del 1999, giocata (e persa) contro l'Olympique Marsiglia. Sei anni per ribaltare e riabilitare i destini di un club, senza che questo bastasse a farlo mai amare fino in fondo dai tifosi. Quando nel 2000 acquistò l'argentino Cruz dal Psv e il fantasista Locatelli dall'Udinese, spendendo 40 miliardi di lire, finì la stagione trovando scritto sui muri della città "Gazzoni plumone". Che in bolognese sta per tirchio. Non era vero. La verità è che il calcio lo aveva perfino impoverito. Perché ci si era buttato dentro proprio senza risparmiarsi, arrivando a portare Baggio in città, e poi Signori, e poi Pagliuca. Cercando campioni in momenti di difficoltà da rimettere a nuovo. E riuscendoci sempre. Partito come detto dalla C, si ritrovò del tutto inopinatamente in B nel 2005, con una squadra che a Pasqua era in zona Uefa. Erano gli anni di Calciopoli, Gazzoni diventò uno dei grandi accusatori dell'inchiesta, reclamava danni collaterali subiti in favore della Juventus e ruppe uno storico rapporto con la famiglia Agnelli. Chiese giustizia e risarcimenti, senza mai ottenere nulla. Un altro tribunale, anni dopo, sentenziò invece il fallimento per bancarotta della Victoria 2000, la società che deteneva le azioni del Bologna. Ma come Gazzoni lo fu per tutta la vita, anche il tempo nei suoi confronti infine è stato galantuomo. Già da anni la città lo aveva ampiamente riabilitato, davanti all'evidenza. Prima e dopo di lui, risultati alla mano, nessuno è infatti mai stato alla sua altezza. Ma il suo stile austero, forgiato nei college londinesi, il suo snobismo innato, il suo rifiuto aprioristico di ogni forma di populismo, non riuscirono mai a renderlo popolare. Nemmeno quando nel '95, appena iniziata l'avventura nel calcio, provò a candidarsi sindaco per sfidare il Pds. Rifiutato l'accordo con An ("Con gli ex fascisti no, grazie"), limitò la già striminzita platea di possibili elettori, raccogliendo un ininfluente 16%. Lui del resto non faceva davvero nulla per piacere. Perché se da un lato non lisciava mai il pelo alle folle, dall'altro non perdeva nemmeno occasione di prendersela con i bolognesi della tribuna, bollati a lungo come "milordini". Di tante altre avventure aperte e chiuse in città - l'acquisto del centro studi di Nomisma, dell'emittente cittadina Rete 7, delle Officine Rizzoli per le riabilitazioni - non trasse mai vantaggi. Riuscì però a risalire dal dissesto e a far pace con la sua parte più burbera. A spegnerlo non è stato il Covid 19, ma una malattia che ne aveva minato le difese immunitarie. Nell'ultima intervista prima di Natale, a Repubblica disse: "Ora sono un po' debole. Ci rivedremo allo stadio, a primavera". Ci fossero ancora le partite, il minuto di silenzio per Gazzoni si riempirebbe con 60 secondi di applausi. Il tuo contributo è fondamentale per avere un’informazione di qualità. Sostieni il giornalismo di Repubblica.

·        È morta Shirley Knight, attrice di cinema e serie tv. 

È morta Shirley Knight, attrice di cinema e serie tv. Aveva 83 anni. Ha avuto due nomination agli Oscar per "Il buio in cima alle scale" e "La dolce ala della giovinezza" in cui recitava accanto a Paul Newman. È apparsa anche sul piccolo schermo in "E.R.", "Dr. House", "Desperate Housewifes" La Repubblica il 22 aprile 2020. L'attrice statunitense Shirley Knight è morta oggi per cause naturali nella casa della figlia, l'attrice Kaitlin Hopkins, a San Marcos, nel Texas, all'età di 83 anni. Attrice teatrale affermata fin dagli anni 60, premiata con un Tony, ha lavorato al cinema in ruoli di supporto sfiorando due volte l'Oscar ed è stata interprete di numerose serie televisive americane per cui ha ricevuto diverse nomination agli Emmy e ne ha vinti due come madre di una vittima in Nypd Blue. Dal 1993 è apparsa in serie di successo tra cui Angel Falls, Ally McBeal, E.R. Medici in prima linea, Law & Order, Crossing Jordan e Desperate Housewives. La prima candidatura agli Oscar come miglior attrice non protagonista la ottiene nel ruolo della ragazza dell'Oklahoma innamorata di un ragazzo ebreo in Il buio in cima alle scale di Delbert Mann (1960). Due anni dopo riceve la sua seconda nomination interpretando la donna innamorata e abbandonata da Paul Newman in La dolce ala della giovinezza di Richard Brooks (1962), ispirato al dramma di Tennessee Williams. Shirley Knight ha lavorato anche con Sidney Lumet in Il gruppo (1966) e nel dramma razziale Intolleranza: il treno fantasma (1967) di Anthony Harvey, ruolo che le è valso la Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile alla Mostra di Venezia. Per Francis Ford Coppola recita in Non torno a casa stasera (1969). Dopo il divorzio dal primo marito, l'attore Eugene Persson, si trasferisce in Inghilterra con il nuovo marito, lo sceneggiatore inglese John Hopkins, sparisce dal grande schermo per cinque anni, per poi tornare in scena con Juggernaut nel 1974. Ottiene poi essenzialmente dei ruoli materni in Amore senza fine (1981) di Franco Zeffirelli, Il colore della notte (1994) e in Qualcosa è cambiato (1997) accanto a Jack Nicholson. Tra gli ultimi film in cui è apparsa figurano Angel Eyes - Occhi d'angelo (2001), Salton Sea - Incubi e menzogne (2002) e Cocco di nonna (2006). Infine è tornata nel ruolo a lei congeniale della mamma nel 2009 nella commedia Il superpoliziotto del supermercato con Kevin James. 

Shirley Knight rip. Marco Giusti per Dagospia il 23 aprile 2020. Chi l’ha vista in “Non torno a casa stasera”, il film che Francis Coppola aveva scritto per lei, ne “La dolce ala della giovinezza” di Richard Brooks, alle prese con il testo dell’adorato Tennesse Willimas, ne “Il buio in cima alle scale” di Delbert Mann, nel ruolo che le dette la sua prima Nomination all’Oscar, o in “Dutchman” di Anthony Harvey dove venne premiata con la Coppa Volpi a Venezia, difficilmente l’ha scordata. Anche se non può essere considerata proprio una star, Shirley Knight, che se ne è andata a 83 anni, lunghi capelli biondi, occhi chiari e pelle bianchissima, è stata un’attrice indimenticabile dei primi anni ’60. Perché ha saputo dare vita alla complessità dell’insoddisfazione delle donne bianche, a un passo dalla nevrosi, un filo prima della grande rivolta femminista. Penso a Lula, la ragazza bianca che nella metropolitana di New York provoca sessualmente col corpo e a parole un ragazzo nero nel bellissimo “Dutchman”, commedia scritta da LeRoy Jones che aveva già interpretato a teatro e che riprende al cinema con Al Freeman jr. O a Natalie, la protagonista di “Non torno a casa stasera” di Coppola, dove, incinta, lascia la casa e il marito e inizia un viaggio per l’America assieme a un malato di mente, James Caan, che sembra specchiare perfettamente la sua condizione di persona frustrata. Nata a Goessel, nel Kansas, nel 1936, figlia di un funzionario di una compagnia petrolifera, appare da bambina come extra in “Picnic” di Joshua Logan. Come sbarca a Los Angeles giovanissima, studia all’Ucla e prende lezioni di recitazioni da Jeff Corey assieme a giovani talenti come Dean Stockwell, Jack Nicholson, Robert Blake, Sally Kellerman. Viene scelta da un’agenzia importante, che la spinge da subito in tv e al cinema. “Avevo una specie di talento naturale”, dirà, “ a 19 anni riuscivo a sembrare una ragazza di 15”. Gira da subito tanta tv, poi esordisce al cinema con un film anticomunista, “Cinque vie per l’inferno” di James Clavell, poi “Lo zar dell’Alaska” di Vincent Sherman con Richard Burton. Col suo primo vero ruolo importante al cinema, “Il buio in cima alle scale”, dalla commedia di William Inge, diretta da Delbert Mann, dove è la figlia di Robert Preston e Dorothy MacGuire, ottiene la sua prima Nomination agli Oscar e la prima grande popolarità. Non vincerà, come non vincerà due anni dopo con “La dolce ala della giovinezza” di Richard Brooks a fianco di Paul Newman e Geraldine Page, tratto dal romanzo di Tennesse Williams, dove è la figlia di Ed Begley. Ma otterrà dalla Warner Bros il via libera per poter iscriversi all’Actor’s e studiare con Lee Strasberg e Elia Kazan. E’ in questo periodo che viene salutata da Tennesse Williams al grido di “Finalmente ho trovato la mia Blanche Du Bois, ma mia Blanche perfetta!”. Williams scrive appositamente per lei la commedia “A Lovely Sunday of Creve Coeur”. Lo stesso Williams dirà a proposito di lei: "La gente parla di talento, ma tutti hanno un certo talento. Tutti hanno anche un cuore. Ma il talento, come il cuore, è quasi sempre usato male o raramente. Non puoi fare uscire il talento o il cuore all’esterno senza avere molto coraggio e io cerco il coraggio. Ci sono persone di talento - persone brillanti - che hanno coraggio e sono quelle che vuoi avere vicino a te ... Shirley Knight ha un coraggio incredibile: porterà il suo talento ovunque debba andare per fare bene il lsuo avoro, e non ha paura di condividerlo con chiunque sia pronto. Mi piacciono le persone audaci, le persone davvero audaci. Shirley è audace, è audace." E’ in questo periodo che, oltre a apparire in film di genere, il carcerario “Rivolta al braccio D” di Walter Doniger e “I tre di Ashiya” con Yul Brynner, appare nel grande dramma corale al femminile “Il gruppo” che Sidney Lumet mette in scena dal romanzo di Mary McCarthy, e dove divide la scena con Candice Bergen e Elizabeth hartman, recita sia a tetaro che al cinema “Dutchman”, tratto dalla commedia di LeRoy Jones, che la porta prima a Cannes, dove il film vince il premio della critica, e a Venezia, dove è lei a vincere la Coppa Volpi. E proprio a Cannes la ferma il giovane Coppola e le promette di scrivere un film per lei. Cosa che spesso si dice alle attrici, ma quasi mai si fa davvero. Invece Coppola, che allora era più noto come sceneggiatore che come regista, scrisse davvero per lei “The Rain People”, da noi “Non torno a casa stasera”, che diresse nel 1969. La troviamo anche in molti altri film del tempo, come il bellissima “Petulia” di Richard Lester, dove la protagonista è però Julie Christie, l’inglese “Sensi proibiti” di Philip Saville con Jacqueline Bisset, il catastrofico “Juggernaut”. Seguitò a recitare moltissimo, forse più in tv che al cinema, ritornando poi nei primi anni ’80 come madre non troppo in forma, in “Amore senza fine” di Franco Zeffirelli, in “Qualcona è cambiato”, ma anche in “Diabolique”, “Le ya ya Sisters”. Alla fine ha girato qualcosa come 184 titoli tra tv e cinema, che le hanno fatto vincere 2 Tony Award (per “Kennedy’s Children”, 1976, e “The Youngman From Atlanta”, 1997), 3 Emmys, 1 Golden Globe e 2 Nomination agli Oscar. In tutto questo ha avuto due mariti, il produttore teatrale Eugene Persson, 59-69,  e il commediografo inglese John R. Hopkins, 69-98. Negli ultimi vent’anni ha molto lavorato per la tv andando a vivere da una delle sue due figlie, Kaitlin, in Texas, a San Marcos, dove è morta. 

·        E’ morto Sirio Maccioni: re della cucina italiana in America.

ELEONORA COZZELLA per repubblica.it il 20 aprile 2020. La lezione che ci lascia: impegno, forza di volontà, e soprattutto l'uso intelligente di un fascino naturale. Il seme del successo per Sirio Maccioni, classe 1932, vero mito della ristorazione che ha conquistato prima New York poi tutti gli States e il mondo, è stato piantato a Montecatini. Qui ha frequentato l’istituto alberghiero “F. Martini” dove arriva alla fine della guerra, con l’obiettivo di affermarsi nel mondo della ristorazione. “In quel periodo, a Montecatini e forse in tutta Italia funzionavano solo le scuole alberghiere – mi raccontò il maître che negli anni ’60 era considerato l’uomo più sexy di New York – e l’istituto cittadino era anche una preziosa fonte di lavoro, perché anche durante l’anno scolastico, specie in alta stagione, venivamo chiamati dagli hotel per integrare il personale. Se eri in gamba potevi sperare di entrare al Grand Hotel La Pace, il cui apprendistato apriva le porte anche agli hotel all’estero”. E così accadde. Tanta gavetta e soprattutto tanta passione e costanza, perché "quello del ristorante - diceva - è un lavoro da cui gli scansafatiche devono tenersi molto lontano". E poi un mantra che non si stancava di ripetere: migliorare sempre, studiare, curare la preparazione: “Imparare le lingue è indispensabile e conoscere tutto della gastronomia e studiare la sua storia. Poi conoscere e riconoscere i gusti dei clienti”. Il segreto per accontentare gli ospiti? "I camerieri devono – se non proprio cucinare – sapere anche come funziona la cucina, i suoi ritmi, i suoi tempi. Nessun bravo cameriere o maître può ignorare cosa succede nella stanza dei cuochi. “Quando ero giovane, noi sapevano sfilettare e servire il pesce in sala, preparare una pasta alla lampada di fronte ai commensali, affettare e condire a puntino funghi freschi per un’insalata”.

Dagospia il 21 aprile 2020. Nel periodo di massimo splendore, Le Cirque e il suo re, Sirio Maccioni, erano New York, New York. Sulla East 65th St. un ristorante francese di proprietà di un italiano era diventato un covo esclusivo che esplodeva ogni giorno di cibo eccellente e di ricchi & famosi, Yver Montand, Diana Ross, Henry Kissinger, Roy Cohn, Gianni Agnelli, Woody Allen.

Isabella  Gherardi per il Corriere fiorentino – articolo del 2009. E’ una gelida giornata di sole a New York, illuminata dalla tipica cristallina luce atlantica. Incontro Alle 12 Sirio Maccioni a “Le Cirque”, il mitico ristorante riaperto nel nuovo Bloomberg Building, alla 58th tra la Lexington e la 3rd Avenue. Appena entrata lo riconosco, alto e sorridente, è la quintessenza dello stile italiano, elegante ma non formale. Ci sediamo ad un piccolo tavolo al bar e davanti ad un delicato flute di champagne millesimato, cominciamo a parlare. Sarà un lungo colloquio. Sirio è loquace, preciso nella scelta delle parole, parla di tutto, rievoca gli anni della gavetta, la partenza dalla Toscana degli anni postbellici, povera ma bella e ricca di volontà e di entusiasmo. Gli chiedo se ha un oggetto del cuore e lui dice no, che i suoi ricordi sono legati non agli oggetti ma alle persone. Innanzitutto a sua nonna Annunciata, figlia della dura Toscana dell’800 che ritrovi nei quadri di Fattori con i suoi cavalli bradi e i suoi buoi bianchi che tirano instancabili l’aratro. Il lungo Addio alla stazione con i fazzoletti sventolanti, le tre valigie, la promessa di un lavoro a Parigi e una lettera di presentazione a Ivo Livi (nonna Annunciata ne conosceva gli zii), un italiano che in paese si favoleggiava avesse fatto fortuna a Parigi. Ma l’impatto con la “Ville Lumière” è duro, il Plaza Athènèe non lo assume poiché non parla francese. Riesce a trovare fortunosamente un lavoro  presso il ristorante  “Florence” gestito da una famiglia italiana, i Fiore. Questo ristorante era frequentato da tutti gli italiani famosi a Parigi come Serge Reggiani e Lino Ventura, le loro foto sono appese alle pareti del ristorante. Fra queste c’era la foto di un certo Yves Montand, un attore che Sirio aveva visto al cinema nel film “Vite Vendute”. Una sera Montand venne al ristorante con la sua fidanzata di allora, Edith Piaf. “Sentii Montand parlare con il proprietario del ristorante in italiano, anzi con l’accento tipico di Monsummano. Quando il proprietario tornò in cucina gli chiesi come mai Montand parlasse cosi bene il toscano. Solo allora capii che Ivo Livi era Yves Montand. Dopo anni venni a sapere che il nome d’arte veniva da sua madre che, pur vivendo a Parigi da lungo tempo, non aveva mai imparato il francese. Quando Ivo andava a trovarla , lei diceva “Ivo, monta!” che era un misto di francese e italiano per dirgli di salire.  Fra me e lui si stabilì subito una forte simpatia. Mi diceva : “Su andiamo, sei giovane e sei a Parigi e sei con me”. Yves voleva fare di me un uomo di spettacolo, fece molti tentativi e si accaniva a farmi provare a ballare e cantare con il suo pianista che un giorno tagliò corto: “Credi che poiché viene dalla tua terra sappia cantare…”. Allora Montand rassegnato mi accompagno al Plaza Athènè dove non ero più il misero stagista italiano mangiaspaghetti  ma il protégé del celebre Yves Montand. Lì iniziò il mio duro apprendistato. La gente mi chiedeva come mai parlassi sempre di Montand. “A meno che non si provenga da dove veniamo io e Yves, questo discorso non si può capire. La cosa che ammiravo di lui era la sua schiettezza e il ricordarsi delle origini. Lo sentivo come un fratello”. Sirio sta un attimo in silenzio e poi dice: “Sapete perché sono bravo, se posso essere tanto presuntuoso da dirlo? È perché ho sempre qualcosa di amaro dentro che mi tormenta lo stomaco, anche Montand ce l’aveva”. L’ultima volta che l’ho visto fu a Monsummano dove aveva portato la giovane moglie Carol e il figlio piccolo. In quella occasione mi disse : “Sirio, il faut retouner aux racines.” Dopo pochi mesi appresi con grande dolore che era morto. Poi Sirio passa a parlare dei suoi trionfi e delle sue traversie, dell’amore per la moglie Egidiana E l’orgoglio per i suoi tre figli maschi e di tutti i personaggi che ha conosciuto. Ma questo ve lo racconterò un’altra volta. 

·        E’ morto a 82 anni Peter Beard, fotografo naturalista.

Da "lastampa.it" il 20 aprile 2020. E’ morto a 82 anni Peter Beard, uno dei più grandi fotografi naturalisti del secondo Novecento, colui che ha visto con i propri occhi l'inizio della fine dell'Africa della savana vissuta ed evocata dalla sua amica Karen Blixen, la scrittrice danese celebre per La mia Africa, raccontandola in straordinari reportage in bianco e nero. E' stato anche un affermato fotografo di moda, firma della rivista Vogue e autore degli scatti del Calendario Pirelli nel 2009. Misteriosamente scomparso da casa da 19 giorni, il corpo senza vita di Beard, che da tempo soffriva di demenza senile, è stato trovato in un bosco del Camp Hero State Park a Montauk, nello stato di New York. La notizia della morte, così come quella della scomparsa, è stata data dalla famiglia sulla pagina Instagram. Del grande fotografo statunitense si erano perse le tracce il 31 marzo scorso, quando era stato visto per l'ultima volta nella sua tenuta sulla scogliera a Long Island. Per tre giorni la polizia del dipartimento di East Hampton ha condotto le ricerche ma alla fine nessuna traccia è stata trovata e Beard è stato dichiarato ufficialmente scomparso. Il cadavere è stato rinvenuto ieri, domenica 19 aprile, casualmente da un passante, che ha avvisato la polizia; i familiari hanno effettuato il riconoscimento. La sua famiglia, la moglie Nejma e la figlia Zara, in un comunicato affidato al New York Times, hanno dichiarato: «Abbiamo tutti il cuore spezzato dalla conferma della morte del nostro amato Peter. È morto dove è vissuto: nella natura. Vogliamo esprimere la nostra profonda gratitudine alla polizia dell'East Hampton e a tutti quelli che l'hanno aiutata a cercarlo».

La sua vita. Nato a New York il 22 gennaio 1938, dopo la laurea in storia dell'arte all'Università di Yale, nel 1961 Peter Beard conosce in Danimarca Karen Blixen con cui collabora fino al 1962, trasferendosi a vivere nell'Hog Ranch in Kenya, ranch vicino a quello della scrittrice danese. Durante questo periodo Beard studia la fauna africana e nel 1965 pubblica il libro The End of the Game, una raccolta di fotografie, testi, documenti, che documentano la scomparsa degli elefanti in Kenya. Negli anni '70 collabora con Andy Warhol, Francis Bacon e Truman Capote e nel 1975 organizza la sua prima mostra fotografica presso la Blum Helman Gallery di New York, a cui segue un'alta mostra, ancora più importante, nel 1977 presso l'International Center of Photography di New York, in cui vengono messe in esposizione fotografie, giornali, oggetti africani e cimeli personali. A New York frequentava lo Studio 54 e aveva accompagnato in tour anche i Rolling Stones. Per Vogue ha portato in Africa star come Veruschka e lì aveva scoperto e lanciato nuove modelle, tra cui Iman. E' stato sposato con la nota protagonista della mondanità newyorchese Minnie Cushing negli anni '60, poi con la top model Cheryl Tiegs fino al 1982 e dal 1986 con l'attuale moglie Nejma Khanum. Nel 1996 una retrospettiva del suo lavoro si è tenuta al Centre National de la Photographie di Parigi, poi esposta anche a Berlino, Londra, Toronto, Madrid, Milano, Tokyo e Vienna. Nel 2004 ha scritto un libro per bambini, dedicato alla figlia, Zara, "Zara's Tales: From Hog Ranch". Nel 2009 era stato scelto come fotografo per il calendario Pirelli in Botswana, immortalando le top model Mariacarla Boscono, Daria Werbowy, Isabeli Fontana, Lara Stone e Malgosia Bela. Le foto di Peter Beard sono oggetti ricercati dai collezionisti e vendute all'asta: nel 2017 un collage stampato in gelatina d'argento raffigurante cuccioli di ghepardo orfani vicino a Nyeri, in Kenya, è stato venduto per 672.500 dollari. Per la famiglia di Beard, è «importante che Peter sia considerato la persona che è e ricordato per il modo in cui ha sempre vissuto: un artista straordinario, un viaggiatore insaziabile, un eroe del movimento per la conservazione dell'ambiente, un amante della vita, dell'Africa, dell'avventura, della sua famiglia e dei suoi amici». 

·        E’ morto il bassista Henry Grimes.

Marco Molendini per Dagospia il 20 aprile 2020. Henry Grimes era già morto almeno un paio di volte, tanti anni fa, prima di morire davvero, due giorni fa, anche lui travolto dal corona virus a 84 anni. Bassista dal suono gigantesco, dalla tecnica sopraffina e dal forte temperamento, presente in tante registrazioni accanto ai nomi grandi del jazz, da Thelonious Monk (in uno dei più bei documentari su questa musica Jazz on a summer day, registrato nel 1958 a Newport, è accanto al pianista e a Roy Haynes mentre suonano Blue Monk), a Sonny Rollins, a Gerry Mulligan, ai campioni dell'avanguardia free, Archie Shepp, Albert Ayler, Cecil Taylor (nel suo album più bello, Conquistador) a un certo punto è letteralmente scomparso dalle scene. Non si sapeva più nulla di lui e dove fosse finito. Venne dato per morto: chissà dove, chissà quando. La prima notizia della sua scomparsa l'aveva lanciata Valerie Kilmer, fotografa e scrittrice molto addentro al mondo del jazz. Era il 1971. Un'altra volta nell'84, fu un giornale ad annunciarla. Ma Henry non era morto. Aveva semplicemente smesso di suonare. E per anni ha vissuto nel silenzio finchè un appassionato di jazz, un assistente sociale non è riuscito a scovarlo. Era il 2002, più di trent'anni dopo. Marshall Marrotte si era appassionato a Henry Grimes un pomeriggio del 1986, entrato in un negozio di dischi di New Orleans gli era capitato di ascoltare The Call, l’unico album da leader mai inciso fino ad allora dal bassista: «Le note del suo strumento mi hanno messo letteralmente al tappeto. Mi è venuto un capogiro» il suo racconto. Fatto sta che da quel giorno ha cominciato a raccogliere informazioni su Grimes. «Ho sentito le cose più strane – ha raccontato -: che era morto, che aveva abbandonato la musica e si era fatto prete, che aveva seri disturbi mentali, che viveva in mezzo a una strada, che s’era fatto i capelli verdi, che si era messo a suonare il basso elettrico in una rock band... ». L'assistente sociale si intestardisce, vuole capire cosa è successo per davvero e comincia a indagare approfonditamente: testimonianze di musicisti e amici, della famiglia, archivi di giornali, di preture, certificati di morte. Alla fine ce la fa: rintraccia Grimes in un pidocchioso albergo di South Central, Los Angeles. Quando gli chiede perché sia sparito per tanti anni il bassista gli risponde con la più semplice delle constatazioni: «Con il jazz non ce la facevo a vivere». Aveva provato con il teatro. A un certo punto aveva venduto il suo contrabbasso, infine si era arrangiato come poteva, fra lavoretti, aveva fatto il guardiano alla sinagoga di LA, e i soccorsi della social security, combattendo anche con problemi mentali, una sindrome maniaco-depressiva. Come un redivivo Grimes è tornato a suonare, con la leggenda della sua storia, del suo passato di jazzista di prima fila e un contrabbasso regalato da un giovane collega William Parker. Ha ripreso il cammino dove l'aveva lasciato, conservando il suono potente dello strumento, ritrovando antichi colleghi come il batterista Andrew Cyrille, collaboratore per anni di Cecil Taylor. Ha girato il mondo, è sbarcato anche in Italia, ha fatto più dischi a suo nome di quanti non ne avesse fatti nella sua prima vita, ha suonato con Marc Ribot. E' stato festeggiato come un Robinson Crusoe del jazz. La sua morte segue quella di una pattuglia di jazzisti longevi, una rarità per questa musica, e di poche ore quella di un altro protagonista eccentrico del jazz degli anni 60, il sassofonista Giuseppi Logan.

·        E’ morto l'attore francese Philippe Nahon.

Coronavirus, morto l'attore francese Philippe Nahon. A dare la notizia della scomparsa del celebre interprete di film horror è stato il collega Alexandre Astier, che con Nahon aveva lavorato in più occasioni. Novella Toloni, Domenica 19/04/2020 su Il Giornale. Si è spento all’età di 81 anni Philippe Nahon, l’attore di origini francesi celebre per aver interpretato numerosi film horror e thriller. L’interprete è morto dopo una lunga malattia che lo aveva colpito anni fa, aggravatasi dopo il contagio da coronavirus, che gli aveva provocato una grave infezione respiratoria che non gli ha dato scampo. L’annuncio ufficiale della sua morte è arrivato poche ore fa dal collega e sceneggiatore francese Alexandre Astier, che sulla sua pagina Twitter ha salutato l’amico con un messaggio di cordoglio. Proprio con quest’ultimo Nahon aveva lavorato nella serie televisiva ambientata nel passato "Kaamelott", dove vestiva i panni di "Goustan de Carmélide". Philippe Nahon, era un attore molto conosciuto del cinema francese e internazionale, tanto che era stato fortemente voluto da registi come l'attore francese che lavorò con Steven Spielberg e Mathieu Kassovitz.

L’attore nato a Parigi, classe 1938, esordì sul grande schermo negli anni ’60 con il film "Lo spione" di Jean-Pierre Melville per poi proseguire negli anni ’70 con pellicole come "Un marito è sempre un marito" di Serge Friedman e "La prima comunione di Julien" del regista René Feret. Negli anni ’80 arrivano i film importanti nel genere che lo consacrerà, l’horror: "L’Odio" per la regia di Mathieu Kassovitz (dove vestì i panni del capo poliziotto nel cult-movie) e "Carne" di Gaspar Noé. Con quest’ultimo Phillipe Nahon instaurò un’importante collaborazione, recitando nei film "Seul contre tous" (1998), "Irréversible" (2002), e "Sodomites". Nel 2011 Steven Spielberg gli offrì un ruolo in "War Horse" e nello stesso anno apparì in "Kill me please" celebre film di Olias Barco vincitore al Festival del cinema di Roma e poi ancora in "Adele e l’enigma del faraone" di Luc Besson. La sua carriera cinematografica si fermò nel 2013 con il suo ultimo film "I nostri eroi sono morti stasera". Philippe Nahon, che era sposato con l'attrice e scrittrice Elisabeth Weissman conosciuta proprio sul set di un film, era anche un grande appassionato di musica, tanto che nel 2000 incise due album - per la casa discografica Sony - insieme agli Ars Nova, un gruppo rock progressivo americano.

 Se ne va Gene Deitch, 95 anni, regista, disegnatore, produttore di cartoon.

Marco Giusti per Dagospia il 19 aprile 2020. Il cinema animato internazionale perde una delle sue leggende e uno dei più grandi innovatori grafici del dopoguerra. Se ne va Gene Deitch, 95 anni, regista, disegnatore, produttore di cartoon che nel 1959, dopo anni di esperienza e di successi alla UPA, ai Terrytoons e una nomination agli Oscar, se ne andò a lavorare a Praga e lì ci rimase per sempre. Continuando però a produrre film corti e lunghi, a dar vita dall’Europa dell’Est a serie e personaggi celebri come “Tom e Jerry”, “Popeye” e “Krazy Kat”, e vincendo perfino un Oscar, anzi, il primo Oscar di un corto animato non americano, con il bellissimo film anti-militarista, “Munro”, 1961, su idea e disegni di Jules Feiffer. Deitch, che nella sua autobiografia si considera “il solo americano che ha vissuto e lavorato a Praga durante trent’anni di dittatura del Partito Comunista”, senza peraltro essere mai stato censurato nel suo lavoro, scelse di vivere lì per amore di una ragazza, Zdenka Najmanová, la sua produttrice esecutiva, per la quale lasciò una moglie, tre figli e il suo paese. Nato a Chicago nel 1924, si muove con la famiglia a Los Angeles. Dopo la guerra e dopo essersi sposato, lavora alla CBS radio e nella grafica, sue sono le illustrazioni del giornale di jazz “The Record Changer” del periodo. Entra alla fine del 1940 nella celebre UPA, la società di cartoon più libera e antidsneyana di sempre, come assistente del regista e animatore Bill Hurtz. Lì conosce i grandi registi animati del momento, come John Hubley o Robert Cannon, che cercavano uno stile più libero e meno zuccheroso, legato alle avanguardie musicali e visive. Deitch si vantava di essere stato il primo animatore di Los Angeles che si potesse vantare di non aver mai lavorato o avuto contatti con la Disney. Porta questo spirito innovativo, fuori dalla UPA, nei celebri spot della serie “Bert and Harry Piel” per la birra Piel, che ebbero un successo clamoroso negli anni ’50. E’ grazie al successo nella pubblicità Piel che Deitch viene chiamato nel 1956 come direttore creativo dei Terrytoons, la società di Paul Terry che produceva cartoon abbastanza tradizionali come il topo Mighty Mouse e i corvi Heckle and Jeckle. La CBS, che aveva appena comprato lo studio da Paul Terry, si voleva rinnovare e gli mise come direttroe creativo un ragazzo di 31 anni come Deitch. Infatti rivoluzionò totalmente i Terrytoons inserendo nuovi elementi, come il poi celebre cartoonist Jules Feiffer, animatori come Ernest Pintoff, che realizzerà per Deitch “Flebus”, Al Kouzel, Len Glasser. Deitch e il suo gruppo daranno vita a personaggi totalmente nuovi , come John Doormat, Clint Clobber, Gaston Le Crayon, Foofie, Tom Terrific e l’elefante Sidney, che troveremo protagonista di “Sidney’s Family Tree”, 1958, il solo Terrytoons a ricevere una nomination agli Oscar, o “The Juggler of our Lady” con i disegni di R.O. Blechman e la voce narrante di Boris Karloff. Blechman, famosissimo disegnatore newyorkese, sue sono le pubblicità a inchiostro su fondo bianco, allora era del tutto sconosciuto. In barba al successo e agli Oscar il produttore Bill Weiss licenzierà dopo due anni Gene Deicth, che si ritroverà a ricominciare tutto da capo. Seguita con la pubblicità e si lega al produttore William Snyder, col quale inizia “Munro”, che completerà però a Praga. Arrivato lì per rimanerci dieci giorni, si innamorerà e rimarrà a lavorare lì mantendo però più di un piede in America. Dopo l’Oscar per “Munro” nel 1961, che nelle sale americane precedeva “Colazione da Tiffany”, riceve molte offerte di lavoro. Darà vita a una serie di cartoon, “Nudnik”. Per la MGM, ad esempio, realizzerà dodici cartoon della serie “Tom and Jerry”, la stessa cosa farà per la Kings Feature Syndacate con “Popeye” e “Krazy Kat” intorno alla metà degli anni’60. Nessuna di queste serie ha la grazia e lo spirito di innovazione che Deitch aveva dimostrato negli anni precedenti. Ma di certo non questo gli era stato chiesto. Erano animazioni, povere e veloci che dovevano mandare avanti le serie. Alcuni erano realizzati anche da animatori italiani, come Gibba. Va detto che nemmeno Deicth le amava. Suoi lavori più personali sono cartoon come “Alice of Wonderland in Paris”, 1966, quasi un lungometraggio dove mette in scena una serie di racconti di grandi illustratori del tempo, da Ludwig Bemelmans a Crocket Johnson. Collaborerà con celebri registi cechi legati all’animazione e al passo uno. Con Jiry Brdeka realizzerà “The Frozen Logger”, mentre con Jiri Trnka, maestro del passo uno, progetterà una versione dell “Hobbit” della quale rimarrà solamente una sorta di etaser recentemente ritrovato. Dal 1969 al 2008 realizzerà ben 37 cartoon, assolutamente deliziosi, per la Weston Woods tratti da altrettanti celebri racconti illustrati per l’infanzia, da Maurice Sendak a William Steig, da Tomi Ungerer allo stesso Jules Feiffer. Realizza anche una serie di cartoon per i più piccoli tratti dai librini di Dick Bruna. Ha lavorato in libertà e tranquillità fino al 2008 per poi ritirarsi e è morto pochi giorni fa a Praga. 

·        È morto Sergio Fantoni.

È morto Sergio Fantoni, una vita per cinema e sceneggiati. Attore, doppiatore e regista aveva 89 anni. Nella sua lunghissima carriera ha lavorato con i più grandi registi da Luchino Visconti a Blake Edwards, suo ultimo ruolo tv nel Commissario Montalbano. La Repubblica il 17 aprile 2020. È morto Sergio Fantoni, attore, doppiatore e regista avrebbe compiuto 90 anni ad agosto. Nella sua lunghissima carriera ha lavorato con i più grandi registi, da Luchino Visconti a Blake Edwards, ha avuto una parentesi hollywoodiana, ma la popolarità la deve agli sceneggiati degli anni Settanta e Ottanta come Anna Karenina, La Piovra e La coscienza di Zeno. Il suo ultimo ruolo tv nel Commissario Montalbano di Sironi per l'episodio La voce del violino. Nato in una famiglia d'arte, a Roma il 7 agosto 1930, in un primo tempo pensava di diventare ingegnere o architetto ma la passione per il teatro prevalse e cominciò a frequentare compagnie teatrali sperimentali fino a creare negli anni Settanta, insieme a Luca Ronconi e alla moglie Valentina Fortunato, una delle prime compagnie indipendenti. Prima però c'era stato il cinema a partire dalla fine degli anni Quaranta e poi nel tempo con registi del calibro di Luchino Visconti (Senso), Francesco Maselli (I delfini, accanto a Claudia Cardinale), Giuliano Montaldo (Tiro al piccione e poi Sacco e Vanzetti), ma anche peplum come Esther e il re. Negli anni Sessanta aveva vissuto una parentesi hollywoodiana (che era durata tre anni, dal 1963 al 1966) con partecipazioni a film come Intrigo a Stoccolma di Mark Robson e Il colonnello von Ryan accanto a Frank Sinatra, e poi Papà, ma che cosa hai fatto in guerra? di Blake Edwards. Negli anni Ottanta aveva recitato nel film di culto Il ventre dell'architetto del regista britannico Peter Greenaway. Fantoni ha lavorato in numerose riduzioni televisive di importanti lavori letterari e a sceneggiati televisivi che, particolarmente negli anni Sessanta e anni Settanta, hanno avuto un particolare successo di critica e di pubblico. Il nudo integrale frontale di Sergio Fantoni in Delitto di Stato, trasmesso su RaiDue nell'82, fece scandalo. Nella sua lunga carriera di doppiatore ha prestato la voce a star americane come  Marlon Brando (in Apocalypse Now), Henry Fonda (in Meteor), Rock Hudson (ne Il gigante) e Ben Kingsley (in Gandhi). Dopo un intervento alla laringe nel 1997 si è dedicato alla regia teatrale. Insieme al drammaturgo e regista Ivo Chiesa e alla collega  Bianca Toccafondi ha ricevuto nel 2002 il Premio alla carriera intitolato a Ennio Flaiano.

Da ilmessaggero.it il 18 aprile 2020. Addio a Sergio Fantoni, uno dei grandi della scena italiana tra Cinecittà e Hollywood: attore di teatro, cinema e tv, regista e doppiatore. Aveva 89 anni. È scomparso ieri sera dopo una carriera di interprete durata mezzo secolo, che lo ha visto diretto al cinema dai più grandi registi, da Roberto Rossellini a Luchino Visconti fino a Blake Edwards, protagonista dei teleromanzi in bianco e nero della Rai, mattatore sui maggiori palcoscenici teatrali e infine doppiatore, prestando la sua voce, tra gli altri, a un memorabile Marlon Brando nei panni del colonello Kurtz nel film «Apocalypse Now» (1979) di Francis Ford Coppola. Nato a Roma il 7 agosto 1930, Sergio Fantoni era figlio d'arte: anche il padre Cesare e la madre Afra Arrigoni sono stati interpreti teatrali. È stato sposato con l'attrice Valentina Fortunato (1928-2019). Cominciò a lavorare giovanissimo nel teatro di prosa con la compagnia Rina Morelli - Paolo Stoppa e con Vittorio Gassman. Nel 1955 è approdato in televisione con «Il mercante di Venezia» di William Shakespeare, ottenendo un lusinghiero successo di critica e di pubblico. Negli anni successivi, Fantoni continuò a dividersi fra televisione e cinema, interpretando una lunga serie di film storico-avventurosi e poi apparendo in film di grandi registi come «Era notte a Roma» (1960) e «Viva l'Italia» (1961), entrambi di Roberto Rossellini, «Il sicario» (1961) di Damiano Damiani, «Tiro al piccione» (1961) di Giuliano Montaldo, «Il gattopardo» (1963) di Luchino Visconti. Come attore cinematografico Fantoni ha lavorato anche all'estero, vivendo un'intensa stagione professionale a Hollywood in special modo negli anni '60: «Intrigo a Stoccolma» (1963) e «Il colonnello Von Ryan» (1965), entrambi di Mark Robson, «Non disturbate» (1965) di Ralph Levy e «Papà, ma che cosa hai fatto in guerra?» (1966) di Blake Edwards. In coppia con il drammaturgo Diego Fabbri Fantoni ha condotto per la radio - a Rai Radio Uno - il programma «Voi ed io». Fantoni ha legato il suo nome di attore a numerose interpretazioni in riduzioni televisive di importanti lavori letterari e a sceneggiati televisivi che, particolarmente negli anni '60 e '70: «Oliver Cromwell: Ritratto di un dittatore», «Con rabbia e con dolore», «Lungo il fiume e sull'acqua», «Anna Karenina», «Il consigliere imperiale», «La traccia verde», «Diario di un giudice». In «Delitto di stato», trasmesso da Rai Due nel 1982, per la regia di Gianfranco De Bosio, porta in scena sul piccolo schermo il primo nudo integrale frontale maschile della televisione italiana. Intensa l'attività teatrale di Fantoni. Assieme a Luca Ronconi e Valentina Fortunato (sposata negli anni '60) e poi a Giancarlo Sbragia, Ivo Garrani, Luigi Vannucchi e Mattia Sbragia ha dato vita negli anni '70 alla prima cooperativa teatrale italiana, Gli Associati. Il suo repertorio teatrale è stato vasto e comprende titoli dei principali drammaturghi del XIX e XX secolo.

·        Morto l’attore Brian Dennehy: lo sceriffo di "Rambo". 

Morto Brian Dennehy, l'attore che interpretò lo sceriffo di Rambo. È morto ad 81 anni l'attore che ha dato il volto all'ostinato sceriffo di Rambo (1982) e che è comparso in vari episodi della sitcom televisiva Dallas. Nicola De Angelis,  Giovedì 16/04/2020 su Il Giornale. Morto Brian Dennehy, l'attore che diede il volto all'ostinato sceriffo di Rambo (1982). Si è spento ad 81 anni nella sua casa del Connecticut, a darne il triste annuncio la figlia Elizabeth arrivata dal matrimonio del 1959 con l'attrice Judith Scheff. Matrimonio terminato nel '74. La figlia, come riporta l'Hollywood Reporter, ci ha tenuto a precisare che il padre non è morto di coronavirus ma di morte naturale. "È con i cuori straziati che annunciamo che nostro padre è morto stanotte di cause natuali, non dovute alla diffusione del coronavirus. Persona generos, padre e nonnno devoto. Egli mancherà a sua moglie Jennifer, la sua famiglia tutta e tantissimi altri amici". La carriera di Dennehy è partita molto tardi. Infatti l'attore, prima di essere consacrato sul grande schermo ha dovuto fare anni e anni di gavetta teatrale per poi ottenere un ruolo nel film del 1977 "In cerca di Mr. Goodbar con Richard Gere e Diane Keaton al raggiungimento del suo trentesimo anno di età. Poi è passato alle serie tv, comparendo in molti episodi di Dallas, Serpico, Lou Grant e Kojac. Nel 1988, dopo alcuni anni dal fallimento del primo matrimonio con Scheff si è risposato con Jennifer Arnott. La coppia decise di adottare due bambini. Il grande ruolo arriva nel 1982, quando viene chiamato ad interpretare Will Teasle, lo sceriffo di Rambo con Sylvester Stallone. Ruolo che lo consacrerà e lo farà conoscere al grande pubblico. L'ostinato Teasle che inseguirà il veterano del Vietnam nella prima pellicola dedicata all'eroe militare più famoso del grande schermo. La regia era stata affidata a Ted Kotcheff. L'attore alla fine della sua carriera era tornato a recitare a teatro. Aveva una lunga tournée davanti, stava partecipando a Morte di un Commesso Viaggiatore, opera teatrale che avrebbe calcato il palco di Broadway nelle prossime settimane pandemia permettendo. Dennehy aveva già da tempo annunciato che si sarebbe però preso un periodo di riposo, sfruttando proprio il lockdown in modo da riprendersi e ripartire con i tour teatrali durante l'autunno.

È morto Brian Dennehy, lo sceriffo di "Rambo". L'attore americano aveva 81 anni. Ha recitato in "Il ventre dell'architetto" e "Cocoon". La figlia: "Il coronavirus non c'entra". La Repubblica il 16 aprile 2020. L'attore statunitense Brian Dennehy, protagonista nel 1977 del clamoroso debutto sul grande schermo con il film di Richard Brooks In cerca di Mr. Goodbar e consacrato con il successo interpretando lo sceriffo Will Teasle nel film Rambo del 1982 che insegue il veterano del Vietnam John Rambo (Sylvester Stallone), è morto la scorsa notte nella sua casa nel Connecticut all'età di 81 anni. L'annuncio della scomparsa, come riferisce Hollywood Reporter, è stato dato dalla figlia Elizabeth la quale ha precisato che Dennehy è morto "per cause naturali, non legate al Covid 19". Dopo una lunga gavetta a teatro, Dennehy esordì trentenne in televisione interpretando uomini duri, ruoli da cattivo, personaggi di potere o corrotti. Ha recitato in telefilm come Kojak al fianco di Telly Savalas e F. Murray Abraham, Serpico, Mash e Lou Grant. Dopo l’esordio cinematografico con In cerca di Mr. Goodbar, con Diane Keaton, Richard Gere, William Atherton, Tom Berenger e Tuesday Weld, Dennehy si divide tra piccolo e grande schermo, passa da fiction come Terrore a Lakewood a serial come Dallas e Dinasty a film come Gioco sleale (1978) con Goldie Hawn e F.I.S.T. con Rod Steiger e Sylvester Stallone. Dopo il successo nel ruolo dello sceriffo Will Teasle in Rambo (1982) interpreta l’alieno nel film di fantascienza Cocoon - L'energia dell'Universo" (1985) e nel suo sequel Cocoon - Il ritorno (1988). Pochi i ruoli da protagonista nella sua carriera: è l'architetto americano nel film di Peter Greenaway Il ventre dell'architetto (1987), il poliziotto con velleità da scrittore in Best Seller (1987) di John Flynn, il padre fattore di Richard Gere e Kevin Anderson in Gli irriducibili (1988). Ha recitato con Harrison Ford in Presunto innocente (1990) e I gladiatori della strada (1992). Sul grande schermo appare in Romeo + Juliet (1996) con Leonardo DiCaprio e Claire Daines, e Codice di sicurezza (1999). Tra i suoi ultimi ruoli quello di Padre Joseph in Knight of Cups, il film diretto nel 2015 da Terrence Malick con Christian Bale, Cate Blanchett e Natalie Portman, candidato all'Orso d'oro al Festival di Berlino. Dennehy è stato sposato dal 1959 al 1974 con Judith Scheff da cui ha avuto tre figlie: Elizabeth e Kathleen, entrambi attrici, e Deidre. Nel 1988 si è risposato con Jennifer Arnott con la quale ha adottato due bambini, Cormack e Sarah. 

Brian Dennehy rip. Marco Giusti per Dagospia il 17 aprile 2020. Perdiamo anche Brian Dennehy, 81 anni, gigante del cinema, del teatro e della tv americana. “Era semplicemente un grande attore”, scrive oggi Sylvester Stallone, che lo ebbe come antagonista in “Rambo”, “Era anche un reduce del Vietman che mi aiutò moltissimo nel costruire il personaggio di Rambo”. Mentre Russell Crowe, che più recentemente lo incontrò  in “The Next three Days” di Paul Haggis, ricorda che è stato un privilegio lavorarci insieme. Grazie al suo fisico imponente, alto 1, 90, grosso e con sguardo fulimnante, fu un duro da grande film avventuroso, come appunto lo sceriffo Will Teasle da contrapporre a Stallone in “Rambo”, l’antagonista di Kevin Costner in “Mai gridare al lupo”, il Ted Montague di “Romeo+ Juliet”, ma anche lo sceriffo o il cattivo di tanti e tvmovie americani, da “Cocoon” a “Silverado” a “Gorky Park”. Ma dimostrò anche di avere finissime doti da attore in ruoli più complessi, come  fu il suo Stourley Krackite, l’architetto malato di cancro allo stomaco nel celebre “Il ventre dell’architetto” di Peter Greenaway, interamente girato a Roma. Del resto ha diviso per tanti anni il cinema con il teatro, dove fu uno straordinario interprete dei drammi di Eugene O’Neil e di Arthur Miller. Celebri sono le sue interpretrazioni in “Desideri sotto gli olmi”, “The Iceman Cometh”, “Morte di un commesso viaggiatore”. Vinse 2 Tony Awards, 6 Emmy e 1 Golden Globe. Nato a Bridgeport, nel Connecticutt, nel 1938, con padre giornalista per la Associtaed Press, studiò alla Columbia University di new York, poi teatro e spettacolo a Yale. Dopo aver fatto il marinaio, iniziò nel 1977 a muoversi sia nel cinema che nelle serie tv. Lo troviamo in piccoli ruoli nelle serie “Il tenente Kojack”, “Serpico”, “Mash”, e in film cone “In cerca di Mr. Goodbar” di Richard Brooks con Diane Keaton, “Semi-Tough” di Michael Ritchie con Burt Reynolds, in “F.I.S.T.” di Norman Jewison con Sylvester Stallone, in “Gioco sleale” di Colin Higgins con Goldie Hawn, “Il ritorno di Butch Cassidy e Kid” di Richard Lester fino ad arrivare a “Rambo” con Stallone che lo imporrà davvero a Hollyood e all’attenzione internazionale. Eccolo quindi in “Mai gridare al lupo” di e con kevin Costner, in “Gorky Poark” di Michael Apted, “Cocoon” di Ron Howard, “Silverado” di Lawrence Kasdan. Con “Il ventre dell’architetto”, dove ebbe uno dei suoi rari ruoli da protagonista, dimostrà di essere il grande attore che sapeva chi lo aveva visto a teatro, ma non riuscì negli anni ’90 e nel ventennio successivo, anche se lavorò sempre moltissimo, serie e piccoli film, a ripetere il successo che aveva raggiunto a cavalla dei ’70 e dei primi ’80. Ebbe ancora buoni ruoli, penso a “L’orologiaio” di Klaus Maria Branduer, “Punto d’impatto”, “Presunto innocente” di Alan J. Pakula, “Tommy Boy” di Peter Segal, fino a “Romeo+Juliet”, ma niente che lo riportasse davvero all’attenzione  internazionale. Negli ultimi anni ricordiamo tra le sue partecipazioni più interessanti la versione cinematografica di Michael Mayers de “Il gabbiano” in mezzo a un ricco cast, Annette Bening, Elizabeth Moss, Saorsie Ronan, dove fu Sorin, e la serie “The Blacklist” (2016-19). Se ne è andato per cause naturali nell’ospedale di New Haven, Connecticutt.  

·        Addio a Lee Konitz, uno degli ultimi grandi del jazz mondiale.

Coronavirus, addio a Lee Konitz, uno degli ultimi grandi del jazz mondiale: suonò con Miles Davis. Il sassofonista, geniale improvvisatore di uno degli strumenti protagonisti del genere, è morto a causa del Covid-19. Aveva 92 anni. Con Davis aveva registrato "Birth of the Cool". La Repubblica il 16 aprile 2020. Ha suonato per più di 70 anni, fino agli ultimi giorni, quando è rimasto vittima, come tanti altri, del coronavirus. Il prolifico Lee Konitz, uno dei più geniali sassofonisti jazz, stile inconfondibile e capacità geniale d'improvvisare, si è spento ieri, mercoledì 15 aprile al Lenox Hill Hospital di New York. Aveva 92 anni. Il figlio, Josh Konitz, ha confermato la notizia riportando che le cause del decesso sono da attribuirsi al Covid-19. Lee Konitz era uno degli ultimi colossi del jazz, stile al quale si era avvicinato quando era appena un bambino. Nato a Chicago il 13 ottobre 1927 iniziò infatti a incidere agli inizi degli anni Quaranta, prima dello scoppio della Seconda guerra mondiale, e durante la prolifica e lunghissima carriera - oltre settant'anni di storia - aveva suonato con altri giganti come Miles Davis (nel 1949-50 nelle session che si sarebbero poi trasformate, anni dopo, nel capolavoro Birth of the Cool), Michel Petrucciani (in Toot Sweet), e poi insieme a Charles Mingus e Bill Evans, e ancora Ornette Coleman, Dave Brubeck, Gerry Mulligan, Max Roach e Bill Frisell, solo per citarne alcuni. In particolare, Konitz era rimasto l'unico sopravvissuto ad aver lavorato con Davis in quel disco-pietra miliare. Comincia con il clarinetto e, ad appena 11 anni, passa al sassofono, lo strumento della vita. Konitz era musicalmente quello che si può definire un onnivoro: per lui la musica era universale, passava da nomi importanti a progetti di seconda scelta, dalle big band ai duetti, sempre e solo per il gusto e il piacere di suonare. Infatti, non è mai diventato ricco con la musica. A quanto sembra, non ha mai avuto un ufficio stampa che promuovesse il suo lavoro, non aveva né un manager e neppure un indirizzo email dove contattarlo. Viveva di jazz perché bastava il jazz a dargli la vita. In Italia, passava spesso, soprattutto a Umbria Jazz ma anche al Barga Jazz, suonando con nomi della nostra scena come Enrico Rava, Glauco Venier, Enrico Pieranunzi e Ornella Vanoni. Nel 2001, insieme a Franco D'Andrea incide l'album Inside Rodgers, con Stefano Bollani, nel 2003, Suite for Paolo e, infine, The Soprano Sax Albums: Standards nel 2007 con il pianista Riccardo Arrighini. A 82 anni era pronto a gettare la spugna, pensando di aver fatto abbastanza: "Ho ottenuto quella sorta di rispetto, sono un 'vecchietto', anche se non ho mai fatto grossi soldi o venduto tanti dischi. Però ho l'opportunità di suonare e questo è grandioso". "Improvvisazione' significa 'imprevisto'", spiegava, "e questa è una domanda che faccio sempre a coloro che si definiscono improvvisatori: quanto di ciò che 'improvvisate' è davvero pianificato? L'idea che la musica è piena di sorprese".

·        E’ morto Luis Sepulveda.

Coronavirus, morto Luis Sepulveda: aveva 70 anni. Lisa Pendezza il 16/04/2020 su Notizie.it.  Lo scrittore cileno Luis Sepulveda è morto a 70 anni dopo essere stato ricoverato per coronavirus alla fine di febbraio. Non ce l’ha fatta Luis Sepulveda, morto dopo aver lottato per settimane contro il coronavirus. Lo scrittore cileno è morto a 70 anni. La notizia è stata diffusa dal quotidiano spagnolo El Pais. È lutto in tutto il mondo per la scomparsa dell’autore del celeberrimo romanzo Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare. A fine febbraio, Sepulveda era risultato positivo al coronavirus ed era stato ricoverato in ospedale a Oviedo. Nelle scorse settimane erano circolate diverse fake news sulle sue condizioni di salute, fino alla bufala (inizialmente confermata e poi smentita) secondo cui l’autore sarebbe stato in coma.

Morto lo scrittore Luis Sepúlveda. Il Dubbio il 16 aprile 2020. Lo scrittore cileno non ce l’ha fatta. Era ricoverato da più di un mese all’Ospedale di Oviedo dopo essere stato contagiato dal Coronavirus. Non ce l’ha fatta Luis Sepúlveda: lo scrittore è morto oggi presso l’Ospedale dell’Università Centrale delle Asturie (Oviedo) dove era stato ricoverato alla fine di febbraio dopo aver contratto il coronavirus. A riportarlo è l’agenzia Efe. Sepúlveda si era ammalato al rientro nelle Asturie, dove viveva dal anni, dal festival letterario Correntes dÉscritas, tenutosi a Póvoa de Varzim, in Portogallo. Lo scrittore ha iniziato a sentirsi male il 25 febbraio e subito gli è stata diagnosticata una polmonite acuta. Una volta confermata la positività al virus, il paziente è stato trasferito al Central University Hospital of Asturias (Huca). Autore di oltre venti romanzi, libri di viaggio, sceneggiature e saggi, Sepúlveda lasciò il Cile nel 1977 dopo essere stato oggetto di ritorsioni dalla dittatura di Augusto Pinochet per raggiungere in aereo la Svezia, dove avrebbe dovuto insegnare lo spagnolo e dove il governo di Thorbjörn Fälldin gli aveva concesso l’asilo politico. Ma al primo scalo, a Buenos Aires, Sepulveda scappò con l’intenzione di recarsi in Uruguay. Molti dei suoi amici argentini e uruguaiani erano in prigione o erano stati uccisi dai governi dittatoriali di quei Paesi, perciò si diresse prima verso il Brasile, a San Paolo, e poi in Paraguay, Paese che dovette in seguito lasciare per problemi con il regime locale. Si stabilì infine a Quito, in Ecuador, ospite del suo amico Jorge Enrique Adoum. Qui riprese a fare teatro e prese parte a una spedizione dell’Unesco dedicata allo studio dell’impatto della civiltà sugli indios Shuar. Nel 1978 raggiunse le Brigate Internazionali Simon Bolivar che stavano combattendo in Nicaragua. Dopo la vittoria nella rivoluzione iniziò a lavorare come giornalista e l’anno successivo si trasferì in Europa. Si stabilì ad Amburgo per la sua ammirazione nei confronti della letteratura tedesca (aveva imparato la lingua in carcere), specialmente per i romantici come Novalis e Hölderlin. Lavorò come giornalista facendo molti viaggi tra Sud America e Africa. Visse poi in Francia per un lungo periodo e prese la cittadinanza francese. Nel 1982 venne in contatto con Greenpeace e lavorò fino al 1987 come membro di equipaggio su una delle loro navi; successivamente agì come coordinatore tra i vari settori dell’organizzazione. Nel 1989 poté ritornare in Cile, ma dal 1996 visse in Spagna a Gijón fino alla sua morte nell’ospedale di Oviedo.

È morto Luis Sepúlveda, lo scrittore cileno aveva contratto il coronavirus. Era ricoverato da fine febbraio a Oviedo. Aveva 70 anni. Stefania Parmeggiani il 16 aprile 2020 su La Repubblica. Era ricoverato in Spagna da fine febbraio. Contagiato al rientro da un festival letterario in Portogallo. Addio a Luis Sepúlveda: la sua incredibile voce, sospesa tra l’America latina a cui apparteneva e l’Europa dove si era rifugiato, si è spenta in un ospedale delle Asturie. Covid-19 ha ucciso anche lui, l’ultimo dei combattenti. Aveva 70 anni. Esule politico, guerrigliero, ecologista, viaggiatore dal passo ostinato e contrario, esordì con un racconto bollato come pornografia dal preside del suo liceo, a Santiago del Cile.  “Era il ’63. Ci innamorammo tutti della nuova professoressa di storia. La signora Camacho, una pioniera della minigonna”. Un compagno di classe gli chiese di scrivere una storia su di lei. Quindici-diciotto pagine. Finirono nelle mani del preside: “Questa è pornografia”, gli disse. Provò a replicare: “Letteratura erotica”. “Pornografia - tagliò corto - ma scritta molto bene”. Raccontava così Sepúlveda, pescando dal cilindro l’ennesimo saporito aneddoto quando di lui i lettori pensavano di conoscere già tutto: i lineamenti forti da guerriero stanco, gli occhi scuri che si accendevano di passioni, l’odore delle tante sigarette fumate. E lo faceva con quel talento da affabulatore che lo rendeva prima ancora che un abile scrittore, un inguaribile cantastorie. Scriveva favole Sepúlveda – e non ci riferiamo solo alla deliziosa Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare – ma ai tanti romanzi al cui centro c’era l’eterna lotta tra il bene e il male. Non amava la cronaca puntigliosa, credeva che la letteratura fosse finzione e intrecciava i fili della narrativa per dare vita a personaggi picareschi e trame avventurose inzuppate di passioni e ideali. I suoi ovviamente, quelli per cui aveva lottato, viaggiato e infine scritto. Con il suo esordio – Il vecchio che leggeva romanzi d’amore, dedicato a Chico Mendes - regalò ai lettori un primo pezzo della sua intensa vita: sette mesi trascorsi nella foresta amazzonica con gli indios Shuar. Nel 1977, espulso dal Cile dopo due anni e mezzo di carcere, si era unito a una missione dell’Unesco per studiare l’impatto della civiltà sulle popolazioni native. Nacque così una storia sospesa tra due mondi, quello degli indios diffidenti nei confronti dei bianchi (cacciatori di frodo, cercatori d’oro, avanguardie dell’industria più feroce) e quei bianchi che al protagonista avevano insegnato a leggere dandogli così un rifugio per la perdita della giovane moglie. Con il secondo romanzo, Il mondo alla fine del mondo, descrisse invece ciò che gli era sembrato inevitabile dal ponte di una nave di Greenpeace, organizzazione a cui si era unito negli anni Ottanta: navi-fabbrica che trascinano a bordo balene esangui e si trasformano in mattatoi, inseguimenti tra le nebbie dell’Antartide, militanti ecologisti contro pescatori giapponesi. Vita, attivismo e letteratura nelle stesse pagine. Alla militanza politica ci pensò La frontiera scomparsa: i racconti che compongono il libro seguono le tappe di un cileno che dalle prigioni di Pinochet ritrova la libertà attraversando l’Argentina, la Bolivia, il Perù, l’Ecuador, la Colombia, in treno o su veicoli di fortuna fino a Panama dove si imbarcherà per la Spagna. A chi gli chiedeva perché mai ci avesse messo tanto a trasformare quell’esperienza in letteratura lui rispondeva con un sorriso tagliente che per l’appunto, era letteratura quella che voleva fare, non psicoletteratura. Detestava il pathos, aveva bisogno di mettere tra lui e il Cile la giusta distanza. Dal dramma si risollevava con la lingua: semplice, netta, sintetica. Tutto il contrario di Marquez: molto realismo, nessuna magia. O forse la magia della realtà. Per dirla con Hemingway, parole da venti centesimi e nessuna costruzione barocca. Era già abbastanza fantasiosa la vita con i suoi fasti e le improvvise cadute. Seguì il filo della sua biografia anche ne La lampada di Aladino: tra mercanti levantini e angeli vendicatori, due giovani condividono le lotte del movimento studentesco e si ritrovano dopo gli anni della dittatura cilena e l'espatrio. In altre parole: la sua storia d’amore con la poetessa Carmen Yáñez. La loro relazione affiorò anche nel noir Un nome da torero. Il protagonista, che si chiama Juan Belmonte come il celebre torero che si suicidò con un colpo di pistola, è un ex guerrigliero cileno di quarantaquattro anni, che accetta di dare la caccia a un tesoro nazista nella terra del fuoco solo per amore di Veronica, una donna torturata dai militari e ritrovata viva, ma in condizioni psicologiche disastrate, in una discarica di rifiuti a Santiago. Nella realtà le cose non andarono proprio in quel modo, ma per Sepulveda non poteva essere altrimenti: trasformava le sue esperienze in materia letteraria, regalava pezzetti di vita ai suoi personaggi, ma le biografie no, quelle le lasciava ad altri. Giocava coi generi: le favole per i sentimenti universali (oltre alla storia della Gabbianella, quella del gatto e del topo che diventò suo amico, della lumaca che scoprì la lentezza e del cane che insegnò a un bambino la fedeltà); la novela negra per denunciare l’arroganza dei potenti, la solitudine degli sconfitti o, come in Diario di un killer sentimentale, l’orgoglio di un uomo tradito; i racconti per mettere a nudo dopo un lento processo di maturazione le sue idee e passioni. Si legga ad esempio Incontro d’amore in un paese in guerra. A unificare le diverse forme letterarie la calviniana leggerezza della lingua. Leggere Sepúlveda non richiede sforzi, le pagine scivolano sotto gli occhi ma le passioni di cui parla, i fantasmi che evoca, i grandi amori, gli ideali irrinunciabili lasciano tracce indelebili nella memoria dei lettori. Non può essere diversamente e Sepúlveda lo sapeva. Lo aveva anche raccontato nel poliziesco L’ombra di quel che eravamo, una storia di amicizia e speranza tra assalti alle banche, vecchi giradischi, un rocambolesco omicidio e un’ultima spregiudicata azione rivoluzionaria. In una notte piovosa a Santiago, quattro uomini che si erano persi di vista per più di trent’anni si ritrovano per un’ultima avventura. L’idea gli venne durante una grigliata a casa di un amico, dirigente del Fronte Patriottico Manuel Rodriguez, il movimento armato che non diede un giorno di tregua a Pinochet. Dopo cena iniziarono i racconti, storie di lotta e di resistenza. In quel momento lo scrittore si accorse che lui e il suo vecchio amico proiettavano ancora l’ombra di ciò che erano stati. L’ombra per esistere ha bisogno di luce. Quella di Sepúlveda non si è spenta e mai lo farà: nei suoi libri, nella nostra memoria, per sempre.

Tra i suoi romanzi più amati dal pubblico Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare. 

Coronavirus, è morto il grande scrittore Luis Sepúlveda: «Fate la rivoluzione con la felicità». L'autore cileno è scomparso a causa del coronavirus a 70 anni. Lo ricordiamo con questa intervista che ci ha rilasciato nel 2014. In cui parlava della felicità e di come il potere la temesse perché è eversiva. Gigi Riva il 15 maggio 2014 su L'Espresso. Il grande scrittore cileno Luis Sepùlveda è morto il 16 aprile 2020 all'età di 70 anni a causa del Coronavirus. Lo ricordiamo con questa intervista che ci rilasciò nel 2014. Per spiegare quanto sia rivoluzionaria la felicità, Luis Sepùlveda, 64 anni, scrittore cileno, racconta con la stessa affabulazione feconda dei suoi romanzi, la trama di un film argentino degli Anni Ottanta ambientato nel periodo della dittatura. C’è un uomo, di professione inventore, che vive in un villaggio sperduto della Patagonia. Ogni volta che fa una scoperta si reca speranzoso a Buenos Aires per brevettarla e ogni volta se ne torna con la coda tra le gambe per lo sconforto dei suoi compaesani illusi di poter arrivare al benessere grazie al suo genio: ha promesso di redistribuire fra tutti l’eventuale ricchezza. Una volta il marchio è già stato depositato, un’altra non viene capito. Un giorno raduna tutta la popolazione davanti a una lavagna e si mette a scrivere quella che sembra una lunghissima formula chimica. Trionfante annuncia: «È la formula della felicità». Riparte per Buenos Aires e per diverse settimane non dà più notizie. Ce l’avrà fatta e se la starà spassando nella capitale? Niente di tutto questo. Riappare pesto e sanguinante: lo hanno torturato perché il Potere non può permettere che i sudditi siano felici, è il massimo dell’eversione. Se Sepùlveda parla di un tema apparentemente lontano dal suo profilo di autore impegnato e di sinistra e con un passato da guerrigliero (fece anche parte della guardia personale di Salvador Allende) è perché assieme a Carlo Petrini, suo coetaneo, fondatore di “Slow food”, ha scritto “Un’idea di felicità” il cui assunto fondamentale è che ciascuno ha diritto a quello stato di benessere e di piacere, a cui si arriva attraverso «piccole soddisfazioni» e che può essere perseguito attraverso scelte pubbliche. In altri tempi si sarebbe detto: il personale è politico. Sepùlveda, siamo abituati a pensare che la felicità sia questione intima, che non dipende dal contesto. Il vostro, suo e di Petrini, è un cambio di paradigma.

«Solo minimamente la felicità è uno stato d’animo individuale. Quando uno fa bene l’amore ad esempio, ma dura poco, giusto l’attimo del coito».

Tra questa e la felicità collettiva c’è relazione?

«Sono in continuo dialogo. Un individuo che ha conquistato una felicità solo personale corre sempre il rischio che sia messa in pericolo. Ad esempio se va per strada e vede qualcuno che rovista nella spazzatura alla ricerca del cibo ecco che quella felicità si interrompe. Non posso star bene se altri sono ridotti così».

Vale sono se si è empatici col resto dell’umanità. Altrimenti ci si può rifugiare nell’egoismo che pure è insito nell’uomo.

«Ma non esiste felicità senza empatia. Uno non può essere felice in modo clandestino. E vale fin dagli albori della storia. Quando ci sono stati almeno due uomini di Neanderthal hanno cominciato a comunicare per scoprire cosa potevano fare insieme. E già questo primo passo altro non è che una tensione verso la felicità, che nel loro caso era il sopravvivere nelle condizioni date. La felicità non è uno stato empirico ma una faticosa ricerca quotidiana. Sono felice quando sento che sono un uomo giusto, ho fatto una cosa giusta. In questo senso la felicità coincide con la comunità. Non è possibile una felicità senza paragone, se la mia felicità non si riflette nell’altro non è».

Estremizzando il suo pensiero il capitalismo che mette l’individuo al centro di tutto, sarebbe contro la felicità.

«L’ideologia capitalista ti dice che hai la possibilità di diventare “l’unico” individuo al centro di tutto. Il che è anche peggio. E vado oltre. Lo stesso comunismo, quando è diventato capitalismo di Stato come nel caso cinese, è pure contro la felicità perché questa non è determinata dall’accumulazione di beni ma da un piacere che parte dalle piccole cose».

Nel libro la lentezza viene usata in opposizione alla velocità e lei del resto ha scritto un racconto su una lumaca. Recuperare per sé il tempo è l’anticipo della letizia?

«Il tempo libero, che il capitalismo definisce tempo non produttivo, è quello in cui l’essere umano si proietta. Gli anarchici parlano addirittura di diritto al tempo liberato».

Il paradosso dei nostri tempi è che il capitalismo ha prodotto disoccupazione.

«E quello non è tempo liberato ma angoscia per la mancanza di lavoro. Nel posto dove siamo (al Lingotto di Torino, durante il Salone internazionale del Libro, n.d.r.) oggi passano scrittori, giornalisti, lettori, ma 30 anni fa era pieno di lavoratori del Sud che non parlavano italiano e andavano incontro a un’assimilazione culturale velocissima, dimenticavano la loro identità ed erano come il Chaplin del film “Tempi moderni”. Perdevano qualcosa, certo per permettere che si generasse qualcosa, il proletariato torinese, l’organizzazione sindacale. Poi è morta la fabbrica, è morto il partito e il sindacato ha vissuto l’interruzione traumatica di quella che si chiamava lotta di classe. Basata sullo sciopero: io non produco, tu non guadagni. Ora non vale più perché col neoliberismo è arrivata la delocalizzazione delle aziende e si va a guadagnare da un’altra parte. Ci si è dimenticati di tutto quello che è stato conquistato, ci si è dimenticati che ci vorrebbe una lotta continua per mantenere i diritti acquisiti».

La povertà non sembra entrare, per lei, nei parametri con cui definire l’infelicità.

«Il contrario della povertà non è la felicità perché la felicità ha bisogno di un grado di consapevolezza».

Però il fatto che, stando alle statistiche Onu, la povertà diminuisca è motivo di sollievo.

«Non è vero che diminuisce, aumenta. In Spagna, dove ora vivo, ci sono due milioni di persone che non guadagnano nulla, non hanno assistenza sociale e sono ridotte a cercare da mangiare tra i rifiuti».

Vale per l’Occidente non per tutto il globo.

«È significativo perché succede in Occidente, del resto del mondo che ne sappiamo? I profughi di Lampedusa non fuggono per caso dalla povertà?».

Lei voterà, in Spagna alle elezioni europee. La sinistra non sembra in grado di fornire, soprattutto ai giovani, risposte su come arrivare a quella felicità collettiva che descrive.

«La sinistra deve allontanarsi dal capitalismo. Non potrà farlo in modo traumatico, ma cominciare a costruire un’alternativa. Oggi, e per 30 anni, dovrà affrontare questioni pratiche: il salario minimo di 800 euro, la Tobin tax per evitare una nuova crisi del sistema finanziario. Stavolta si deve partire dal pratico per arrivare all’ideologia, fare il percorso inverso rispetto a quello del Novecento».

Quanto al pragmatismo di sinistra lei sembra rimpiangere, nel libro, l’esperienza tragicamente troncata di Salvador Allende.

«Perché Allende cercava la felicità. Se il suo modello si fosse imposto, per gli Stati Uniti, per il capitalismo sarebbe stato un disastro: per contrastare il nostro esperimento avrebbero dovuto postulare un’idea di società assai più intelligente. In questo senso eravamo pericolosi e da fermare Era molto più facile, per loro, combattere il sistema sovietico».

Sepùlveda, lei è ottimista per il futuro?

«Sì. Vedo una parte importante dei giovani che pensano attivamente e in un modo diverso. Vedo l’allegria del movimento degli indignados che, in Cile ad esempio, hanno portato il Parlamento Camila Vallejo, la leader degli studenti, e diversi altri suoi compagni».

Ma il Cile non è il pianeta intero.

«Può essere paradigmatico però. È un occidente in miniatura. Il Paese si unisce rapidamente, davanti a catastrofi come l’incendio di Valparaiso o un terremoto arde la fiamma della solidarietà. E poi c’è l’Uruguay del mio amico Pepe Mujica, certo ha tre milioni di abitanti ma ha scelto come parola d’ordine lo slogan che la povertà deve essere degna. E sotto quella dignità non si scende».

Restando in Sudamerica. Fra poco il Brasile ospiterà i Mondiali di calcio e ha una pesante crisi sociale. Ma, sostengono un po’ tutti, se li vincerà la felicità sarà tale da dimenticare i problemi. Che felicità è quella?

«Non è felicità. Usiamo un sinonimo per favore. Euforia può andare, dura una notte come la sbornia. Poi ci si risveglia. La felicità è una catena di elementi. Una vittoria sportiva è un bellissimo momento transitorio. Di cui si dichiareranno felici Adidas, Nike, i costruttori dei campi di calcio. E quelli degli alberghi».

·        E’ Mario Donatone, uno dei cattivi del cinema italiano.

Marco Giusti per Dagospia il 15 aprile 2020. Se ne va uno dei cattivi del cinema italiano, Mario Donatone, 87 anni, attore di cinema e teatro. Difficile scordarlo come il terribile Mosca, il killer che uccide la figlia di Michael Corleone, interpretata da Sofia Coppola, alla fine del “Padrino Parte III” di Francis Coppola. La sua partecipazione al film prevedeva 7 giorni di lavorazione, ne fece 77. Magrado Donatone avesse interpretato nella sua carriera qualcosa come 150 film, gangster ma anche prete o cardinale o poliziotto, è col “Padrino – Parte III” nel 1990 che grazie a quella faccia così particolare, come di una persona che sta male con se stessa pronto a compiere qualsiasi cosa, che lo notammo davvero tutti. Tanto che ebbe ancora buoni ruoli negli anni successivi, in film come “L’angelo con la pistola” di Damiano Damiani o “L’odore della notte” di Claudio Caligari o “Faccia di Picasso” di Massimo Ceccherini, dove è Picasso, o il recente “John Wick capitolo 2”. E credo che lo schierarsi così decisamente a fianco di Alleanza Nazionale negli anni del potere della destra non gli abbia alla fine dato molto. Anzi. Nato a Tripoli, in Libia, nel 1933, torna in Italia con la fine della guerra e entra presto nel mondo del cinema e del teatro. Lo troviamo in piccoli ruoli in “Bellissima” di Luchino Visconti e in “Risate di gioia” di Mario Monicelli. Ha un ruolo maggiore, ma col nome d’arte di “Dan Doney”  nell’esotico-erotico “Eva la venere selvaggia” di Roberto Mauri con la brasiliana Esmeralda Barros. Col nome di “Mario Donen” lo troviamo invece nell’erotico “Il diario segreto di Fanny” di Sergio Pastore. Poi col nome suo in “Kid, il monello del west” di Mario Amendola, che lo diresse anche in “Totò di notte n. 1” e “Due sul pianerottolo”. E’ grazie ai fratelli Corbucci che diventa quasi una presenza fissa nel loro cinema. Lo troviamo così in “Io non spezzo… rompo”, “Boccaccio”, “La casa stregata”, “Il figlio dello sceicco”, tutti di bruno Corbucci, in “Bluff”, “Mi faccio la barca”, “A tu per tu”, “Il conte Tacchia”, “Sono un fenomeno paranormale” di Sergio. Poi in gran parte dei film di Tomas Milian-Nico Giraldi diretti da Bruno, “Squadra antiscippo”, “Assassinio sul Tevere”, “Delitto a Porta Romana”, “Delitto sull’autostrada”, “Delitto in Formula 1”, pronto a qualsiasi ruolo, non solo il cattivo. Negli anni ’80, prima dell’incontro con Coppola, lo troviamo anche in film diversi, da “Il camorrista” di Giuseppe Tornatore, dove è un pretore, a “La signora della notte” di Piero Schivazappa al trashissimo “La croce delle sette pietre” di Marco Antonio Andolfi, dal misterioso “Haji Wshington” dell’iraniano Ali Hatami al cultissimo “Phenomena” di Dario Argento. Attivissimo anche in teatro, sia come attore, lo ricordiamo con Lando Buzzanca in un più recente “Liolà”, che come regista con sue compagnie che come professore di recitazione.

·        E' morto Franco Lauro, volto noto di Rai sport.

E' morto Franco Lauro, volto noto di Rai sport. Il giornalista è scomparso per un improvviso malore. Aveva 58 anni. Enrico Sisti La Repubblica il 14 aprile 2020. Addio a Franco Lauro. Era un giornalista sportivo che non ha mai avuto bisogno di alzare i toni, nemmeno quando intorno a lui gli argomenti s'incendiavano. Un lutto pesante dell'opinione non gridata. Lauro, romano, appassionato soprattutto di calcio e di basket, volto popolare di Rai Sport, sembra abbia avuto un infarto, a casa, solo. Aveva 58 anni. A trovare il suo corpo senza vita sono stati i carabinieri della stazione San Lorenzo in Lucina che oggi alle 15.30 si sono recati nel suo appartamento al centro di Roma, dopo la segnalazione di una donna che non aveva notizie del giornalista da due giorni. Conduttore ma anche telecronista, era entrato in azienda nel 1984. Come tanti a quell'epoca s'era fatto le ossa nei giornali locali e in alcune radio e televisioni private romane: iniziò a Radio Incontro, poi condusse "Roma e Lazio dal 1° minuto" su TeleRegione. Altri tempi. Nel corso della sua attività in Rai ha commentato otto olimpiadi estive (più Torino invernale del 2006), sei edizioni dei Mondiali di calcio, altrettante di Europei. E poi il basket. Fu lui il telecronista dello storico europeo femminile a Brno, quando le azzurre conquistarono la finale per arrendersi soltanto all'Ucraina. Sempre lui in prima linea per l'europeo maschile, con l'Italia di Tanjevic prima in Francia. Storica la sua resistenza da Atlanta, ai Giochi del '96: per l'attentato rimase in studio a fungere da collegamento tra le varie finestre d'informazione per 32 ore. Poi via via gli altri impegni, sempre a gestire opinioni, filmati, interviste. Condusse anche la "Domenica Sportiva", nell'anno del cinquantenario accanto a Giampiero Galeazzi: era il 2003. Parlando qualche giorno fa a Radio Kiss Kiss di Napoli, aveva detto del calcio nostrano: "Il calcio è il romanzo popolare più amato dagli italiano. Ci sono tanti legami che ci accompagnano negli anni. Tutelare la base del calcio è importante, significa tutelare tutto. Non si può pensare solo al vertice e alla Serie A. Se noi facciamo morire il calcio dilettantistico, la Serie C, il calcio femminile, provochiamo un danno a tutto il movimento e a perdere saranno anche i vertici, i grandi del calcio". Colto, sensibile, Lauro lascia un vuoto tra i colleghi più stretti, con cui ha condiviso avventure e inquadrature: "Non posso crederci, abbiamo condiviso così tanto...", è il commento accorato di Paola Ferrari su Twitter.

Da ilmessaggero.it il 14 aprile 2020. Franco Lauro è morto: lutto nel mondo del giornalismo sportivo. Il veterano della Rai dal lunghissimo curriculum è stato trovato morto nel pomeriggio a Roma,  colpito probabilmente da un infarto: aveva 58 anni. Da quel che si è appreso è stata un'amica a dare l'allarme al 112 perché da due giorni non aveva sue notizie. L'equipaggio del 118 e la pattuglia dei carabinieri si sono fatti aprire la porta dell'appartamento nella centrale via Croce dai vigili del fuoco. Il personale medico non ha potuto fare altro che constatare il decesso, come ha fatto pure il fratello maggiore Salvatore, oncologo di fama. Il giornalista è stato trovato morto sul letto, era ancora vestito. Tutto lascia supporre un malore fulminante che non gli ha lasciato il tempo di chiedere aiuto con il cellulare. Non è stata al momento ordinata l'autopsia. Era entrato alla Rai nel 1984: da allora ha coperto otto Olimpiadi estive e una invernale (Torino 2006), sei edizioni dei mondiali di calcio e altrettante degli europei, 12 europei e 3 mondiali di basket, i Goodwill Games del 1990 a Seattle, numerose edizioni dei Giochi del Mediterraneo e Universiadi. All'inizio della carriera ha lavorato in testate locali e radio private romane conquistando notorietà con il calciomercato. In tv debutta nel 1981 in una emittente locale ed è inoltre per due anni lo speaker ufficiale del Palasport della capitale. Nel 1982-83 cura le telecronache del campionato di calcio per la trasmissione Roma e Lazio dal 1º minuto in onda su TeleRegione. Memorabile la maratona di 32 ore consecutive in servizio a causa dell'attentato terroristico alle Olimpiadi di Atlanta: seguì tutti i collegamenti con le reti e i Tg. Nel 2003 gli venne affidata, in coppia con Giampiero Galeazzi, la Domenica Sportiva del cinquantenario, quindi nel 2004 Domenica Sprint e 90º minuto Serie B.

LE REAZIONI.

«Ho appena avuto una notizia tremenda. Un amico con cui abbiamo diviso così tante avventure. non posso crederci». Così Paola Ferrari su Twitter commenta la notizia della morte del giornalista e conduttore sportivo Rai Franco Lauro, scomparso oggi a 58 anni.

«Ho appena saputo della scomparsa di Franco Lauro sono senza parole. Esperto ed appassionato di basket, era un volto amico ed educato che entrava nelle nostre case. A lui mi legano tanti ricordi, uno su tutti: l'inizio insieme in radio nel 1985. Ciao caro Franco Rip». Così Massimo Caputi, caporedattore dello Sport al Messaggero. 

«Se n'è andato Franco Lauro, giornalista di Rai Sport, sempre sorridente, gentile. Cominciò a Radio Incontro, proprio con me. Faceva a quei tempi lo speaker del basket e lo chiamavano »la voce«. Poi una bella carriera. Ciao, amico mio». Così Roberto Renga su Twitter.

«Una brutta notizia che lascia senza parole. Un giorno davvero triste. Oggi è mancato Franco Lauro. Amico e collega di Raisport. Ciao Franco!Folded hands». Così il collega in Rai, Paolo Paganini.

Da ilsussidiario.net il 15 aprile 2020. Ivan Zazzaroni ha ricordato il compianto Franco Lauro. In collegamento con Storie Italiane, su Rai Uno, ha spiegato: “Ci sono ancora delle morti che riescono a sorprenderti, ieri quando mi è arrivata la notizia quasi non ci credevo. Lui era molto professionista, sobrio, preciso, ‘era molto Rai’, lui si preparava tantissimo”. Quindi un curioso aneddoto: “Ricordo 17 anni fa quando feci la mia prima Domenica Sportiva da opinionista, c’era Lauro e Galeazzi, il polo nord e il sud, ma lui ha sempre fatto il tutto rimanendo nel suo, sempre vestito bene, composto. Lo vedevo sempre la domenica mattina, lui arrivava con 200 giornali sotto il braccio perché voleva prepararsi”. Anche Paola Ferrari si è collegata con il programma di Eleonora Daniele: “Ivan ha descritto bene l’immagine di Franco, lui arrivava con questa cartelletta di giornali, voleva sempre essere informato, non aveva mai voglia di fermarsi, aveva sempre voglia di sapere. Franco è andato in onda fino alla sera di Pasqua. Era innamorato del basket, era un signore, incarnava nel modo perfetto l’anima del servizio pubblico. Lui voleva ricordare sempre i medici, gli infermieri, i malati, lo faceva ogni domenica, adesso lo fanno un po’ tutti, lui lo faceva già anni fa”. (aggiornamento di Davide Giancristofaro)

Continuano ad arrivare le manifestazioni di cordoglio per l’improvvisa e prematura scomparsa del giornalista Rai Franco Lauro. Su Instagram un altro collega che ha vissuto un gran pezzo di strada nella sua carriera al fianco di Lauro, Marino Bartoletti, ha dedicato all’amico scomparso un commosso pensiero: “Franco Lauro era un entusiasta della vita e del lavoro. Un collega disponibile, meticoloso, competente, appassionato e corretto. Se n’è andato a 58 anni in maniera inattesa e cattiva, quando aveva ancora tante cose da fare e da dire. Non sto neanche a raccontare quanti momenti ci hanno unito.” Non mancano ovviamente, vista la lunga militanza lavorativa in Rai e le esperienze vissute assieme anche durante i Giochi Olimpici, i ricordi di Marino Bartoletti che condivideva con Lauro anche la passione per la pallacanestro: “Veniva come me dal basket: ma sapeva e poteva parlare di tutto. Ai Giochi di Atlanta ero suo direttore e non riuscii a smuoverlo per più di un giorno e di una notte interi dalla conduzione, quando misero una bomba nel compound olimpico. Alla fine dovetti obbligarlo con la forza a riposare un po’ sul divano del mio ufficio. Franco era cosi.” (agg. di Fabio Belli)

Morto il giornalista Rai Franco Lauro per un malore improvviso. Il Corriere del Giorno. Il giornalista è stato trovato privo di vita nella sua abitazione, vittima di un improvviso malore che a quanto si apprende, a causa di un infarto. Appassionato di basket e calcio, era diventato negli ultimi tempi anche un esperto di calciomercato. Lutto nel giornalismo italiano, ed in particolare di quello sportivo: è morto Franco Lauro, volto noto e popolare di RaiSport. Il prossimo ottobre avrebbe compiuto 59 anni. A trovare il corpo senza vita di Franco Lauro sono stati i Carabinieri della stazione San Lorenzo in Lucina di Roma che oggi alle 15.30 si sono recati nel suo appartamento al centro della Capitale, dopo la segnalazione di una donna che non aveva notizie del giornalista da due giorni. Sul posto, oltre ai militari, il medico legale. Lauro era nato a Roma il 25 ottobre 1961 e prima di entrare in Rai aveva lavorato per qualche anno in alcuni giornali locali e radio private romane. In tv aveva esordito nel 1981 in un’emittente locale. Per due anni era stato anche lo speaker ufficiale del Palazzo dello Sport. Nel 1982-83 era stato impegnato nelle telecronache del campionato di calcio, per la trasmissione Roma e Lazio dal 1º minuto in onda su TeleRegione. Era entrato in Rai all’inizio del 1984: in 28 anni ha commentato 8 Olimpiadi estive ed una invernale (Torino 2006), 6 edizioni dei Mondiali di calcio, e altrettante degli Europei, 12 Europei di basket, 3 Mondiali di basket, i Goodwill Games del 1990 a Seattle, varie edizioni dei Giochi del Mediterraneo e Universiadi. Nel 1999 aveva commentato insieme a Dado Lombardi le gesta della Nazionale di pallacanestro dell’Italia di Bogdan Tanjević, campione d’Europa in Francia. Nel 1996, in occasione dell’attentato terroristico alle Olimpiadi di Atlanta, rimase in studio quasi ininterrottamente per 32 ore per curare tutti i collegamenti con le reti e i Tg. Nel 2003 aveva condotto La Domenica Sportiva insieme ad Giampiero Galeazzi , nell’ edizione del cinquantenario della popolare trasmissione, nel 2004 Domenica Sprint e dal 2005 gli è affidato 90º minuto Serie B. Lauro aveva condotto l’edizione di mezza sera del Tg2 tra il 1988 ed il 1991,in coincidenza con vari scioperi generali dei giornalisti. Nel corso della carriera ha ricevuto diversi premi, tra i quali il Premio Beppe Viola e il Premio Paolo Valenti. Nel 1995 aveva commentato la storica impresa della Nazionale femminile di pallacanestro allenata da Riccardo Sales che si aggiudicò la medaglia d’argento agli Europei di Brno. Nel febbraio 2006 aveva condotto dallo studio i collegamenti con i siti di gara di Torino 2006, mentre nel giugno 2008 è stato il conduttore delle trasmissioni pre e post partita di Euro 2008. Dal 2008 al 2014 ha poi condotto 90º minuto per la Serie A, nel giugno e luglio 2010 è stato il conduttore di Dribbling Mondiali su Rai Due. Nello stesso periodo del 2012, come nel 2008, conduceva le trasmissioni Rai pre e post partita degli Europei e conduce Stadio Europa. Nel 2016-2017 aveva condotto il pre e post partita della Coppa Italia con il collega Mario Sconcerti. Ai colleghi di RAISPORT ed alla famiglia di Franco Lauro, giornalista “gentiluomo” ed amico sincero, vanno il nostro pensiero e le nostre condoglianze più sentite.

Lutto nel giornalismo sportivo: è morto Franco Lauro. Il popolare conduttore televisivo e telecronista è stato trovato in casa senza vita, stroncato da un infarto. Antonio Prisco, Martedì 14/04/2020 su Il Giornale. Il mondo del giornalismo sportivo piange la scomparsa di Franco Lauro: il giornalista sportivo, colpito da un infarto, è stato trovato senza vita nella sua casa romana. È morto a Roma all’età di 58 anni Franco Lauro, giornalista sportivo e volto noto della Rai. Come riporta il quotidiano Il Messaggero le forze dell’ordine sono entrate nella sua casa di via della Croce nel centro della Capitale trovando il cadavere dell'uomo, poi portato via dall'ambulanza accorsa quando ormai era troppo tardi. Lauro avrebbe festeggiato 59 anni il prossimo ottobre e pare sia stato vittima di un infarto. Appassionato di calcio e basket ed esperto di calciomercato, aveva curato numerose telecronache e negli ultimi anni era stato alla conduzione e all'approfondimento del notiziario sportivo Rai.

La carriera. Romano, aveva iniziato in testate locali, occupandosi soprattutto di calciomercato. In Rai era entrato nel 1984. In 28 anni ha commentato otto Olimpiadi estive ed una invernale (Torino 2006), sei edizioni dei mondiali di calcio, e altrettante degli Europei, dodici Europei e tre mondiali di basket. Tra il 1988 ed il 1991, Lauro aveva condotto l'edizione di mezza sera del Tg2 in coincidenza con vari scioperi generali dei giornalisti. Nel corso della carriera ha ricevuto diversi premi, tra i quali il Premio Beppe Viola e il Premio Paolo Valenti. Nel 1999 aveva commentato insieme a Dado Lombardi le gesta della Nazionale di pallacanestro dell'Italia di Bogdan Tanjević, campione d'Europa in Francia. Nel 1996, in occasione dell'attentato terroristico alle Olimpiadi di Atlanta, rimase in studio quasi ininterrottamente per 32 ore per curare tutti i collegamenti con le reti e i Tg. Nel 2003 aveva condotto con Giampiero Galeazzi La Domenica Sportiva edizione del cinquantenario, nel 2004 Domenica Sprint e dal 2005 gli è affidato 90º minuto Serie B. Dal 2008 al 2014 ha poi condotto 90º minuto per la Serie A, nel giugno e luglio 2010 è stato il conduttore di Dribbling Mondiali su Rai Due. Nello stesso periodo del 2012, come nel 2008, conduceva le trasmissioni Rai pre e post partita degli Europei. Nel 2016-2017 aveva condotto il pre e post partita della Coppa Italia con Mario Sconcerti. Immenso il cordoglio tra i personaggi dello sport, i colleghi della Rai, i personaggi del calcio e del basket: una perdita davvero dura quella di Lauro, uno dei volti più amati dell'informazione sportiva, che arriva a breve distanza dalla scomparsa di un altro nome prestigioso come quello di Gianni Mura. Tra i tanti messaggi di lutto arrivati a mezzo social al tragico annuncio, sono davvero addolorate le parole di Paola Ferrari:"Ho appena avuto una notizia tremenda. Un amico con cui abbiamo diviso così tante avventure. Non posso crederci. Le parole non le trovo. Proprio non le trovo in questo momento". Un giornalista colto e sensibile, che mancherà tantissimo a tutti gli appassionati di sport.

·        E’ morto Mirko Bertuccioli, detto "Zagor", cantante dei Camillas.

Coronavirus, è morto Mirko dei Camillas: Zagor aveva 46 anni. Mirko Bertuccioli, detto "Zagor", il cantante della band indie pesarese, era ricoverato ad Ancona in terapia intensiva da oltre quattro settimane. Alessandro Zoppo, Martedì 14/04/2020 su Il Giornale. Mirko Bertuccioli, il cantante e tastierista della band pesarese I Camillas, è morto all'età di 46 anni per le complicazioni dovute al coronavirus. "Zagor", originario di Pordenone come il suo compagno d'avventure Vittorio Ondedei (ovvero "Ruben" Camillas) e poi trasferitosi da tempo nella "costa est di Pesaro", era ricoverato in terapia intensiva ad Ancona da oltre quattro settimane. Bertuccioli, come riporta Il Resto del Carlino, si è contagiato probabilmente dopo un concerto in Lombardia. Oltre che uno dei gruppi più originali della scena indie italiana, autori di un pop raffinato e dadaista, sghembo e surreale, Mirko lascia il negozio di dischi e vinili Plastic di via Passeri, un punto di riferimento per gli amanti della musica della cittadina marchigiana.

Pesaro piange Mirko dei Camillas. Matteo Ricci e Daniele Vimini, sindaco e vicesindaco di Pesaro, sono "sconvolti" dalla morte di Mirko. "Bertuccioli – hanno dichiarato – ha portato il nome di Pesaro in tutta Italia e oltre, e la sua capacità di fare rete e amicizia attraverso la musica ha portato in tanti anni decine di band e artisti incredibili a Pesaro, fino recentemente al festival From Pesaro With Love che organizzava per amore della città". I Camillas erano attivi ufficialmente dal 2007 con l'EP Everybody in the Palco! e hanno realizzato nel corso degli anni cinque album in studio (Le politiche del prato del 2009, Costa Brava del 2012, lo split X-Marillas del 2013 con gli X-Mary, Tennis d'amor del 2016 e Discoteca Rock del 2018) e il libro La rivolta dello zuccherificio, un romanzo autobiografico pubblicato da il Saggiatore.

Addio alla "concretezza italica" dei Camillas. Nel 2015 il duo aveva partecipato con successo anche a Italia's Got Talent, dove aveva portato quel miscuglio sonoro che univa "il beatpop degli anni '60, con tutto il suo sforzo di liberarsi dall'anglodominio ed aprirsi alla concretezza italica; le melodie postclassiciste, nel loro incarnarsi trasversale in tipi come Carella e nel loro perpetuarsi stabile nelle canzoni da classifica o in quelle da lampo estivo (e qui non ci sono limiti temporali, sbalzati lungo i decenni come bambini su di un bob); la musica fintorock; il minimalismo radicale o quello pop, soprattutto americano e soprattutto organo ed harmonium; il suono inglese dall'85 al '95, ma non proprio gli Smiths, proprio no; il pop apocalittico e il gioco della fine del mondo". Sui social, sono stati in tantissimi a ricordare Zagor. "Mirko dei Camillas – scrive il giornalista Matteo Bordone – era una persona dolce, generosa. Ogni volta che andavo a vederli poi si chiacchierava, si faceva gli scemi con l'accento pesarese che a me tornava su dagli anni al mare a Gabicce. Con lui se ne va un buono, matto e creativo, un pezzo bello dell'indie italiano".

·        Morta Patricia Millardet, la giudice della "Piovra".

Morta Patricia Millardet, la giudice della "Piovra". L'attrice, 63 anni, è deceduta a Roma per un attacco cardiaco. Era diventata popolarissima col ruolo di Silvia Conti nella serie interpretata da Michele Placido. Silvia Fumarola il 13 aprile 2020 La Repubblica. È morta oggi pomeriggio all'ospedale San Camillo di Roma per una crisi cardiaca l'attrice francese Patricia Millardet. Nata nel 1957 a Mont-de-Marsan, nella regione della Nuova Aquitania, Patrica Millardet aveva compiuto 63 anni lo scorso 24 marzo. In Italia, dove viveva dalla fine degli anni '80, prima sull'Appia Antica e poi a Castel Gandolfo, si era fatta conoscere al grande pubblico da quando aveva interpretato il coraggioso e incorruttibile magistrato Silvia Conti ne La piovra, la serie interpretata da Michele Placido nei panni del commissario Cattani, tra il 1989 e il 2001. Un ruolo che le aveva dato la grande popolarità. Aveva giurato che avrebbe vendicato la morte del commissario, eroe della storia, ucciso dalla mafia. E da quel momento l'eroina era diventata lei. "Perché il grande successo? Veramente non lo so", spiegava in un'intervista a Repubblica. "Penso che Silvia piaccia al pubblico perché è molto morale, pulita, disponibile. All'inizio questo ruolo mi faceva paura, ero nervosa. Quest' anno è andata meglio. Per rendere vero un personaggio bisogna crederci profondamente, e io mi sono sforzata di pensare e agire come lei. Mi sono molto divertita a interpretarla, è così sicura di sé. Rulli e Petraglia, gli sceneggiatori, hanno scritto un ruolo perfetto. Solo su un punto non ci siamo trovati d'accordo. Silvia non poteva innamorarsi di Licata. C'era un momento in cui lei avrebbe dovuto andare incontro a Davide. Mi sono ribellata. Come poteva comportarsi così una donna che ha perduto il grande amore della sua vita in quel modo violento?". Nella sua carriera aveva recitato in moltissime produzioni cinematografiche e televisive. Uno dei suoi primi ruoli era stato quello di comparsa nel film Il tempo delle mele 2 nel 1982. Aveva debuttato nel cinema italiano nel 1987, con il film tv di Carlo Lizzani Assicurazione sulla morte. Mentre nel 1990 aveva recitato in Il sole anche di notte di Paolo e Vittorio Taviani. La grande popolarità arrivò con le serie de La Piovra su Rai 1. Tra il 2001 e il 2003 era stata tra le protagoniste della fiction di Canale 5 Il bello delle donne, dove interpretava il personaggio di Angelina Brusa. Nel 2002 si era sparsa la notizia che avesse tentato il suicidio in una villa sull'Appia Antica a Roma ingerendo una massiccia dose di barbiturici. Ma era stata lei stessa a smentire: "'Non c'è stata malafede ma comunque è stata una storia romanzata. Il produttore della fiction Il bello delle donne, Alberto Tarallo, mi aveva chiesto di dimagrire per interpretare la terza serie - aveva raccontato l'attrice - invece sono tornata ingrassata di tre chili da una vacanza alle Maldive. E così ho drasticamente scelto di non mangiare niente, lo stomaco si è chiuso, ho bevuto poco, fumato molto e fatto cyclette. Un giorno sono svenuta in casa proprio mentre un amico con cui avevo un appuntamento mi stava venendo a trovare: si è preoccupato, ha chiamato polizia, carabinieri e ambulanza ed è nata la storia del tentato suicidio''.

Roma, morta per arresto cardiaco l’attrice francese Patricia Millardet. L’indimenticabile giudice de “La piovra” si è spenta all’età di 63 anni per una crisi cardiaca. Era ricoverata dallo scorso 24 marzo al San Camillo di Roma. Valentina Dardari, Martedì 14/04/2020 su Il Giornale. Patricia Millardet, la giudice incorruttibile de “La piovra”, è morta nel pomeriggio di ieri, lunedì 13 aprile, all’ospedale San Camillo di Roma, dove era ricoverata dal 24 marzo. L’attrice aveva compiuto 63 anni lo scorso marzo.

Il successo era arrivato grazie a "La piovra". Indimenticabile nel personaggio del coraggioso magistrato Silvia Conti. Il successo, che aveva conquistato il grande pubblico, era arrivato proprio grazie a quel ruolo, che aveva ricoperto dal 1989 al 2001, nella celebre serie televisiva della Rai. In una intervista, la Millardet aveva dichiarato: “Penso che Silvia piaccia al pubblico perché è molto morale, pulita, disponibile”. La sua prima apparizione era avvenuta nel film “Il tempo delle mele” del 1982, dove faceva la comparsa. Debuttò nel cinema italiano nel 1987, con il film tv del regista Carlo Rizzani “Assicurazione sulla morte”. Tre anni dopo, nel 1990, aveva recitato in “Il sole anche di notte” di Paolo e Vittorio Taviani. Era stata anche tra le protagoniste della fiction andata in onda su Canale 5, “Il bello delle donne”, dove, tra il 2001 e il 2003, interpretava il personaggio di Angelina Brusa. Aveva inoltre preso da parte a molte altre produzioni sia cinematografiche che televisive.

La fake news del suicidio. Nel 2002 la Millardet era stata vittima di una fake news: era infatti girata la voce che avesse tentato il suicidio ingerendo una potente dose di farmaci. La notizia era stata subito dopo smentita dalla stessa attrice che aveva raccontato quanto realmente accaduto: “Non c’è stata malafede ma comunque è stata una storia romanzata. Il produttore della fiction “Il bello delle donne”, Alberto Tarallo, mi aveva chiesto di dimagrire per interpretare la terza serie, invece sono tornata ingrassata di tre chili da una vacanza alle Maldive. E così ho drasticamente scelto di non mangiare niente, lo stomaco si è chiuso, ho bevuto poco, fumato molto e fatto cyclette. Un giorno sono svenuta in casa proprio mentre un amico con cui avevo un appuntamento mi stava venendo a trovare: si è preoccupato, ha chiamato polizia, carabinieri e ambulanza ed è nata la storia del tentato suicidio”. Patricia Millardet, 63 anni appena compiuti, si è spenta nella giornata di ieri presso l’ospedale San Camillo di Roma a causa di un arresto cardiaco. Viveva nel nostro Paese dalla fine degli anni ‘80, la Millardet si era infatti trasferita a Roma, prima sull’Appia Antica e in seguito a Castel Gandolfo.

·        Morto il giornalista Giuseppe Zaccaria.

Giornalismo, morto il barese Giuseppe Zaccaria: seguì le guerre dei Balcani. Era ricoverato da Belgrado. La Gazzetta del Mezzogiorno il 12 Aprile 2020. Il giornalista Giuseppe Zaccaria, per trent'anni inviato nei Balcani per il quotidiano La Stampa, è morto oggi in un ospedale di Belgrado dove era ricoverato in gravi condizioni da alcune settimane. Nato a Bari il 18 novembre 1950 e laureato in giurisprudenza, Zaccaria aveva seguito dal di dentro i drammatici conflitti che portarono alla dissoluzione della ex Jugoslavia e alla caduta di Slobodan Milosevic, da lui intervistato in esclusiva dopo la sua uscita di scena. Fu il primo giornalista europeo a descrivere gli orrori dello “stupro etnico” e nel 1993 vinse il Premio Hemingway “per aver svelato all’Italia e al mondo intero i drammi che si stavano compiendo a un passo dalle nostre frontiere”, come detto nella motivazione del riconoscimento. Grande conoscitore dei Balcani, Zaccaria era stato anche a Bucarest durante i giorni drammatici della caduta di Nicolae Ceausescu nel dicembre 1989, in Ungheria, Bulgaria, nell’allora Cecoslovacchia, in Polonia dopo la caduta del Muro di Berlino, a Gerusalemme nelle fasi critiche dell’Intifada, a Baghdad durante la Guerra del Golfo e poi per la caduta di Saddam Hussein. Seguì anche la crisi di Timor est. Nel 2000 gli fu assegnato in Italia il Premio Saint Vincent del Presidente della Repubblica. Scrisse alcuni libri, fra i quali “Noi criminali di guerra, storie vere dalla ex Jugoslavia” (1994, ed. Baldini e Castoldi, Milano), utilizzato tra l’altro dai giudici del Tribunale penale internazionale dell’Aja (Tpi), e “La strega rossa” su Mirjana Markovic, moglie di Slobodan Milosevic (2005). Negli anni scorsi fu tra l’altro addetto stampa per Fiat Serbia, mentre fino all’ultimo, prima della malattia, aveva scritto per il sito italiano Ytali.

·        E’ morto Stirling Moss leggenda dell'automobilismo.

F1 in lutto: è morto Stirling Moss, l'ultima leggenda dell'automobilismo. Aveva 90 anni e fino all'ultimo è stato presente sulle piste, alle rievocazioni storiche, guidando spesso - nonostante l'età - i bolidi che aveva dominato quando era giovane. Fu l'unico a vincere tante gare (16) senza laurearsi mai campione del mondo. Vincenzo Borgomeo il 12 aprile 2020 su La Repubblica. Addio Stirling Moss. "È morto mentre viveva, sembrava meraviglioso", ha detto sua moglie Susie. Ci lascia così, con quel sorriso e quell'allegria contagiosa, la leggenda dell'automobilismo. Aveva 90 anni e fino all'ultimo è stato presente sulle piste, alle rievocazioni storiche, guidando spesso - nonostante l'età - i bolidi che aveva dominato quando era giovane. Nella foto che vedete qui sopra aveva 80 anni e, come se nulla fosse, guidava con l'entusiasmo di un ragazzino i bolidi da competizione, proprio gli stessi che aveva a suo tempo portato in pista. Figlio di un dentista londinese, Moss ha avuto una carriera lunghissima: si è ritirato da ogni competizione solo nel 2011 quando aveva 81 anni... L'ultima gara, con una micidiale Porsche RS61 del 1961 (il soprannome, "la fabbrica delle vedove", era tutto un programma) a Le Mans, poco dopo aver portato in gara la sua Osca da 1.500 cc in occasione di eventi storici. Certo, corse di classic car, ma sempre corse. Le competizioni "vere" finirono però dopo un incidente a Goodwood nel 1962, che lo lasciò incosciente per un mese e paralizzato per sei. Nato a Londra il 17 settembre 1929, Moss ha vinto 16 Gp di formula uno senza mai laurearsi campione del mondo. E' arrivato secondo quattro volte nei mondiali del 1955, 1956, 1957 e 1958 correndo in F1 fino al 1961. E' stato al volante di Jaguar, Cooper, Lotus, Mercedes-Benz e Maserati. Nessuno ha vinto tanto senza mai avere il titolo mondiale. Ma questo, forse, non ha fatto altro che accrescere il mito, la leggenda. Tante le corse indimenticabili. Fra tutte di sicuro il Gran Premio di Monaco del 1961 ma, soprattutto, la vittoria alla Mille Miglia del 1955, dove stabilì con la Mercedes SLR il record di velocità mai più battuto, a una media, pazzesca, di 157,650 km/h, coprendo i 1600 km in 10 ore, 7 minuti e 48 secondi. Facendo gli ultimi 133 km, da Cremona a Brescia, alla media (media, attenzione) di 264 orari! Con uno così, vincere un mondiale di F1 diventa un dettaglio...  Va detto fra l'altro che Moss avrebbe potuto essere il primo campione del mondo britannico nel 1958 invece di Mike Hawthorn: perse il titolo per un solo punto quell'anno,  dopo aver chiesto ai giudici di gara di levare una sanzione al suo connazionale squalificato al Gran Premio del Portogallo. "Ovviamente gli hanno restituito i suoi punti e questo mi è costato il titolo", ha spiegato cavallerescamente Moss.  Che non ebbe mai rimpianti: "Sono nella posizione esclusiva della gente che dice che avrebbe dovuto vincere e non l'ha mai fatto", raccontò poi. Ecco spiegata la leggenda. Ma c'è dell'altro: nel suo periodo di massimo splendore, Moss ha partecipato a qualcosa come 54 gare all'anno in tutto il mondo, oltre a una serie infinita di test. Possiamo dire quindi che una delle più incredibili imprese di Stirling è quella di essere sopravvissuto fino a 90 anni, visto che all'epoca di piloti ne morivano tantissimi, una ventina l'anno solo nelle massime categorie. E ancora oggi in salotto ha appesi al muro due volanti piegati, come ricordi importanti: uno etichettato "Spa 1960" e l'altro "Goodwood 1962"...Ma lui la prendeva sempre con allegria quando gli si faceva notare la cosa: "Tutto quello che dovevo fare era arrivare, fare pratica con la macchina, correre e basta. Poi potevo andare a caccia di ragazze o qualunque cosa volessi fare ... era solo una vita favolosa". Il calvario è iniziato a Singapore alla fine del 2016 colpito da un'infezione che lo ha costretto a 134 giorni di ospedale: ma poi sopravvisse. Come fece anche nel 2010, dopo che cadde in un pozzo profondo come tre piani di un palazzo, nella sua casa di Londra. Si ruppe entrambe le caviglie e quattro ossa nei suoi piedi. Ma alla fine ce la fece ancora. Ora il mondo dell'auto piange però una leggenda. compagno di squadra della Mercedes al cinque volte campione del mondo argentino Juan Manuel Fangio. Era diventato il sinonimo stesso - e lo è ancora oggi - di velocità. Ancora oggi in Inghilterra - e in mezzo mondo, si dice "chi pensi di essere Stirling Moss"? quando qualcuno corre troppo in auto. E fu proprio questa la domanda - rivelò il pilota - che gli fece davvero un poliziotto quando lo fermò a Londra. "Ma non riuscivo a capire se mi stesse prendendo in giro o se mi avesse riconosciuto davvero...".

Umberto Zapelloni per “il Giornale” il 14 aprile 2020. Sir Stirling Craufurd Moss ha percorso l' ultimo giro di una vita fuori dal comune nel letto della sua elegante casa di Mayfair piena zeppa di gadget che un tempo solo James Bond avrebbe potuto permettersi. In quell' appartamento teneva un armadio pieno di album neri e verdi. In quelli verdi aveva raccolto fotografie e articoli sui suoi record sportivi, in quelli neri le sue conquiste femminili. E, nonostante le 494 gare disputate e i tre matrimoni, non c' era grande differenza nel numero delle raccolte. A Sir Stirling Moss piaceva correre con qualsiasi auto avesse a tiro, ma non dispiaceva essere considerato un playboy e fino all' arrivo sulla scena di James Hunt negli anni Settanta, era decisamente il più donnaiolo tra i piloti del mondiale. «La mia qualità di vita era di gran lunga superiore a quella di Jenson Button o Lewis Hamilton», diceva scherzando. A Enzo Ferrari ricordava Tazio Nuvolari «per la sua smania di correre, per come sapeva andava forte su qualsiasi macchina, con il gran pregio di giudicare una vettura soltanto attraverso il cronometro». Eppure Moss non è mai stato un pilota ufficiale Ferrari. Ha corso e vinto con un sacco di squadre inglesi, con la Mercedes, con la Maserati di cui si era innamorato, ma mai per la casa di Maranello. Alla Ferrari sarebbe arrivato, se non si fosse schiantato a Goodwood nel 1962, quando finì fuori pista con la Lotus, rimanendo 45' imprigionato tra i rottami e in coma per 38 giorni. Lo curarono undici infermiere, ma questo è un dettaglio. Come il fatto che tra coloro che più spesso chiamavano l' ospedale di Londra per avere sue notizie ci fosse Frank Sinatra. D' altra parte tra i suoi compagni a cena c' erano spesso Grace Kelly e Steve McQueen. «Non ho vinto il mondiale, ma mi sono molto divertito», ripeteva sempre. La storia della Formula 1 lo registra come il numero uno dei numeri due. Il migliore tra quelli che non hanno mai vinto il mondiale. In realtà Moss è migliore anche di molti tra coloro che quel titolo lo hanno vinto. Non ha conquistato il Mondiale, ma ha un trofeo che nessuno dei suoi colleghi hanno raggiunto: ha tagliato in forma quasi perfetta il traguardo dei 90 anni. Tre volte terzo e quattro volte secondo (dal 1955 al 1958) nel mondiale, sedici vittorie in 66 gare, sono un curriculum abbastanza significativo a cui vanno aggiunte vittorie importantissime nelle gare di durata, prima tra tutte la Mille Miglia del 1955 con la Mercedes 300 SLR, con un tempo record rimasto imbattuto di 10 ore 07 minuti e 48 secondi. A superarlo nel Mondiale furono tre volte il suo amico Fangio e una volta Mike Hawthorn. In quell' ultima occasione, nel 1958, emerse tutta la sportività di Moss che avrebbe potuto conquistare il titolo (perso per un punto) se al Gran premio del Portogallo non fosse stato lui stesso a scagionare Mike davanti ai commissari che lo avevano punito per aver spinto la sua Ferrari durante il giro di rientro. Senza le sue parole, Hawthorn sarebbe stato squalificato e lui a fine anno sarebbe stato davanti. «Ho fatto la stessa cosa che avrebbe fatto Mike per me», raccontò sempre. Suo padre, Alfred E. Moss, un ricco dentista, arrivò 16º alla 500 Miglia di Indianapolis del 1924, sua madre Aileen era stata protagonista delle gare in salita nello stesso periodo, sua sorella Pat partecipò con successo a diversi rally: lui non poteva che darsi ai motori. «I rettilinei sono quei tratti noiosi che uniscono due curve», diceva e spingeva sull' acceleratore di qualsiasi auto gli capitasse a tiro. Ha continuato anche dopo essersi ritirato ufficialmente partecipando fino a pochi anni fa a un sacco di eventi per auto storiche. La domenica potevi incontrarlo ospite di uno sponsor al Gran premio d' Australia e il giorno dopo vederlo fotografato alla cena di un altro sponsor a New York. Instancabile. E sempre accompagnato da Suzie, l' ultima signora Mosley, sposata nel 1980 dopo aver fatto la corte a sua sorella. «Ma chi si crede di essere? Stirling Moss?», era la domanda più gettonata dai poliziotti inglesi quando fermavano qualcuno che aveva esagerato con la velocità. Per anni è stato lo sportivo inglese più famoso. Anche più di calciatori o giocatori di cricket. Era finito pure in un film di 007 (Casinò Royale) interpretando se stesso in un cameo. Fino all' arrivo di Lewis Hamilton è stato il simbolo della velocità inglese. E Lewis lo ha voluto salutare sui suoi social: «Sarà sempre qui, nei nostri ricordi». Lo stesso messaggio che ha unito Mercedes, Ferrari e Maserati.

·        E’ morto Luciano Pellicani.

Pellicani, pensatore libero e "eretico". Teorizzò la Sinistra riformista con la svolta da Marx a Proudhon. Vittorio Macioce, Domenica 12/04/2020 su Il Giornale. Il libro è lassù, consumato, sugli scaffali in alto della libreria. Non lo leggo da molti anni. La realtà è che mi sta sulla pelle e sugli occhi e influenza il modo con cui guardo il mondo. Il titolo è La genesi del capitalismo. L'autore è Luciano Pellicani, docente per anni di Sociologia alla facoltà di Scienze politiche della Luiss. È il mio professore, quello con cui mi sono laureato. È morto ieri, a 81 anni. Li aveva compiuti venerdì. Non è mai stato davvero organico a un partito, anche perché aveva un brutto carattere. Una parte di lui sognava l'anarchia. Era pugliese. Il padre Michele era un dirigente del Pci, che abbandonò nel 1956 dopo la repressione della rivolta ungherese. Il figlio su quella scelta ci ha costruito di fatto i suoi studi. Quale è il lato oscure delle rivoluzioni? Perché i «buoni» si mostrano poi come tiranni? Perché il comunismo è una promessa tradita? È ostinato e va controcorrente, e da Sinistra svela la trappola del marxismo-leninismo. Lo fa in anni in cui non era affatto scontato. È a più riprese il direttore della rivista Mondoperaio. Negli anni '80 è nel mirino delle Brigate Rosse. Si salva con un colpo di fortuna. È a lui che Craxi si ispira quando nel 1978 pubblica su L'Espresso il breve saggio con cui rivendica il ruolo della Sinistra riformista. È la svolta con cui si rinnega Marx e si riscopre il socialismo di Proudhon. Pellicani mi ha fatto conoscere Ortega y Gasset e i suoi studi sulla ribellione delle masse. Mi ha portato tra i mercanti italiani del '300 e alle origini della società aperta. Mi ha insegnato quanto sia fragile la libertà e quanto costa sceglierla come principio di vita. Mi ha fatto innamorare di Don Chisciotte. Mi ha insegnato a guardare nelle utopie degli intellettuali déraciné le strade che portano all'inferno. Mi ha detto che quelli che rubano in nome della libertà sono ladri che non hanno neppure l'alibi del bisogno. Mi ha fatto leggere I Demoni di Dostoevskij. Appena laureato mi chiese cosa volevo fare. Risposi: il giornalista. «Allora ti presento il direttore de L'Avanti». La mia risposta fu stupida e presuntuosa: «Professore, mai con un giornale di partito». Era il 1991. Quando ci penso, a posteriori, mi viene da ridere. L'ultima volta che ci siamo visti, qualche anno fa, mi ha guardato a lungo e poi ha detto: sei invecchiato e mi rendo conto di quanto troppo vecchio sono io. Un'infezione se l'è portato via. Addio prof.

Ecco perché l'Occidente è per natura più libero rispetto all'Oriente. Il capitalismo si fonda su mercato e proprietà privata. E sulla concorrenza fra i poteri. Giampietro Berti, Venerdì 29/05/2020 su Il Giornale. A pochi giorni dalla scomparsa di Luciano Pellicani, il maggior studioso italiano di sociologia politica, esce un suo breve testo che raccoglie una lectio magistralis da lui tenuta il 21 settembre 2019 al festival estivo promosso e organizzato a Sciabaca dall'editore Florindo Rubbettino. Si tratta di una sintesi che compendia il grande problema relativo alla natura della civiltà occidentale: Perché in Occidente c'è più libertà che in Oriente? Il testo è pubblicato dallo stesso Rubbettino con una sua prefazione. Perché dunque in Occidente c'è più libertà rispetto non soltanto all'Oriente, ma anche ad ogni altra civiltà? La spiegazione di Pellicani, di cui naturalmente la lectio magistralis registra solo alcuni passaggi, si può riassumere così. Per dar conto della natura dell'Occidente è necessario affrontare prima di tutto la natura del capitalismo, il quale si fonda sul mercato, che a sua volta presuppone l'esistenza della proprietà privata come struttura portante della società civile. L'economia capitalistica sorge dalla limitazione del potere dovuta al pluralismo del sistema feudale, scaturito dalla dissoluzione dell'impero romano (la sua genesi, pertanto, non è quella indicata da Max Weber). Il periodo medievale è segnato dalla guerra delle investiture fra Papato e Impero; una guerra che si risolve senza vinti né vincitori: l'Impero non riesce a creare un cesaropapismo, il Papato non realizza la teocrazia universale. L'intero periodo è caratterizzato da una pluralità molto articolata di centri potestativi, che impediscono la formazione di un monopolio unico del comando, sia questo religioso, politico o economico. Tale pluralità favorisce la presenza di interstizi di libertà perché il contrasto fra il potere spirituale e il potere temporale impedisce ad entrambi di controllare fino in fondo la società civile. Di fatto, la loro rivalità crea una situazione favorevole allo sviluppo della cultura del conflitto istituzionalmente regolato, che sfocerà molti secoli dopo nella creazione liberale dello Stato di diritto. Pellicani ricostruisce il lungo tragitto del pensiero occidentale così come esso si è svolto dai Greci ai nostri giorni. Affronta in tal modo uno dei nodi teorici più problematici del dibattito filosofico, storico e sociologico relativo alla comparazione fra le varie civiltà. Si deve constatare che solo l'Occidente presenta queste caratteristiche perché solo esso è pervaso dalla logica della secolarizzazione; processo che contempla laicamente il pluralismo dei valori e dunque la possibilità effettiva della loro convivenza. Ne è conseguito un intreccio di interessi che hanno dato vita alla civiltà dei diritti e delle libertà, grazie anche alla prodigiosa crescita della ricchezza materiale generata dalla sinergia fra sviluppo economico e conoscenza scientifica. Di qui la possibilità della manipolazione tecnica del mondo; di qui la definitiva supremazia piena e netta del libero arbitrio quale nucleo concettuale ultimo del mito dell'«avanzamento continuo» del progresso umano. Non vi è alcuna altra civiltà che abbia nel suo Dna tutte queste peculiarità, le quali a loro volta possono darsi solo in presenza del processo di secolarizzazione. Vi è modernità laddove esiste la separazione tra la società politica e la società civile, quale logica conseguenza della dialettica continua fra economia e politica, fra società e Stato. Libertà, mercato e proprietà privata sono costitutivi del capitalismo e dunque dell'Occidente: senza secolarizzazione non vi è pluralismo, senza pluralismo non vi può essere la relatività dei valori e dunque la libertà, sia essa politica, sociale, economica, religiosa. A differenza di qualsiasi altra civiltà, quella occidentale risulta attraversata dal conflitto fra Sparta e Atene, fra spirito giudaico e spirito greco, fra messianesimo e illuminismo, dualismi riassumibili nella contrapposizione tra una concezione chiusa e una concezione aperta della società; molteplici tradizioni di pensiero che hanno convissuto senza mai riuscire a prevalere l'una sull'altra in modo definitivo. Il che ha conferito alla civiltà occidentale lo statuto di una civiltà superiore. A partire dalla ricerca intellettuale di Luciano Pellicani si può quindi dare una precisa risposta alla domanda se, rispetto al problema decisivo della libertà, la civiltà occidentale sia superiore alla civiltà orientale come a qualsiasi altra civiltà. Ebbene, la risposta è affermativa, perché a fronte di quella occidentale, tutte le altre civiltà non presentano prioritariamente il valore centrale della libertà.

Addio a Pellicani, professore di riformismo. Francesco Damato su Il Dubbio il 12 aprile 2020. E’ morto a Roma il socialista Luciano Pellicani. Direttore di “Mondoperaio” e docente universitario, aveva 81 anni. Sapevo bene, per vecchia amicizia, per la nostra comune origine pugliese e per la nostra quasi coetaneità, essendo lui di soli quattro mesi meno anziano di me, che Luciano Pellicani fosse un intellettuale scomodo, troppo orgoglioso per corteggiare chicchessia e troppo geloso e convinto delle sue idee per scambiarle con un incarico o, nel nostro campo giornalistico, con una collaborazione. O con qualche riconoscimento postumo. Ma, francamente, non mi sarei mai aspettato che la sua morte, avvenuta in circostanze non so se più penose o drammatiche, il giorno dopo avere compiuto 81 anni, vittima anche lui di questo maledetto coronavirus accertato, temo, con troppo ritardo, passasse inosservata sui giornali di questa anomala e tragica Pasqua. Eppure la notizia era stata diffusa in tempo perché ciò potesse essere evitato. Di tutti i quotidiani che ho potuto consultare di prima mattina sulla più completa e tempestiva rassegna stampa di cui disponiamo, che è quella del Senato della Repubblica, nessuno ha trovato un angolino in prima pagina per darne notizia: neppure il Corriere della Sera, di cui egli fu collaboratore. E neppure la “sua” e nostra Gazzetta del Mezzogiorno. Con Luciano Pellicani è scomparso un uomo di grandissima cultura, coerenza e generosità, un Maestro, con la maiuscola, che sarà sicuramente rimpianto dalle migliaia, anzi decine di migliaia di studenti che ne frequentarono le lezioni di sociologia politica e antropologia culturale alle Università, ultima quella intestata a Guido Carli, la famosa Luiss. Dove Luciano diresse anche la scuola di giornalismo. Uomo più di studio che di palcoscenico, più riservato che vanitoso, con quei capelli sempre scomposti per la furia con la quale se li scuoteva leggendo e riflettendo, più assetato di ricerca culturale che di potere, Pellicani fu tra i protagonisti, secondo solo a Bettino Craxi, formatosi non a caso anche leggendo i suoi saggi, della stagione del riformismo socialista tra la fine degli anni Settanta e tutti gli anni Ottanta. Allora il pur organizzatissimo, miltarizzatissimo e finanziatissimo Partito Comunista, peraltro guidato da un personaggio carismatico come Enrico Berlinguer, rischiò di perdere davvero l’egemonia a sinistra un po’ furtivamente guadaganata nelle storiche elezioni politiche del 1948. All’errore del “fronte popolare” compiuto dal leader socialista Pietro Nenni in quel passaggio della storia italiana, anche a costo di spaccare il suo partito con la scissione socialdemocratica di Giuseppe Saragat, consumatasi nel 1947 a Palazzo Barberini, si aggiunse la disinvoltura del Pci di Palmiro Togliatti  di boicottare i candidati socialisti, per cui nelle Camere arrivarono più numerosi i comunisti dei loro alleati, prevalsi invece nelle elezioni precedenti. Da allora la storia della sinistra italiana prese un verso tutto favorevole alla Democrazia Cristiana, sino a quando Bettino Craxi, raccolto nel 1976 quel che restava del Psi dopo l’impegno elettorale assunto dal suo predecessore Francesco De Martino di non riportarlo mai più al governo senza i comunisti, non risventolò la bandiera dell’autonomismo. Che già aveva consentito nel 1963 la nascita del centro-sinistra. Così egli sottrasse la sinistra alla prospettiva di un’eterna e sterile opposizione, peraltro nel mondo ancora bipolare uscito dagli accordi di Yalta, in cui il comunismo aveva addirittura eretto un muro a Berlino per separare l’Europa dell’Est da quella dell’Ovest, lungo la famosa cortina di ferro già avvertita e denunciata da Winston Churchill. Appena eletto segretario, col proposito dichiarato di fare sopravvivere il Psi all’appiattimento ai comunisti voluto da chi lo aveva preceduto, Craxi citò in un intervento un saggio di Luciano Pellicani, passato in quei tempi inosservato, su Eduard Bernstein: un politico, filosofo e scrittore tedesco, già esecutore testamentario di Friederich Engels e sostenitore di una profonda revisione del marxismo, che Lenin riteneva invece di avere realizzato in Russia col sangue e la famosa dittatura del proletariato. Lusingato della citazione, Pellicani telefonò a Craxi per ringraziarlo. Ne nacque un rapporto d’amicizia e di simbiosi culturale tale che meno di due anni dopo, quando Enrico Berlinguer rilanciò imprudentemente l’attualità del leninismo pur nella cornice di quello che allora fu chiamato “eurocomunismo”, per renderlo più digeribile agli occidentali e all’elettorato moderato, Craxi incaricò proprio Pellicani di preparargli un intervento di risposta. Che con la firma del segretario socialista fu pubblicato nel 1978 dall’Espresso col titolo del “Vangelo socialista”, tutto ispirato al rivale culturale e politico di Marx, che era stato il francese Pierre Joseph Proudhon, teorizzatore del socialismo libertario e umanitario, contrapposto al dogmatismo comunista. Fu il guanto di sfida del nuovo leader socialista italiano a Berlinguer, per conto del quale rispose curiosamente, più che il segretario del Pci dall’Unità o da Rinascita, che pure era stata da lui adoperata negli anni precedenti per lanciare la proposta e prospettiva del cosiddetto compromesso storico con la Dc, Eugenio Scalfari dalle colonne della sua Repubblica di carta.  Che, sostituendosi ai giornali ufficiali del Pci, rimproverò a Craxi, sin dal titolo, di avere osato “tagliare la barba a Marx”. Da allora non ci fu più tregua a sinistra in una lotta che da una parte portò Craxi, nel 1983, a Palazzo Chigi per guidare un governo di coalizione fra democristiani, socialisti, socialdemocratici, repubblicani e liberali, e dall’altra Berlinguer in un affannoso inseguimento conclusosi tragicamente con la sua morte nel 1984, l’anno dopo. Un politico e autore insospettabile come Piero Fassino, peraltro l’ultimo segretario dei Ds-ex Pci prima della fusione con la Margherita di Francesco Rutelli nel Pd di Walter Veltroni, ebbe poi il coraggio o l’onestà, come preferite, di riconoscere che in quella rincorsa Berlinguer si era reso tanto consapevole di perdere la partita da preferire in qualche modo la morte sul campo, colto da un ictus nelle ultime battute di un comizio elettorale a Padova. Già convinto al momento della sua laurea a Roma in scienze politiche, nel 1964, con una tesi di Antonio Gramsci, che il comunismo fosse destinato solo a fare danni, Pellicani dopo l’arrivo di Craxi a Palazzo Chigi assunse nel 1985 la direzione della storica testata socialista di Mondoperaio per farne la punta di lancia dell’anticomunismo da posizioni rigorosamente di sinistra. E vi rimase talmente fedele che, costretto a chiudere la rivista con la fine del Psi, non perdonando peraltro a Craxi di avere lasciato infangare il socialismo con la pratica del finanziamento illegale del partito e della corruzione che spesso ne seguì, la riesumò personalmente nel 2000, durante la cosiddetta seconda Repubblica, senza volersi mai confondere col centrodestra. Dove l’anticomunismo aveva portato invece parecchi socialisti: in Forza Italia o addirittura in Alleanza Nazionale. Partecipe tuttavia di una manifestazione dell’Ulivo prodiano il 3 aprile del 2002, Pellicani si guadagnò coraggiosamente fischi e altri tipi di contestazione con un intervento contro i “girotondini”, allora di moda, ma soprattutto contro l’idolo della sinistra giustizialista che era diventato Antonio Di Pietro, l’ex magistrato simbolo della stagione giudiziaria e politica di “Mani pulite”. Ah, Luciano, quanto di debbo culturalmente e umanamente. E quanto mi mancherai.

Addio Luciano Pellicani, il guru liberal di Craxi che ispirò la svolta del Psi. Corrado Ocone de Il Riformista il 14 Aprile 2020. Con Luciano Pellicani, morto a Roma sabato scorso all’età di 81 anni, abbiamo perso un grande studioso, autore di opere che resteranno nella letteratura scientifica, ma anche un uomo impegnato politicamente (con scarsa fortuna) e che era, con le sue idee, un monito alla sinistra italiana per quello che avrebbe poturo essere e che non è mai stata. Gli argomenti di studio di Pellicani, che era un sociologo con forti interessi storici e comparativistici, e che sapeva unire la competenza filologica alle grandi visioni d’insieme, ruotavano, tutto sommato, attorno a pochi perni. Prima di tutto, il problema de La genesi del capitalismo e le origini della modernità (1988), che secondo lui doveva essere affrontato chiedendosi perché solo in Occidente sia avvenuta negli ultimi secoli una trasformazione sociale, economica, culturale, così profonda e rapida. In disaccordo con le tesi di Karl Marx e di Max Weber, Pellicani riconduce il nostro sviluppo economico e tecnologico a un sistema politico-istituzionale ereditato dal Medioevo, policentrico e pluralistico. La mancanza di un potere politico centralizzato ha così permesso, come aveva intuito Adam Smith, una concorrenza di idee e beni, modelli culturali e politici, che, nel clima ideale della “società aperta”, hanno permesso, attraverso una sperimentazione sul campo, di trovare le risposte migliori alle domande e alle esigenze umane (Dalla società chiusa alla società aperta, 2002). I segreti e la difesa della “società aperta”, e dell’Occidente come luogo di elezione, diventano a questo punto gli oggetti di studio e di impegno politico di Pellicani. Che si concretizza in libri che sono contemporaneamente di ricerca analitica e rigorosa e di battaglia politica: Le Modernità e secolarizzazione (1997), Le sorgenti della vita (1997), Anatomia dell’anticapitalismo (2010), L’Occidente e suoi nemici (2015), Le sorgenti della vita. Pellicani era fondamentalmente un liberale, anche se si definiva, per l’attenzione che prestava alle garanzie e alle protezioni sociali, e sicuramente anche lo era, prima di tutto un socialista. Era naturale che egli dovesse incontrarsi con Bettino Craxi, della cui “svolta” politico-culturale fu forse il massimo ispiratore con il famoso articolo che nel 1978 comparve su L’Espresso e che è passato alla storia come quello in cui il leader socialista anteponeva alla figura di Marx quella del più accanito dei suoi avversari: il socialista libertario francese Pierre-Joseph Proudhon (recentemente quell’articolo, con gli interventi più significativi nel dibattito, è stato ripubblicato da Aragno con il titolo originale di “Il vangelo socialista”). Per Pellicani si trattava infatti di far capire come il socialismo doveva estendere le libertà liberali e non rinnegarle in nome di una chimerica libertà collettiva. In più esso doveva conciliarsi con il capitalismo, che andava sì corretto ex post ma che era pure da considerarsi come il sistema più efficace per produrre ricchezza inventato dall’umanità nella sua lunga storia. Da questo punto di vista, il bolscevismo non era stato l’applicazione cattiva di un’idea buona, quella marxista, ma la messa in pratica di un’idea che, con i suoi caratteri dirigisti e totalitari, era malata sin dall’origine (Lenin e Hitler. I due volti del totalitarismo (2009), Cattivi maestri della sinistra. Gramsci, Togliatti, Lukacs, Sartre (2017). In questa visione rigorosamente anticollettivistica di Pellicani, giocava un ruolo anche la scoperta degli autori del’individualismo metodologico che fu propria di tutti quei pensatori che si ritrovarono allora, negli Ottanta e Novanta del secolo scorso, in Luiss, a cominciare da Dario Antiseri. In quell’ideale cenacolo intellettuale, senza badare a logiche di potere, poteva allora succedere che si discutesse animatamente e polemicamente e poi ci si ritrovasse amici al ristorante. L’editore Rubbettino, che ha pubblicato la più parte dei libri di Pellicani, rappresentò la perfetta sintesi di questo clima intellettuale favorevole alla cultura. La fiducia nella scienza e nel metodo scientifico, il rifiuto del cristianesimo e un certo anticlericalismo di tipo ottocentesco (Dalla città sacra alla città secolare, 2011) l’illuminismo positivistico che sfociava addirittura in una certa adesione alla prospettiva transumanistica del suo allievo Riccardo Campa, erano altri elementi non irrilevanti della sua personalità scientifica. Non meraviglia che, da difensore dell’Occidente, egli abbia interpretato l’islamismo politico come una trasposizione in ambito islamico della mentalità gnostica che secondo lui era propria dei rivoluzionari occidentali (Jihad. Le radici, 2015). Ove per gnosticismo politico è da intendersi una visione del mondo manichea e faziosa che vuole dividere il “bene” dal “male” e “depurare” il mondo dai “cattivi” (La società dei giusti. Parabola dello gnosticismo rivoluzionario (1995). Nel suo ultimo libro, I difensori della libertà (2018), troviamo una sorta di pantheon dei suoi autori di rifermento: Benedetto Croce, Guglielmo Ferrero, José Ortega y Gasset, Simone Weil, Raymond Aron, Friedrich von Hayek, Norberto Bobbio, Giovanni Sartori. La morte lo coglie nel pieno di un progetto di una storia del progresso, che lui, con dati empirici, voleva dimostrare essere avvenuto nella storia dell’umanità. Del socialista Pellicani aveva forte la fede nel futuro e in una seppur laica idea di speranza.

Giampiero Mughini per Dagospia l'11 aprile 2020. Caro Dago, e a proposito di quel che è stato davvero e quanto sia stato dimenticato quell’italosocialismo “revisionista” degli anni Sessanta/Settanta che pure è all’origine della migliore cultura riformista del nostro Paese, mi arriva adesso la notizia tristissima della morte di Luciano Pellicani, un nome che probabilmente dice poco agli odierni frequentatori dei social et similia. Poco più che ottantenne, Luciano tutta la sua vita è stato essenzialmente un professore e uno studioso che affrontava di petto a sciabola sguainata lo stradominio della cultura comunista sulla sinistra possibile in Italia. Lo ha fatto con una energia indomita fin dai suoi primi libri, apparsi a cavallo fra gli anni Sessanta e i Settanta e che non erano sfuggiti all’attenzione di un giovane e ambizioso dirigente socialista di nome Bettino Craxi di cui Pellicani divenne amico e consigliori intellettuale. E’ farina del sacco di Pellicani la gran parte del famoso saggio a firma Craxi su Joseph Proudhon, un saggio di cui era importante il fatto che tracciasse una linea culturale e politica “altra” rispetto all’ammorbante marxismo/leninismo/stalinismo di cui erano andati fieri i partiti comunisti in tutto il mondo, e seppure il Partito comunista italiano meno di altri. A scrivere quello che scriveva Pellicani a quel tempo prendevi colpi in faccia dagli intellettuali comunisti per i quali il nome di Lenin era sacro. Da amico che gli ero, conoscevo la sua solitudine intellettuale e professionale, una solitudine che si era accentuata dopo la rottura del matrimonio con una sua ex allieva. E poi c’era che Luciano dopo la metà degli anni Ottanta continuava a dirigere il “Mondoperaio” che negli anni Settanta era stato la più bella rivista politica italiana, e mentre molti di noi s’erano allontanati dalla casa socialista pur senza immigrare altrove. Le nostre rispettive strade si erano allontanate, non che questo diminuisse di un ette la stima e il rispetto che gli portavo. Pellicani aveva dato molto alla storia del socialismo “revisionista” senza mai chiedere nulla. Rarissime le sue apparizioni in televisione, salvo qualche rara volta da Giovanni Floris di cui leggo su “Wikipedia” che era stato un suo allievo all’università della Luiss. I suoi libri quando venivano riediti lo erano da editori minori o semiclandestini. Un’amica che gli è stata vicino fino all’ultimo mi ha raccontato che avevano fatto una colletta per pagare le spese della casa di cura dove Luciano era ricoverato. Addio, amico leale e coraggiosissimo.

·        E' morto il fotografo Victor Skrebneski.

E' morto Victor Skrebneski, il fotografo del glamour che scoprì Cindy Crawford. Diana Ross in uno scatto di Victor Skrebneski del 1977. Si è spento a 90 anni il maestro che negli anni Ottanta aveva fatto brillare le stelle in bianco e nero, Benedetta Perilli l'11 Aprile 2020 su La Repubblica. E'morto a Chicago all'età di 90 anni, dopo una lunga malattia, il fotografo americano di origine polacca Victor Skrebneski. Nel suo obiettivo è stato immortalato quasi mezzo secolo di moda, glamour e costume e tra le sue muse va ricordata la bellissima Cindy Crawford. Fu lui tra i primi a fotografarla negli anni Ottanta contribuendo a creare il mito della super top. "Lavorare con Victor è stato una dei grandi privilegi della mia carriera da modella - ha commentato l'americana su Instagram - è stato il mio primo ricordo e mi ha insegnato tanto sull'arte del posare e della fotografia. Gli anni trascorsi sui suoi set sotto la splendida luce di un grande artista mi hanno preparato alla mia vita nella moda. La sua eleganza e raffinatezza hanno formato la mia definizione di vero gentiluomo". Ma non solo l'amata Cindy Crawford. Sono tantissime le modelle che hanno posato per Skrebneski, da Shaun Casey a Willow Vay, da Paulina Porizkova fino a Karen Graham che il fotografo lanciò nella campagna pubblicitaria, che è poi passata alla storia, per il marchio di cosmetica Estée Lauder con il quale ha collaborato dal 1970 al 1985. Oltre alla moda, ha frequentato gli ambienti del jet set internazionale ritraendo personaggi come Audrey Hepburn, Bette Davis, Orson Welles, Diana Ross, François Truffaut, Hubert de Givenchy e star più moderne come Oprah Winfrey. Spesso amava immortalare le sue stelle con indosso un maglione nero a collo alto. Per il cinema ha firmato numerosi cartelloni del Chicago International Film festival. In Italia venne celebrato nel 1991 con una mostra a Milano dal titolo "Skrebneski. I margini della luce".

·        È morto Enzo Carrella, cantautore romano.

Da corriere.it l'11 aprile 2020. È morto il 21 febbraio Enzo Carrella, cantautore romano. È stato il sito rock.it a dare la notizia, confermata dalla famiglia: era ricoverato da mesi in terapia intensiva, ed è venuto a mancare per un arresto cardiaco. Nato a Roma nel 1952, iniziò a farsi conoscere a vent’anni grazie al brano Fosse Vero, scritto con Pasquale Panella con cui mantenne un lungo connubio artistico da cui uscì nel 1977 un primo album, Vocazione, seguito nel 1979 da Barbara e altri Carella che conteneva il singolo Barbara che lo portò sul palco di Sanremo dove arrivò secondo.

«Quella di Sanremo è stata per me un’esperienza indimenticabile. Arrivai sul palco dell’Ariston che ero poco più che un’esordiente e conquistai nientemeno che il secondo posto assoluto. Ricordo che la cosa che mi impressionò di più fu il grande nervosismo che serpeggiava dietro le quinte tra i cantanti, sembrava che si stessero giocando la vita. Io, in virtù del mio carattere giocoso e della fortuna di aver raccolto un sacco di voti dalla giuria popolare, riuscii a tenermi fuori dall’andazzo generale, conservando una certa allegria e leggerezza. La mia “Barbara” ebbe un discreto successo, infatti, piace ancora oggi, anzi, piace più oggi che allora. Sono molto orgoglioso di questo”», raccontò lui in un’intervista. Il successo fu immediato ma altrettanto repentina l’uscita di scena. Come Carella stesso raccontò: «Dopo Sanremo si passa a in una dimensione del tutto nuova, perché inizi a vendere i dischi e, di conseguenza, senti sulle spalle la responsabilità di un’industria che investe su di te, che ha certe aspettative e che per questi motivi ti mette addosso una grossa pressione. Un clima per nulla adatto a me: ho sempre suonato in tutta tranquillità per il gusto di suonare, per passione e per amore della musica. Così capii di sentirmi a disagio in quella situazione e perciò ho cominciato a disamorami, distaccandomi subito dopo». Smise anche di ascoltare musica. «Degli artisti italiani non seguo né conosco nessuno, la musica di oggi è per me inascoltabile». Il che non ha impedito che fosse riscoperto dai giovani artisti di oggi. Come il siciliano Colapesce che di recente ha inserito la sua Malamore in un suo album digitale di cover. «A lanciarlo fu Vincenzo Micocci», ha ricordato Michele Mondella, storico promoter musicale e amico personale del musicista, un assoluto outsidernella scena musicale italiana. «Per la genialità dei suoni Enzo fu paragonato musicalmente a Battisti, grazie anche ai testi di Panella che già all’epoca erano erotici, esoterici, visionari. Gli piaceva sperimentare: inventò un modo di cantare assolutamente originale per quegli anni che colpì anche Arbore, che spesso proponeva i suoi brani ad “Alto gradimento”. Era tra i numeri uno della musica». Dopo un lungo periodo di silenzio, nel 2007, era tornato a pubblicare un suo lavoro, Ahoh ye’ nanà. Autore dei testi , sempre l’amico Panella.

Camillo Langone per il Foglio l'11 aprile 2020. Le donne con le gonne perpetuamente ricordino Enzo Carella (1952-2017), Battisti minore, Gainsbourg romano. L’erotismo fatto canzone. La differenza sessuale nella sua forma ludica e incorreggibile. Lo stesso paroliere del Battisti ultimo e sommo, Pasquale Panella, e dunque un continuo sospetto di fellatio. “Barbara” (“Ho freddo al collo / in bocca a te è più bello”) e “Fosse vero” (“Mentre ti muovi la voglia di / mandarmi giù”) col senno di poi sembrano allenamenti per “L’apparenza” e il suo ariostesco pompino (“Pieghi la schiena / cali il tuo sipario di capelli / sopra l’armamentario voluttuario”). Le donne nelle canzoni di Carella non portano i pantaloni, sono felici di ricevere indecenti inviti e non denuncerebbero mai qualcuno per molestie sessuali. Le donne con le gonne perpetuamente ricordino Enzo Carella: le altre ascoltino pure Paola Turci.

·        E’ morto Armando Francioli.

Marco Giusti per Dagospia l'11 aprile 2020. Vi ricordate “Ho un debole per l’uomo in Lebole”? Se ne va anche Armando Francioli, quasi 101 anni visto che era nato nel 1919, attore di bella presenza di cinema, tv e teatro, celebre soprattutto per la sua serie di caroselli per gli abiti Lebole che girò dal 1962 al 1972. Non a caso dà notizia della sua scomparsa un altro attore della stessa serie che lo affiancò negli anni ’60, Cip Barcellini. Nato a Roma  il 21 ottobre del 1919, laureato in Scienze Economiche e Commerciali, era entrato poco più che ventenne nel cinema con un piccolo ruolo in “Un colpo di pistola” di Renato Castellani nel 1942. Diventa presto uno dei giovani attori del cinema di allora, legandosi a registi di prestigio come Riccardo Freda, con cui gira “Don Cesare di Bazan” e “Aquila nera”, Raffaello Matarazzo, “La fumeria d’oppio”, Gennaro Righelli, “Il corriere del re”. Bello, ma un po’ di secondo piano, si deve accontentare di apparire alle spalle dei protagonisti del tempo, da Gino Cervi a Rossano Brazzi, che un po’ gli assomigliava, a Vittorio Gassman. Ha la sua prima grande occasione proprio con Matarazzo in “Paolo e Francesco”, 1950, dove è Paolo Malatesta perdutamente innamorato della Francesca di Odile Versois. Negli anni ’50 gira una serie impressionante di film, alternando ruoli maggiori, ad esempio ne “I piombi di Venezia” di Gian Paolo Callegari dove è Tintoretto o in “Traviata ’53” di Vittorio Cottafavi con Barbara Laage, al solito ruolo all’ombra dei campioni del tempo, che sono ancora Gino Cervi in “Moglie per una notte”, Rossano Brazzi, in “Il boia di Lilla” ma anche Amedeo Nazzari, in “Il tradimento” di Freda. Diventa però una presenza costante negli avventurosi, soprattutto nei cappa e spada di coproduzione con la Francia. Lo troviamo così in “Il cavliere di Maison Rouge” di Vittorio Cottafavi,  “Il prigioniero del re” di Giorgio Venturini con Pierre Cressoy,  “La regina Margot” di Jean Dreville con Jeanne Moreau, dove è il Duca La Mole. E’ sicuramente meno adatto al cinema neorealista, che bazzica pochissimo, “Roma ore 11”, ma anche nella commedia, “Cani e gatti”, “Se vincessi cento milioni”. In crisi con la fine del cappa e spada, è invece perfetto per gli sceneggiati della prima tv, da “Cime tempestose” a “Il romanzo di un maestro” a “I due sergenti”, mentre non trova più nel cinema dei ruoli adatti al suo tipo di recitazione e alla sua figura. Lo vediamo un po’ imbarazzato nel suo unico peplum, “La donna dei faraoni” di Viktor Tourjanski, per non parlare, più tardi, della sua partecipazione a “Il marchio di Kriminal” di Fernando Cerchio o all’erotichello “Le dolcezze del peccato” di Franz Antel, dove si fa chiamare Frank Oliveiras. Passa dal cinema al teatro, facendo anche commedie di peso con Laura Adani, che lo chiama personalmente dopo averlo visto in tv, Ernesto Calindri, Lucilla Morlacchi, Salvo Randone, Elsa Merlini ma anche con Cesco Baseggio alle prese con Goldoni. E, quando nasce Carosello, ne diventa presto una star grazie alla lunga serie dell’Uomo in Lebole, nata nel 1962 con le produzioni di Brunetto Del Vita e le sceneggiature prima di Luisa Montagnana, che si inventò la frase “Ho un debole per l’uomo in lebole”, e poi di Umberto Simonetta, che ci lavorò fino alla fine. Nella serie d’apertura della saga è una sorta di bello rincorso dalla donna. la prima fu Alida Chelli poi sostituita da Luisella Boni. Sono loro a dire appunto la celebre frase e a puntare l’uomo. Nel corso degli anni a dirigerlo nei caroselli ci furono anche registi celebri, come Valerio Zurlini nel 1964, Gianfranco Bettettini, il professore di Aldo Grasso, nel 1965, Mauro Ivaldi, fino a Ermanno Olmi, che lo diresse assieme a Cochi e Renato per la serie “Troglo Ditik Kabaret” nel 1968. Poi fu la volta di Moraldo Rossi che lo diresse sempre assieme a Cochi e Renato e alla bella Kitty Swan. Troppo connotato dalla popolarità di Carosello, negli anni ’70 fece ancora qualche film, soprattutto di coproduzione con la Francia, “Il clan degli uomini violenti” di Pierre Granier Deferre con Jean Gabin, “Sono un marito infedele” di Jean Aurel con Jean Yanne. E fece molta tv, fino a comparire sempre più raramente al cinema. Lo ricordiamo infatti in “Tutti dentro” di Alberto Sordi nel 1984, in “Ostinato destino” di Gianfranco Albano con Monica Bellucci nel 1992, in “Berlino 39” di Sergio Sollima nel 1993. Sempre elegante, simpatico, Armando Francioli, ha avuto una vita lunga e fortunata, due figli attori, e credo sia rimasto a lungo l’uomo italiano perfetto che vedevamo nei suoi caroselli.

·        E’ morto l’architetto Massimo Terzi.

Coronavirus, morto l’architetto Massimo Terzi. Marco Alborghetti l'11/04/2020 su Notizie.it. Il noto architetto Massimo terzi è venuto a mancare venerdì 10 aprile a causa di alcune complicanze dovute al coronavirus. Il noto architetto Massimo terzi è venuto a mancare venerdì 10 aprile a causa di alcune complicanze dovute al coronavirus. Aveva 80, ma da anni si batteva come difensore della qualità urbana di Cremona. L’epidemia coronavirus continua a mietere vittime illustri. Lo scorso venerdì 10 aprile è morto Massimo Terzi, noto architetto lombardo, venuto a mancare in seguito a complicanze dovute proprio al virus. L’architetto aveva 80 anni, ma da anni si batteva strenuamente come paladino della qualità urbanistica, vista carica importante che dal 2015 rivestiva come presidente della Commissione Paesaggio, organo consultivo del Comune di Cremona.

Difensore della tradizione. “Combattemmo insieme cento battaglie civili. Fu un tenace ricercatore del bello in architettura e del giusto in urbanistica“, lo ricorda così l’amico e collega Michele Crecchio, che da anni lo accompagnava in questa battaglia a difesa della tradizione urbana. In particolare, Massimo Terzi combatteva contro le trasformazioni urbanistiche che avevano portato alla proliferazione di grandi centri di vendita e distribuzione o e i supermercati che stavano mettendo a dura prova la solidità di certi edifici antichi. Una battaglia sempre condotta con le parole, perché amava il confronto, e non solo contro, soprattutto con l’amministrazione pubblica. Inoltre, negli ultimi mesi era intervenuto aveva ipotizzato la creazione di campi fotovoltaici nel parco adiacente a Cremona solidale, avanzando però remore non tanto sulla sostenibilità ecologica, ma sull’impatto paesaggistico che i pannelli avrebbero potuto avere.

·        Rip la costumista Brunetta Parmesan.

Fernando Proietti per Dagospia il 9 aprile 2020. Caro Dago, nel lento e buio scorrere delle ultime settimane ci hanno salutato, entrambe a 87 anni e in punta di piedi, due grandi “personaggi” del mondo del cinema italiano. “Personaggi” e non solo amici per dirla con una definizione sfuggita a suo tempo dalla penna dello sceneggiatore Furio Scarpelli: la costumista Brunetta Parmesan e l’avvocatessa Giovanna Cau. “Giovanna è la Dea Cali de’ Cinecittà, ha le mani in  pasta in tutto”, aveva osservato tagliente Ruggero Mastroianni, montatore dei migliori registi e fratello minore di Marcello. Una battuta, che fotografava al meglio il ruolo dell’agente artistico che ancora aveva tra i suoi clienti anche Fellini e Moravia. Mentre per Brunetta, veneziana purosangue, la sua vita spensierata, e al tempo stesso tormentata, può essere fissata nelle parole della Mirandolina goldoniaina: “Se avessi sposato quelli che hanno detto di volermi, oh, avrei pure avuto tanti mariti”. Già, per l’alter ego di Age, “la cosa curiosa è che tutti sono personaggi”. Sia nella vita sia al cinema. Del resto, osservava - come capiterà anche a noi nel ricordare Brunetta -, quando dobbiamo parlare di un nostro “caro scomparso”, cosa facciamo? di solito ci troviamo a riferire qualcosa di parodistico, i tic, gli sfottò (detestati da Pasolini); rievochiamo “certe sue battute, certi atteggiamenti che poi, messi insieme danno un’idea della psicologia del personaggio”. Tant’è che il passato del defunto, resta alla fine quasi sfuocato all’interno delle sue pur meritevoli vicissitudini professionali. E che “personaggio” è stata nella famiglia del cinema italiano la vecia Parmesan! In tempi ormai andati e nelle mie brevi frequentazioni, la domenica accadeva d’incontrarsi nel salotto dei D’Amico in via Paisiello. O, nelle estati, a Castiglioncello dove incrocerà lo sguardo cupo di Flaiano: “però era di una simpatia irresistibile. Si offrì di riaccompagnarmi a Roma e tra noi cambiò tutto… E per tenere la storia nascosta frequentavamo con Antonello Trombadori, che aveva una insana scuffia per la Mangano, la casa di Nori e Sergio Corbucci”. Sollecitata dal Suso, la Gran Signora della sceneggiatura, sulle scorrerie amorose (il cummenda Angelo Rizzoli, il regista Mario Monicelli, lo scrittore Ennio Flaiano…) Brunetta esordiva con “pecato confessà, l’è mezzo perdonà”. La sua storia con Monicelli, scappato da casa abbandonando la moglie Gabriella – siamo all’inizio degli anni Sessanta – quella la storia fece scandalo non sulla stampa rosa, ma nelle famiglie del cinema italiano appollaiate sulla collina dei Parioli. “Brunetta era l’amica del cuore di mia madre, Maria Teresa e di mio padre Steno, ed entrambe erano legatissime a Silvana Mangano e a Dino De Laurentiis, ma mia madre non tollerava i tradimenti, finì toglierle il saluto. I tradimenti la mandavano in bestia”, rammenta Enrico Vanzina. “Tutto si ricompose - aggiunge - quando Bruna, un peperino di una simpatia inarrivabile, fu abbandonata da Mario”. Del resto, nelle famiglie del cinema e degli amori segreti c’erano “le mogli” e “le altre”, mai definite amanti o concubine dalle Penelope di Cinecittà. Ma per Bruna-Mirandolina, paragonabile alla locandiera goldoniana - “raggiante di gioventù e bellezza e di una femminilità irresistibilmente lusingatrice, così la disegna il commediografo veneziano” -, spesso val depì an ora de allegrìa que zhento de malinconia. Così non si tirava indietro nel narrare che nei giorni della bufera amorosa con Monicelli si armò di cero e rosario per sfilare - si era in processione verso il santuario del Divino Amore - al fine di chiedere la “grazia” per riavere il suo Mario, che -spaventato -, la seguiva in macchina per convincerla a desistere da quel farsesco viaggio tra lo sconcerto e lo stupore delle altre pellegrine. Certe sere, e nelle feste natalizie con tombole abbinate ai regali da riciclare, si faceva caciara nell’attico liberty di Lina Wertmuller e dello scenografo Enrico Job. E se qualcuno gli chiedeva la differenza per un costumista nel vestire Sordi o Mastroianni, che avevano casa a Castiglioncello, Brunetta emulava il satiro Flaiano: “Per vestire Marcello basta rovistare nel suo armadio di casa con risparmio per la sartoria; Alberto, invece, si fa rifare il guardaroba dalla produzione ad ogni film”. Con Alberto c’è stato un lungo feeling umano e professionale. Per vent’anni e venti film è stata la sua costumista di riferimento: da “Scusi, lei è favorevole o contrario? (1966) a “Tutti dentro” (1984). Anche lui aveva la fissa per la Mangano. “Ma era un giochino. Sordi la riempiva di buffetti sotto gli occhi divertiti di Dino. Alberto la divertiva. Del resto per Silvana soltanto le persone simpatiche potevano entrare nelle sue grazie”, tagliava corto la Parmesan che della Mangano è stata confidente fino agli ultimi giorni di vita. Lei era timidissima, enigmatica e carismatica per uomini e donne. Anche un po’ “maghetta”: qualcuno l’aveva vista mangiare i vetri di un bicchiere di cristallo appena svuotato di vodka. La Parmesan sosteneva che per far breccia su Silvana dovevi soprattutto farla ridere: “Io ci sono riuscita perché sono una gran chiacchierona, mai pettegola. E dalle mie parti c’è il detto in una dòna val più la simpatìa che la belessa”. Tra i suoi momenti professionali meno felici c’era stato il set di “Giulietta degli spiriti” di cui curava i costumi con il maestro Piero Gherardi: “Uno stronzo cattivo, che mal sopportava gli altri collaboratori. Mi consolava Fellini che con Mastroianni amava certi mie detti fino a piangere dalle risa tipo: ”Dòna nana tutta tana. E facevano a gara per imitarmi”. Prima di lasciare Roma la incrociavo in via dei Coronari nel cuore antico della città. Lei, sempre sorridente, arrivava a braccetto della sua amica Mariangela Melato compagna di viaggi e di confidenze. Mariangela, che accompagnerà nella sua dolorosa malattia incurabile, è stata l’ultima delle Grandi Amiche di Brunetta. A giudizio dello scrittore Czeslaw Milosz le biografie delle persone assomigliano alle conchiglie: “Non dicono granché del mollusco che le abitava.”. Insomma, il loro valore “consiste solo e soltanto nel fatto che consentono di ricreare grosso modo, l’epoca in cui si è dipanata una certa vita”. E’ quella di Brunetta Parmesan è stata l’epoca degli anni d’oro del cinema italiano qui e nel mondo. Fernando Proietti

Da un’intervista di Fabrizio Corallo e Alessandro Ferrucci da Il Fattoqutidiano.it il 9 aprile 2020. Era abituata al trattamento principesco che le riservava Fellini. Non avete idea delle bizze. Un giorno la porto in centro a Roma, da Lancetti, uno dei migliori atelier dell'epoca, e subito inizia a lamentarsi: non le piaceva nulla, fino a quando esasperata le ho urlato quello che pensavo di lei. […] Il silenzio sul momento, lo stupore degli altri poi. Però quando alla fine l'ho vestita, sono scattati gli applausi dei presenti: oggettivamente era di una bellezza non comune. Un po' cupo e serioso, lo era. Non era quello che ti aspettavi, non era un battutista; detto questo, lui come attore era un genio assoluto, coglieva delle sfumature e consigliava agli altri delle sfumature che diventavano sostanza. Come? In Bello, onesto, emigrato Australia sposerebbe compaesana illibata è stato lui a volere i pantaloni con la vita molto alta, e proprio quei pantaloni che gli arrivavano al petto hanno caratterizzato in modo decisivo il personaggio. […] Lui e la sorella non erano abituati ai ricevimenti nonostante le cinque persone di servizio. Nella sua villa aveva una sala di proiezione nella quale amava riguardare anche i suoi film. E si divertiva. Rideva compiaciuto di se stesso, delle sue battute. […] Non era solitario, evitava inutili esibizioni. […] Una volta in America un gruppo di elettricisti e macchinisti iniziarono a lamentarsi […] Mi ricordo una pausa di lavoro, io e lui sul terrazzo dell' albergo, vediamo arrivare in piscina il capo dei macchinisti, il più vivace di tutti nelle proteste per i presunti disagi. Questo tipo si spoglia. Si tuffa. Nuota. Nel frattempo Alberto lo fissa in silenzio, io zitta con lui, sapevo cosa sarebbe avvenuto. […] Questa persona esce dall' acqua, fa schioccare le dita, arriva un cameriere con l'accappatoio. Si sdraia. Le dita schioccano di nuovo, e subito gli portano un cocktail. Improvvisamente Alberto, dopo averlo guardato a lungo, si alza in piedi, allunga un braccio e con il suo vocione gli spara un: "Stai male eh..? Ma li mortaaaa…” Era un grande scrittore e sceneggiatore, lo conoscevo di fama, frequentava Via Veneto con il gruppo del Mondo, lo avevo incontrato spesso. Però il colpo di fulmine scatta diversi anni dopo, nella villa di Suso a Castiglioncello dove eravamo entrambi ospiti: era di una simpatia rara, un' intelligenza difficile da riscontrare altrove. Finita la serata mi offre un passaggio a Roma e tra noi cambia tutto. Comunque lui era una battuta continua, un uomo che sapeva stare con gli altri, capace di ascoltare con rispetto e pazienza chiunque; un uomo in grado di sorridere nonostante il profondo dolore dovuto a una grave malattia che colpì sua figlia alla nascita. […] tutti lo veneravano. Viene ricordato soprattutto per le sue frasi fulminanti e il suo umorismo, in realtà era un intellettuale raffinatissimo. È stato fondamentale per la mia crescita e il bello era che non ostentava mai la sua infinita cultura. Litigarono a causa di un viaggio, in occasione della candidatura all' Oscar di 8 e 1/2: prendono l' aereo per Los Angeles e per sbaglio l' organizzatore piazza Fellini in prima classe col produttore Angelo Rizzoli, mentre Ennio finisce in economy. Federico non dice nulla, resta comodo e coccolato nella sua poltrona. Appena atterrati Flaiano neanche esce dall' aeroporto: va in biglietteria e torna immediatamente a Roma. Amicizia finita. "In viaggio con papà", invece Lì mi sono divertita da pazzi. Carlo Verdone era bravissimo a tenere a bada Alberto. […] Sordi aveva una personalità preponderante, si prendeva spazi non suoi, mentre Carlo era unico nell'arginarlo con garbo, nel circoscrivere e caratterizzare il suo personaggio. Si volevano bene. Una meraviglia di persona. Abbiamo viaggiato tanto e spesso e ci siamo divertite da matte. Ci siamo conosciute nel 1976, entrambe coinvolte in una delegazione del cinema italiano invitata in Egitto al Festival de Il Cairo. Oltre a noi due c' erano Giovanna Ralli, mia amica, e Renzo Arbore. Persona stupenda, così come lo era sua moglie Maria Teresa. Spiritoso come pochi. Lui e Monicelli all' inizio della carriera hanno scritto e diretto diversi film firmandoli in coppia e Mario lo considerava più bravo di lui, lo diceva sempre. […] Steno era molto rigoroso e attento nella stesura della sceneggiatura, e questo è indiscutibile.

·        E’ morto Donato Sabia, fu due volte finalista olimpico.

Coronavirus, a Potenza muore Donato Sabia, fu due volte finalista olimpico. Mezzofondista, vinse l'oro agli Europei di Goteborg. Nei giorni scorsi era venuto a mancare anche il padre.  La Gazzetta del Mezzogiorno l' 8 Aprile 2020. E’ morto stamani a Potenza, a causa del coronavirus, il mezzofondista Donato Sabia, di 56 anni, che è stato due volte finalista olimpico degli 800 metri piani, a Los Angeles 1984 e a Seul 1988, finendo quinto e settimo. Sabia, che vinse l’oro ai Europei indoor di Goteborg, negli 800, nel 1984, era presidente del comitato regionale della Basilicata della Fidal. Nei giorni scorsi, nell’ospedale di Potenza, era morto anche il padre. Sabia era ricoverato in terapia intensiva nell’ospedale «San Carlo» di Potenza da alcuni giorni, quasi contestualmente alla morte del padre, avvenuta anche in questo caso per coronavirus. Sabia era nato a Potenza l’11 settembre 1963. Deteneva la terza prestazione italiana di tutti i tempi negli 800 metri - con 1'43"88 - dietro a Marcello Fiasconaro e Andrea Longo. Aveva fatto, inoltre, l’undicesima prestazione italiana assoluta sui 400 metri, con 45"73. E’ stato primatista mondiale sui 500 metri (con il tempo di 1'00"08), rimasto imbattuto per circa 29 anni. Lo aveva stabilito a Busto Arsizio il 26 maggio 1984. Oltre alla partecipazione alle finali olimpiche di Los Angeles e Seul e alla vittoria negli Europei indoor di Goteborg, Donato Sabia fu quinto nella finale della staffetta 4x400 al Campionati mondiali di atletica leggera che si svolsero a Helsinki nel 1983.

LE PAROLE DI BARDI - «Con Donato Sabia la Basilicata e l’Italia perde uno dei più grandi protagonisti dell’atletica leggera. Con le sue denunce alla pratica del doping, Sabia rappresenta un fulgido esempio di passione sportiva senza compromessi”. Con queste parole il presidente della Regione Basilicata, Vito Bardi, commenta la scomparsa dell’atleta potentino. “Stiamo combattendo – aggiunge Bardi – contro un male oscuro che non guarda in faccia a nessuno. In questo momento molto triste per la Basilicata tutta, formulo anche a nome della Giunta regionale le condoglianze alla famiglia e rivolgo un sentito e partecipato ringraziamento ai medici e al personale tutto della terapia intensiva dell’ospedale San Carlo di Potenza. Dietro ogni professionalità ci sono persone dal cuore grande che si stanno prendendo cura dei nostri malati, con il massimo della dedizione e della partecipazione umana”.

IL CORDOGLIO DELL'USSI - L’Ussi Basilicata «piange la perdita di Donato Sabia, campione olimpico vero, dotato di grande umiltà». Nel comunicato diffuso dal presidente del gruppo lucano "Augusto Viggiani» dell’Unione stampa sportiva italiana, Antonio Massaro, è sottolineato che Sabia «nel cuore aveva Potenza e la Basilicata. La sua passione per lo sport era autentica. Forte il suo impegno per le giovani generazioni anche da presidente regionale della Fidal. Ha partecipato anche a varie iniziative dell’Unione stampa sportiva italiana volta a promuovere le attività agonistiche. Nel mondo sportivo - ha concluso Massaro - lascia un grande vuoto».

LE PAROLE DELLA FIDAL - «Una notizia drammatica scuote l'Atletica Italiana in un periodo già difficile per il Paese». Queste le parole della Fidal sul suo sito dopo che si è diffusa la notizia della scomparsa di Donato Sabia, 56enne ex campione di atletica leggera, due volte finalista olimpico alle Olimpiadi, negli 800 metri, e ora sconfitto dal coronavirus. La Fidal ricorda Sabia «atleta di talento straordinario, ma soprattutto persona d’animo gentile», e nota che l’ex atleta «è scomparso a distanza di pochi giorni dal padre, vite recise entrambe dal male che sta flagellando il mondo intero». Il presidente della FIDAL Alfio Giomi, il presidente onorario Gianni Gola, il Consiglio federale, a nome di tutta l’Atletica Italiana, esprimono profondo cordoglio e si stringono idealmente ai familiari in un abbraccio. «Una tragedia nella tragedia - le parole del presidente Giomi - Donato era una persona a cui non potevi non voler bene».

IL CONI BASILICATA - «Un fratello di sport ci ha lasciato». Così il presidente del Comitato regionale della Basilicata, Leopoldo Desiderio, ha commentato la morte a 56 anni del mezzofondista Donato Sabia (due volte finalista olimpico a Los Angeles '84 e Seul '88), scomparso oggi a Potenza, a causa del coronavirus. «La polvere rossa delle piste - ha aggiunto Desiderio ricordando l’atleta - ha accompagnato la tua vita, la tua crescita, il tuo diventare campione nonchè orgoglio della nostra terra». 

IL PRESIDENTE MALAGO' (CONI) - «Siamo in lutto per la scomparsa di un grande campione, che ha scritto pagine importanti dell’atletica azzurra». Il presidente del Coni, Giovanni Malagò, a nome personale, del Comitato Olimpico Nazionale Italiano, facendosi interprete del cordoglio dell’intero movimento sportivo, si è unito al dolore della famiglia Sabia per la perdita di Donato. «Negli ultimi giorni ero purtroppo venuto a conoscenza delle sue condizioni di salute:- le parole del n.1 del Coni - aveva perso da poco il papà e si è dovuto arrendere anche lui, giovanissimo, alla violenza del virus. È stato un fenomeno, non solo per le due finali olimpiche negli 800 metri che rendono il senso delle sue memorabili imprese, ma anche per i tanti successi conquistati, tra cui il titolo europeo indoor a Göteborg nel 1984, anno in cui ottenne anche il primato mondiale dei 500 metri». Malagò ha ricordato che «l'anno scorso l’avevamo invitato ai lavori della Giunta Nazionale del CONI a Matera, un doveroso riconoscimento per la sua straordinaria carriera che ha dato lustro allo sport italiano».

Atletica in lutto: il coronavirus stronca Donato Sabia, due volte finalista alle Olimpiadi. L'ex mezzofondista azzurro, attuale presidente del comitato regionale Fidal della Basilicata, è morto a 56 anni a Potenza dove da alcuni giorni era in terapia intensiva dopo la scomparsa del padre. Fu anche medaglia d'oro agli Europei indoor di Goteborg nel 1984 e per quasi trent'anni detentore del record mondiale sui 500 metri. La Repubblica l'8 aprile 2020. Continua a mietere vittime il coronavirus, anche nel mondo dello sport. E' morto stamani all'ospedale "San Carlo" di Potenza, a causa del Covid-19, l'ex mezzofondista azzurro Donato Sabia, 56 anni, due volte finalista olimpico negli 800 metri piani, a Los Angeles 1984 e a Seul 1988, finendo rispettivamente quinto e settimo. L'ex atleta, che nel 1984 vinse la medaglia d'oro agli Europei indoor di Goteborg negli 800, era presidente del comitato regionale Fidal della Basilicata. Giovedì scorso, sempre all'ospedale di Potenza, era morto anche il padre, anche in quel caso a causa del coronavirus.

Oro negli 800 agli Europei indoor di Goteborg 1984. Sabia, nato a Potenza l'11 settembre 1963, era ricoverato in terapia intensiva al "San Carlo" da alcuni giorni, quasi contestualmente alla scomparsa del padre. Deteneva la terza prestazione italiana di tutti i tempi negli 800 metri - con 1'43″88 - dietro a Marcello Fiasconaro e Andrea Longo. Aveva fatto segnare, inoltre, l'undicesima prestazione italiana assoluta sui 400 metri, con 45″73. E' stato primatista mondiale sui 500 metri con il tempo di 1'00″08, stabilito a Busto Arsizio il 26 maggio 1984 e rimasto imbattuto per circa 29 anni. Oltre alla partecipazione alle finali olimpiche di Los Angeles e Seul e alla vittoria negli Europei indoor di Goteborg, l'atleta lucano fu quinto nella finale della staffetta 4×400 al Campionati mondiali di atletica leggera che si svolsero a Helsinki nel 1983.

La Fidal: "Talento straordinario, animo gentile". "Atleta di talento straordinario, ma soprattutto persona d'animo gentile", così la Fidal - la federatletica italiana - ricorda Sabia "scomparso a distanza di pochi giorni dal padre, vite recise entrambe dal male che sta flagellando il mondo intero". Il presidente della FIDAL Alfio Giomi, il presidente onorario Gianni Gola, il Consiglio federale, a nome di tutta l'Atletica Italiana, esprimono profondo cordoglio e si stringono idealmente ai familiari in un abbraccio. "Una tragedia nella tragedia - le parole del presidente Giomi - Donato era una persona a cui non potevi non voler bene".

Da sport.sky.it l'8 aprile 2020. E' morto stamani a Potenza, a causa del coronavirus, il mezzofondista Donato Sabia, 56 anni, due volte finalista olimpico sugli 800 metri piani, a Los Angeles 1984 e a Seul 1988, finendo quinto e settimo. Sabia, che vinse l'oro agli Europei indoor di Goteborg 1984 sugli 800, era presidente del comitato regionale della Basilicata della Fidal. L'ex azzurro era ricoverato in terapia intensiva nell'ospedale "San Carlo" di Potenza da alcuni giorni, quasi contestualmente alla morte del padre, avvenuta anche in questo caso per coronavirus.

Chi era Donato Sabia. Sabia era nato a Potenza l'11 settembre 1963. Deteneva la terza prestazione italiana di tutti i tempi negli 800 metri con 1'43"88, dietro a Marcello Fiasconaro e Andrea Longo. Aveva fatto, inoltre, l'undicesima prestazione italiana assoluta sui 400  metri, con 45"73. E' stato primatista mondiale sui 500 metri (con il tempo di 1'00"08), rimasto imbattuto per circa 29 anni: lo aveva stabilito a Busto Arsizio il 26 maggio 1984. Oltre alla partecipazione alle finali olimpiche di Los Angeles e Seul e alla vittoria negli Europei indoor di Goteborg, Donato Sabia fu quinto nella finale della staffetta 4x400 al Campionati mondiali di atletica leggera che si svolsero a Helsinki nel 1983. Da tempo ricopriva il ruolo di presidente della Fidal Basilicata. "Una notizia drammatica scuote l'Atletica Italiana in un periodo già difficile per il Paese". Queste le parole della FIDAL sul suo sito dopo che si é diffusa la notizia della scomparsa di Donato Sabia, 56enne ex campione di atletica leggera, due volte finalista olimpico ale Olimpiadi, negli 800 metri, e ora sconfitto dal coronavirus. La Fidal ricorda Sabia "atleta di talento straordinario, ma soprattutto persona d'animo gentile", e nota che l'ex atleta  "é scomparso a distanza di pochi giorni dal padre, vite recise entrambe dal male che sta flagellando il mondo intero". Il presidente della FIDAL Alfio Giomi, il presidente onorario Gianni Gola, il Consiglio federale, a nome di tutta l'Atletica Italiana, esprimono profondo cordoglio e si stringono idealmente ai familiari in un abbraccio. "Una tragedia nella tragedia - le parole del presidente Giomi - Donato era una persona a cui non potevi non voler bene".

·        E’ morta Linda Tripp, la talpa dello scandalo Lewinsky.

Da La Stampa il 9 aprile 2020. La “talpa” dell'affaire fra Bill Clinton e Monica Lewinsky è morta. Linda Tripp aveva 70 anni ed era gravemente malata, anche se la sua scomparsa non è riconducibile al coronavirus. Una malattia grave rivelata dalla figlia di Tripp nelle ultime ore e che ha spinto anche Lewinsky a commentare: «Non importa il passato, spero che si riprenda. Non posso neanche immaginare quanto sia difficile per la sua famiglia».

Il caso del vestito. Tripp è salita alle cronache per aver registrato segretamente le sue conversazioni con l'allora stagista Lewinsky e aver poi consegnato le audiocassette a Kennenth Starr, il procuratore indipendente la cui indagine portò poi all'impeachment di Clinton. Tripp consegnò le audiocassette in cambio dell'immunità per registrazioni illegali. A Starr consegnò anche la prova schiacciante del vestito blu che Lewinsky aveva indossato durante il suo rapporto con Clinton. Proprio su suggerimento di Tripp, Lewinsky aveva tenuto il vestito senza lavarlo o portarlo in tintoria.

Le registrazioni illegali. Le conversazioni registrate da Tripp portarono alla messa in stato di accusa di Clinton, che inizialmente negò di aver avuto una relazione extramatrimoniale e poi venne accusato di falsa testimonianza sotto giuramento. Clinton venne messo in stato di accusa dalla camera nel dicembre 1998 e assolto dal Senato nel 1999. Tripp ammise più volte di aver registrato illegalmente e disse di aver agito per «dovere patriottico».

Usa: morta Linda Tripp, la talpa dello scandalo Lewinsky. Aveva 70 anni. La Repubblica il 09 aprile 2020. E' morta all'età di 70 per un tumore al pancreas Linda Tripp, la "talpa" dell'impeachment di Bill Clinton. Registrò le sue conversazioni con l'ex stagista della Casa Bianca Monica Lewinsky e poi le consegnò al procuratore indipendente Kenneth Starr, portando alla messa in stato di accusa di Clinton nel 1998. Clinton, poi assolto dal Senato, fu accusato di spergiuro per aver mentito alla nazione sulla sua relazione con Lewinsky. La morte di Linda Tripp è stata confermata al Washington Post da suo figlio, Ryan Tripp, che ha affermato che il decesso non è conseguenza del coronavirus.La Tripp era una segretaria nell'ufficio del consigliere della Casa Bianca nei primi anni della presidenza di Clinton prima di essere trasferita all'ufficio affari pubblici del Pentagono e fare amicizia con Monica Lewinsky, di 24 anni più giovane. A lei la stagista della Casa Bianca rivelò la sua precedente relazione sessuale con Clinton. La donna aveva così iniziato a registrare le loro conversazioni telefoniche private con cui successivamente Monica documentò la sua relazione con il presidente degli Stati Uniti. Tripp alla fine consegnò ore di quei nastri al consigliere indipendente Kenneth Starr, che stava indagando su possibili illeciti di Clinton, da ex governatore dell'Arkansas, derivanti dalla fallita impresa immobiliare di Whitewater negli Ozarks. Sulla base dei nastri, Starr ottenne il permesso di espandere la sua inchiesta nell'affare Clinton-Lewinsky. La donna ha anche portato alla luce una delle prove più famose dello scandalo, l'abito blu macchiato di sperma che Monica Lewinsky aveva detto di aver indossato durante un incontro sessuale alla Casa Bianca con Clinton. Tripp ha raccontato che una volta Lewinsky le aveva mostrato l'abito e che Tripp aveva convinto l'ex stagista a tenere il capo senza averlo lavato a secco. L'ufficio di Starr aveva sequestrato l'abito e l'analisi del DNA aveva costretto Clinton a ritrattare la sua famigerata negazione pubblica della sua relazione con Lewinsky: "Non avevo rapporti sessuali con quella donna". Clinton fu assolto al Senato e alla fine la supertestimone fu accusata dai sostenitori di Clinton per aver messo in piedi le accuse per motivi politici. Lei, però, ha sempre sostenuto di aver fatto la cosa giusta nel denunciare la cattiva condotta del presidente. Venne licenziata dal Pentagono nell'ultima giornata di Clinton in carica nel gennaio 2001, e successivamente si stabilì con suo marito a Middleburg, in Virginia,Venne  fuori Washington. 

·        Allen Garfield rip.

Marco Giusti per Dagospia l'8 aprile 2020. Ecco. Se ne va un altro grande attore, Allen Garfield, 80 anni, a causa del Coronavirus, amato da Francis Coppola, Wim Wenders, Robert Altman, Brian De Palma, Billy Wilder. Basterebbe vederlo in “La conversazione”, “Nashville”, “Prima pagina”, ma anche in “Taking off”, “Cotton Club”, nell’incredibile scena finale di “Lo stato delle cose” di Wim Wenders dove interpreta un produttore americano come poteva essere allora lo stesso Coppola. Un grande talento della New Hollywood, anche se una serie di infarti lo aveva ormai allontanato da ogni set da almeno vent’anni. Grosso, tarchiato, aggressivo, forte della sua esperienza di pugile professionista e di giornalista, ma anche dei suoi studi all’Actor’s con Lee Strasberg e Elia Kazan, Garfield riusciva a trasmettere a ognuno dei suoi personaggi una forza non indifferente che ce lo fece amare da subito. Non avendo un fisico da protagonista, era spesso relegato a ruoli da caratterista, così lo troviamo accanto a Robert Redford in “Il candidato” di Michael Ritchie, a James Caan in “L’inseguito” di Howard Zieff, a Gene Hackman e “La conversazione” di Coppola, ma bazzicando da sempre il teatro e il cinema indipendente lontano da Hollywood riuscì a imporsi come protagonista in piccoli film intelligenti e ultrasperimentali come “Putney Swope” di Robert Downey Sr, o “Cry Uncle” di John Avildsen, da noi tradotto come “Il pornocchio”, o “Sonny Boy” di Rob Reiner. Nato a Newark nel New Jersey nel 1939 come Allen Goorwitz, nome che curiosamente riprese a metà della sua carriera per poi alternarlo a quello più noto, dopo esperienze di ogni tipo e una solida preparazione teatrale all’Actor’s, esordì nel cinema alla fine degli anni’60. Tutti film sperimentali, per Robert Canton, “Orgy’s Girl”, “The Good, The Bad and The Beautiful”, per Brian De Palma, “Ciao America” , per Robert Downey Sr, “Putney Swope”, prima di avere ruoli in film più popolari, come “Il gufo e la gattina” di Howard Ross, “Taking Off” di Milos Forman e “Bananas” di Woody Allen, dove portò il suo tipo di recitazione non certo da grande studio. John G. Avildsen, lo stesso regista che porterà al successo Sylvester Stallone con “Rocky”, lo vuole protagonista del curioso, beffardo e molto politico “Cry Uncle”, mentre Stuart Hagmann lo vuole a fianco di Michael Sarrazin e Jacqueline Bisset in “Jackie”, 1971. Seguita a alternare piccoli ruoli da caratterista in grossi film, pensiamo a “Il candidato” di Michael Ritchie con Robert Redford o “Mani sporche sulla città” di Peter Hyams con Elliot Gould e Robert Blake, a stravaganze, come “Impara a conoscere il tuo coniglio” di Brian De Palma con Tom Smothers e Orson Welles. Incontra Francis Coppola in un film chiave degli anni ’70, “La conversazione” con Gene Hackman, Palma d’Oro a Cannes nel 1974 e fa un vero salto di qualità. Lo chiama Billy Wilder per il ruolo del giornalista Kruger in “Prima pagina” con Jack Lemmon e Walter Matthau, lo vuole Robert Altman come marito e manager padrone di Renée Blakley in “Nashville”. Ha ottimi ruoli in “Pollice da scasso” di William Friedkin con peter Falk e Peter Boyle, in “Codice 3: emergenza assoluta” di Peter Yates con Bill Cosby e Raquel Welch e in “Professione pericolo” di Richard Rush con Peter O’Toole. Coppola lo vuole di nuovo in “Un sogno lungo un giorno” e lo porta a Wim Wenders per “Lo stato delle cose” dove è il misterioso produttore americano Gordon, dove ha un monologo incredibile chiuso nella sua limousine. E’ ottimo anche in “Cotton Club”, il film che Coppola realizzò per riprendersi dal flop economico di “Un sogno lungo un giorno”, in “Beverly Hills Cops II”, in “Dick Tracy” di Warren Beatty, fino a ritrovarsi negli anni ’90 in “Fino alla fine del mondo” di Wim Wenders e “Diabolique” con Sharon Stone. Trasferitosi da tempo a Los Angeles, insegnò recitazione a un giovane Quentin Tarantino, fece qualche horror e subì il primo pesante infarto durante la lavorazione di “La nona porta” di Roman Polanski. Ne ebbe un altro nel 2004. E con questo si chiuse non solo la sua prestigiosa carriera. 

·        Morta l'astrofisica Margaret Burbidge.

Morta l'astrofisica Margaret Burbidge, la "signora della polvere di stelle". Margaret Burbidge: "Lady Stardust" aveva 100 anni, ha rivoluzionato l'astronomia con le sue intuizioni sulla natura stellare. La Repubblica il 07 aprile 2020. L'astrofisica angloamericana Margaret Burbidge, autrice di scoperte fondamentali sulla natura delle stelle e delle galassie, che ha contribuito a diffondere l'idea che gli esseri umani sono composti di polvere di stelle e che ha aiutato le scienziate in battaglie civili pionieristiche, è morta nella sua casa di San Francisco, in California, all'età di 100 ani. L'annuncio della scomparsa, avvenuta domenica scorsa, è stato dato dall'Università della California di San Diego, di cui era professoressa emerita di astronomia e fisica. "E' deceduta in pace, con la sua famiglia al suo capezzale, per le complicazioni occorse dopo una caduta accidentale in casa", ha fatto sapere l'ateneo californiano, che la ricorda come "Lady Stardust" (signora della polvere di stelle), perché ha rivoluzionato "la scienza con le sue intuizioni sulla natura e sul comportamento delle stelle". Nata Eleanor Margaret Peachey il 12 agosto 1919, a Davenport, in Inghilterra, alla fine degli anni '40 si sposò con il rinomato fisico britannico Geoffrey Burbidge e nel 1955 si era trasferita negli Usa. Nel 1957 i coniugi Burbidge, l'astronomo inglese Fred Hoyle e il fisico statunitense William Fowler pubblicarono un celebre articolo sulla nucleosintesi stellare, "Synthesis of the Elements in Stars" (Sintesi degli elementi in una stella), che divenne famoso con una sigla composta dalle iniziali dei suoi autori, quasi fosse una formula chimica, B2FH. Fred Hoyle e il marito di Margaret, Geoffrey Burbidge, sono noti per la loro teoria cosmologica non convenzionale che contraddice apertamente la teoria del Big Bang, mentre William Fowler condivise il Premio Nobel per la fisica nel 1983 per i suoi studi teorici e sperimentali sulla nucleosintesi. Margaret Burbidge è stata la prima donna ad essere nominata direttore dell'Osservatorio di Greenwich (1950-51) e ha dato contributi notevoli alla teoria dei quasar (oggetti quasi-stellari), alle misure della rotazione e delle masse di galassie e alla comprensione di come gli elementi chimici si formano nelle profondità delle stelle attraverso la fusione nucleare. Burbidge ha anche sostenuto la lotta per le pari opportunità per le donne nella scienza. Nel 1955 suo marito ottenne una borsa di studio Carnegie per ricerche astronomiche presso l'Osservatorio di Monte Palomar, negli Usa, chiese di poter lavorare con lui ma le fu negato il ruolo perché l'ambiente era "provvisto di bagni per soli uomini". Scelse così di accettare un contratto di ricerca minore al California Institute of Technology di Pasadena, nella convinzione di poter comunque dimostrare il suo talento. In breve si rivelò così brava che nel 1957 divenne professore associato presso lo Yerkes Observatory del Wisconsin. Nel 1962 fu nominata professoressa di astronomia all'Università della California a San Diego. A lei è stato dedicato l'asteroide 5490 Burbidge per i fondamentali studi condotti sulle stelle e sulle galassie accoppiando la spettrofotometria con i dati ottenuti dall'osservazione con telescopi. Quando era una bambina suo nonno le regalò libri divulgativi sull'astronomia: "Vidi nascere la mia passione per le stelle - ha scritto nella sua autobiografia pubblicata nel 1994 - unita all'altro mio diletto, i grandi numeri". La sua vita è stata piena di scoperte scientifiche e battaglie civili e non è sempre stato facile essere una scienziata donna, ma lei non ha mai ceduto: "Se incontri un ostacolo, trova un modo per aggirarlo", ha scritto nell'autobiografia. 

·        Morta Susanna Vianello, figlia di Edoardo e Wilma Goich.

Morta Susanna Vianello, figlia di Edoardo e Wilma Goich. Aveva 49 anni, era una speaker radiofonica. Il messaggio di Fiorello: "Abbiamo riso tantissimo. Non ti dimenticherò mai". Il cugino Andrea: "Un tornado di talento e di simpatia". La Repubblica il 07 aprile 2020. È morta nella notte in una clinica romana, dopo una lunga malattia, Susanna Vianello, speaker radiofonica e figlia di Edoardo Vianello e Wilma Goich. Susanna, che avrebbe compiuto 50 anni il prossimo 20 luglio, lavorava da anni in radio. Negli ultimi anni la sua voce era legata a Radio Italia anni 60 Roma ed era tra i protagonisti di Edicola Fiore accanto a Fiorello. La simpatia e l'ironia di Susanna l'avevano resa una star anche su Twitter. I suoi amici e fan la piangono increduli, tributandole un affollato e affettuosissimo funerale virtuale, nell'impossibilità di celebrare il rito canonico a causa delle direttive dei decreti legati al coronavirus. Tra i primi a dedicarle parole di cordoglio è proprio il suo caro amico Fiorello, che ha pubblicato su Twitter quattro foto che li ritraevano insieme, scrivendo: "La mia amica Susanna è volata via. Abbiamo riso tantissimo. Non ti dimenticherò mai". Tra i protagonisti di Edicola Fiore, la mattina all'alba al fianco di Fiorello, Susanna aveva una risata contagiosa e una fraterna complicità con lo showman. La mia cugina bella e forte, un tornado di talento e di simpatia, @susyvianello non c'è più. In un mese appena, un tumore cattivo e impietoso l'ha portata via. Avrebbe fatto tra poco appena 50 anni e lascia un figlio di 23. Aveva molto amici, anche qui. Ci mancherà molto.  Anche il cugino Andrea Vianello, giornalista, ex direttore di Rai 3, le dedica un pensiero: "La mia cugina bella e forte, un tornado di talento e di simpatia, non c'è più. In un mese appena, un tumore cattivo e impietoso l'ha portata via. Avrebbe fatto tra poco appena 50 anni e lascia un figlio di 23. Aveva molto amici, anche qui" conclude, "ci mancherà molto".

Da corriere.it  il 7 aprile 2020. «Abbiamo riso tantissimo. Non ti dimenticherò mai». Con queste parole Fiorello ha ricordato, in un tweet, l’amica Susanna Vianello, voce radiofonica di Radio Italia Anni 60 e amante appassionata, come raccontava lei stessa, «di tutti i generi musicali». Figlia del cantante Edoardo Vianello e dell’altrettanto nota Wilma Goich, collega sposata nel 1967, Susanna Vianello è ricordata su Twitter anche dal cugino Andrea Vianello: «La mia cugina bella e forte, un tornado di talento e di simpatia, non c’è più. In un mese appena, un tumore cattivo e impietoso l’ha portata via. Avrebbe fatto tra poco appena 50 anni e lascia un figlio di 23. Aveva molto amici, ci mancherà molto». A chi le domandava cosa fosse per lei la felicità, Susanna rispondeva senza esitazioni: «Mio figlio, la musica, l‘amore e il mare. Queste sono le cose che mi fanno felice».

Il ricordo di Jane Alexander: Da quando ho saputo che non ci sei più i colori sono più accesi. Il rosso più rosso e il verde cosi verde che sembra che io non sapessi il significato della parola verde prima di ora. Fisso il vuoto. Non me ne capacito, non mi vengono parole. Ringrazio il cielo di averti detto che ti volevo bene, di aver sentito la tua voce, di aver capito che nulla era importante. Tutto perde significato, ora. Tranne i colori. E la voglia di stringerti, guardarti negli occhi e ridere. Nessuna parola e nessuna lacrima potranno colmare questo vuoto. Ti voglio bene. @susyvianello ?

Il ricordo di Marina La Rosa: Ironica intelligente insicura sarcastica fragile sensuale cinica golosa ansiosa tenera ma anche forte e, soprattutto ‘bionda’ così come ti chiamavo. Ci siamo fatte così tante risate, ci siamo prese in giro, abbiamo riso e abbiamo pianto. Susanna stanotte è morta ma son sicura che starà ridendo anche da lì. Fai buon viaggio bionda.

·        Coronavirus: è morta Cinzia Ferraroni, storica attivista del M5s. 

Coronavirus: è morta Cinzia Ferraroni, storica attivista del M5s. Laura Pellegrini il 07/04/2020 su Notizie.it. La storica attivista del Movimento 5 stelle, Cinzia Ferraroni è morta a causa del coronavirus: la 60enne era candidata a sindaco. Il marito di Cinzia Ferraroni ha dedicato alla storica attivista del M5s un doloroso messaggio: la 60enne è morta a causa di complicazioni legate al coronavirus. “Questo subdolo virus – ha scritto il marito – è riuscito dove non erano riusciti i tumori. A sconfiggerti nel fisico, però non nello spirito“. La donna era molto conosciuta nella città di Parma non solo perché era candidata a sindaco, ma anche per il suo ruolo di agente di commercio e militante politica. Cinzia era stata anche la voce di Radio Studio Europa e di Onda Emilia. Cinzia Ferraroni è scomparsa all’età di 60 anni per coronavirus: lascia il marito Francesco e due figlie. La sua prematura morte ha gettato la città di Parma nel dolore: l’attivista, infatti, era molto conosciuta. Oltre che speaker alla radio, Cinzia si era battuta in diverse battaglie amministrative locali prima con il Partito Democratico, poi con i Verdi e infine con M5s. Era anche candidata a sindaco della città di Parma. I parlamentari M5s dell’Emilia Romagna hanno espresso il loro cordoglio e la vicinanza alla famiglia: “Ieri è venuta a mancare Cinzia Ferraroni. Una attivista storica di Parma che ha dato tanto al Movimento 5 Stelle e una combattente, nell’impegno civile così come nella vita. Ha lottato sempre; questa volta, però, purtroppo la battaglia contro questo virus maledetto non è riuscita a vincerla”. “Era una donna volitiva, molto stimata nel suo lavoro di agente di commercio nel settore della grande distribuzione. È una notizia terribile” ha commentato invece Stefano Cantoni di Confesercenti.

Il drammatico addio del marito. Francesco, marito di Cinzia è distrutto dalla perdita della sua donna e in un messaggio pubblicato su Facebook esprime tutto il suo dolore. “Questo subdolo virus è riuscito dove non erano riusciti i tumori. A sconfiggerti nel fisico, però non nello spirito. Uno spirito che si nutriva del tuo immenso amore per la famiglia, dell’orgoglio per le tue figlie e per i tuoi nipoti, della voglia di tornare a viaggiare in camper, la casa con le ruote come la chiamano loro, nella terra che più amiamo la Sardegna, della tua passione di sempre, la politica”. “Hai lottato fino all’ultimo – ricorda Francesco – combattendo non solo per te ma soprattutto per gli altri. Sempre con la schiena dritta, senza compromessi e lavorare”. E infine conclude: “Grazie all’Amore che mi hai donato in questi tanti, tanti anni ma pur sempre pochi”. 

·        È morto Alessandro Rialti, voce storica della Fiorentina. 

È morto Alessandro Rialti, voce storica della Fiorentina: aveva 69 anni. Laura Pellegrini il 06/04/2020 su Notizie.it.  Alessandro Rialti è morto all'età di 69 anni: il giornalista toscano era ricoverato all'ospedale Careggi di Firenze. Il mondo del giornalismo sportivo è in lutto: è morto all’età di 69 anni, Alessandro Rialti, giornalista storico della Fiorentina. Proprio il club viola, dopo la scomparsa avvenuta domenica 5 aprile, ha voluto ricordare la penna del Corriere dello Sport Stadio con un messaggio. “Con passione e calore, ha raccontato la sua squadra, amato da tutti: giocatori, dirigenti e tifosi”. Anche i colleghi hanno espresso vicinanza alla famiglia. La comunicazione della scomparsa di Alessandro Rialti, morto all’età di 69 anni, è arrivata dal presidente Sandro Bennucci e da tutti gli organismi dirigenti dell’Associazione Stampa Toscana. Anche Franco Morabito, presidente del Gruppo toscano giornalisti sportivi, ha voluto ricordare una penna storica. Era stato ricoverato per un malore all’ospedale di Careggi di Firenze, dove si è spento nella giornata di domenica 5 aprile. Il club viola ha voluto ricordare lo storico giornalista con un commovente comunicato: “Grande tifoso della Fiorentina, prima ancora che cronista, ha sempre raccontato la ‘sua’ squadra con passione e calore, vivendo in prima persona la storia viola e della città, confrontandosi sempre direttamente con giocatori, tecnici e dirigenti e facendolo con il suo stile”. “Il Presidente Commisso – prosegue la nota -, suo figlio Joseph, il Dg Joe Barone, il Ds Daniele Pradè, Giancarlo Antognoni, Dario Dainelli, il Mister Beppe Iachini, il Responsabile della Comunicazione Alessandro Ferrari, tutta la dirigenza, la squadra, lo staff, l’ufficio stampa e tutti i dipendenti della società sono vicini ai familiari in questo momento di profondo dolore”. Infine, anche i colleghi dell’Ussi e l’Associazione Stampa Toscana hanno manifestato cordoglio alla famiglia di Rialti: “Giornalista amato dai tifosi della Fiorentina e anche dai colleghi, molti dei quali, nemmeno più giovani, hanno imparato da lui i rudimenti di una professione, o se volete di un mestiere, che entra nel sangue e non ti abbandona più”. 

·        Morta Honor Blackman, la Pussy Galore di James Bond. 

Morta Honor Blackman, addio alla Pussy Galore di James Bond. L'attrice inglese, divenuta nota per il ruolo della Bond Girl in Missione Goldfinger, aveva 94 anni. La Repubblica il 06 aprile 2020. Una delle criminali più affascinanti del set e, in particolare, della saga di James Bond, Pussy Galore, è morta: Honor Blackman, l'attrice che interpretava il personaggio nato dalla penna di Ian Fleming e poi trasposta al cinema con enorme successo in Missione Goldfinger, diretto da Guy Hamilton nel 1964, aveva 94 anni. "Con grande dolore dobbiamo annunciare la morte di Honor Blackman avvenuta a 94 anni", si legge in una nota diffusa dai parenti. "È morta pacificamente per cause naturali nella sua casa in Lewes, Sussex, circondata dalla sua famiglia. Era molto amata e ai suoi figli Barnaby e Lotti, ai  nipoti Daisy, Oscar, Olive e Toby mancherà moltissimo. Oltre a essere una madre e una nonna molto adorata, Honor è stata un'attrice dall'immenso talento creativo prolifico. Grazie a una straordinaria combinazione di bellezza, intelligenza e abilità fisica, oltre alla sua voce unica e un'etica di lavoro determinata, ha raggiunto uno status iconico senza precedenti nel mondo del cinema e dell'intrattenimento, impegnandosi totalmente nella sua arte e, grazie alla sua professionalità in tutti i campi, ha contribuito a realizzare ad alcune delle più grandiosi produzioni cinematografiche e teatrali". Nata a Londra, nel quartiere di Plaistow, il 22 agosto 1925, Honor Blackman ha studiato dizione quand'era appena una bambina per poi frequentare corsi di musica e recitazione debuttando, nel 1947, al fianco di Michael Redgrave nel lungometraggio Fame is the Spur. Dopo alcuni piccoli ruoli accanto, però, a grandi della recitazione come Richard Burton ed Elizabeth Taylor, nel 1961 Blackman partecipa alla lavorazione della seconda stagione del telefilm di enorme successo Agente speciale. Nel corso della sua carriera ha lavorato molto per il teatro portando avanti, in contemporanea, una fitta attività televisiva.

Honor Blackman rip. Marco Giusti per Dagospia il 6 aprile 2020. Ecco. Bella, elegante, fredda, tipicamente londinese e esperta di arti marziali, se ne va Honor Blackman, 94 anni, la Pussy Galore di “Agente 007: Missione Goldfinger”, prima Bond Girl inglese della saga, e la meno giovane, aveva già 39 anni, prima Catherine Gale della serie tv “The Avengers” con Patrick Macnee e celebre attrice di teatro. Oltre cento film tra cinema e serie tv. Nata e cresciuta nell’East Eand londinese nel 1925 aveva fatto la staffetta militare durante la Seconda Guerra Mondiale e era rimasta per tutta la vita impegnata politicamente, molto attiva, decisamente democratica. Malgrado il suo ruolo di Pussy Galore le avesse dato una fama incredibile in tutto il mondo, odiava il termine Bond Girl. “Possono chiamare le altre Bond Girls, ma non mi piace per quanto mi riguarda, per la semplice ragione che quel personaggio sarebbe stato un buon personaggio in qualsiasi film, non solo in un film di Bond. Considero le Bond Girls come quelle donne che hanno dato un'occhiata a Bond e sono svenute tra le sue braccia. Mentre Pussy Galore era proprio un personaggio”. Non le mandava a dire, Honor Blackman. Non apprezzava affatto la decisione di Sean Connery di prendere la cittadinanza svizzera per non pagare le tasse, ad esempio. E aveva da dire anche di Richard Burton, che se lo ritrovò sul set di “La quinta offensiva” nei primi anni ’60. “Nessuno vuole davvero qualcuno nel suo letto che sappia citare Shakespeare. Il più delle volte Burton era ubriaco. Eravamo in questi piccoli chalet e una sera tornò a casa e si mise a letto con me. L'ho cacciato alla fine. Non era la mia idea di paradiso”. Per non parlare del megawestern “Shalako” diretto in Spagna da Terence Young nel 1968 dove ritrovò Sean Connery e un cast che andava da Brigitte Bardot a Stephen Boyd. “È stato forse il peggior film che abbia mai realizzato, dal punto di vista della piacevolezza. Edward Dmytryk era appena uscito dalla lista nera, quindi aveva molto da dimostrare ed era teso. Eric Sykes era terribilmente sordo. Brigitte Bardot non osavano lasciarla da sola per la paura che si suicidasse. Stephen Boyd stava attraversando una conversione religiosa e ci salutava ogni mattina dicendo "Pace", invece di "Buongiorno". Jack Hawkins, che interpretava mio marito, aveva da poco subito un'operazione di cancro alla laringe e aveva un buco in gola coperto da un medaglione, e avevamo il terrore di trovarci della sabbia.”. Nata in una famiglia di quattro figli nell’East End di Londra, morta invece nella sua casa del Sussex fra figli e nipoti, iniziò alla fine degli anni ’40, subito dopo la guerra, a far del cinema. La troviamo in “Daughter of Darkness”, “Passioni”, “Tragica incertezza”. Fu sotto contratto alla Rank Film, e la volle presto anche Hollywood, dove fece “Alto tradimento” con Elizabeth Taylor e Robert Taylor alla MGM. Alla fine degli anni ’50 la troviamo in Italia in una curiosa serie anglo-italiana pensata per la tv, “I tre moschettieri”, diretta da registi come Hugo Fregonese e Mauro Bolognini, assieme a Jeffrey Stone e Domenico Modugno. Recita in film importanti come “Titanic: Latitudine 41° Nord” con Kenneth More, “Io e il generale” con norman Wisdom, “Il mistero del signor Cooper” con Terry-Thomas. Diventa popolarissima con la serie tv inglese “The Avengers-Agente Segreto” con Patrick Macnee, che lascia regalando il suo ruolo, quello di Catherine, all’emergente Diana Rigg. Gira in Italia il meraviglioso fantasy “Gli Argonauti” di Don Chaffey con i trucchi di Ray Harryahausen, dove aveva il ruolo di Hera. Ovvio che il successo della sua Pussy Galore in “Goldfinger”, dove si esibiva in judo e altri arti marziali, le diede una fama internazionale che la spinse a tutta una nuova serie di film dove le chiedevano spesso di ripetere qualcosa di simile. Si mosse bene, alternando avventurosi a commedie, senza fossilizzarsi troppo come fredda Bond Girl inglese. La troviamo così in “Flagrante adulterio” di Ted Kotcheff con Laurence Harvey, “Da un momento all’altro”, ultimo film di Mervyn Leroy con jean Seberg protagonista, il già citato “Shalako” di edward Dmytryk, “Vortice di sabbia” di Don Chaffey, il peplum kolossal “La calata dei Barbari” di Robert Siodmak con Laurence Harvey e Orson Welles, il notevole “La vergine e lo zingaro” di Christopher Miles con Joanna Shimkus e Franco Nero, il thriller di Peter Collinson “L’allucinante notte di una baby sitter” con Susan George, il western americano con Dean Martin “Ti combino qualcosa di grosso”, l’horror “Una figlia per il diavolo” di Peter Sykes con Richard Widmark, Christopher Lee e Nastassia Kinski, “Il gatto e il canarino” di Radley Metzger con Michael Callan e Edward Fox, fino a decine di serie tv, anche Colombo, e un buon ruolo in “Il diario di Bridget Jones”. Ha lavorato sempre, a teatro e al cinema. Ebbe due mariti, due divorzi, due figli adottivi.

·        Morto l'ex premier libico Mahmoud Jibril. 

Morto di coronavirus l'ex premier libico Mahmoud Jibril. Jibril è deceduto ad Il Cairo a seguito delle complicazioni dovute al coronavirus: è stato il primo premier libico del dopo Gheddafi. Mauro Indelicato, Lunedì 06/04/2020 Il Giornale. Era già ricoverato da diversi giorni Mahmoud Jibril, ex premier libico che nel pomeriggio di domenica è venuto a mancare ad Il Cairo: lui, figura cardine del dopo Gheddafi in Libia, era tra le personalità più illustri del mondo arabo colpite da coronavirus. Il nome di Jibril è associabile alla primavera araba del 2011 e, in special modo, a quanto accaduto nel suo Paese a partire dal febbraio di quell’anno. Quando cioè da Bengasi sono iniziate le proteste contro il governo di Muammar Gheddafi, sulla scia delle manifestazioni che avevano già comportato la fine di Mubarack e Ben Alì rispettivamente in Egitto ed in Tunisia. Fino a quel momento Mahmoud Jibril era tra i principali collaboratori di Gheddafi, con l’incarico di presidente dell’ufficio per lo sviluppo economico. Appena però sono iniziate le proteste, è stato tra i primi a passare dalla parte dei rivoltosi. Quella scelta allora ha rappresentato una delle svolte più importanti nel contesto delle proteste: Jibril infatti, oltre a presiedere un importante ufficio economico, era appartenente alla tribù dei Warfalla, la più numerosa e politicamente di peso del Paese nordafricano. Anche per questo motivo forse il 23 marzo 2011 il Consiglio Nazionale di Transizione, formatosi dall’unione delle varie forze e dei vari gruppi anti Gheddafi, lo ha scelto come premier del governo ad interim. Un esecutivo quello, che ha sostituito le istituzioni gheddafiane anche all’Onu e che ha iniziato da più Paesi ad essere riconosciuto quale unico rappresentate della Libia. Per questo il nome ed il volto di Jibril sono diventato famosi anche in ambito internazionale. È stato il suo governo ad adottare, tra le altre cose, la nuova bandiera libica che ha ripreso quella in vigore durante la monarchia togliendo quindi il drappo verde voluto da Gheddafi. Ma la sua è anche una figura controversa, soprattutto agli occhi di molti libici: tra i suoi detrattori infatti, c’è chi lo ha più volte accusato di aver cambiato fronte soltanto per convenienza. Anche all’interno dell’allora Consiglio Nazionale di Transizione, in tanti hanno puntato il dito contro Jibril proprio per la sua organicità in seno alle istituzioni gheddafiane. Mahdmoud Jibril è rimasto al timone del governo provvisorio fino al 23 ottobre 2011, tre giorni dopo dunque la cattura e l’uccisione di Gheddafi, evento quello che ha segnato la fine della prima parte della guerra in Libia e la nascita di un nuovo esecutivo ad interim. Trasferitosi successivamente al Cairo, l’ex premier è poi uscito del tutto dal mondo politico libico. Qui in Egitto, come detto, ha contratto a fine marzo il coronavirus: dopo alcuni giorni di degenza, domenica la conferma del decesso. Jibril aveva 68 anni: dalla Libia sono arrivate le condoglianze anche dei membri dell’attuale governo guidato da Fayez Al Sarraj. In particolare, come si legge in una nota inviata da Tripoli, l’esecutivo apprende “Con grande dispiacere la notizia della morte di Mahmoud Jibril, straordinaria figura scientifica e patriota, in uno degli ospedali egiziani al Cairo”.

·        Morto Lorenzo Sanz, ex presidente del Real Madrid.

Coronavirus: morto Lorenzo Sanz, ex presidente del Real Madrid. Pubblicato sabato, 21 marzo 2020 su Corriere.it. L’ex presidente del Real Madrid Lorenzo Sanz Mancebo è morto sabato a 76 anni per complicazioni da coronavirus. L’ex numero uno dei Blancos era stato ricoverato in terapia intensiva martedì per insufficienza respiratoria dopo otto giorni con febbre alta, ed era andato via via peggiorando, riferisce As. Sanz soffriva già di insufficienza renale e di ipertensione, il contagio ha peggiorato sensibilmente il quadro. Il figlio Fernando confermato che nelle ultime ore era anche intubato e sedato. «Era malato da otto giorni, ma non voleva far collassare l’ospedale ed è rimasto in casa per solidarietà». Poi il ricovero e la diagnosi ufficiale, polmonite bilaterale per coronavirus. Sabato la morte del presidente che diresse i Blancos dal 1995 al 2000 portandoli a vincere la Settima e l’Ottava Champions League.

·        Morto Bernard Gonzalez, calcio francese in lutto.

Bernard Gonzalez morto suicida, calcio francese in lutto: era positivo al Covid-19. Laura Pellegrini il 06/04/2020 su Notizie.it. Avrebbe lasciato un biglietto con su scritte le motivazioni del tragico gesto. Bernard Gonzalez è morto suicida all’età di 61 anni: il medico dello Stade Reims, da quanto si apprende, era risultato positivo al coronavirus. Da 20 anni lavorava a fianco dello staff del club francese, ma all’improvviso di è tolto la vita. Il suo corpo è stato ritrovato nella sua abitazione dove stava trascorrendo la quarantena. Un gesto inaspettato e improvviso che ha sconvolto tutto il calcio francese: Bernard Gonzalez, il medico dello Stade Reims, è morto suicida all’età di 61 anni. Era risultato positivo al coronavirus e stava trascorrendo la quarantena obbligatoria nella sua abitazione. Proprio lì gli inquirenti avrebbero rinvenuto un biglietto con le motivazioni del suo gesto. Il quotidiano francese Le Parisien ha riferito che sarebbe proprio il contagio il vero motivo che ha spinto Bernard a togliersi la vita. A confermare quanto accaduto è stato anche il sindaco Arnaut Ribinet, che commenta i fatti con sgomento: “Il dottor Gonzalez era un grande professionista riconosciuto e apprezzato da tutti – ha ammesso il primo cittadino. In questo momento non posso fare altro che rivolgere un pensiero speciale a sua moglie e a tutta la sua famiglia. La sua morte potremmo definirla “collaterale” rispetto al Covid-19 perché era stato trovato positivo e si trovava in quarantena. So che ha lasciato un biglietto nel quale ha spiegato perché ha compiuto quel gesto ma non so di preciso cosa vi sia scritto”. “Siamo sconvolti per la notizia e per il dolore – si legge nella nota ufficiale del presidente della società, Jean-Pierre Caillot -. Lo Stade Reims piange il dottor Bernard Gonzalez. Quello del club, ma anche di centinaia di abitanti di Reims di tutte le età. Era qui da 23 anni, ha sempre lavorato con professionalità e passione.

·        Addio ad Ezio Vendrame, il George Best italiano.

Ezio Vendrame, addio al George Best italiano: dribbling, estro e anticonformismo, mito anni 70 del Vicenza.  Libero Quotidiano il 4 aprile 2020. Barba e capelli lunghi, dribbling, talento e anticonformismo: Ezio Vendrame, il George Best italiano, è morto a 72 ani a Conegliano Veneto. Giocatore-simbolo di Spal e Vicenza negli anni Settanta, nonché apprezzato scrittore una volta abbandonato il calcio, è stato ricordato sui social proprio dall'ex Lanerossi: "Considerava Vicenza la sua seconda casa e aveva sempre nel cuore i tifosi biancorossi che aveva conquistato e deliziato con le sue giocate, per tre stagioni in Serie A dal 1971 al 1974. Con la maglia biancorossa infatti registrò 46 presenze in campionato ed una rete siglata proprio in un derby contro l’Hellas Verona, nel quale fu mattatore perché oltre al gol, servì un assist e fu fermato solo dalla traversa che gli negò una storica doppietta", si legge. "Cresciuto nelle giovanili dell'Udinese, aveva militato tra le altre nel Napoli, nel Padova e nel Pordenone. La società LR Vicenza si unisce al dolore per la scomparsa di Ezio e desidera esprimere ai suoi cari le più sentite condoglianze", conclude il post. 

 Da areanapoli.it il 6 aprile 2020. Ezio Vendrame, ex calciatore del Napoli, si è spento stamane all'età di 72 anni. A tal proposito vogliamo ricordare un episodio molto particolare che riguarda l'ex calciatore azzurro, che nelle vesti di opinionista e critico al festival di Sanremo 2005, fece scoppiare una polemica criticando fortemente il cantautore napoletano Gigi D'Alessio. Alla conduzione della manifestazione canora all'epoca c'era il versatile e vulcanico showman Paolo Bonolis, che diede vita, assieme al calciatore ad uno show di grande livello. L'edizione di Repubblica del due marzo 2005, a tal proposito scrisse: "L'"opinionista" Ezio Vendrame, ex calciatore, ora poeta e scrittore, dice a Bonolis: "Mi ha commosso Tyson, chi invece ho trovato indegno è stato Gigi D'Alessio che ti ha leccato il fondoschiena". Si riferisce a un vistoso scambio di complimenti fra conduttore e cantante alla fine dell'esibizione di quest'ultimo. Dalla platea si leva il borbottìo dei sostenitori del cantante napoletano. Replica Bonolis: "Vendrame è una persona di grande purezza che non conosce un retroscena, cioè che io e Gigi siamo amici da anni. Quindi la conversazione avvenuta, durante la quale Gigi ha lodato la decisione di reintrodurre la gara, è semplicemente frutto della nostra amicizia - precisa il conduttore - e non c'è alcun altro significato. D'Alessio e Vendrame, per motivi diversi, sono due persone meravigliose".

Giancarlo Dotto per il Corriere dello Sport il 5 aprile 2020. Era fatto così Ezio Vendrame, detto il calciatore poeta, ma non è mai stato calciatore e non ha mai preteso d’essere un poeta. Lui si accontentava di lasciarsi stordire dai poeti. Farsi confondere. Fino a perdersi, che per lui era la stessa cosa di ritrovarsi. Amava gli amici, e li detestava. Ogni volta, al momento di salutarci, ci stritolava almeno cinque secondi, poi ci stampava in faccia due occhioni umidi di commozione, neri come l’inchiostro, e ci diceva ruvido: “Andatevene, non voglio più vedervi! Non sostengo lo strazio della separazione”. L’ha detto e lo ha fatto. Un giorno è sparito e buona notte a cantanti e suonatori. Come tutti quelli che spariscono, diventò una leggenda forse vivente. Con l’amico comune Marcello ci promettevamo ogni tanto di organizzare una spedizione tra Friuli e Veneto sulle sue tracce, alla caccia di Ezio. Lui, fiutato il pericolo, si è tolto di mezzo prima. A scanso di equivoci, lo ha fatto nei giorni in cui non dovrà nemmeno subire l’abbraccio equivoco di un funerale. Tempismo perfetto. Non aveva bisogno del virus, lui, per praticare la distanza sociale. Le memorie ci vengono addosso cornute, tutte insieme, come una mandria di bufali e fanno male. Non devi nemmeno metterle in ordine, devi solo lasciare che ti facciano male. E male sia. L’irrespirabile è che non partiremo mai più sulle tracce di Ezio, se non rassegnandosi a un viaggio da folli. Quel “mai più” è una mano di calce viva, una sentenza, è il suono delle budella che si ribellano mischiandosi al cuore.

I ricordi. Quando, la prima volta, ci eravamo appena trovati e subito mi porta al cimitero di Casarsa delle Delizie alla tomba di Pier Paolo Pasolini, sepolto accanto alla madre Susanna, all’ombra dello stesso alloro, la pianta dei poeti, l’orrore botanico che diventa amore, le radici che affondano e s’intrecciano, la tomba del figlio, quella della madre, la stessa tomba. Quella notte, a San Vito del Tagliamento, in una camera d’albergo, sdraiati sulla branda, scolando Cabernet e masticando carne di struzzo, a raccogliere pezzi scellerati delle nostre vite, lui che mi racconta del suo talento buttato al cesso, di Leo Ferré, di Gigi Meroni e di George Best, di canzoni al vento e di galline al guinzaglio. Dell’incontro che lo mise al tappeto con Piero Ciampi, la sua maledizione, il suo Graal. Aveva già allora l’occhio assai languido, sempre un po’ commosso, come quello di Pina, la sua cagna, che aveva la cirrosi senza aver mai bevuto un goccio di grappa. Occhio che diventava brace. “Mi sono sforzato di amarlo Pasolini, ho letto tutto di lui, ma non ci sono riuscito. Resta per me l’unico vivo in questa terra di anime morte che si è venduta al denaro”. Già allora, vent’anni fa, non sentiva più “l’esigenza del simile”. Mai avuto un cellulare, aveva cancellato anche la segreteria telefonica, l’ultimo ponte levatoio con il mondo esterno. Alle sette di sera era già disteso nel suo loculo (“l’unico posto al mondo in cui riesco a sentirmi felice”). Non dormiva. Vegliava, ricordava, scriveva e spargeva. Più un’emorragia che una creazione. Tutte le sere, ma proprio tutte le sere, faceva amicizia con l’idea d’impiccarsi. Giocava con una corda che non c’era. E tutte le sere finiva per leggere e scrivere versi (“Non ho ambizioni poetiche, scrivere mi è indispensabile a sopravvivere”). Il pomeriggio allenava i ragazzini della Sanvitese, il suo unico momento di socialità, quanto restava del suo rapporto con il calcio, la sera si chiudeva nella sua monocamera, quindici metri quadri soffocati dai libri a liberare versi che lo spedivano nella stratosfera. Non è mai più entrato in uno stadio. Non è mai più uscito da quella monocamera. Era ancora una figurina Panini, anni ’70, giocava nel Napoli di Vinicio, e Boniperti già lo aveva ribattezzato “il Kempes  italiano”, per via della chioma e del passo farabutto e indolente ma imperioso delle smisurate leve, quando gli partiva l’estro satanesco. Quando uno sconosciuto spacciatore di profumi di lusso, Marcello Micci, lo spinge nel burrone che lui aspettava da sempre. Il giorno in cui incrocia la sua ruvida e lirica impazienza con quella di Piero Ciampi, lo stramaledetto livornese che cantava Come è bello il vino. “La prima volta che mi vide, Piero, mi abbracciò forte, come nessuna donna aveva mai fatto. Smisi quel giorno di essere un calciatore. L’incontro con Piero Ciampi è stato la mia convocazione in Nazionale, ma anche il mio massacro. Massacro al quale, sia chiaro, ero votato”. Il giorno in cui diventò un ex calciatore senza esserlo mai stato. Poteva giocare a Los Angeles con Best o in Kuwait con Rivelino, ma accettò di allenare i ragazzi del Venezia (”Litigai con Zaccheroni, voleva impormi il figlio del magazziniere”) e poi quelli del San Vito. Due milioni di lire al mese, quanto bastava per pagare l’affitto, la sigaretta, la benzina. La palla non aveva misteri e spigoli per lui, ma Ezio non ha mai saputo che farsene del suo dono ai piedi, due stradivari. Un dispetto della natura. E, non potendo disfarsene, lo ha deriso e bestemmiato. Ha giocato da Dio e da clown. Come quel giorno, Padova-Cremonese. Si muore di noia. Era urgente morire di qualcos’altro. (“Con Mondonico, il capitano della Cremonese, avevamo concordato lo 0 a 0…Volevo regalare un’emozione alla mia gente tradita”). Ezio esce di senno, un cavallo pazzo, punta dritto la propria area, arriva a un metro dal portiere stupefatto, fa per tirare e, un attimo prima, sotterra il pallone sotto la suola, tutti i tifosi col fiato sospeso e uno che muore. D’infarto. A diciotto anni è già titolare nella Spal di Fabio Capello (“Un ottimo giocatore, ma mi fermo lì. Grazie a lui mi fu subito chiaro quello che non sarei mai voluto diventare”). Giovanissimo astro, disadattato totale. S’innamorò perso di Roberta, una malafemmina di mestiere (“Per tutti era una puttana, per me era la mia principessa. Accusai dolori e nausee al basso ventre. Riuscii a stare due mesi lontano dal calcio. Li passai tutti a letto con lei. Qualcuno fece la spia. Mi sbatterono nella Torres in serie C. Per aver amato una principessa, m’avevano fatto a pezzi”). Un provino da fenomeno e finisce nel Vicenza di Cinesinho e Sormani. “Passavo tutte le notti della vigilia a fare sesso e, il giorno dopo, andavo in campo, spompato ma generoso”. Per confondere i detrattori gli toccava giocare ogni tanto una partita da padreterno, su cui viveva di rendita per mesi. “Mi schifava fare qualcosa di scontato in campo, Mi piaceva stupire”. Come quella volta che stupì San Siro e vinse quasi da solo contro Mazzola, Facchetti e compagni. Lo vuole Invernizzi all’Inter, manca solo la firma, ma arriva la telefonata di Vinicio, “ti voglio al Napoli”. “Giocavo da fenomeno a Soccavo, i tifosi in delirio, ma Vinicio cominciò a odiarmi. Pretese la mia cessione”. Storie di donne, pare. Non importa. Ezio aveva altro da fare. Ascoltare Piero Ciampi e Leo Ferrè. Fenomeno era, malgrado lui, e decise allora di chiudere da fenomeno, dentro stadi che lui trasformava in baracconi e palloni che rotolavano senza senso. Quella volta di Blackpool, in Inghilterra. “Faccio il mago Silvan, nascondo la palla. Un inglese mi randella tutto il tempo. Provo una volta a entrare io duro. Lui si rialza, gli do la mano, lui rifiuta, io l’acchiappo, lo stringo a me e gli schiaffo la lingua in bocca”. Ricordi. Quella volta che ho amato Valentino Rossi. Quando nei camerini di “Controcampo”, aspettando di andare in onda, lui, sbocconcellando un’enorme pagnotta con la mortadella, mi chiede notizie del suo idolo, il mio amico Ezio Vendrame, lo stravagante semidio del pallone. “Quanto inutile cielo, sopra uno spalancato inferno”, scriveva Ezio che non aveva bisogno di cancri e di virus per avere nozione dell’inferno. Smise di allenare anche i ragazzi. Si era sforzato di parlargli, ma la sua parola non arrivava più. Diceva sempre che avrebbe voluto insegnare calcio a una squadra di orfani, ma poi capì che il problema non erano le famiglie e che i ragazzi di oggi sono orfani di tutto. Si mise a scrivere libri di successo, s’innamorò spesso, amori spesso deliranti e immaginari, come quello per la figlia meno celebre di Jane Birkin, una sua anima gemella nella morbosità del sentire, che non seppe mai d’essere stata così perdutamente amata. Ritrovò slanci, Ezio, per uscire ogni tanto dal suo loculo, ma senza mai uscirci veramente. Perché, nel suo ballo di coppia, il fantasma era sempre quello, un maglione nero e la carcassa etilica che ci sciacquava dentro. Piero Ciampi, quaranta chili scarsi, gli illuminati e biascicati sproloqui che lui ascoltava come un oracolo. Ezio lo adorava. Fino al giorno in cui si trovò a scrivere: “Farabutta vita/costretto a resisterti tra follie umane/ ed imperfetti amori, sotto squarci di nuvole/il sangue va oltre il sangue/ed incrostato di abusi/altro non so che infestarti di amaro le carni”. E i due, da allora, si presero per mano. Una cosa vi chiedo, a suo e a mio nome, astenetevi dal dire “povero Ezio”, che povero non è mai stato. Lo giuro sul mio onore. “Quello che più mi tedia non sta nel tempo che rimane, ma del non sapere che farmene”, ha scritto una delle sue tanti notti da solista spericolato e sfrontato.

LUIGI PANELLA per repubblica.it il 4 aprile 2020. Capelli lunghi, tecnica individuale notevole, scarsa attitudine per gli schemi, sia in campo che fuori. Avrebbe avuto le potenzialità per una carriera superiore a quella avuta, ma se avesse giocato con Juventus o Milan o Inter, Ezio Vendrame, morto oggi a 72 anni, probabilmente non sarebbe ricordato come genio, sregolatezza, irrequietezza del calcio italiano. Due sono gli accostamenti che ne sono stati fatti: il più gettonato, al limite dello scontato, è quello a George Best, il fuoriclasse nordirlandese tutto talento, bellezza, donne e alcolici. L'altro (più che altro per la capigliatura e la postura in campo) con l'argentino Mario Kempes. A lui in realtà piacevano tre calciatori su tutti. Della sua tarda adolescenza Gigi Meroni. Della sua epoca calcistica Gianfranco Zigoni, uno capace di andare in panchina con la pelliccia ed il cappello da cow boy in un Verona-Fiorentina perché Valcareggi non lo aveva fatto giocare. Più avanti Diego Armando Maradona. Tutta gente insomma che con le regole aveva poco a che spartire. Calciatore, poeta, scrittore, uomo insofferente alla forma. Un suo libro 'Se mi mandi in tribuna godo' è una frustata agli aspetti spesso ipocriti del mondo, del calcio e non solo. Un titolo che è tutto un programma, e che prende origine da una trasferta del Napoli a Cagliari. Mandato in tribuna dal tecnico dei partenopei Vinicio, che nel rivaleggiare con la Juventus nella corsa allo scudetto del 1975 non aveva tempo e forse voglia di inserirlo negli schemi, Vendrame ne approfittò per amoreggiare (le donne sono state una delle sue grandi passioni) nel bagno dello stadio con una ragazza conosciuta da poco...Già, perché per raccontare Vedrame più che le squadre in cui ha giocato (soprattutto Lanerossi Vicenza e Padova, con l'intermezzo fatto di 3 presenze a Napoli), è meglio citare frasi e aneddoti, sparsi qua e la come timbri durante interviste e partite. Quando era nel Padova, durante un incontro di fine stagione con la Cremonese, uno di quelli in cui il punto stava bene a tutti e si palleggiava stancamente senza fingere un accenno di agonismo, pensò bene di vivacizzare la situazione. Palla presa al limite dell'area avversaria, campo percorso al contrario puntando il proprio portiere, poi risparmiato solo all'ultimo istante quando il battito lento di qualche tifoso era già andato fuori giri. Sempre al Padova, durante una partita, lasciò il campo come se niente fosse per andare a salutare un suo grande amico, il poeta e cantautore Piero Ciampi, che aveva scorto in tribuna. E ancora, dopo aver accettato la promessa di una somma di denaro per infastidire l'Udinese, a cui servivano punti promozione, stizzito dai fischi dei friulani giunti in Veneto, giocò una delle sue più grandi partite portando la sua squadra alla vittoria. Nel rifugiarsi nella poesia, si ritirò in una frazione vicino al suo paese, Casarsa della Delizia, dove è sepolto Pier Paolo Pasolini ed il pubblico italiano dovette attendere il 2005 per ritrovarlo. Paolo Bonolis, che conduceva il Festival di Sanremo, lo chiamò in un ruolo che in campo gli era sconoscuito, quello del battitore libero.  Il palco come il campo, e Vendrame non si tirò indietro, con una entrata a gamba tesa su Gigi D'Alessio che alzò un vespaio di polemiche. Al calcio rimase legato allenando gli unici ai quali pensava di poter insegnare qualcosa, i giovani. Risultati niente male. "Ma sarebbe bello allenare una squadra di orfani", ebbe a dire. Non gli piacevano i genitori che si intromettevano, e probabilmente lui non piaceva ai genitori, specialmente a quelli perbenisti. Specialmente quando, tra le altre cose,, teorizzava l'accantonamento dei giochi elettronici per sostituirli, in attesa di qualcosa di meglio, con il sesso fai da te...

·        Morto Bill Withers, voce di "Ain't No Sunshine".

Morto Bill Withers, addio alla voce di "Ain't No Sunshine". L'artista, uno dei maestri della black music, aveva 81 anni ed era malato di cuore. La famiglia: "In questo momento difficile preghiamo affinché la sua musica offra conforto e svago ai fan che si stringono ai propri cari". Ernesto Assante il 3 aprile 2020 su La Repubblica. Ci sono canzoni che meritano un posto nel cuore, indimenticabili, perfette, sulle quali la polvere del tempo non si attacca e la ruggine non lascia segno. È a questa categoria che appartiene Ain’t no sushine, capolavoro firmato da Bill Withers, grandissimo autore e interprete afroamericano, scomparso oggi a causa di complicazioni cardiache, all’età di ottantun’anni. Ain’t No Sunshine è una delle canzoni più belle di tutti i tempi, un brano che potremmo genericamente inscrivere nell’ambito del soul ma che lo ha travalicato diventando un classico della musica di tutti i tempi, una canzone d’amore che parla dell’assenza, dell’abbandono, come poche altre canzoni sono riuscite a fare, raccontando una condizione spirituale e fisica che tutti, prima o poi, in un momento della nostra vita abbiamo attraversato. Bill Withers l’aveva inserita nel suo disco d’esordio, Just as I Am, pubblicato nel 1971, primo album al quale era arrivato dopo qualche anno di gavetta nell’area della musica californiana. La musica, però, non era stata la prima scelta della sua vita, era stato per nove anni nei Marines, e solo nel 1965, a ventisette anni, aveva abbandonato la divisa per cominciare a suonare. I primi demo, i primi concerti, non suscitano l’attenzione delle grandi etichette, fino a quando una canzone, Ain’t No Sunshine appunto, gli fa guadagnare un contratto con al Sussex Records che gli da la possibilità di registrare il suo primo album. Prodotto da Booker T Jones e con ospiti musicali del calibro di Stephen Stills, Just as I Am proietta immediatamente Whiters nell’Olimpo della musica nera, facendogli vincere un Grammy e portandolo a vendere oltre un milione di copie. Il successo di Whiters dura per tutto il decennio, l’artista americano produce in tutto sette album, dischi che hanno profondamente influenzato generazioni di autori e cantanti, in cui il perfetto equilibrio tra soul e pop, sostenuto da una vocalità profonda e personalissima, contribuisce a dar forza a melodie sempre cantabili e a testi che spaziano dai temi d’amore a quelli sociali. Oltre a Ain’t No Sunshine Whiters ha firmato molti altri capolavori che continuano ad essere suonati ogni giorno dalle radio di tutto il mondo e da artisti che le interpretano portandole avanti nel tempo, brani come Lovely Day, Lean on Me, Just the Two of Us, frutto di un’ispirazione limpidissima e di uno stile inconfondibile. La sua carriera è stata molto breve, Whiters ha pubblicato tutti i suoi lavori negli anni Settanta, producendo solo un altro album nel decennio successivo, Watching You Watching Me nel 1985, per poi ritirarsi dalle scene. Nove nomination ai Grammy, tre vittorie, milioni di album venduti, hanno fatto di Whiters una superstar, ma lui, dalla metà degli anni Ottanta, non contento di come l’industria discografica si stava orientando, aveva deciso di lasciar perdere l’attività discografica e i concerti e di tornare alla sua vita di 'regular guy' che aveva abbandonato all’inizio degli anni Settanta. Ma nonostante l’assenza dalle scene le sue canzoni hanno continuato senza sosta ad essere parte della nostra vita, reinterpretate da decine di artisti, campionate in brani contemporanei, riproposte al cinema e in televisione. Una carriera che è insomma continuata in sua assenza e che era stata celebrata una decina di anni fa, al South by Southwest di Austin, dove era stato presentato un bellissimo documentario Still Bill. Ad annunciare la sua morte è stata la famiglia, con un breve messaggio: “Siamo distrutti dalla perdita del nostro amato e devoto marito e padre. Un uomo solitario con un cuore spinto a connettersi con tutto il mondo, con la sua poesia e la sua musica ha parlato con sincerità alle persone e le ha unite tra loro”.

·        È morto Sergio Rossi: ucciso dal Coronavirus il maestro della calzatura.

È morto Sergio Rossi: ucciso dal Coronavirus il maestro della calzatura.  Aveva contratto il coronavirus ed è morto all’età di 84 anni Sergio Rossi, imprenditore fondatore del brand omonimo. la Repubblica il 03 Aprile 2020. Sergio Rossi, patron del marchio omonimo di scarpe, si è spento all’età di 84 anni all’Ospedale Bufalino di Cesena, dove era ricoverato in terapia intensiva dopo aver contratto il Covid-19 nei giorni scorsi. Se ne va così uno dei maestri del panorama calzaturiero italiano, capace di creare dal nulla un’azienda che si è imposta all’attenzione del mondo della moda internazionale grazie a scarpe eleganti, raffinate e amate dalle star di tutto il mondo. Nasce nel 1935 a San Mauro Pascoli, un paesino della Romagna dove impara il mestiere come si faceva una volta, a bottega dal padre, e a soli 14 anni è già un abile calzolaio. La sua è una storia di imprenditoria familiare, di maestria e di visione artigiana capace di portare il fascino e la qualità del Made in Italy in giro per il mondo partendo dalla voglia di fare di due ragazzini, Sergio e il fratello Franco, che in inverno fabbricano le scarpe da vendere in Riviera durante la stagione estiva. Sono gli anni Cinquanta e la costa romagnola vive da protagonista la rinascita febbrile dell’Italia del dopoguerra: il talento di Sergio Rossi non passa inosservato e nel 1968 arriva la prima collezione ufficiale del suo brand che richiama l’attenzione di star e donne comuni. Le sue scarpe fanno innamorare le donne degli anni ’60 per i motivi geometrici e l’uso dei colori diventando ben presto un simbolo di qualità e design femminile. Non passa molto tempo perché il mondo della moda di lusso bussi alla porta di Sergio Rossi: tante le collaborazioni importanti tra cui quella con un giovanissimo Gianni Versace, ma anche Dolce&Gabbana e Azadine Alaïa. Nel 1999 il marchio viene acquistato dal Gruppo Gucci, poi comprato a sua volta da Kering, ma nel 2015 torna nelle mani italiane del fondo Investindustrial di Andrea Bonomi. Nel corso degli anni le scarpe di Sergio Rossi diventano una presenza fissa sui red carpet, indossate da star come Naomi Campbell, Sarah Jessica Parker, Eva Herzigova, Lady Gaga, Rihanna e Sharon Stone a testimonianza di una maestria nel design delle calzature riconosciuta unanimemente. E questo saper fare Sergio Rossi ha cercato anche di trasmetterlo attraverso la scuola Cercal fondata insieme ad alcuni compagni e concittadini di San Mauro Pascoli. "C’è chi ha avuto la fortuna di trasformare la propria arte in un lavoro e chi lo straordinario talento di trasformare il proprio lavoro in un’opera d’arte. Sergio Rossi è stato questo uomo. Un marito, padre, nonno, e capostipite di una famiglia che ha seguito il suo esempio", si legge nel ricordo che ha diffuso la famiglia. Addio Sergio Rossi.

·        Coronavirus, morto Mario Bresciani, capitano d’industria delle calze.

Coronavirus, morto Mario Bresciani, capitano d’industria delle calze. Pubblicato venerdì, 20 marzo 2020 su Corriere.it da Maria Teresa Veneziani. Stroncato dal Covid 19, si è spento Mario Bresciani, fondatore del calzificio diventato un fiore all’occhiello del Made in Italy che ha sede a Spirano, pochi chilometri da Bergamo. L’imprenditore è morto il 18 marzo all’ospedale di Zingonia dove era stato ricoverato una settimana fa. A dare l’annuncio della scomparsa sono i figli Massimiliano e Fabio con la mamma Graziella: «Avevano appena festeggiato i 50 anni di matrimonio e lo abbiamo seppellito il giorno della festa del papà», racconta Massimiliano che con il fratello porta avanti l’azienda riconosciuta a livello internazionale per i suoi prodotti d’eccellenza. E spiega che il padre non aveva alcuna patologia pregressa. «Stava bene, ci siamo visti il 28 febbraio. Tutto è cominciato con un’influenza che non passava, fino a quando una mattina mi ha chiamato mia madre perché non si svegliava. Poi il ricovero in ospedale con 40 di febbre… E la cosa triste è che non possiamo neppure abbracciare la mamma, che deve affrontare tutto questo momento in quarantena». Orfano di padre, a soli 12 anni con due fratelli minori, Mario Bresciani s’ingegnò con diversi lavori per mantenere la famiglia, fino all’impiego al calzificio Bloch di Spirano. Nel 1970 fondò a Castiglione delle Stiviere l’omonimo calzificio che nel 2000 trasferì nella sede di Spirano in nome di una nuova avanguardia tecnologica. «Mio padre ha portato l’azienda ad esportare in 42 Paesi nel mondo e nelle migliori boutique», ricordano i figli Massimiliano e Fabio. Cavaliere e Stella al merito del Lavoro, Bresciani con il suo calzificio è stato un grande ambasciatore del Made in Italy, tenendo sempre alta la bandiera della qualità fatta di capacità tecnica e scelta di filati pregiati, dal cotone dell’Egitto al cashmere dell’Himalaya. Hermès nel 2005 gli inviò un attestato di ringraziamento per l’eccellenza delle sue calze. Mario Bresciani ha creato un piccolo «museo della calza» con calze e tirelle colori dagli anni’50 ad oggi, per mostrare l’evoluzione del prodotto nel corso degli anni. Un modo per condividere con tutti la propria passione per l’artigianato italiano. 

·        Turchia, morta Helin Bolek: attivista e cantante.

Turchia, morta Helin Bolek: attivista e cantante in sciopero della fame da 228 giorni. "Avete ucciso una donna di 28 anni", ha detto Ibrahim Gorcek, anche lui nella band e che sta continuando lo sciopero della fame. Le sue parole affidate a un video diffuso sui social dove appare magrissimo. La Repubblica il 3 aprile 2020. Dopo 288 di sciopero della fame iniziato per denunciare la persecuzione politica in Turchia e il veto posto dal governo sui concerti del gruppo musicale, 'Grup Yorum', l'attivista e cantante turca Helin Bolek è morta. "Avete ucciso una donna di 28 anni", ha detto Ibrahim Gokcek, chitarrista della band e che sta continuando lo sciopero della fame. Le sue parole affidate a un video diffuso sui social dove appare magrissimo. Accusati di appartenere a un'organizzazione terroristica, il gruppo (25 album, oltre due milioni di copie vendute) non si esibiva da anni. Dal carcere chiedevano di essere liberati, che i loro nomi fossero cancellati dalla lista dei ricercati del Ministero degli Interni turco, che venissero chiuse le cause intentate contro di loro. L'annuncio della morte della cantante è stato dato sul profilo Twitter della band. "Non erano richieste molto difficili da soddisfare. Il fascismo del partito Akp ha causato la sua morte", ha scritto la band su Twitter citando in causa il partito del presidente Recep Tayyip Erdogan. Fondato nel 1985 da 4 studenti dell'università di Marmara, Grup Yorum aveva sempre garantito il proprio sostegno e la sua presenza sia alle lotte della popolazione turca che a quelle internazionali per la giustizia e la libertà, coniugando la vena di protesta con le melodie tradizionali. Le canzoni venivanoo eseguite sia in turco che in curdo, in arabo e in circasso, sostanzialmente in tutte le lingue parlate in Anatolia. Sono stati imprigionati per il loro impegno a favore della democrazia e della libertà di stampa. L'11 marzo sia Bolek che Gokcek erano stati portati in ospedale contro la propria volontà. L'avvocato Didem Ünsal aveva affermato che entrambi non avevano accettato alcun intervento medico. Nel 2015 il concerti annuale del gruppo "Turchia indipendente", era stato vietato. La band era riuscita a tenere un concerto via internet il 1° luglio 2018. Poi erano cominciati i raid. ll centro culturale Idil di Okmeydani, a Istanbul, dove la band si esibiva, è stato preso di mira da parte della polizia "per otto volte negli ultimi due anni", denunciava da tempo la band . Spiegando che durante le incursioni, gli strumenti di tutti membri di "Grup Yorum" erano stati distrutti o requisiti e le partiture, i loro libri di musica danneggiati. Secondo la dichiarazione resa dal gruppo, in queste incursioni (ottobre e novembre 2016, in maggio e settembre 2017 e in ottobre e novembre 2018) sono state arrestate in totale 30 persone. Il 14 luglio 2018, Selma Altin e Inan Altin, erano fuggiti di prigione decidendo di proseguire la loro lotta in esilio, in Francia. Agli inizi di marzo sei membri della band agli inizi di marzo erano ancora detenuti. La band Grup Yorum aveva iniziato lo sciopero della fame nel 2019 per opporsi ai provvedimenti sempre più restrittivi, anche in campo culturale, del governo Erdogan. Come molti attivisti vicini alla piattaforma comunista si sono ritrovati nel quartiere di Armutlu, sulle alture di Istanbul. Qui ci sono le cosiddette "case della morte", che ospitano gli attivisti e in particolare le donne che intendono attuare lo sciopero della fame fino a morire. Alcune settimane fa, squadre di polizia hanno fatto irruzione ad Armutlu portando via Helin e il chitarrista mettendoli in un ospedale dove i degenti vengono nutriti a forza. E questa una misura spesso applicata anche nelle carceri turche. Ma Helin era ormai allo stremo delle forze, e non ce l'ha fatta. Diverse organizzazioni - Istanbul Medical Doctors, Artists Assembly e Artists Initiative - avevano già lanciato l'allarme lo scorso 20 gennaio, per attirare l'attenzione sullo sciopero della fame che i membri della band avevano cominciato il 16 maggio 2019. Altri due componenti del gruppo, Bahar Kurt e Baris Yüksel, l'avevano terminato dopo 190 giorni. Bahar ed Helin erano stati scarcerati alla fine del 2019 ma Helin aveva continuato anche una volta fuori. Accusato di terrorismo Gokcek era stato incarcerato sulla base di dichiarazioni di un "testimone segreto", rischia una condanna all'ergastolo. 

·        Addio Gerald Freedman, regista del primo Hair a Broadway.

Addio Gerald Freedman, regista del primo Hair a Broadway. Aveva 92 anni. È stato uno dei protagonisti assoluti della scena teatrale a New York. La Repubblica il 03 aprile 2020. Il regista teatrale americano Gerald Freedman, uno dei protagonisti assoluti della storia di Broadway e Off-Broadway, è morto nella sua casa di Winston-Salem, nella Carolina del Nord, all'età di 92 anni, per un'insufficienza renale. L'annuncio della scomparsa, che risale al 17 marzo scorso, è stato dato a funerali avvenuti dal New York Times. Nella straordinaria carriera di Freedman c'è anche il ruolo da regista della prima produzione del musical rock Hair (1967). Nato a Lorain, nello Ohio, il 25 giugno 1927, figlio di immigrati ebrei russi, Freedman cominciò a lavorare a Broadway come aiuto regista di Jerome Robbins per la prima dei musical West Side Story (1957) e poi per il debutto di Gypsy (1959). Nel 1961 fece il suo debutto a Broadway in veste di regista con il musical The Gay Life. Freedman è considerato il regista che ha dato grande notorietà all'Off Broadway grazie alla prima messa in scena di Hair e nuovamente con The Robber Bridegroom (1975). Nel 1979 tornò a Broadway per dirigere il premio Oscar Joel Grey nel musical di Jerry Herman The Grand Tour, mentre nel 1995 lavorò per l'ultima volta a Broadway come regista della commedia The School for Scandal di Richard Brinsley Sheridan. E' stato, inoltre, il primo regista americano a dirigere un'opera teatrale al rifondato Globe Theatre di Londra ed ha diretto numerose opere liriche per la New York City Opera e il Kennedy Center di Washington. E' stato direttore artistico del Delacorte Theatre dal 1960 al 1971 e del Great Lakes Theater Festival di Cleveland tra il 1985 e il 1997 e co-direttore artistico della compagnia teatrale di John Houseman 'The Acting Company' (1974-1977).

·        Addio a Bill Withers, rappresentante della black music.

Addio a Bill Withers, rappresentante della black music. Si spegne all'età di 81 Bill Withers, uno dei cantanti più celebri della musica nera. Lo annunciano i parenti in una nota alla stampa. Carlo Lanna, Venerdì 03/04/2020 su Il Giornale. Oggi la musica piange uno dei suoi artisti più amati e uno dei rappresentati più famosi della musica black. Bill Withers, cantante e autore negli anni '70 di numerosi successi tra cui "Lean On Me", "LovelyDay" e "Ain't No Sunshine", è morto qualche giorno fa per complicazioni cardiache. Lo ha riferito la famiglia ad Associated Press. Bill Withers, 81 anni e tre volte vincitore del Grammy Award, è mancato lunedì a Los Angeles, in California. La notizia della sua morte arriva in un momento in cui il pubblico ha tratto ispirazione dalla sua musica, durante la pandemia da coronavirus, con operatori sanitari, cori, artisti che pubblicano le loro interpretazioni di "Lean on Me" per aiutare a superare i momenti difficili. Devastante è la nota che la famiglia ha inviato alla stampa. "Siamo sconvolti per la perdita del nostro amato e devoto marito e padre. Un uomo solitario con un cuore spinto alla connessione con il mondo nella sua più ampia forma, con la sua poesia e la sua musica ha parlato onestamente alle persone – si legge nel comunicato- .Una vita vissuta nel privato, intimamente vicino alla propria famiglia, la sua musica appartiene per sempre al mondo. In questo momento difficile preghiamo affinché la sua musica offra conforto e svago ai fan che si stringono ai propri cari". I parenti di Bill Withers, la moglie Marcia Johnson e i loro due figli, Todd e Kori, salutano così l'artista che ha lasciato un’impronta nel mondo della musica di ieri, di oggi e del domani. Nato il 4 luglio del 1938, Bill Withlers è il sesto figlio di una numerosa famiglia. Fin da ragazzino è stato un grande appassionato di musica ma solo al compimento dei diciotto anno decide di inseguire il suo sogno più grande. Lascia i marines per trasferirsi a Los Angeles e comincia a suonare nei club. Solo negli anni ’70 ottiene il successo quando pubblica il suo primo album a cui ha collaborato anche il chitarrista Stephen Stills. Da quel momento in poi raccoglie un successo dopo l’altro, tanto da raggiungere le vette di tutte le classifiche e vincendo anche diversi riconoscimenti, tanto da essere eletto il "re" della musica black. Il suo ultimo brano è del 2016. Non ha avuto una vita sentimentale molto tormentata. Si è spostato due volte ma è con Marcia Johnson trova il vero amore.

·        Morto Piero Gratton, papà del Lupetto della Roma.

Da gazzetta.it il 4 aprile 2020. "Oggi è un giorno triste per tutti i romanisti. Ci ha lasciato Piero Gratton, papà del Lupetto e autore di pagine di storia legate alla nostra identità. Piero avrà sempre un posto speciale nel cuore di tutti noi". Così la Roma ricorda sui social l'ideatore di uno dei suoi loghi più riusciti, scomparso a 80 anni. Il Lupetto disegnato da Gratton nel 1976 si è dimostrato più forte del tempo ed è stato riproposto anche nelle maglie più recenti del club giallorosso, come nel pattern dell'attuale terza maglia, quella blu. Nato a Milano nel 1939, dopo aver studiato presso il liceo artistico di via di Ripetta a Roma, Gratton è stato per 25 anni responsabile del gruppo di grafica dei servizi giornalistici del Tg2.Oltre al Lupetto, Gratton è stato anche il padre dell’Aquila stilizzata della Lazio, utilizzata dai biancocelesti tra il 1979 e il 1982, e del Galletto del Bari, sulle maglie dei biancorossi fino al 2014. Tra i suoi lavori, anche il logo di Euro ’80 e quello della Uefa, disegnato nel 1983. Prima di Gratton, nel corso della giornata, un altro lutto aveva colpito la famiglia romanista: Marco Scisciola, tecnico da dieci anni al servizio del settore giovanile, stroncato da un malore a 59 anni. "Ai familiari va il nostro più caloroso abbraccio", il ricordo del club giallorosso.

Tonino Cagnucci per ilromanista.eu il 4 aprile 2020. Ti sei inventato la cosa che ho cercato di imitare di più. Quel lupetto io, come ognuno che ha avuto la grazia di essere ragazzino con quella Roma lì, è la cosa che più ho disegnato su un foglio insieme all'UR col fulmine. Ho tratteggiato più il tuo lupetto e quei simboli che il nome della prima ragazza, le case con le montagne dietro, il sole giallo sul cielo blu, forse solo quello di Roma o mamma ho detto e scritto di più. Hai disegnato un marchio sapendo tratteggiare un'identità. Hai dato contorni a un sogno. È diventata l'icona di un'epoca e la storia ti ha giustamente reso onore facendo sì che la Roma più bella, bella, bella di sempre ha legato il suo nome, e il suo petto, a una tua idea, a un tuo schizzo, a un tuo disegno, a un tuo concetto, al nostro cuore. Io ti voglio bene Piero e non solo per il lupetto. Forse sarebbe troppo fosse "solo", perché hai regalato un simbolo alla mia infanzia e mi hai permesso di sublimare le nevrosi su un foglio cercando di disegnarlo in ogni circostanza, dalla sala d'aspetto, al pomeriggio annoiato in una stanza, o come un ragazzino impegnato stile ricerca per le elementari nel tentativo di riuscire a fare quelle curve spigolose o a gomito prima di inciderci come un taglio l'occhio. Anche quello non veniva perfetto come lo avevi fatto una volta per tutte tu. Ce lo siamo messi sul collo, sulle catenine, sul braccialetto. Lo abbiamo fatto d'oro o tarocco. Regalato ai bambini, raccontato - oramai - ai nipotini. Ora è tornato di moda, perché non è mai stato una cosa alla moda. Ora si chiama vintage quello che per te è stata un'intuizione, una visione di una Roma futura, quasi spaziale con quella maglia Pouchain a ghiacciolo e una squadra che – entrando negli Anni 80 - stava entrando anche nella leggenda. Nel cuore e sul cuore di una città. Sei il tatuaggio del sentimento che aveva quel popolo e quel tempo. Lo zaino e tutto quello che ci mettevo dentro. Quello che non mi sono mai perso. Io ti voglio bene perché ti ho conosciuto. E lo so che quando muore qualcuno spesso si dice «era speciale o buono», e lo so che ancora di più che si scrive «quando muore qualcuno tutti dicono che era buono» ma te eri così. Chissenefrega delle mistificazioni degli altri, vero Pie', la vita è così: sono tanti i mediocri che si prendono meriti che manco sanno come si sudano, come si sognano. Tu eri speciale e buono. Elegante. Armonioso. La capacità di disegnare ce l'avevi per come ti muovevi nella vita, per la morbidezza e la gentilezza con cui "ospitavi" gli altri. Eri umile. Tu! Tu che agli occhi miei altro che Michelangelo, altro che il taglio di Fontana, altro che il Giudizio Universale, altro quello che vi pare, tu sei quello che ha disegnato il lupetto mio! Mi vergogno a dire come mi chiamavi, ma è una delle cose che più mi hanno aiutato a star bene. Tu eri un campione della discrezione, non posso andare troppo oltre. Potevi tirartela, ma hai sempre mantenuto la linea giusta, la misura umana perfetta, che è quella che conosce anche macchia ma la sa trasformare in arte. Quando "Il Romanista" smise le pubblicazioni nel 2014 un amico comune mi chiamò per un progetto e per parlarne con te; non trovammo l'editore, ma trovammo molto di più: un'amicizia. Si chiamava "ASR magazine", era ovviamente un periodico, carta ovviamente, qualcosa che mi permetteva di continuare a scrivere della Roma come volevo, che era anche come volevi te. Un onore. La grafica era tutta tua. Sarebbe piaciuto a tutti perché si capiscono prima le cose che funzionano veramente. Mi tengo a casa il numero 0 e altro che nostalgia di cose non ancora accadute: sono capitate ma lo sanno in pochi...Con la tua collaborazione sei stata la prima persona che mi permetteva di continuare a scrivere, ma non era nemmeno per quello che t'ho voluto subito tanto bene, nemmeno per il pregiudizio positivo visto quello che rappresentavi ai miei occhi. Era perché mi hai dimostrato che si può diventare grandi senza diventare cattivi o semplicemente senza dimenticare il cuore. Per me grande vuol dire chi sa sorridere pur avendo attraversato l'abisso. Forse il vero sorriso nasce per questo. Insieme ai tuoi racconti, quelli dell'amicizia con Piero Angela con cui hai girato il mondo, quella con Artemio Franchi e come passasti la notte in cui è morto mentre andava al Palio di Siena, tutti quei materiali, gli strumenti soprattutto, le cose rare e preziose come te che portavi dai viaggi come per continuarli anche a casa tua. Quella sulla Giustiniana che mi emozionava perché aveva la Pouchain davanti e dove abbiamo gufato insieme una volta la Lazio (lì scopristi il lato peggiore - o migliore? - di me), poi a Trevignano e l'impressione quando venivo a trovarti di andare in un posto sempre speciale e confortevole. Altro. Eri un balsamo. Il tuo spazio era come te. Ci sono persone che danno anima ai luoghi che vivono, è più così che viceversa secondo me, soprattutto se quelle persone creano mondi. Tu hai fatto questo. Ogni volta a casa tua ti chiedevo di farmi vedere come era nato quel lupetto, il bozzetto, il rapporto con Anzalone e Viola. Ogni volta me lo raccontavi. Io non mi stancherò mai di quella Roma. Io non smetterò mai di disegnare quel simbolo. Quando è morto Anzalone mi chiamasti per la prima pagina con il lupetto che piangeva. Oggi quella prima pagina non posso non metterla, non solo perché quel lupetto è tutto tuo, ma perché so che ti piace, che non sbaglio e non voglio sbagliare a scrivere di te. Ciao Pie', mi sento molto più solo anche se tu eri come la tua creazione: inimitabile. Oh, è da quando c'ho 6 anni che ci provo a disegnarlo, non ci sono mai riuscito nemmeno una volta a farlo. Tutt'al più mi sono avvicinato alla perfezione. Quando t'ho conosciuto. Il prossimo anno la Roma sulla seconda maglia c'avrà il tuo lupetto senza cerchio libero come non solo sei tu adesso - chissà dove - ma come sei riuscito a esserlo in questa terra. Ed è un miracolo Pie'. Maestro, amico, persona che vorrei essere. Grande, perché ancora più buono.

·        Morto Gaetano Rebecchini, fu tra i fondatori di Alleanza nazionale.

Da ilsecoloditalia.it il 2 aprile 2020. Gaetano Rebecchini, scomparso oggi all’età di 95 anni, fu tra i fondatori, nel 1994, di Alleanza nazionale. Lo ricordò lui stesso su questo giornale: Alleanza nazionale fu fondata all’hotel Ergife il 23 aprile 1993 da un gruppo di esponenti della società civile tra cui Gustavo Selva, Domenico Fisichella, Pietro Armani e lo stesso Rebecchini, anche se ufficialmente nacque nel gennaio del 1994, sempre a Roma. Rebecchini apparteneva a una importante famiglia romana di politici e ingegneri. Il padre infatti era Salvatore, sindaco democristiano di Roma dal 1947 al 1956, con i voti determinanti dei consiglieri comunali del Msi.

Rebecchini fu ingegnere, politico, ma soprattutto cattolico. Il fratello più piccolo, Francesco, è stato sottosegretario e senatore della Dc dal 1972 al 1988, e l’altro fratello, era editore televisivo nonché presidente della Federazione radio televisioni. Gaetano si laureò in ingegneria a Roma e si occupò dello studio di ingeneria della famiglia. Nel 1976 poi insieme con il fratello Filippo fondò l’emittente televisiva Tele Roma Europa, poi divenuta Super3. Cattolico osservante, dal 1991 al 2011 fu membro della Sacra Consulta e consigliere di Stato della Città del Vaticano.

Presiedeva la Consulta per i problemi etico-religiosi. Come detto, a Fiuggi nel 1995 entrò a far parte del nuovo partito, facendo inserire nelle tesi congressuali il paragrafo scritto da lui: ““Ci sentiamo eredi e siamo cultori della civiltà romana e di quella cristiana che ha il suo fondamento nel messaggio portato da Pietro a Roma e diffuso in Occidente e nel mondo intero”. In quello stesso anno gli fu affidato l’incarico di presidente della Consulta di Alleanza nazionale per i problemi etico-religiosi. Rifiutò la candidatura al Senato per occuparsi della Consulta.

Disaccordi sulla questione della procreazione assistita. Ma nel 2005 ne uscì, in quanto non condivideva la posizione del presidente di An Gianfranco Fini sul referendum abrogativo sulla procreazione assistita. Successivamente, nel 2010, rifiutò di aderire alla nuova formazione di Fini Futuro e Libertà, accusandolo di “deriva relativista”, e in seguito a questo si dimise anche dalla Fondazione FareFuturo. perché “laboratorio dottrinale della nuova formazione politica ideata da Fini”.

Rebecchini e i “valori non negoziabili”. Al 2013 risale una delle sue ultime interviste, come presidente del Centro di orientamento politico di Roma, alla rivista culturale Tradizione, sul problema molto sentito da Rebecchini dei “valori non negoziabili”. Una vita e un impegno politico, quelli di Gaetano, certamente improntati alla coerenza e all’intransigenza rigorosa su alcune questioni. Alla famiglia vadano le condoglianze più sentite della redazione della direzione del Secolo d’Italia.

Il dolore del senatore Gasparri.  “È giunto al cospetto del Signore Gaetano Rebecchini, mancato a Roma all’età di 95 anni. Gaetano Rebecchini ha meriti enormi nel campo dell’impegno sociale, imprenditoriale, culturale e politico. Lui e la sua famiglia hanno dato e danno un contributo essenziale alla vita della Capitale e non solo. A Gaetano Rebecchini la destra politica deve imperitura riconoscenza”. Lo dichiara il senatore di Forza Italia, Maurizio Gasparri. “All’inizio degli anni Novanta – ricorda – è stato protagonista del processo di crescita e maturazione della destra italiana, contribuendo in modo determinante al suo accreditamento nella realtà istituzionale, imprenditoriale e religiosa. Senza Gaetano Rebecchini il miracolo di Alleanza Nazionale non sarebbe stato possibile. E non volle mai né candidarsi alle elezioni né assumere ruoli di governo, che avrebbe ben meritato per le sue indiscutibili qualità”. “Generosità e disinteresse personale, grande spessore umano e morale, capacità di iniziativa in ogni campo, fanno di Gaetano Rebecchini un modello indimenticabile. La destra a lui deve moltissimo ed è doveroso ricordarlo in questo momento in cui Gaetano lascia la terra ma non lascia i nostri cuori e le nostre menti”, conclude il senatore azzurro.

Barbara Palombelli su Facebook: Avevo un bellissimo rapporto con Gaetano Rebecchini, figlio del sindaco e cugino lontano di mia madre Manuela. Durante la durissima campagna elettorale per il Campidoglio, una parte della mia famiglia da parte di mamma era più o meno schierata con la destra (anche se Gianfranco Fini fu corretto e perbene, memore di una amicizia antica con lui e Daniela, a differenza di altri suoi colleghi di partito), con i Rebecchini restammo sempre in contatto. Dopo, ricordo grandi abbracci e grandi allegrie ... e il dolore per la perdita della bellissima Turchese, di cui scrissi sul Corriere con grande emozione. A Roma, la politica, gli affetti e le famiglie si intrecciano in modi inestricabili e direi incomprensibili per chi non è abituato ai nostri riti. Il virus ha portato via un grande protagonista della vita cittadina. Un abbraccio forte a Marilù, ai ragazzi e alla squadra di nipotini... a distanza, senza il calore di un funerale, vi sono vicinissima. 

·        Morto Ellis Marsalis, un gigante del jazz.

Da ilmessaggero.it il 2 aprile 2020. La musica jazz perde un gigante. Ellis Marsalis, considerato una leggenda della scena musicale di New Orleans, tra i principali pianisti di modern jazz e patriarca di una famiglia di sei talenti, è morto per le complicazioni del coronavirus. Aveva 85 anni. L'annuncio della scomparsa è stato dato da un portavoce dell' Ellis Marsalis Center for Music. « Ellis Marsalis era una leggenda, un'icona, il simbolo di quello che intendiamo quando parliamo del jazz di New Orleans», ha detto il sindaco di New Orleans, LaToya Cantrell. Ellis Marsalis si affermò più di 50 anni con il suo primo lavoro, «The Groovy Boys» e da allora ha avuto una grande influenza nella musica jazz. Ha suonato con i più noti jazzisti modern, tra cui Cannonball Adderley, Nat Adderley e Al Hirt, diventando uno dei pianisti jazz più stimati nell'ambito del modern jazz. Ha inciso una ventina di dischi e ha collaborato a album di altri grandi jazzisti come David Newman, Eddie Harris, Marcus Roberts e Courtney Pine. Come pianista si è dedicato anche all'insegnamento. Ellis era il padre di una famiglia di musicisti, tra cui spiccano il figlio Wynton Marsalis (1961), trombettista enfant prodige e diventato un filologo della musica afroamericana, emblema del riflusso delle avanguardie jazzistiche verso un mainstream riproposto tra virtuosismo e divismo, e il figlio Brandford (1960), un eccelso sassofonista jazz.  

·        Morto Goyo Benito: stella del Real Madrid negli anni ’70.    

Coronavirus, morto Goyo Benito: stella del Real Madrid negli anni ’70.  Jacopo Bongini il 02/04/2020 su Notizie.it. È morto il giocatore del Real Madrid Goyo Benito, scomparso all'età di 73 anni dopo aver contratto il coronavirus. Con i blancos vinse sei campionati. La pandemia di cornavirus si porta via un altro talento sportivo: è morto infatti il campione del Real Madrid Goyo Benito, che con i blancos aveva vinto ben sei campionati spagnoli e cinque Coppe del Re militandovi dal 1968 al 1983 per 420 partite. Goyo Benito, il cui vero nome era Gregorio Benito, da alcuni anni combatteva contro il morbo di Alzheimer e il coronavirus non ha fatto altro che minare ulteriormente la sua salute già fortemente compromessa. Nato nel 1946, ad esclusione di una breve parentesi di due anni nel Rayo Vallecano Goyo Benito trascorse tutta la sua carriera sportiva nel Real Madrid, dove arrivò la prima volta nel 1965 per poi tornarvi in pianta stabile nel 1968. Con la maglia dei blancos Benito trascorse come difensore tredici stagioni, vincendo sei campionati spagnoli e cinque Coppe del Re e facendo parte della formazione che perse la finale di Coppa dei Campioni del 1981 per uno a zero contro il Liverpool. Tra i primi a esprimere le sue condoglianze per la morte di Goyo Benito c’è stato l’ex portiere del Real (ora in forza al Porto) Iker Casillas, che ha commentato: “Abbiamo avuto una notizia triste a livello nazionale e globale. Oggi noi abbiamo perso una persona incredibile, un madridista di cuore e di razza. Riposa in pace Goyo Benito”. A poche ore dalla sua scomparsa, l’account ufficiale del Real Madrid ha voluto commemorare la figura di Benito, dedicandogli un post in memoria dei suoi anni trascorsi tra le fila dei blancos: “Goyo Benito è sempre stato un esempio dei valori fondanti del nostro club. Ha indossato la maglia del Real Madrid per tredici stagioni. Durante tutto questo tempo, fin dalla sua formazione nelle giovanili del Real Madrid, ha conquistato 6 Liga e 5 Coppe di Spagna”. Quello di Benito è il secondo grave lutto che ha colpito il Real Madrid a seguito dell’epidemia do coronavirus, dopo la morte dell’ex presidente Lorenzo Sanz avvenuta lo scorso 21 marzo.

·        Morto Andrew Jack della saga di Star Wars.

Maurizio Crosetti per “la Repubblica” il 2 aprile 2020. Andrew Jack, di anni 76. Gli appassionati della saga di Star Wars lo ricorderanno nel ruolo del maggiore Calman Ematt, capelli lunghi e bianchi sulla galassia più lontana: un membro della Resistenza. Attore britannico, Andrew è morto al St. Peter' s Hospital di Chertsey, nel Surrey, mentre la moglie Gabrielle sposata un anno fa si trovava in quarantena in Australia. Andrew era anche un maestro di dizione per molte star di Hollywood tra cui Pierce Brosnan, Bill Murray, Cate Blanchett e Viggo Mortensen: curò, tra l' altro, anche la supervisione dei dialoghi nei vari dialetti del Signore degli anelli. Era un maestro schivo e viveva in una delle più antiche case galleggianti sul Tamigi.

·        Coronavirus, addio al musicista Adam Schlesinger, celebre leader dei Fourtains of Wayne.

Coronavirus, addio al musicista Adam Schlesinger, celebre leader dei Fourtains of Wayne. A causa del coronavirus, all'età di 52 anni, si spegne Adam Schlesinger, cantante e fondatore dei Fountains Of Wayne, band di grande successo in America e in Italia. Carlo Lanna, Giovedì 02/04/2020 su Il Giornale. Come riportano le agenzie stampa, il musicista statunitense Adam Schlesinger, fondatore e voce dei Fountains Of Wayne, è morto ieri sera, mercoledì primo aprile, in un ospedale di New York per le complicazioni del coronavirus dopo alcuni giorni di ricovero. Aveva 52 anni. Il cantautore era anche bassista e compositore. Oltre che essere il leader della band nata nel 1995, era noto anche per il suo lavoro come autore di canzoni e colonne sonore per il cinema, serie tv e musical. Adam Schlesinger aveva fondato il gruppo originario del Northampton insieme al cantante Chris Collingwood, al chitarrista Jody Porter e al percussionista Brian Young. Il gruppo esordì nel 1996 con l'album "Fountains of Wayne", seguito nel 1999 da "Utopia parkway" e nel 2003 da "Welcome interstatemanagers", contenente il singolo di grande successo "Stacy's mom", che è diventato un grande successo anche qui in Italia ai tempi d’oro di MTV. L'ultimo album della band, "Sky full of holes", era uscito nel 2011. Nel corso della carriera Adam Schlesinger ha vinto tre Emmy Awards, un Grammy Awards ed era stato nominato agli Oscar e ai Golden Globe. Ottenne la nomination agli Oscar e ai Grammy per la colonna sonora del film diretto da Tom Hanks""Music Graffiti" (1996). Per il cinema ha scritto il brano "Master Of The Seas" per "L’Era Glaciale" e le colonne sonore di "Tutti pazzi per Mary", "Io, me e Irene", "Scary Movie" e "The Manchurian Candidate". Adam Schlesinger è nato nell’ottobre del 1967. È cresciuto in un quartiere di Manhattan ma è originario del New Yersey. Ha sempre avuto la passione per la musica che ha coltivato fin da quando era un ragazzino. Era il cugino di Jon Bernthal, attore reso celebre grazie a "The Walking Dead" e a "The Punisher". Abile compositore, le sue canzoni hanno sempre avuto sonorità orecchiali e per nulla sofisticate. Mixava la musica pop a tonalità un po’ più rock che, alla fine, hanno contraddistinto il suo stile. La sua band ha scalato le classiche ma è stato celebre tra i teatri di Broadway, producendo alcune piecè.

·        E' morta Maria Antonietta Muccioli.

E' morta Maria Antonietta Muccioli, col marito Vincenzo fondò San Patrignano. Rimini, nel 1978 la coppia fece sorgere la comunità per tossicodipendenti, che la saluta così: "L'amore di madre che ci hai regalato". La Repubblica il E' morta ieri notte Maria Antonietta Cappelli Muccioli, vedova del fondatore della comunità di San Patrignano Vincenzo Muccioli. Aveva 86 anni. Ne ha dato l'annuncio, il figlio Andrea sulla sua pagina Facebook. "Ciao mamma - ha scritto - Dovrei essere contento. Questa notte ti sei finalmente liberata di quell'involucro accartocciato e stanco, che ti aveva privato del movimento, della parola e infine della memoria e del pensiero". Vincenzo e Maria Antonietta Muccioli, nel 1978 diedero vita alla comunità di recupero per tossicodipendenti San Patrignano appunto scegliendo il nome dalla strada del comune di Coriano nel Riminese dove ha ancora oggi la sede. San Patrignano ospita quasi duemila giovani. Dalla comunità di "Sanpa" arriva un messaggio di addio alla donna: "Cara Antonietta, non cesseremo mai di ricordarti per la grande forza con cui hai saputo allargare la tua famiglia, permettendo così a Vincenzo di impegnarsi totalmente per la nascita di San Patrignano. L'amore di madre che hai regalato a molti di noi rimarrà per sempre nei nostri cuori". La sua "capacità materna di adoperarsi per mantenere nella Comunità un clima famigliare" è una delle eredità più preziose, scrive in una nota la comunità: una capacità esplicitatasi, "partendo dagli aspetti relazionali sino a quelli organizzativi e di cura degli ambienti. Solo a titolo esemplificativo ci piace ricordare che non ha mai voluto sentir parlare di “mensa” insistendo perché fosse definita “sala da pranzo” e fosse organizzata, anche esteticamente, con modalità il più possibile capaci di riprodurre il calore domestico". 

·        Addio a Franco Crepax.

Addio a Franco Crepax, il discografico che lanciò i primi cantautori. A 92 anni scompare uno dei pilastri dell'industria musicale italiana. Era il fratello del disegnatore Guido Crepax. La Repubblica il 30 marzo 2020. Franco Crepax, uno dei pilastri della discografia italiana, è morto a Milano a 92 anni. Era fratello del disegnatore Guido Crepax e padre di Valentina, che ispirò l’eroina del celebre fumetto. Negli anni Sessanta, come direttore generale prima alla Dischi Ricordi e poi alla Cgd, ha contribuito a lanciare i primi cantautori come Gino Paoli, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Enzo Jannacci, Sergio Endrigo e Luigi Tenco ma anche interpreti della canzone italiana come Ornella Vanoni, Gigliola Cinquetti, Caterina Caselli e Marcella Bella. Stretto collaboratore dalla famiglia Sugar prima come direttore artistico e poi come amministratore delegato. Grande il cordoglio espresso da Piero, Caterina e Filippo Sugar che ricordano la sua attenzione nei confronti della canzone d'autore. Accanto all'attività di produttore discografico, Crepax ha svolto quella di scrittore e saggista, curando anche varie pubblicazioni editoriali.

Mario Luzzatto Fegiz per corriere.it il 30 marzo 2020. E’ morto Franco Crepax, uno dei massimi padri fondatori della discografia italiana, Era fratello del disegnatore Guido Crepax e padre di Valentina, che ispirò l’eroina del celebre fumetto. Era nato a Milano nel 1928. Franco Crepax fu per decenni uno stretto collaboratore dalla famiglia Sugar prima come direttore artistico e poi come amministratore delegato. Grande il cordoglio espresso da Piero, Caterina e Filippo Sugar. Caterina così lo ricorda: «Era un uomo intelligente simpatico e generoso. Ti faceva sempre sentire a tuo agio. Era brillante e comunicativo, sempre attento alle novità e alla canzone d’autore. Piero lo volle in azienda a tutti i costi e fu una decisione che arricchì la CGD Sugar, sul piano finanziario e umano». La sua carriera era iniziata nel 1952 alla VCM (gruppo trasformato in EMI nel 1967), dove gestiva la divisione pubblicità e grafica; nel 1953 è chiamato alle edizioni G. Ricordi & C., dove – insieme a Nanni Ricordi – nel 1958 contribui a inaugurare l’attività di produzione della Dischi Ricordi, aprendo la strada, in qualità di direttore generale, a numerosi cantautori della prima ora, tra cui Paoli, Gaber, Bindi, Jannacci, Endrigo, Tenco ed altri, nonché interpreti come Ornella Vanoni. Nel 1961, nel ruolo di direttore generale, passa alla CGD, di cui diventa nel 1978 amministratore delegato e dove contribuisce al lancio di personaggi come Gigliola Cinquetti, Caterina Caselli, Marcella Bella, i Pooh e numerosi altri. Nel 1986 passò alla Panarecord Dischi, con la carica di amministratore delegato, dedicandosi alla produzione, e negli anni ’90 svolse attività di consulente nell’ambito dell’AFI (Associazione Fonografici Italiani). Accanto all’attività di produttore ha condotto anche quella di scrittore e saggista (il suo ultimo lavoro è Correndo con il dentista”, 2008), curando inoltre varie pubblicazioni editoriali. Fu lo scopritore di Ricky Gianco e l’artefice di fortunatissimi brani come Lisa dagli occhi blu unico successo planetario di Mario Tessuto.

·        È morto Filippo Mantovani, il figlio del presidente della Sampdoria.

È morto Filippo Mantovani, il figlio del presidente della Sampdoria. Laura Pellegrini il 30/03/2020 su Notizie.it. Filippo Mantovani è morto all'età di 54 anni: la Sampdoria piange la scomparsa del figlio del presidente Paolo Mantovani. La Sampdoria è in lutto: è morto Filippo Mantovani, figlio del presidente Paolo Mantovani e fratello di Enrico, Francesca e Ludovica. L’uomo, di 54 anni, è stato stroncato da un improvviso arresto cardiaco. “Era l’unico della famiglia che sapeva giocare a pallone – ha detto Enrico Mantovani a Primocanale, ricordando il fratello –. Seguiva il calcio ovunque, era appassionatissimo. Non mi sento di aggiungere altro, se non che ho perso mio fratello”. “Si è spento oggi nella sua casa di Sestri Levante Filippo Mantovani, terzogenito dell’indimenticato presidente Paolo”. Questo è il messaggio di cordoglio della Sampdoria dopo aver appreso la scomparsa del figlio del presidente. “Aveva 54 anni – scrivono ancora dal team – e, oltre al ruolo di dirigente e stretto collaboratore del fratello Enrico durante la sua presidenza, aveva ricoperto per la Sampdoria il ruolo di team manager. Il presidente Massimo Ferrero e tutta la società abbracciano la mamma Dany e i fratelli Francesca, Enrico e Ludovica porgendo loro le più sentite condoglianze”.

Filippo Mantovani è morto a causa di un arresto cardiaco improvviso e la sua scomparsa così prematura ha gettato nello sconforto moltissime persone. Quando la gestione della società era affidata a Enrico, Filippo faceva parte dei quadri dirigenziali del club blucerchiato, dalla fine del 1993. Nella seconda parte degli anni Novanta, inoltre, aveva sponsorizzato l’acquisto di molti giocatori della squadra. Era un grande appassionato di calcio e aveva svolto anche il ruolo di team manager della Sampdoria.

·        Morto Attilio Bignasca,

Morto Attilio Bignasca, addio all’imprenditore della Lega Dei Ticinesi. Marco Alborghetti il 29/03/2020 su Notizie.it. Grave lutto nella Lega. Questa notte è venuto a mancare Attilio Bignasca, imprenditore e capo della Lega nel Ticino dal 2013. Grave lutto nel mondo politico. Questa notte è venuto a mancare Attilio Bignasca, imprenditore e capo della Lega Dei Ticinesi dal 2013. Bignasca era malato da tempo. Aveva 77 anni. Un grave lutto ha colpito la Lega Dei Ticinesi. Questa notte è venuto a mancare Attilio Bignasca, classe 1943, imprenditore e etitolare della A+G Bignasca, ma conosciuto ai più come esponente leghista dei ticinesi. Bignasca da tempo era malato, e non ha potuto vestire da un anno a questa parte la carica di Gran Consigliere. La Lega dei Ticinesi ha voluto dare un ultimo saluto ad Attilio Bignasca con una storia su Instagram: «Ciao Conte Zio, sarai sempre con noi!”. Toccante è stato il saluto di Norman Bobbi, suo consigliere: Bignasca è stato un politico della prima ora assieme al fratello Giuliano, con il quale poi ha fondato al sua azienda. Per la Lega Dei Ticinesi ha rivestito diverse cariche, come quella di consigliere comunale, ma soprattutto di grancosigliere di lungo corso. Nel 2002 è stato presidente del Gran Consiglio. Dal 2003 al 2009 è stato deputato al Consiglio nazionale. Dal 2013, dopo la scomparsa del fratello Giuliano, aveva assunto il coordinamento della Lega, e negli ultimi mesi pare che si stesse preparando per una nuova conduzione politica.

·        Morto Angelo Rottoli, ex campione europeo dei massimi leggeri.

Pugilato, coronavirus: morto ex campione europeo dei massimi leggeri Rottoli. Angelo Rottoli. bergamasco, aveva 61 anni. Nel suo palmares anche il titolo italiano dei massimi e quello intercontinentale Wbc. La Repubblica il 29 marzo 2020. Il match più difficile non è riuscito a vincerlo. Il bergamasco Angelo Rottoli, ex campione europeo di pugilato, è morto al Policlinico di Ponte San Pietro. Aveva 61 anni ed era stato colpito dal coronavirus, due settimane fa aveva perso la madre e il fratello. Rottoli iniziò da dilettante nel 1977 e passò professionista nel dicembre 1981 come peso massimo: nel giro di due anni divenne campione italiano. Nei massimi leggeri arrivò a competere per il Mondiale Wbc, perdendo per ferita contro il portoricano Carlos De Leon nel 1985. Nel 1987 diventa campione intercontinentale Wbc sempre nei massimi leggeri e poi campione europeo, titolo continentale perso sempre nello stesso anno. Rottoli disputò ancora un match nell'aprile 1990, perdendolo: quella sconfitta lo portò a chiudere la carriera dopo 35 incontri.

·        È morto Krzysztof Penderecki, compositore polacco.

È morto Krzysztof Penderecki, compositore polacco. Suoi brani nelle colonne sonore di Shining e L'esorcista. Aveva 86 anni. Tra le sue ultime opere, un requiem in memoria di Papa Giovanni Paolo II. La Repubblica il 29 marzo 2020. È morto a 86 anni il famoso compositore polacco, Krzysztof Penderecki. Lo riferiscono i media della Polonia che citano la famiglia dell'artista. Penderecki aveva studiato pianoforte e violino al Conservatorio di Cracovia, città alla quale  stato legato per tutta la vita e dove si è spento dopo aver a lungo insegnato all'Accademia di musica. La sua attività di compositore si è ispirata negli esordi alla scuola di Darmstadt, della quala sono stati esponenti Luigi Nono, Bruno Maderna, Pierre Boulez e Karl-Heinz Stockhausen. La sua ricerca musicale si è concentrata soprattuto sull'espressività degli archi e dei cori, con una particolar vena per le composizioni religiose. Tra le sue composizioni più note, la Trenodia per le vittime di Hiroshima, la Polymorphia per 48 strumenti ad arco, il Requiem polacco. È stato autore anche di otto sinfonie, e le sue musiche sono state scelte come parte della colonna sonora di film come L'esorcista e Shining. Tra le sue ultime opere, un requiem in memoria di Papa Giovanni Paolo II. Il compositore era molto apprezzato anche nell'ambito della musica leggera e aveva influenzato l'arte di numerosi artisti: tra questi Jonny Greenwood, chitarrista e arrangiatore dei Radiohead, che lo aveva citato numerose volte come fonte di ispirazione. Nel 2012 era arrivata anche una collaborazione per un album in cui alle composizioni di Penderecki Threnody for the Victims of Hiroshima e Polymorphia erano affiancate Popcorn Superhet Receiver e 48 Responses to Polymorphia di Greenwood. "Penderecki era il più grande", ha scritto Greenwood ricordandolo sui social network, "un compositore incredibilmente coraggioso e un uomo gentile e buono. Le mie condoglianze alla sua famiglia e alla Polonia per questa grande perdita nel mondo della musica". Nel 2019 era stato pubblicato Symphony of Sorrowful Songs, un album in cui Penderecki dirigeva la Polish National Radio Symphony Orchestra con Beth Gibbons, cantante dei Portishead, per la Sinfonia n.3 di Henryk Górecki.

Marco Giusti per Dagospia il 29 marzo 2020. La musica moderna e il cinema perdono uno dei più celebrati maestri del 900, il polacco Krzysztof Penderecki, 86 anni, forse il compositore che più ha influenzato il cinema dell’orrore di sempre. Basterebbe l’uso che hanno fatto della sua musica William Friedkin per “L’esorcista”, Stanley Kubrick per “Shining”, David Lynch per “Cuore selvaggio”, “Inland Empire” e “Twin Peaks: il ritorno”, Martin Scorsese per “Shutter Island”, Alfonso Cuaron per “I figli degli uomini”. Sentiamo suoi celebri brani perfino in “Ready Player One” e “Black Mirror”. Se la fama di Penderecki nasce negli anni ’60, con le sue più celebri composizioni, “Utrenja”, “Polimorphia”, “Trenodie per le vittine Hiroshima”, “I diavoli di Loudon”, che venne eseguita la prima volta al Teatro dell’Opera di Stato di Amburgo nel 1969, “La Passione secondo San Luca”, nel cinema ha due carriere ben divise, da compositore, una trentina di titolo tra corti e lungometraggi e documentari, e come fonte per film altrui. Magari è un paragone azzardato, ma è po’ come accadrà a Ennio Morricone in questi ultimi anni, anche se dei suoi vengono usati solo brani composto per altri film, ma è simile il meccanismo che ha rilanciato a livello popolare quel tipo di musica e con altri effetti. Nato a Debicen, in Polonia, nel 1933, Krzysztof Penderecki, dopo gli studi presso l'Accademia di Musica di Cracovia, grazie alle sue prime composizione già nel 1961 si impone all’attenzione internazionale. La sua “Passione secondo San Luca” è presentata nella Cattedrale di Munster nel 1961. Nel cinema compone nel 1965 le musiche dello stravagante “Il manoscritto trovato a Saragoza” del cecoslovacco Wojciech Has con Zbigniew Cybulski, tratto dal celebre romanzo di Jan Potocki. Lo chiama Alain Resnais per l’altrettanto stravagante, addirittura una storia d’amore mischiata coi viaggi nel tempo,“Je t’aime, Je t’aime” con Claude Rich e Olga-Georges Picot, presto seguito da Michel Cournot per il più tradizionale “Les gauloises bleus”, 1968, con Annie Girardot e Jean-Pierre Kalfon. Nel 1972 diventa rettore dell’Accademia di Stato di Cracovia. Ma è nel 1973, con il successo internazionale di “L’esorcista” di William Friedkin che la musica di Penderecki diventa popolare in tutto il mondo. Pochi anni dopo toccherà a Stanley Kubrick servirsi delle composizioni di Penederecki, “Utrenja”, “Polimorphia” e “De Natura Sonoris”, per il suo capolavoro, “Shining”, mentre David Lynch per “Cuore selvaggio” usa la sua celebre “Kosmogonia”. Basterebbero questi film per definire per sempre la carriera del compositore. Dal 1973 al 1978 è chiamato a insegnare a Yale. Nel 1981 lo vuole Jerzy Skolimowski per musicare il suo film maledetto, censurato più volte e rimontato, “Mani in alto”, poi è la volta di Aleksander Sokurov per “La voce solitaria dell’uomo”, il polacco Andrzej Wajda per lo storico “Katyn”, 2007. La sua ultima composizione originale per il cinema dovrebbe essere il mai visto “Demon” di Marcin Wrona nel 2015. Nel corso della sua lunga carriera, rimase sempre un cattolico fervente, molto legato a Giovanni Paolo II, inoltre, per il quale compose varia musica. Penderecki è morto dopo lunga malattia a Varsavia.  

·        E’ morto Luigi Roni: il cantante lirico.

Coronavirus, è morto Luigi Roni: il cantante lirico aveva 78 anni. Laura Pellegrini il 28/03/2020 su Notizie.it. Colpito dal coronavirus, il cantante lirico Luigi Roni è morto all'ospedale di Lucca all'età di 78 anni. Si è spento a 78 anni all’ospedale di Lucca, dopo un ricovero durato circa una settimana: Luigi Roni è morto a causa del coronavirus. Il cantante lirico aveva una fama mondiale ed era uno dei bassi maggiormente conosciuti. Si era esibito nei maggiori teatri del mondo e per 40 anni aveva collaborato anche con il teatro La Scala di Milano. Gli organizzatori del festival Il Serchio del Muse, del quale Luigi era presidente, lo salutano così: “Non possiamo spiegare quanto sia grande la perdita, dell’uomo, dell’artista e del riferimento che per tutti noi Luigi è stato. In questi venti anni di amore e dedizione per la musica e per il suo territorio. Ci stringiamo intorno ai familiari interpretando il pensiero di tutti coloro che hanno amato ed ammirato un grandissimo artista”. Il mondo della musica è in lutto: è morto, a causa del coronavirus, il cantante lirico di fama mondiale Luigi Roni. L’uomo, di 78 anni, era ricoverato da una settimana all’ospedale di Lucca, dove ha perso la vita. Il Comune della città toscana lo ricorda come “uno dei grandi talenti che hanno rinnovato e portato nel mondo la grande tradizione musicale della nostra terra”. Aveva collaborato per 40 anni con il teatro La Scala di Milano ma aveva varcato anche i maggiori teatri mondiali. L’assessore alla Cultura, Stefano Ragghianti, lo descrive con queste parole: “Di Luigi Roni non potremo mai dimenticare l’affabilità, la competenza, ma soprattutto l’infaticabile passione per la divulgazione musicale, grazie al suo impegno e alla sua rete nell’ambito artistico con il Festival Il Serchio delle Muse ha portato la lirica, il teatro, la poesia negli angoli più belli suggestivi e sperduti della Valle di Serchio”. Classe 1942, Luigi Roni era nato a Calomini di Vergemoli, in provincia di Lucca, nella nota Valle del Serchio. Si è diplomato all’Istituto Boccherini e all’età di 22 anni ha vinto il concorso Adriano Belli di Spoleto. Da lì è partita la sua carriera di cantante d’opera, in cui esordì con il direttore Claudio Abbado, alla Scala nel 1969. Ha collaborato con il teatro meneghino fino al 2010 e ha lavorato con i più grandi direttore d’orchestra e con cantanti lirici come Pavarotti, Domingo, Carreras. Non solo, nel corso degli anni si è esibito anche nei maggiori teatri del mondo: a Tokyo, Mosca, Amsterdam, Oslo, Londra, Parigi, Berlino, Bonn, Copenaghen, Madrid, Lisbona, Zurigo, Ginevra, Johannesburg, Pretoria, nell’America del Nord e del Sud.

·        E se n'è andata anche Annunziata Chiarelli, per tutti Mirna Doris.

Federico Vacalebre per "ilmattino.it" il 27 marzo 2020. E se n'è andata anche Annunziata Chiarelli, per tutti Mirna Doris, avrebbe compiuto 80 anni il 20 settembre, per il piccolo mondo antico di cantaNapoli, sempre più vicino all'estinzione ora che se n'è andata anche lei, resterà per sempre «la ragazza di Marechiaro». ll suo sensuale richiamo canoro da sirena digiacomiana apparve come un miraggio quando la melodia partenopea classica già aveva consumato la sua migliore epopea, dando profondità e allure a una stagione, quella degli anni Settanta, che rimpiangeva i «belle tiempe 'e 'na vota» senza sapere che canzone cantare per essere al passo con i tempi, consegnandosi così drammaticamente alla nostalgia canaglia. La notizia della sua morte è stata data stamattina dalla sua pagina Facebook, poi smentita dalla stessa, parlando di uno «scambio di cartelle». Mentre in rete si alternavano i messaggi di cordoglio e quelli di felicità per la notizia che la cantante era ancora in vita, una pronipote ha gelato tutti: «Ora è morta». Ed era vero: alle 11.40, per l'esattezza, comunicano da Villa Angela, dove era ricoverata per combattere il tumore che l'aveva aggredita da tempo. Da leonessa quale era aveva provato a reagire, sfidando con coraggio il male, ma...Annunziata Chiarelli fu scoperta da Johnny Lombardi, un commerciante italiano proprietario di supermercati in America diventato poi un manager radiotelevisivo, che le affidò un jingle per la sua azienda. Andò a registrarlo negli studi napoletani della Phonotype, la più antica delle etichette napoletane e qui la ascolto Salvatore Mazzocco, già arrivato al successo grazie ai Festival di Napoli: lei era bella, florida e aveva una grande voce, lui la prese sotto la sua ala protettrice e le trovò anche il nome d'arte. I primi concorsi, il primo contratto con la Fonit Cetra, nel 1962 il primo «festivàl» come si diceva per distinguerlo da quello di Sanremo: Mazzocco firma le musiche di «Suonno perduto» e «Ricciulella». Il passaggio alla King, torna al Festival di Napoli nel '64, in duetto con il boss della casa discografica Aurelio Fierro lanciando «Nun m'abbraccia'», ma anche «'Mparame a vule' bene». Il concorso alla ricerca delle nuove melodie veraci è la strada scelta per arrivare al successo: torna nel '65 e porta in finale «Schiavo d'ammore», divisa con Mario Abbate, e «Dduje giuramente», in abbinamento nientepopòdimeno con Sergio Bruni. Nel '66. invece, tocca a «Rose d'o mese 'e maggio» con Mario Trevi e «Nun m'abbanduna'» con Luciano Tomei; nel 1967«Nun spezza' sta catena» con Antonio Buonomo e  «Addio felicità» con Luciano Tajoli. Il fatidico '68 è l'anno buono: vince il Festival di Napoli 1968 con «Core spezzato» (in coppia con Tony Astarita) e arriva terza con «Ammore 'e Napule» e Claudio Villa. Nominata giovane regine di cantaNapoli, rivince l'anno dopo con «Preghiera a 'na mamma» in coppia con Aurelio Fierro. Nel 1970 non vince, ma sfonda con «Chitarra rossa» e Mario Merola, più che con «'A mossa» e Franco Franchi, ma fa bene anche a «Canzonissima» con «Verde fiume». Ancora un cambio di etichetta, la Hello di Luciano Rondinella, ancora concorsi, questa volta «nazionali», ormai è una giovane sensazione, la ragazza di Marechiaro, bella, anche se a Napoli la fanno cantare sulle basi preparate per Mario Merola, che ha un'altra tonalità. Il mondo di cantaNapoli è maschilista, si sa, ma le si adatta, accetta la sfida, la supera. Si misura con la sceneggiata («Grazie Mari'» di Alberto Sciotti con Pino Mauro), nel 1976 è al centro dell'omaggio discografico al suo scopritore Mazzocco, da poco scomparso. E' anche l'anno di «Mammà», sceneggiata con Merola, e di «Novecento»: Bernardo Bertolucci inserì nel suo capolavoro una sua tenera interpretazione di «Era di maggio». Anche Mirna fa i conti con il declino del genere, l'ultimo squillo negli anni '70 è uno storico allestimento della vivianea «Festa di Piedigrotta» con la regia di Roberto De Simone, nel decennio successivo si dedica ad apparizioni sulle tv private campane, chiudendo gli Ottanta con un'antologia in cinque volumi, la prima incisa al femminile, e non a caso intitolata «Napoli una donna», in cui rilegge classici e successi personali diretta da Sciotti e con arrangiamenti di Tony Iglio: ci sono «Mare verde», «Preghiera a 'na mamma», «Chitarra rossa», «Te desidero», «Core spezzato», «Malanotte, più due brani di Claudio Mattone, «Ancora» e «'A città 'e Pulecenella». A rilanciarla, ad annunciarla come «la talentosa Mirna Doris» è Paolo Limiti che dal 1995 la vuole nei suoi programmi televisivi: lei ha ancora una grande ugola, veste da ultima diva di un mondo verace che non c'è più. Nel 1995 con Mario Da Vinci, Gianni Nazzaro e Nunzio Gallo forma i Napoli 4 ed arriva alla finale di «Viva Napoli», presentato da Mike Bongiorno e Mara Venier su Canale 5 con «Ciccio Formaggio». Nel '96 fanno il bis, con Wess al posto di Gianni Nazzaro e «'A pizza». Quel repertorio le sta stretto, torna alla kermesse revival, a questo punto in onda su Retequattro nel 2000 (terza con «'Na sera 'e maggio) , l'anno dopo (quarta con «'A canzone 'e Napule»), nel 2002, l'ultima. Ancora un sceneggiata, anzi il revival della sceneggiata, con la versione teatrale di «Lacreme napulitane» firmata nel 2002 da Geppy Gleijeses. Poi il ritiro, annunciato e per fortuna non mantenuto, il «Masaniello» di Tato Russo, recital che rivelano ancora una voce straordinaria, nel 2012 è ancora in tv con Paolo Limiti. Il 6 aprile 2018 è sul palco della Festa del borgo di Marechiaro. Di Giacomo è il suo autore preferito, più che nel brodo veteromelodico a cui attinsero i suoi successi personali dava il meglio nel repertorio classico, cesellato persino con maggior convinzione nella sua seconda stagione, quella della nuova fama nazionale grazie a Limiti: «Il mio aggettivo preferito è carnale», confessava l'eterna ragazza di Marechiaro ai suoi biografi Pietro Gargano e Gioconda Marinelli, definendo da sola la propria arte, la propria intonazione ora languida ora dolente, ma comunque sempre sull'orlo di una crisi d'amore, di vita, di gioia, di disperazione. Confessava di aver vissuto, amato, sofferto, sbagliato, cantato. Negli ultimi tempi invitava gli amici a cena, periodicamente, al Leon d'Oro, storico ristorante napoletano di piazza Dante: chiacchiere, ricordi, alla fine due canzoni ci scappavano sempre, e tornava l'in/canto della ragazza di Marechiaro. Ciao Mirna, ciao.

·        Morto Michel Hidalgo: c.t. campione d'Europa nell'84 con la Francia.

Da gazzetta.it il 26 marzo 2020. "Calcio champagne". È un'espressione che ha fatto epoca e resterà per sempre legata al nome di Michel Hidalgo, morto oggi a 87 anni dopo una lunga malattia che l'aveva debilitato. Il decesso del c.t. campione d'Europa nell'84 con la Francia non sarebbe dunque legato alla pandemia di coronavirus. Il momento d'oro della carriera da allenatore di Hidalgo è stato nella prima metà degli Anni 80, quando sedeva sulla panchina dei Bleus. Che prima arrivarono in semifinale al Mondiale '82 in Spagna (chiudendo il torneo al quarto posto) e poi vinsero l'Europeo di casa, mostrando sempre un gioco scintillante, piacevole e votato all'attacco. In quella nazionale la stella era Michel Platini, ma anche Giresse, Tigana, Genghini e Fernandes davano un grande contributo. Cresciuto in Normandia, da giocatore era stato un buon centrocampista, capace di vincere il campionato nel '55 col Reims e di arrivare in finale di Coppa dei Campioni l'anno seguente.

·        Morto Massimo Vincenzi de La Repubblica.

Massimo Vincenzi, il talento del giornale in una stanza. Caporedattore centrale per anni, aveva scalato “Repubblica” con quell’intelligenza fisica e quella velocità di reazione alle notizie di chi sa fare un quotidiano. La sedia d’angolo al settimo piano era il suo centro di gravità naturale. Ezio Mauro de La Repubblica il 27 Marzo 2020. Massimo Vincenzi, scomparso a 48 anni. Massimo è andato via proprio quando credeva di aver vinto. Si era riconciliato con se stesso, aveva ripreso le scelte da fare nelle sue mani, ricominciava a pensare alle cose da scrivere, ai servizi da preparare. Passava nelle stanze del giornale per dirlo agli amici, dare rassicurazioni, fare promesse e si capiva che in realtà scommetteva con una parte di sé, quella che si era smarrita e lo trascinava altrove, mentre lui adesso cercava di riprenderla e governarla. Non ce l’ha fatta, come se alla fine tutta l’energia della sua vita giovane si fosse ribellata rovesciandosi nel suo contrario e ormai non avesse più la forza di fare la sua battaglia. Restano i giornali, che spiegano tante cose e rivelano le persone: perché fanno parte della vita, non della sua rappresentazione. Vincenzi è stato vicedirettore della “Stampa”, corrispondente di “Repubblica” da New York. Ma ognuno di noi, quando pensa a lui, lo vede sempre e solo seduto alla guida dell’ufficio centrale, la macchina del quotidiano che comincia a progettarlo al mattino, gli dà forma e senso durante la lunga giornata, lo accompagna alla stampa, la notte. Quello era il suo posto, il luogo del suo talento, del suo carattere, lo snodo tra la formazione e l’ambizione, l’incontro tra la direzione e la redazione, l’occasione per insegnare e imparare insieme, ricominciando ogni giorno. Arrivato dalla “Gazzetta di Mantova”, il giornale della sua città dove aveva cominciato il mestiere giovanissimo, Massimo aveva scalato “Repubblica” come un passaggio naturale, quasi il lavoro fosse semplice. Lo era per lui, che aveva quell’intelligenza fisica, quella velocità di reazione istintiva dei veri capiredattori, che quando succede un grande fatto si alzano in piedi a dettare lo sfoglio nuovo buttando per aria tutto il giornale, e la redazione li segue come li segue il direttore: perché quella è l’autorità misteriosa di chi sa fare il giornale con le mani, in una logica binaria che sceglie continuamente la notizia che deve stare dentro e quella che rimarrà fuori, senza mai perdere il sentimento generale del giornale che si sta componendo, e che ogni giorno è diverso pur essendo uguale a se stesso. Massimo era tutto questo come se fosse predestinato, costruito esattamente per quel mestiere. Come tutti, lo sapeva e cercava di sfuggire attraverso la letteratura, i personaggi di Bukowski e forse alla fine proprio Bukowski come personaggio, i play teatrali che scriveva, la conquista dell’America che inseguiva. Ma il suo centro di gravità naturale restava quella stanza di “Repubblica” al settimo piano, quella sedia d’angolo, quel “timone” davanti agli occhi con tutte le pagine in fila da riempire, i colleghi che entravano, uscivano, riconoscevano i difetti impazienti della giovane età e li scusavano con il pregio impagabile di una guida solida, sicura, che sapeva fare le scelte, e sapeva spiegare perché. Raggiunta l’America, Massimo forse ha perso proprio quel centro di gravità, o forse come dice Simona ha perso l’orizzonte. Si smarriva, si cercava, s’inseguiva. Com’era previsto è tornato al suo posto, perché il talento lo reclamava lì, poi Maurizio Molinari gli ha proposto la vice direzione della “Stampa”, ed è cominciata l’avventura a Torino. Quando era a Roma passava da noi come chi ritorna a casa, accarezzava con lo sguardo le scrivanie, sembrava ogni volta pronto a cominciare la riunione. Forse la solitudine stava vincendo, rubando spazi al lavoro. Forse ricomporre quel che si era spezzato dentro risultava ormai più difficile che costruire le pagine del giornale, organizzarle, curarle fino all’ultima didascalia, prima di licenziarle, appoggiandosi finalmente allo schienale della sedia alla fine, guardando l’ora e avvertendo a quel punto lo sforzo collettivo dell’impresa. E invece anche in lui che si pensava invulnerabile, e che sembrava non sentire mai la fatica del lavoro, si è fatta strada la fatica di vivere. Il corpo ha ceduto quando forse aveva ceduto la volontà, prima ambiziosa, poi orgogliosa, quindi insicura, infine smarrita. Il continuo inseguimento col lavoro vedeva ormai aumentare le distanze, anche il giornale adesso sembrava sfuggire, con le ragioni di una vita. Finché tutto si rinchiude in un letto d’ospedale, senza neanche sapere che i colleghi in redazione chiedono continuamente notizie e scuotono la testa. Non ce lo siamo mai detti, Massimo, perché non si andava oltre la stretta di mano ogni mattina: ma noi ti vogliamo bene, quella sedia è tua.

·        Addio a Flavio Campo di Avanguardia.

Addio a Flavio Campo di Avanguardia. Il ’68, l’università, Reggio e quello schiaffo a Pasolini…Antonio Pannullo venerdì 20 marzo 2020 su Il Secolo d'Italia. Flavio Campo se ne è andato l’altra sera a Roma. La notizia si è appresa dai social, dove un suo vecchio amico di un tempo ha comunicato la notizia. Classe 1942, Flavio Campo rappresentava la generazione di attivisti venuta subito dopo quella dei combattenti della Repubblica Sociale, che riempivano le sezioni del Msi, soprattutto a Roma, ma non solo. Campo era conosciutissimo a Roma, stimato e rispettato da tutti, perché aveva una sua etica, seguiva i suoi ideali, era coraggiosissimo, non si tirava indietro quando bisognava essere coerenti in piazza difendendo le proprie idee.

Flavio Campo entrò giovanissimo nel Msi. Giovanissimo, neanche maggiorenne, entrò nella Giovane Italia (organizzazione giovanile del Msi) che allora si trovava all’ultimo piano di Palazzo del Drago in via IV Fontane. Il presidente provinciale era Adalberto Baldoni. In quegli anni, ossia a cavallo tra i Cinquanta e i Sessanta, l’attività era più che altro politica, culturale: i giovani organizzavano convegni, dibattiti, riunioni, mostre fotografiche. Si era concentrati contro l’Unione Sovietica, c’era da poco stata la Rivolta in Ungheria, e sulle università. C’era poi la lotta alla droga, che iniziava a fare la sua comparsa preoccupante nelle scuole. Nel nome di una falsa libertà, infatti, le sinistre ne propugnavano l’uso. Quando si accorsero di sbagliare, purtroppo, era però troppo tardi. Flavio Campo, per le sue capacità organizzative, divenne in breve tempo il capo-attivisti della Giovane Italia di Roma. Un testimone lo ricorda orgnaizzatore e relatore di un convegno a Palazzo del Drago proprio sull’anniversario, forse il quinto, dei fatti della rivolta d’Ungheria. Nel 1962 però Baldoni lascia la presidenza provinciale della Giovane Italia e Flavio Campo si avvicina alla neonata formazione di Stefano Delle Chiaie Avanguardia Nazionale. Non la lascerà più sino alla fine. Divenne vicinissimo al gruppo dirigente di Avanguardia, insieme con altri attivisti famosissimi a Roma. Flavio Campo conobbe la galera, la latitanza, ma non si fermò mai. Seguì Delle Chiaie in diverse occasioni nella sua latitanza all’estero, perse il suo lavoro al ministero delle Finanze, anche se in seguito fu riassunto in quanto estraneo ai fatti di cui lo imputavano. Era un tipo di poche parole, quasi burbero, parlava solo con la sua stretta cerchia di camerati di Avanguardia, anche se aveva contatti anche con i missini di Roma Sud, zona nella quale era nato e dove abitava.

Fu vicinissmo a Stefano Delle Chiaie. Il suo antico amico di allora, Vincenzo Nardulli, ne ha scitto un bellissimo ricordo su Facebook, corredandolo delle foto che pubblichiamo. Flavio Campo aveva un suo stile: pur essendo indiscutibilmente un uomo d’azione, portava sempre la giacca, e talvolta la cravatta. Era un soldato politico, eseguiva gli ordini a qualunque costo. E in quegli anni era difficile farlo, costretti in venti contro cento ad affrontare gli extraparlamentari di sinistra, e anche le squadre del Pci, che erano piuttosto risolute. Ma lui non si tirò mai indietro. Partecipò alle stagioni del ’68 all’università di Roma, alla rivolta di Reggio del 1970, al golpe Borghese del 7-8 dicembre di quello stesso anno. Secondo Nardulli, Campo partì per arruolarsi nella Legione Straniera ma fu raggiunto da Delle Chiaie che lo convinse a rimanere in Italia. Gli episodi della vita militante di Flavio Campo sono innumerevoli, ma ne vogliamo raccontare due: uno certamente autentico, raccontato da Adalberto Baldoni, e uno leggendario, ma molto verosimile. Il primo avvenne il 29 marzo 1962 in occasione della prima del film di Pasolini Una vita violenta. Consideriamo che Pasolini, in quegli anni, riteneva i missini solo emarginati e teppisti di borgata. La destra italiana aveva sempre rifiutato l’accostamento destra-violenza, e poi gli anni hanno dimostrato che destra della violenza fu vittima. Comunque si inscenò una contestazione davanti al cinema Quattro Fontane. Ma tutto finì lì.

Quella rissa con Pasolini e Citti. Pochi mesi dopo, invece, ci fu un’altra contestazione della Giovane Italia a Pasolini, in occasione della prima di Mamma Roma. La proiezione fu disturbata sia dalla Giovane Italia sia da Avanguardia Nazionale. All’uscita, Pasolini e Sergio Citti aggredirono i dirigenti giovanili guidati da Flavio Campo. Il quale si difese e schiaffeggiò Pasolini, come si vede nella foto pubblicata da Baldoni nel suo Noi Rivoluzionari. Citti invece ebbe la peggio da parte di un altro esponente di Avanguardia. Tra l’altro, quando uscì il libro di Pasolini Una vita violenta, ci fu la presentazione in un circolo comunista all’Appio. Baldoni, Campo e altri parteciparono massicciamente all’evento, e Baldoni intervenne, parlò, disse la sua e tutto si svolse pacificamente. Dimostrando così che la destra anche estrema era disponibile al confronto delle idee.

La presunta partecipazione al golpe Borghese. L’altro episodio, di cui si favoleggia da anni, riguarda il golpe Borghese dell’Immacolata. Non staremo a ricostruire al vicenda, troppo complessa. Basti ricordare che Avanguardia ebbe l’incarico di introdursi al ministero dell’Interno e poi occuparlo quando il golpe fosse stato in atto. Alcuni attivisti, non sappiamo assolutamente chi, si nascosero nel Viminale sin da qualche ora prima. Dopo la chiusura, si introdussero nell’armeria per poter poi controllare la situazione. E’ ovvio che furono scelti gli uomini più determinati. Poi, come sappiamo. l’operazione fallì, e quegli attivisti si allontanarono senza essere arrestati. Qualcuno dice che portarono con sé un paio di Mab, ma in realtà non furono mai ritrovati, per cui probabilmente è solo una leggenda metropolitana. Quando Avanguardia concluse la sua parabola storica, Flavio Campo abbandonò la politica. Proseguì il suo lavoro, poi aprì un maneggio fuori Roma, e poi una libreria di area in via Cerveteri, all’Appio, dove lo conobbi qualche decennio fa. Un tipo di poche parole, disgustato dalla politica politicante, poco disposto alle chiacchiere. Ma anche così, traspariva la caratura dell’uomo e del militante. Aveva dei contatti e delle strettisime amicizie anche con esponenti del Movimento politico Ordine Nuovo, ma ormai il momento era passato. Rimane comunque uno delle persone che hanno fatto la storia dell’attivismo romano e italiano. In anni in cui era difficile e pericoloso schierarsi, lui si schierò.

·        Morto a Parma Massimo Zannoni, docente e uomo di cultura.

Morto a Parma Massimo Zannoni, docente e uomo di cultura. Si oppose allo scioglimento del Msi. Alessandro Amorese lunedì 9 marzo 2020 su Il Secolo d'Italia. Addio a Massimo Zannoni. Se n’è andato improvvisamente uno di quei personaggi sulle cui gambe camminava la storia. Ho avuto la fortuna di conoscere, frequentare ed apprezzare Massimo Zannoni, parmense, presidente e a animatore del Circolo Corridoni. In queste ore gli amici comuni mi chiedevano se vivesse solo. Non proprio, anzi, per niente. Perché vivere in un vero e proprio museo significa accompagnarsi giorno dopo giorno con la storia.

Zannoni non era rautiano ma seguì Rauti. Perché Zannoni era soprattutto un uomo di cultura oltre che un docente. Nella sua casa da una parte si poteva respirare la storia del fascismo, della seconda guerra mondiale e della Repubblica Sociale di cui Massimo possedeva intere collezioni di quotidiani  e riviste. Alcune davvero introvabili, tanto che qualche anno fa scrisse un libro sulla stampa nella Rsi, una autentica bibbia per storici e appassionati.

Era esperto di Rsi e di guerra civile spagnola. Massimo Zannoni variava dalla storia della destra del secondo dopoguerra ad un’altra delle sue grandi passioni, la guerra civile spagnola (era legatissimo all’Ancis). Non mancavano però scaffali dedicati alla Guerra Fredda e al calcio. Tifosissimo crociato da sempre, presidente di club, è stato tra gli ideatori e gli animatori del museo del Parma (che lo ha salutato con un comunicato). Ma ancora arbitro di pallavolo, divoratore di fumetti e grande viaggiatore (era stato recentemente in Corea del nord). Politicamente impegnato e rispettato da tutti, si iscrisse giovanissimo alla Giovane Italia e poi al Msi, frequentando nel ’68 il Fuan bolognese. Andava orgoglioso di essersi sempre occupato della formazione culturale dei giovani e di aver fatto parte dell’unica Federazione del Msi che non votò lo scioglimento del partito e quindi contro alla svolta di Fiuggi. Mai stato rautiano, seguì invece Pino Rauti nella Fiamma Tricolore. Ma i suoi capolavori sono la vitalità del Circolo Corridoni che aveva iscritti in tutta la penisola con i suoi incontri culturali del sabato pomeriggio in una sede così calda e vissuta. E poi Orizzonti, il trimestrale del circolo che esce ininterrottamente da decenni, quasi un unicum a destra. Metteva tutto se stesso in questi progetti, metteva a disposizione tutto il suo archivio ed il suo sapere. A Parma lo conoscevano anche per aver insegnato Lettere a migliaia di studenti, tra questi Gigi Buffon con il quale si sentiva spesso. Un giorno mi donó la sua collezione dell’Italiano di Pino Romualdi. Ora che molti di noi siamo un po’ orfani senza Zannoni, cercheremo di ringraziarlo anche non facendo scemare quello in cui credeva e quello che faceva. In Massimo Zannoni le due cose andavano di pari passo.

·        Morto Mark Blum, recitò anche in "Mr. Crocodile Dundee".

Coronavirus, morto Mark Blum, recitò anche in "Mr. Crocodile Dundee". L'attore statunitense aveva 69 anni. Il suo primo importante ruolo fu nel 1985 per la commedia 'Cercasi Susan disperatamente', accanto a Madonna e Rosanna Arquette. La Repubblica il 26 Marzo 2020. L'attore statunitense Mark Blum, considerato tra uno dei più eleganti interpreti del cinema e per il piccolo schermo, è morto a causa delle complicazioni causate dal coronavirus all'età di 69 anni. L'annuncio della sua scomparsa è stato dato sui social dal gruppo teatrale Playwrights Horizons e da Rebecca Damon, vicepresidente esecutivo della Sag-Aftra di cui era membro, come riferisce l'edizione online di Variety. Nato a Newark, nel New Jersey, il 14 maggio 1950, dopo molte apparizioni teatrali, Blum ottenne il primo ruolo di rilievo sul grande schermo come interprete di commedie nel film Cercasi Susan disperatamente (1985), nel ruolo di Gary, accanto a Madonna e Rosanna Arquette. L'anno successivo fece parte del cast di Mr. Crocodile Dundee (1986). Nel 1992 Blum cambiò completamente genere, partecipando al film thriller Battito finale. Dopo alcuni anni di assenza dal mondo del cinema, nel 2003 ritornò con il film biografico L'inventore di favole. Tra gli ultimi film in cui ha recitato c'è Ma come fa a far tutto?, del 2011. Negli ultimi vent'anni ha recitato spesso in tv, apparendo in serie come Frasier, West Wing, I Soprano, Csi: Miami, fino ad arrivare alla sua più recente partecipazione nella serie di Netflix, You.

·        Morto il principe Raimondo Orsini d’Aragona.

ANDREA CIANFERONI per affaritaliani.it il 25 marzo 2020. Non amava parlare della vita privata, tantomeno della storia sentimentale che lo aveva reso celebre agli inizi degli anni Sessanta. Innumerevoli sono state le copertine di settimanali popolari italiani ed europei dedicate alla love story blasonata tra il principe romano Raimondo Orsini d’Aragona e l’ex imperatrice di Persia Soraya, che gli appassionati di cronache rosa posso recuperare ancora oggi nei mercatini vintage di tutta Italia. Quell’incauto giornalista, o semplicemente curioso, che a decenni di distanza provava ad estorcere al principe romano dei ricordi sulla sua relazione con Soraya, riceveva un secco diniego. Probabilmente l’aristocratico era geloso di quella storia d’amore che non era riuscito a vivere serenamente, anche per colpa dell’invadenza dei paparazzi che, negli anni della Dolce Vita romana, rendevano quasi impossibile la vita a qualsiasi celebrità di passaggio dalla capitale. Erano gli anni in cui le scazzottate nei caffè di via Veneto tra attori hollywodiani e fotografi erano all’ordine del giorno. Roma era la capitale del cinema mondiale e Soraya, che era arrivata a Roma poco dopo essere stata ripudiata dallo Scià Reza Pahlavi perché non in grado di dargli un erede, sperava di intraprendere una carriera cinematografica che, purtroppo, non decollò mai. L’interesse mediatico per quella che era stata, anche solo per pochi anni, la consorte di uno degli uomini più ricchi ed influenti del mondo, era tale che qualsiasi uomo la frequentasse, ne uscisse frastornato. Ma sicuramente il principe Raimondo Orsini d’Aragona, morto martedì 24 marzo nella sua casa romana di via Emilia all’età di 89 anni (era nato a Roma il 18 novembre 1931), a pochi metri da via Veneto, non era alla ricerca della notorietà che gli poteva dare la vicinanza di una ex imperatrice. I suoi natali erano molto più blasonati della famiglia imperiale persiana. E anche i suoi averi gli consentivano una vita più che agiata. Gli Orsini vantano nel loro albero genealogico  ben due papi,  Niccolò III (Giovanni Gaetano Orsini), Benedetto XIII (Pietro Francesco Orsini), una trentina di cardinali, svariati condottieri e uomini politici. Clarice Orsini, che fu moglie di Lorenzo Il Magnifico, era la madre di papa Leone X. Questo stretto legame con il papato, porterà la famiglia Orsini ad ottenere, insieme alla famiglia Colonna, il titolo di “principe assistente al soglio pontificio”, privilegio di presenziare alle cerimonie papali al lato destro del trono pontificio, la più alta carica laica ereditaria della corte pontificia. Carica che gli Orsini ebbero fino al 1958, anno in cui Filippo Napoleone Orsini fu sollevato da Pio XII a causa della impensabile - per la cattolicissima Italia dell’epoca - storia d’amore extraconiugale con l’attrice americana Belinda Lee. Dal matrimonio - legittimo - di Filippo Napoleone Orsini con la nobildonna Francesca Romana Bonacossi Da Zara nacquero due figli maschi: Domenico Napoleone e Benedetto. Il primogenito Domenico Napoleone, che vive a palazzo Orsini a Monte Savello, dall’unione con Martine Bernheim, figlia del banchiere francese Antoine Bernheim, ha avuto due figlie femmine, Leontia e Kajetana. Il cugino Raimondo, molti anni dopo la storia con Soraya, si sposa invece quasi cinquantenne, nel 1977, con una principessa georgiana, Kethevane Bagrationi Moukhrani, discendente dalla famiglia che ha regnato in quel Paese, da cui ha avuto quattro figli: Lelio, Luisa, Dorothea e Georgiana Maria, deceduta poco più che ventenne nel 2005. Nonostante le dispute che si sono succedute nel corso degli anni sul ruolo di capo della casata tra i due rami della famiglia, al momento l’unico erede maschio degli Orsini, dopo il cugino Domenico Napoleone, è Lelio, figlio trentottenne di Raimondo, che si divide tra l’Italia e la Georgia, dove si reca spesso per portare aiuti umanitari. Con la scomparsa del principe Raimondo Orsini, scompare una certa idea di Roma aristocratica e papalina, legata ad un passato glorioso e cavalleresco, una Roma che il principe conosceva benissimo, cosi come conosceva molto bene la genealogia dei reali di mezza Europa. Si narra ancora oggi, nei salotti della capitale, che il principe, da piccolo, insieme alla nonna, invece di giocare con i bambini della sua età, si divertisse a ricostruire il grande albero genealogico della famiglia Orsini con tutte le sue illustri parentele. Una passione, quella per l’araldica, che divideva con l’amico genealogista Domenico Savini, nel corso di lunghe ed appassionate disquisizioni sotto le nobili tende del Bagno Rosina di Forte dei Marmi, buen retiro estivo anche di Elettra Marconi e del figlio Guglielmo Giovanelli Marconi, del Principe Ludovico Rospigliosi e del marchese Giuseppe Ferrajoli, che spesso ha ospitato nei saloni nell’omonimo palazzo di piazza Colonna la festa nazionale dell’ambasciata della Georgia presso la Santa Sede, di cui la principessa Kethevane è stata per molti anni rappresentante diplomatica in Italia. La scomparsa del principe Raimondo Orsini avviene, purtroppo, in un tragico momento non solo per l’Italia, ma per il mondo intero, a causa dell’epidemia del Coronavirus. Le disposizioni del Dpcm vietano infatti tutte le cerimonie civili e religiose, comprese i funerali. 

Dietro il sipario: il principe Orsini e le nozze mai celebrate con la principessa Soraya. Si è spento il nobile romano che conquistò il cuore della regina - ripudiata - dell'Iran portandola quasi all'altare. Tra copertine e fotografie vintage, la favola quasi perfetta di un amore finito troppo presto. Benedetta Perilli il 28 Marzo 2020 su La Repubblica. Marzo 1959, l'agenzia francese Afp batte la notizia "Soraya e Raimondo Orsini hanno deciso di sposarsi". Soraya, è la regina di Iran dagli occhi preziosi che da un anno ha perso la corona, il trono e soprattutto l'amore dello scià di Persia Mohammad Reza Pahlavi. E' stata ripudiata perché non fertile. Soraya, che lo aveva sposato nel 1951 all'età di 19 anni indossando un leggendario abito disegnato da Christian Dior, uno dei più costosi e più voluminosi della storia, in otto anni di matrimonio non era rimasta incinta e quell'erede al trono così atteso era valso più di un grande amore. Raimondo Orsini d'Aragona è un nobile di razza, nato a Roma nel 1931 dal principe Lelio Niccolò Orsini e dalla contessa Luisa Rignon, discendente dei Medici di Firenze e dei Savoia , con tre papi in famiglia. E' un vero principe romano dall’indiscusso fascino e dall’allure internazionale grazie al ruolo di assistente al soglio pontificio che lo porta a viaggiare in tutto il mondo, tornando però sempre nella sua amata Roma all’epoca illuminata dalla Dolce Vita. In quel marzo del 1959 il settimanale Gente annuncia la grande notizia, poi ripresa dalle agenzie di stampa internazionali perché l'attenzione sull'ex imperatrice bellissima e, dicono le cronache mondane in cerca di un nuovo marito, è alta. "Non hanno ancora fissato una data per il matrimonio ma hanno preso la decisione durante una telefonata tra Roma e Colonia". E poi lo scrivente, che non cita nessuna fonte, lancia sul piatto il dettaglio più pungente: "Per celebrare l'unione dovranno sormontare due ostacoli non indifferenti: da una parte l'opposizione della corte iraniana, che ha intimato a Soraya di rinunciare al viaggio a Roma, e dall'altra i dubbi del Vaticano e dell'aristocrazia romana alla conversione della principessa musulmana al cattolicesimo". Tante le fotografie in bianco e nero che li ritraggono insieme in quella calda primavera romana, dalla passeggiata a Villa d'Este a Tivoli, lei splendida con un paio di occhiali da sole cat eye, il tailleur chiaro e le mary jane con doppio cinturino, lui al suo fianco elegante e garbato, agli scatti rubati dai paparazzi mentre escono da un ristorante, partecipano a un gala, entrano in un club non lontano da via Veneto, fuggono su un traghetto verso Capri a isolarsi dagli sguardi troppo insistenti della stampa mondiale. In quella stagione le copertine dei magazine sono tutte per loro: Oggi ne dedicò una, tra le tante, con la foto di Soraya e del principe Orsini che ballano guardandosi appassionati e il titolo "Soraya principessa italiana?". I due si erano conosciuti a Saint-Moritz nell'inverno del 1958, subito dopo la cacciata di Soraya dall'Iran, e nell'anno successivo riempirono le loro vite, e le pagine delle riviste rosa, frequentando molto Roma, all'epoca capitale del cinema dove lei sognava di intraprendere la carriera di attrice, e arrivando quasi alle nozze. L'ultimo atto avviene un anno dopo il loro incontro, come riporta il quotidiano spagnolo Abc: "L'imperatrice Soraya si convertirà al cattolicesimo e sposerà il principe Orsini, il tutto verrà comunicato in un gala che si terrà a Roma il 16 dicembre 1959 davanti a 400 invitati". Una festa che però non ebbe mai luogo. Da quel momento in poi si tornerà a parlare di Soraya ma senza più associare più il suo nome a quello del principe Orsini. Saranno altri gli uomini paparazzati vicino a lei in giro per il mondo, dal barone Harald Kurpp al regista Franco Indovina, poi morto tragicamente in un incidente aereo. Soraya diventerà la regina del jet set parigino e, pur mantenendo il titolo di Sua altezza imperiale la principessa dell'Iran, di quella esperienza porterà con sé solo una profonda depressione. Morirà da sola, nel 1969, per cause naturali e i suoi abiti meravigliosi, incluso lo splendido vestito da sposa, verranno venduti all'asta. Diverso sarà il percorso del mondanissimo principe Orsini. Sulla storia con Soraya non ha mai voluto rilasciare alcuna dichiarazione ma secondo le riviste di gossip la fine sarebbe stata legata alla sua condizione di principe vicino alla Chiesa che non gli avrebbe mai permesso di sposare una musulmana divorziata. Così nel 1978 sposerà la principessa Ketevan Bagration de Moukhrani di Georgia dalla quale avrà quattro figli, poi diventerà cittadino onorario della Georgia e passerà le sue estati a Forte dei Marmi a ricordare gli anni ruggenti. E' morto, all'età di 89, il 24 marzo scorso nella sua abitazione non lontana da quella via Veneto delle meraviglie, che lo aveva visto splendere vicino a Soraya, ora così deserta e silente.

·        Perdiamo anche Detto Mariano.

Marco Giusti per Dagospia il 25 marzo 2020. Ecco. Perdiamo anche Detto Mariano, 82 anni, autore di canzoni, arrangiatore, compositore di musica per film e per sigle di serie d’animazione. Non ce l’ha fatta nella lotta contro il virus. Aveva un talento incredibile e una passione che lo portarono a lavorare per tutti i grandi successi prima del Caln e poi di Adriano Celentano fino al 1968, poi a arrangiare una serie di incredibili hit di Lucio Battisti (“Emozioni”), Mina (“Insieme”), Al Bano (“Nel sole”), Bobby Solo, I Camaleonti. Produsse e arrangiò anche un disco per Leo Ferré. Nato a Monte Urano, Marche, nel 1937, iniziò prestissimo a lavorare con Adriano Celentano, da quando si conobbero facendo il militare. Fu Celentano a rovesciargli clamorosamente nome e cognome e da Mariano Detto diventò Detto Mariano. Arrangia tutti i primi successi suoi e del Clan, da “Il ragazzo della Via Gluk”, “Ora sei rimasta sola” a “Pregherò” a “L’immensità”. Proprio rispetto a “L’immensità” ci fu una lunghissima causa con Don Backy circa la paternità della canzone. Ma ci fu anche una lunga e poco simpatica causa con Celentano per il capolavoro rap “Prisencolinensinainciusol”, che Detto Mariano riteneva fosse sua. Non si saprà la verità, ammesso che esista una sola verità. Nel cinema iniziò a lavorare da quando Celentano e il Clan iniziarono a girare film, diciamo da “Uno strano tipo” e “Super rapina a Milano”, dove è anche attore. Lo troviamo anche come compositore del thriller “Quarta parete”, 1969, ma è solo negli anni ’70 che diventò un lavoro vero e proprio. Musica così il soft di Cesare Canevari “La principessa nuda” con Ajita Wilson e Tina Aumont, “Culastrisce, nobile veneziano” di Flavio Mogherini con Claudia Mori e una buffa apparizione di Celentano. Furono un grande successo le colonne sonore dei primi film di Maurizio Nichetti, “Ratataplan” e “Ho fatto splash”. Fece davvero di tutto negli anni ’80, dove fu tra i primi in Italia a usare il modello numero uno di Fire Light, un sistema particolare di campionatura computerizzata degli strumenti e dei suoni, con grande risparmio di tempo e di soldi per i produttori. Ricordiamo così i tanti film con Celentano, “Qua la mano”, “Asso”, “Yuppi Du”, quelli con Renato Pozzetto, “Mia moglie è una strega”, La casa stregata”, “Il ragazzo di campagna”, le commedie sexy “Spaghetti a mezzanotte”, “Cornetti alla crema”, “W la foca”, i poliziotteschi, “Il giustiziere della strada”, ma anche un cultissimo pera-movie come “Amore tossico” che gli stava particolarmente a cuore. Avrebbe dovuto musicare anche l’ultimo film di Claudio Caligari, “Non essere cattivo”, come ci disse a Stracult un paio d’anni fa. Non certo un compositore classico, come lo fu per la commedia Gianni Ferrio, ma di gran velocità e riconoscibilità. Diciamo che gran parte del sound anni ’80, tra sigle, serie come “Club Vacanze”, film come “Ecceziunale veramente”, “Delitto al ristorante cinese”, “Grandi magazzini”, gli deve molto. Per il film di Duccio Tessari “C’era un castello con 40 cani” riesce a campionare tuttei i bau bau dei 40 cani e metterli assieme nella colonna sonora. Cristina D’Avena lo ricorda oggi su FB come uno dei grandi compositori con cui ha avuto la fortuna di lavorare, e sigle indimenticabili come “Il grande sogno di Maya”, “Le avventure della dolce Kelly”. Ma sono sue anche “Gundam” e “Mazinga Z”. 

Luigi Bolognini per “la Repubblica” il 26 marzo 2020. Ha fatto cantare prima Adriano Celentano ( Il ragazzo della via Gluck) e poi Lucio Battisti per cui arrangiò Mi ritorni in mente, 7 e 40 e Acqua azzurra acqua chiara. Ma ha scritto o arrangiato anche canzonette epocali di Don Backy ( L' immensità, Casa bianca), Equipe 84 ( Tutta mia la città), Bobby Solo ( Zingara, Domenica d' agosto) e Mina ( Insieme). Quindi Mariano Detto, in arte Detto Mariano, fece cantare i bambini degli anni 70 e 80 con sigle come Gundam, L' ape Magà, Mazinga Z, Sì buonasera, le musiche di Drive In e di film come Eccezzziunale veramente di Carlo Vanzina e Ratataplan di Nichetti. Insomma, per 60 anni degli 82 che è vissuto (ieri la morte per coronavirus a Milano) è stato colonna sonora dell' Italia quanto un Morricone o un Bacalov, ma senza la loro notorietà. Tuttavia non misconosciuto: Leone d' oro alla carriera a Venezia 2006. Nato nelle Marche, trapiantato in Piemonte nell' Italia che mordeva il boom come una mela, nel 1960 ebbe «la mia "sliding door" - disse - nel giro di uno, massimo due secondi cambiò totalmente la mia vita musicale». Ovvero si trovò commilitone, nel 7° Artiglieria di Torino, di Adriano Celentano che ne fece il capo dei Ribelli, la sua band, dove si integrò col talento e un carattere che Ricky Gianco, musicista storico del Clan di Celentano, definisce «docile e disponibile: era l' amico di tutti. Soprattutto di Adriano, di cui era il primo ad assecondare ogni decisione, ma pure smettere di provare una canzone e andare a giocare a biliardo. Anche se poi Adriano perdeva perché non sapeva usare la stecca. E se io incidevo Pregherò, versione italiana di Stand by me, con un bellissimo arrangiamento di Mariano, poi la canzone passava comunque ad Adriano». Non facile, d' altronde, star accanto a un carattere così forte e infatti tanti uscirono dal Clan. Finché Mariano Detto, diventato Detto Mariano per un gioco di parole molto celentanesco, resistette, ecco canzoni come Sei rimasta sola e Il ragazzo della via Gluck. E Mondo in Mi 7, «dove Mariano - ricorda il batterista dei Ribelli Gianni Dall' Aglio, primo a dare la notizia ieri - si oppose all' idea di Adriano: inciderla sul tetto della casa discografica, in piazza Cavour a Milano, coi rumori delle auto in sottofondo. Era il 1966, sarebbe stato in anticipo di tre anni sul concerto dei Beatles a Savile Row». Nel 1967 il divorzio e l' attività da battitore libero, anche per il primo Battisti: «Mogol, suo produttore, mi fece arrangiare Balla Linda, Io vivrò (senza te), Dieci ragazze, Fiori rosa fiori di pesco... Ammappete che bella esperienza!». Ma nel 1971 Mariano incontrò per caso Celentano a Venezia, lo spennò di 1 milione 300mila lire a poker e nacquero la pace e Prisencolinensinainciusol e Yuppi du. E da lì si diede alle colonne sonore, tra cui Ratataplan di Nichetti («bel coraggio - ammette il regista - era un film stralunato di uno sconosciuto, lui ci fece musiche dolci, in contrapposizione alle gag, funzionarono benissimo»). E poi Eccezzziunale veramente con Abatantuono, Il ragazzo di campagna con Pozzetto e tutti i Castellano & Pipolo. Fino a Tutte le migliori, il disco di Mina e Celentano del 2017. «Era uno psicologo - spiega Dall' Aglio - faceva da collante tra l' estro di un artista a volte esuberante, come Battisti o Celentano, e il pubblico. Era un mediatore, e sempre con l' ironia e con gran senso melodico: l' intro di Mi ritorni in mente è così bella che quasi, si fa per dire, rende inutile la canzone». L' interessato però aveva un' altra risposta: «Quando mi sento in difficoltà parlo col mio personale maestro, tale Wolfgang nato a Salisburgo nel 1756: "Ma come cavolo facevi ad essere così profondo e semplice contemporaneamente?". Mozart ogni tanto in sogno me lo dice. Quante volte ci ha azzeccato! Sulla profondità non sono sicuro, ma su semplicità e immediatezza sì».

È morto Detto Mariano, ha composto canzoni per Celentano, Mina e Battisti. Aveva 82 anni. Arrangiatore ufficiale del Clan, a partire dagli anni Ottanta ha scritto colonne sonore per il cinema. Nel 2006 ha ricevuto il Leone d'oro alla carriera. Carlo Moretti il 25 Marzo 2020 su La Repubblica. Detto Mariano, autore e arrangiatore di successi del Clan di Adriano Celentano e poi di molti brani di Mina e Battisti, è morto a 82 anni a Milano dov’era stato ricoverato quindici giorni fa per le conseguenze del coronavirus. Era in rianimazione ma le sue condizioni erano giudicate stazionarie e nessuno si aspettava un suo repentino peggioramento. La sua attività principale erano le canzoni ma a partire dagli anni 80 Mariano ha scritto una trentina di colonne sonore cinematografiche tra le quali quella per Yuppi Du, per Eccezziunale veramente e per Il ragazzo di campagna. Nel 2006 gli era stato consegnato il Leone d’oro alla carriera. Oltre alla sua attività di arrangiatore, a cominciare da Il ragazzo della via Gluck sempre per Celentano, Nel sole di Al Bano, Insieme e Viva lei per Mina e Emozioni per Lucio Battisti, Mariano aveva scritto una quarantina di canzoni, tra le quali Ciao amore del 1961, uno dei maggiori successi di Adriano Celentano. Tra i suoi brani più noti come autore c’è anche L’immensità, scritta con Mogol e al centro di una lunga disputa con Don Backy, che ne rivendicò tutta la paternità ricordando che all’epoca non ebbe modo di poterla depositare alla Siae non essendo ancora iscritto come autore. “Proprio qualche minuto fa, il mio amico e ex batterista Riziero Bixio, mi ha comunicato una ferale notizia, ovvero la morte del mio amico e arrangiatore di tanti miei successi, Detto Mariano”, ha scritto Don Backy su Facebook. “Inutile dire che la notizia mi ha agghiacciato. Solo gli stupidi potranno pensare il contrario, in base alle nostre vicende tumultuose sulla paternità delle canzoni. Ciononostante non sarò ipocrita a tal punto, da non restare fermo sulle mie posizioni di sempre, nei suoi confronti. Ormai, non ci sarà più tempo per convincerlo a restituirmi la parte che si è annessa di quei brani, senza averne titolo, e spero che il peso di quella storia e della terra gli sia comunque lieve”. Anche con Celentano lo divideva una causa ancora in corso a Milano a proposito di Prisencolinensinainciusol, il pezzo di cui Mariano ha rivendicato la paternità per quanto riguarda le musiche. Il compositore e arrangiatore è sempre stato convinto che "un buon arrangiatore, quando fa bene il suo lavoro, è anche autore di un brano e il suo nome dovrebbe comparire accanto a quelli dell'autore del testo e dell'autore della musica". Grazie a una sua petizione, lanciata una decina di anni fa e sottoscritta da numerosi musicisti ed arrangiatori italiani, dal marzo del 2010 la Siae ha riconosciuto questo diritto per gli arrangiatori in tutti quei casi in cui "l'arrangiatore, in sede di stesura definitiva di un’opera originale, abbia apportato un intervento creativo e compositivo". Detto Mariano, iscritto come Mariano Detto all’anagrafe di Monte Urano, in provincia di Fermo, aveva conosciuto Adriano Celentano durante il servizio militare. Fu così che quando il Molleggiato decise di dar vita all'etichetta del Clan Celentano coinvolse Mariano, che aveva studiato pianoforte, nel ruolo di arrangiatore e lavoro dopo lavoro divenne l’arrangiatore ufficiale del Clan. Il primo che realizzò fu per il brano Sei rimasta sola che cantata da Celentano ottenne un grande successo. A seguire, dall'aprile 1962 al dicembre 1967, realizzò gli arrangiamenti di tutti gli artisti del Clan, da Ricky Gianco a Don Backy, a Gino Santercole. A partire dal 1968, dopo l’allontanamento dal Clan, Mariano inizia la collaborazione con Lucio Battisti con l’arrangiamento di brani fondamentali come Mi ritorni in mente, Acqua azzurra, acqua chiara, Fiori rosa, fiori di pesco e con la Ricordi per la quale lavora ai brani di Bobby Solo (Zingara e Siesta), di Milva (Un sorriso), l'Equipe 84 (Tutta mia la città). E poi con i Camaleonti (L'ora dell'amore, Applausi). Non secondaria, oltre alla scrittura di colonne sonore, la firma di sigle per i cartoni animati fra le quali Mazinga, Temple e Tam Tam, Judo Boy, Gundam, Astroganga, Piccola Lulu, I bon bon di Lilly. Detto Mariano viveva tra Milano e Roma, dove lavorava e possedeva una casa piena di ricordi e cimeli in zona Prati. Il 9 settembre 2011 è stato nominato cittadino onorario di Poggio Bustone, il paese natale di Lucio Battisti. 

·        Morto Corrado Sfogli.

Morto Corrado Sfogli, addio al direttore della Nuova Compagnia di Canto Popolare. Redazione de Il Riformista il 26 Marzo 2020. Corrado Sfogli, direttore della Nuova Compagnia di Canto Popolare, è morto nella notte nella sua casa di Caserta all’età di 69 anni. Il chitarrista, nato a Napoli, era il marito di Fausta Vetere, anche lei nell’ensamble, e padre di Marco, chitarrista dal grande curriculum e attualmente in forza alla PFM. Sfogli aveva iniziato lo studio della chitarra con un grande maestro, Eduardo Caliendo, diplomandosi poi presso il Conservatorio “Domenico Cimarosa” di Avellino con il massimo dei voti e la lode. Nel 1976 entra nella Nuova Compagnia di Canto Popolare, fondata dieci anni prima da Eugenio Bennato, Carlo D’Angiò, Roberto De Simone e Giovanni Mauriello, ai quali poi si aggiunsero altri grandi musicisti napoletani come Peppe Barra, la moglie Fausta Vetere, Nunzio Areni, Patrizia Schettino e Patrizio Trampetti. Da tempo Sfogli lottava contro un tumore al rene, che gli ha lasciato il tempo però di sposare la compagna di una vita, Fausta, il 28 dicembre 2018. Impossibile ora svolgere i funerali: per l’emergenza Coronavirus infatti non ci sarà un addio pubblico, che il maestro Corrado avrebbe senz’altro meritato.

È morto Corrado Sfogli, anima della Nuova compagnia di canto popolare. Aveva 69 anni. Era entrato nella Nccp nel '76. Il cordoglio del sindaco di Napoli De Magistris: "La sua musica sempre vicina a popolo". La Repubblica il 26 Marzo 2020. Si è spento nella sua casa a Caserta, Corrado Sfogli, chitarrista e direttore musicale della Nuova compagnia di canto popolare, marito di Fausta Vetere, anche lei nome di punta della compagine, padre di Marco Sfogli, chitarrista della Premiata Forneria Marconi. Sfogli, 69 anni, è stato stroncato da un male incurabile. ''Ha lasciato la vita terrena Corrado Sfogli, anima, cuore e corpo della Nuova Compagnia di Canto Popolare" scrive il sindaco di Napoli, Luigi de Magistris. "Corrado rappresentava l'autenticità della musica partenopea, sempre vicina al popolo della nostra città. È stato anche un uomo sempre sensibile alla vita sociale e politica della nostra comunità, un pensatore libero. Personalmente l'ho sempre ammirato come artista e come uomo. A Fausta Vetere, alla famiglia, ai suoi cari il cordoglio mio personale e della città di Napoli''. Nato a Caserta, città nella quale ha iniziato lo studio della chitarra con il maestro Eduardo Caliendo, si era diplomato al Conservatorio Cimarosa di Avellino ed era entrato nella Nccp nel 1976, subentrando a Eugenio Bennato. Ha partecipato alla tournée di Angelo Branduardi Camminando Camminando e ha pubblicato album cult tra cui La gatta Cenerentola e La cantata dei pastori. Poi è diventato l'anima dello storico gruppo di musica popolare e ha anche collaborato con diverse orchestre tra cui quella del teatro San Carlo di Napoli e ha lavorato come compositore nel cinema con le musiche di Another time, another place di Michael Radford. Tra i suoi lavori anche la composizione delle musiche dello spettacolo teatrale di Giuseppe Patroni Griffi, La Celestina. Nel 1984 ha collaborato con Pino Daniele nel live Scio.

·        È morto Joe Amoruso, il pianista del gruppo di Pino Daniele.

È morto Joe Amoruso, il pianista del gruppo di Pino Daniele. Due anni fa aveva avuto una emorragia cerebrale, si è spento all'Ospedale del Mare. La Repubblica il 24 Marzo 2020. Si è spento all'ospedale del Mare di Napoli Joe Amoruso, pianista e tastierista dello storico gruppo di Pino Daniele. Amoruso, 60 anni, nel 2017 era stato colpito da un'emorragia cerebrale prima di un concerto a Lesina in Puglia. Oggi l'arresto cardiaco. "Un altro grande artista della storica band di Pino Daniele ci ha lasciato - scrive il sindaco di Napoli, Luigi de Magistris - Joe Amoruso, pianista, tastierista, compositore, una colonna del supergruppo di Pino Daniele, se n'è andato a soli 60 anni. Amoruso, originario di Boscotrecase, dopo la scomparsa di Pino Daniele si esibiva spesso in amarcord del Nero a metà con cui aveva lavorato a dischi che hanno fatto la storia della musica napoletana e italiana. Amoruso e Pino Daniele, insieme a James Senese, Tullio De Piscopo e Tony Esposito, si erano ritrovati nell'operazione Ricomincio da 30 nel 2008 dei concerti natalizi al Palapartenope. Nella sua carriera, aveva inciso un album da solista e collaborato con numerosi artisti tra i quali, solo per citarne alcuni, Roberto Murolo, Vasco Rossi, Zucchero, Andrea Bocelli, la Premiata Forneria Marconi.

2020 tragico: se ne va Joe Amoruso, il pianista della band di Pino Daniele. Redazione de Il Riformista il 24 Marzo 2020. E’ deceduto nella notte tra lunedì e martedì Joe Amoruso, pianista, tastierista e compositore che in passato ha fatto parte della storica band di Pino Daniele. Aveva 60 anni ed era ricoverato all’Ospedale del Mare di Napoli e, così come riporta Il Mattino, sarebbe deceduto per complicazioni e non per il coronavirus. Il musicista era stato colpito da una emorragia cerebrale due anni fa durante un concerto in Puglia. Tra i primi ad essere informati della scomparsa di Joe Amoruso gli altri membri della storica band: Tullio De Piscopo, James Senese,Tony Esposito. Ad assistere l’artista in questi ultimi anni il fratello Arturo, la madre e la sorella.  La morte di Joe Amoruso arriva tre anni dopo quella di Rino Zurzolo (scomparso il 29 aprile 2017) e cinque anni dopo la dipartita di Pino Daniele (4 gennaio 2015). Le condizioni di Joe Amoruso erano critiche da quel 9 dicembre 2017 quando, nel corso di un concerto a Lesina (Foggia) venne colpito da una emorragia cerebrale che negli anni successivi, nonostante un percorso di riabilitazione, gli ha causato non pochi problemi polmonari.

·        E’ morto Paolo Micai, giornalista e cineoperatore.

Coronavirus, è morto Paolo Micai, giornalista e cineoperatore. Mediaset in lutto. Libero Quotidiano il 24 marzo 2020. Paolo Micai, giornalista e tele-cineoperatore genovese, è morto per il coronavirus. Il reporter aveva sessant'anni ed era stato ricoverato per Covid-19 una settimana fa al San Martino di Genova. Sempre in prima linea, nell'ultimo mese aveva raccontato il dramma dell'epidemia accompagnando con le sue immagini i racconti dei giornalisti dalle città. Era anche collaboratore di Mediaset da Genova. "Paolo Micai è stato uno dei più bravi e capaci collaboratori che abbiamo avuto e oggi tutto il Gruppo Mediaset si stringe intorno alla sua famiglia", ha detto commosso il Direttore di News Mediaset, Andrea Pucci.

·        Se ne va anche Alfio Contini.

Marco Giusti per Dagospia il 24 marzo 2020. Ecco. Se ne va anche Alfio Contini, 93 anni, direttore della fotografia di capolavori come “Il sorpasso”, “I mostri” di Dino Risi, “Zabrieskie Point” di Michelangelo Antonioni, “Il portiere di notte” di Liliana Cavani, ma anche di capolavori del cinema bis come “I due pericoli pubblici” con Franco e Ciccio o “Mutande pazze” di Roberto D’Agostino o ben nove film di o con Adriano Celentano, da “Il bisbetico domato” a “Yuppi Du” a “Joan Lui”. Molta della commedia all’italiana degli anni d’oro gli deve parecchio, visto che illuminò non solo i film di Dino Risi, ma anche “Una rosa per tutti” di Franco Rossi, “La matriarca” di Pasquale Festa Campanile, “La mortadella” di Mario Monicelli, “Bianco rosse e…” di Alberto Lattuada, ma bazzicò anche altri generi. Lavora con Liliana Cavani per “Galileo” e per Giuseppe Colizzi nel fondamentale “Dio perdona… io no”, per Michael Cacoyannis ne “Le troiane” con Katherine Hepburn e Vanessa Redgrave e per Nando Cicero ne “il gatto mammone”. Con la stessa disinvoltura scivola da “Joan Lui”, il film più pazzo e magalomane di Celentano a “La bocca” di Luca Verdone al capolavoro cafonal “Mutande pazze”, dove non poco deve aver aiutato il neoregista Dago, a “Al di là delle nuvole” di Wim Wenders, che gli farà vincere il suo secondo David dopo “Zabrieskie Point”. Nato a Castiglioncello nel 1927, entra nel cinema nei primissimi anni ’50 come assistente operatore di Mario Montuori ne “Il cappotto” di Alberto Lattuada, “Bufere” di Guido Brignone, “Tripoli bel suol d’amore” di Ferruccio Cerio, passando poi operatore alla macchina, sempre a fianco di Montuori, di grosse produzioni del tempo, “Racconti romani” e Ferdinando I° Re di Napoli” di Gianni Franciolini, “Il conte Max”, “Olympa” di Michael Curtiz, bazzicando anche il peplum, “La vendetta di Ercole” e chiudendo con “La dolce vita” di Federico Fellini. Dopo un lungo tirocinio fa il suo esordio da direttore della fotografia affiancando Montuori in “Sodoma e Gomorra” di Robert Aldrich e poi da solo su “La regina dei tartari” di Sergio Grieco. Col peplum continuerà col notevole “Arrivano i titani” di Duccio Tessari, ma sarà l’incontro con Dino Risi per  i tre film capolavoro del 1962, “Il sorpasso”, “La marcia su Roma” e “I mostri” a segnarlo come maestro assoluto di luci nella commedia all’italiana moderna girata prevalentemente in esterni. Con Risi proseguirà poi con “Il gaucho”, interamente girato in Argentina, “La moglie del prete” e “Sessomatto”, mentre si aprirà a generi diversi, come lo spaghetti western, “L’uomo che viene da Canyon City di Alfonso Balcazar e, soprattutto, “Yankee” di Tinto Brass e “Dio perdona… io no”. Diventa fondamentale per molti registi, da Liliana Cavani a Pasquale Festa Campanile, anche se sarà il grande lavoro su “Zabrieskie Point” di Michelangelo Antonioni a segnalarla tra i più grandi direttori della fotografia degli anni ’60.  A questo seguiranno altri film di grande impatto come “Il portiere di notte”, ma anche le ricche produzioni dei Celentano movies, sia diretti da lui che diretti da Pasquale Festa Campanile o da Castellano e Pipolo. E’ probabilmente il direttore della fotografia di fiducia di tutti i successi di Celentano. Ma, ripeto, pronto poi a operazioni più difficili o opere prime, “La bocca” di Luca Verdone o lo stesso “Mutande pazze”. Timido, riservato, non ho trovato da nessuna parte sue interviste scritte, anche se su di lui venne scritto un libro nel 2002. Lo incontrai nello stesso periodo sul set di un film imbarazzante, “Apri gli occhi e sogna”. Non potevo crederci che in quel film ci lavorasse l’Alfio Contini de “Il sorpasso” e di “Zabrieskie Point”. Mi sorrise.

·        Bepi Covre è morto: era conosciuto come il “leghista eretico”.

Coronavirus, Bepi Covre è morto: era conosciuto come il “leghista eretico”. Debora Faravelli il 24/03/2020 su Notizie.it.  Addio a Bepi Covre, ex sindaco di Oderzo (comune in provincia di Treviso) e parlamentare della Lega morto a 69 anni. Da tempo soffriva di alcune patologie e negli ultimi giorni era anche risultato positivo ai test per il coronavirus. La sua carriera politica iniziò negli anni Ottanta tra le fila del Carroccio di cui si definì un membro eretico per non aver mai sposato le sue idee secessioniste. Nel 1993 iniziano poi i suoi due mandati da sindaco della sua cittadina a seguito dei quali, non potendo candidarsi per il terzo, si accontentò di essere eletto in consiglio comunale. Quanto all’attività parlamentare, questa iniziò nel 1996 quando venne nominato deputato alla Camera per la Lega Nord. Dopo cinque anni, nonostante secondo molti avesse buone possibilità di essere rieletto, decise di non ricandidarsi. In quegli anni poi, insieme a Giancarlo Gentilini e al giornalista Giorgio Lago, è stato fra gli ideatori del Movimento dei sindaci. Tantissimi i messaggi di cordoglio alla notizia della sua morte, in primis quello di Luca Zaia che l’ha definito un amico e un pezzo di storia. “L’ho sentito l’ultima volta settimana scorsa, mi mancherà molto il suo pensiero ma anche il suo modo di intendere l’amministrazione. Tutti gli dobbiamo qualcosa ed essere grati“, ha continuato il Presidente di Regione Veneto.Tra i veneti che hanno commentato il suo post c’è poi chi l’ha ricordato come un uomo che ha dato molto al suo territorio, “lungimirante, intelligente, sempre pronto nell’aiuto verso gli altri“.

·        Coronavirus, morto Terrence McNally: scrisse “Paura d’amare”.

Coronavirus, morto Terrence McNally: scrisse “Paura d’amare”. Linda il 25/03/2020 su Notizie.it. Anche il drammaturgo americano Terrence McNally è rimasto vittima del Coronavrus: aveva 81 anni e da tempo era malato ai polmoni. Quanto è vero che il Coronavirus non guarda in faccia a nessuno lo stiamo scoprendo purtroppo di giorno in giorno. Di queste ore è la notizia che anche il drammaturgo statunitense Terrence McNally, uno dei più noti al mondo, è rimasto vittima del tremendo virus. Da tempo malato ai polmoni, lo sceneggiatore aveva 81 anni e ad annunciarne il decesso è stato il suo portavoce. McNally si è dunque spento in un ospedale della Florida per via di alcune complicanze dopo aver contratto il Covid-19. Da tempo combatteva contro un tumore ai polmoni, che gli è risultato fatale in questo tragico periodo storico che ci vede tutti più delicati che mai. Il drammaturgo ha vinto cinque premi Tony e un Emmy, oltre a essere stato candidato al premio Pulitzer nel 1994 per la drammaturgia. Tra le sue opere più famose ricordiamo Ragtime, Il bacio della donna ragno, Amore! Valore! Compassione! e Master Class. Terrence McNally aveva inoltre sceneggiato il film Paura d’amare con Al Pacino e Michelle Pfeiffer, iconica storia d’amore fra le più belle del cinema. La vicenda riguardava una donna di mezza età, delusa dalle relazioni del passato. Lui era invece un uomo maturo e divorziato, che le avrebbe di nuovo ridato fiducia nell’amore. Ed è proprio il tema della fiducia che deve essere quanto più interiorizzato in questo particolare frangente storico, dove una vera e propria guerra contro il virus sta tenendo in scacco il mondo intero.

·        Morto il regista americano Stuart Gordon.

Stuart Gordon, morto il regista americano: aveva 72 anni. Linda il 25/03/2020 su Notizie.it. Addio a Stuart Gordon, regista americano indipendente che diresse molti classici del genere horror: aveva 72 anni. Grande lutto nel mondo del cinema. Nelle scorse ore è infatti venuto a mancare a Chicago Stuart Gordon, regista e produttore cinematografico molto noto nel settore dell’horror indipendente. La notizia della sua morte è stata confermata dalla sua famiglia. Gordon aveva 72 anni e durante la sua lunga carriere diresse diversi classici del genere, come Re-Animator e From Beyond – Terrore dall’ignoto. Fu anche l’ideatore di alcune serie, come Masters of Horror, H.P. Lovecraft’s Dreams in the Witch-House e Il gatto nero. Da studente universitario a Chicago, Gordon diede inizio alla sua carriera alla fine degli anni sessanta nel mondo del teatro. Fondò di fatto la Screw Theater e mise in scena diversi spettacoli con un forte impatto realistico, tanto da prendersi anche una denuncia per oscenità nel 1967. Dopo aver lasciato gli studi, diede vita all’Organic Theater, passando poi alla tv con il documentario Bleacher Bums. Fu poi la volta dell’horror Re-Animator al cinema, tratto dal racconto di Howard Phillips Lovecraft. Dallo stesso iconico scrittore americano trasse anche From Beyond – Terrore dall’ignoto. Altro romanziere molto amato dal regista fu Edgar Allan Poe, di cui adottò Il pozzo e il pendolo e il già citato Il gatto nero. Nel 1969 Stuart Gordon sposò l’attrice Carolyn Purdy, presente peraltro in diversi suoi film. La coppia ha avuto tre figlie, Jillian Bess, Margaret Berni e Suzanna Katherine.

Marco Giusti per Dagospia il 25 marzo 2020. Il cinema horror piange oggi uno dei suoi grandi maestri degli anni ’80, Stuart Gordon, 72 anni, regista di film cultissimi come “Re-Animator” e “From Beyond” con Jeffrey Combs e Barbara Crampton, ma anche di film più autoriali come “Edmond” con William Macy, tratto da una sceneggiatura di David Mamet e presentato al Festival di Venezia nel 2005 all’epoca di Marco Muller. La sua attrice preferita, Barbara Crampton, lo descrive oggi su Twitter come “Un talento enorme, vibrante e sconvolgente. Ha creato innumerevoli momenti nel film che sono stati allo stesso tempo divertenti, spaventosi, audaci e intelligenti. Ha creato la mia carriera. Ho perso un caro amico. Ho il cuore spezzato. Nessuna parola può rendergli giustizia”. Sofisticato, divertente, colto, di grande intelligenza e spirito, sempre pronto a mischiare l’horror con il sesso con una certa eleganza, per difendere il suo cinema Stuart Gordon si dovette muovere da indipendente in un mercato non certo facile. Nato a Chicago nel 1947, inizia a far teatro all’Università con una messa in scena politico-psicanalitica di “Peter Pan” che lo farà arrestare per oscenità e poi cacciare dalla stessa università. Fonda così l’Organic Theather muovendosi da Chicago in giro per l’America con un celebre testo di David Mamet, “Sexual Pervertsity in Chicago”, seguito da “Bleacher Buns” e “PS/Pronto soccorso”, che diventerà addirittura una serie tv. Nei primi anni ’80 con Brian Yuzna e Charles Band fondano l’Empire Pictures per produrre i loro film in maniera indipendente. Nasce così “Re-Animator”, interpretato da Jeffrey Combs, tratto da un racconto di H. P. Lovecraft, che vince a Cannes il primo premio alla Semaine de la Critique nel 1985. Seguirà un altro film tratto da Lovecraft, “From Beyond – Terrore dall’ignoto”. “I puristi di Lovecraft”, disse Stuart Gordon difendendo i suoi film dall’accusa di mettere troppe scene spinte nei suoi horror, “sono sempre molto arrabbiati con me perché riempio sempre tanta nudità in questi film, e non c'è nudità in Lovecraft. Ma la mia argomentazione è che c'è una tremenda sessualità in Lovecraft e una paura del sesso, al punto che l'atto riproduttivo è trasformato in qualcosa di mostruoso. Anche se non si esplicita con il sesso, Lovecraft ci si riferirà costantemente nelle sue storie. E in un film, devi usare le immagini per mostrare le cose”. Dirige poi “Dolls- Bambole” e “Robojox”. Suo è anche il soggetto di un film di grande successo per ragazzi come “Tesoro, mi si sono ristretti i ragazzi”, che avrà pure un alterttanto fortunato sequel. Gira una sua versione di “Il pozzo e il pendolo” da Edgar Allan Poe con Lance Henrikson, Oliver Reed e il nostro Benito Stefanelli, il più ricco “2013 - La fortezza” con Christopher Lambert, “Dagon”, “Kings of Ants”, fino a “Edmond” nel 2005 e “Stuck” nel 2007 con Mena Suvari.

·        E’ morto il sassofonista Manu Dibango.

Il sassofonista Manu Dibango morto per coronavirus: addio a una leggenda dell'afro-jazz. La conferma del decesso dall'entourage del musicista. La Repubblica il 24 March 2020. Il coronavirus si è portato via un grande della musica africana. Se n'è andato così Manu Dibango, sassofonista, compositore, vibrafonista e cantante camerunese. Aveva 86 anni  (nato a Douala, il 12 dicembre 1933). In un percorso iniziato nei primi anni Settanta Manu Dibango ha sviluppato uno stile fusion contaminando jazz, soul e funk con elementi della musica tradizionale camerunese.  La conferma del decesso è arrivata da Thierry Durepaire, gestore delle edizioni dell'artista, spiegando che Dibango è spirato al mattino in un ospedale del parigino. Poi il comunicato su Facebook:  "Con profonda tristezza annunciamo la perdita di Manu Dibango, il nostro 'Papy Groove', per covid 19,". Manu Dibango conobbe il successo planetario nel 1972 con l'album "Soul Makossa", tra i più celebri della cosiddetta world music ma considerato da diversi critici addirittura il primo album della disco music. Quanto al brano omonimo, in origine non era che il lato B di un 45 giri, sul lato A un inno composto per la nazionale di calcio del Camerun in occasione della Coppa d'Africa. Scovato dai dj newyorkesi, "Soul Makossa" sarebbe arrivato sui dancefloor della Grande Mela e quindi del mondo. Il jazz è interplay, dialogo, confronto. Nella sua lunga vita artistica Manu Dibango ha collaborato con molti nomi dall'estrazione più varia, da Fela Kuti a Herbie Hancock, Bill Laswell, Bernie Worrell, l'ensemble sudafricano Ladysmith Black Mambazo, Sly and Robbie, Eliades Ochoa. Famosa anche la sua denuncia di plagio che Manu Dibango mosse a Michael Jackson in relazione a un brano dell'album "Thriller". Contenzioso sanato con un accordo economico tra le parti. 

Carlo Moretti per “la Repubblica” il 25 marzo 2020. Per spiegare la sua grandezza e illustrare al meglio fin dove la sua fama seppe spingersi a partire dagli anni 70, basterà dire che nel 1982 il re del pop Michael Jackson campionò, per quello che sarebbe diventato l' album più venduto della storia, Thriller, la sua hit Soul Makossa, pubblicata in America dieci anni prima: il re del pop rendeva così omaggio a Manu Dibango, uomo simbolo dell' afro beat, uno dei più influenti portabandiera della musica africana contemporanea. Il sassofonista camerunense che ha aperto i confini della musica etnica alle sonorità jazz e pop è morto ieri a 86 anni, una delle prime vittime del coronavirus nel mondo della musica. La notizia diffusa dalla famiglia via Facebook ha gettato nello sconforto milioni di fan: «Una voce si alza da lontano, è con profonda tristezza che vi annunciamo la scomparsa di Manu Dibango, il nostro Papy Groove». Come l' altro sassofonista afrojazz, il nigeriano Fela Kuti, anche Manu Dibango incarnava con convinzione quel mondo artistico africano che aveva saputo far suo il linguaggio musicale moderno senza perdere contatto con le proprie radici. Diceva di sentirsi «a cavallo tra due culture, tra due ambienti: Soul Makossa ha fatto capire che è possibile una musica africana non folkloristica ». Grazie a quel brano, che all' inizio non riscontrò alcun successo in patria, Dibango impresse una svolta per l' affermazione della musica elettrica africana nel mondo in quella forma che prese il nome di afrojazz. Arriva giovanissimo in Francia, con sé ha solo tre chili di caffè che gli serviranno per pagare l' affitto, lo racconterà nell' autobiografia. Entra nelle orchestre jazz, ascolta soul americano, suona l' hammond nella band di Nino Ferrer che lo lancia. Nell' album Oboso che contiene Soul Makossa, Dibango fa una sintesi tra James Brown e Miles Davis con la poliritmia africana trovando la chiave del suo successo che gli permetterà gli incontri con Herbie Hancock, Peter Gabriel e tanti altri. "Un omaggio alla sua memoria verrà organizzato non appena ci saranno le condizioni per farlo", annuncia dolente il messaggio su Facebook. Molti artisti già lo ricordano come Angelique Kidjo che via Twitter lo definisce «il vero gigante della musica africana». Per uno dei suoi ultimi concerti italiani, a Barratili in Sardegna, c' erano tuoni e fulmini. «Poi però il cielo si spalancò e come per un miracolo la pioggia smise di scendere», dice Magali Berardo, sua promoter in Italia, «in questa specie di ombrello magico Manu salì sul palco e fece un concerto indimenticabile».

·        Fumetti, addio ad Albert Uderzo: era il "padre" di Asterix.

Fumetti, addio ad Albert Uderzo: era il "padre" di Asterix. Il celebre disegnatore francese, di origini italiane, è deceduto a 92 a causa di un attacco cardiaco. Aveva ideato, insieme allo sceneggiatore Goscinny, la saga divenuta celebre in tutto il mondo. Lavinia Greci, Martedì 24/03/2020 su Il Giornale. Il disegnatore francese Albert Uderzo, creatore della saga a fumetti di "Aterix e Obelix", è morto questa notte, a 92 anni. Ad annunciare il decesso dell'ideatore e padre, insieme allo sceneggiatore Rene Goscinny, del celebre personaggio di fantasia, sono stati i familiari, i quali hanno fatto sapere che il celebre fumettista è morto nel sonno, nella sua casa di Neuilly, in Francia, a causa di un attacco di cuore, non correlato al coronavirus. "Era molto stanco da diverse settimane", ha spiegato il genero dell'artista, Bernard de Choisy.

La storia del disegnatore. Figlio di genitori italiani, Albert Aleandro Uderzo era nato a Fismes, nell'Est della Francia. La vocazione per il disegno la manifestò fin dall'infanzia, distinguendosi come un attento lettore di fumetti e precoce disegnatore di storie. Scoperto un deficit visivo che lo rese daltonico, continuò a disegnare, fino a farlo diventare un mestiere. Dopo aver creato il suo primo fumetto, "Flamberge Gentilhomme Gascon", Uderzo inventò il soldato con una sola gamba, "Clopinard". Nella sua brillante carriera, riuscì a realizzare fumetti avventurosi e umoristici, anche se la celebrità la raggiunse con "Asterix".

L'arrivo di "Asterix". La svolta, per Uderzo, arrivò con l'incontro con Gosciinny, un giovane autore francese appena arrivato dagli Stati Uniti. Tra i due, oltre a una grande amicizia, si formò un fondamentale sodalizio artistico e dopo la prematura scomparsa dello sceneggiatore, avvenuta nel 1977, Uderzo continuò la realizzazione della popolare serie delle avventure degli irriducibili Galli, in perenne lotta contro i Romani. Uderzo e Goscinny debuttarono con le storie di Asterix il 29 ottobre del 1959, con il primo numero di "Pilote", edito dalla Societé Nouvelle du Journal Pilote (creata per l'occasione), di cui Uderzo era direttore artistico. Successivamente il fumetto venne pubblicato in 37 volumi e tradotto in oltre cento Paesi, vendendo oltre 200 milioni di copie.

La fortuna del fumetto. La serie a fumetti di Uderzo e Goscinny ha avuto, nel tempo, diverse trasposizioni cinemtaografiche, con una lunga serie di lungometraggi a cartoni animati e quattro film live action. "Asterix", oltre a essere diventato un vero e proprio simbolo nell'immaginario di tutti, ispirando costumi e travestimenti, ha persino un parco divertimenti a tema, "Parc Astérix", inaugurato nel 1989 a Plailly, vicino a Parigi.

L'eredità di Uderzo. Il celebre disegnatore, pur mantenendo la supervisione sugli albi della saga fino all'ultimo, il 38esimo, "Asterix e la figlia di Vercingetorige", uscito nello scorso autunno, nel 2011 aveva voluto designare i suoi eredi: Jean-Yves Ferri per la sceneggiatura e Didier Conrad per i disegni. I due hanno debuttato con "Asterix e i Pitti", il 34esimo album, nel 2013.

Francia, è morto Albert Uderzo: fu il disegnatore di Asterix. Aveva 92 anni, è stato stroncato da un infarto nel sonno. Insieme a René Goscinny creò la celebre striscia di fumetti. La sua scomparsa lascia un vuoto immenso: ma il suo personaggio vivrà per sempre. Luca Valtorta il 24 Marzo 2020 su La Repubblica. È morto in Francia, a Neuilly, all'età di 92 anni, Albert Uderzo, il disegnatore di Asterix. È stato stroncato nel sonno da una crisi cardiaca, come riferisce la famiglia. Che precisa: la sua scomparsa “non è correlata al coronavirus. Era molto stanco da diverse settimane". Anche se lui era andato in pensione, il suo personaggio, Asterix, ha continuato a vivere: Uderzo ha infatti continuato a mantenere la supervisione sugli albi della saga fino all'ultimo, il 38esimo, Asterix e la figlia di Vercingetorige, uscito lo scorso autunno.

Nel 1977 aveva deciso di andare avanti anche senza il compagno di una vita, lo sceneggiatore René Goscinny, morto quell'anno. I due si erano incontrati per la prima volta nel 1951 ma il vero sodalizio inizia qualche tempo dopo, nella sede parigina della casa editrice Word Press, dove Goscinny scrive le sue prime storie per Lucky Luke mentre Uderzo lavora per serie di stampo più realistico. La prima collaborazione è assai strana: una rubrica di galateo sul femminile Bonnes soirée. Ma lì i due scoprono di condividere lo stesso senso dell'umorismo e il 1952 li vede ancora insieme per la serie Oumpah-Pah (in Italia viene pubblicato su Il Corriere dei Piccoli dal 1967 al 1970), un indiano che ha a che fare con la moderna tecnologia: un modo per prendere in giro sia il nuovo mondo, l'America, con il suo consumismo, che la Francia. Elementi interessanti perché costituiranno poi una parte importante del fumetto che li rende famosi ovunque: Asterix. Che diventerà uno dei più conosciuti in assoluto. Un successo che ha davvero dell'incredibile: 350 milioni di copie vendute, nove film di animazione e quattro con attori in carne e ossa (celebre l’Obelix interpretato da Gérard Depardieu). Il debutto avviene il 29 ottobre 1959 con il primo numero di Pilote, edita dalla Societé Nouvelle du Journal Pilote (creata per l'occasione). Se è Goscinny ad avere l'idea di fare di Asterix una sorta di antieroe, non un personaggio dal fisico perfetto ma un piccolo ometto qualunque che diventa potentissimo grazie alla bevanda magica del druido Panoramix, è Uderzo che insiste per dargli una spalla, un personaggio grosso e gioviale, gran mangiatore di cinghiali (interi), la cui forza è sovrumana perché, essendo caduto da piccolo dentro il paiolo della bevanda in lui i poteri sono permanenti. Non solo: l'incredibile popolarità di Asterix si rivela nel fatto che è tradotto in centodieci lingue! Nessuno come lui. Il motivo di tanto successo probabilmente sta nel fatto che non è solo una lettura per ragazzi. È proprio l'umorismo che lo rende capace di arrivare a un pubblico illimitato: giochi di parole, calembour, acronimi (come il famosissimo S.P.Q.R., che mentre in francese suonava come "IIs sont fous, ces Romains", in italiano viene tradotto da Marcello Marchesi in "Sono Pazzi Questi Romani", il tormentone di Obelix), accenni alla società contemporanea e persino alla politica. Nel 1977 la morte di Goscinny per attacco cardiaco mentre si sta sottoponendo a un test sotto sforzo, quando ha solo 51 anni, lascia Uderzo senza parole: decide comunque di andare avanti proseguendo il lavoro su Asterix e i belgi, ultima sceneggiatura di Goscinny, che esce nel 1979. Poi, va avanti da solo al ritmo di un albo ogni due anni, finché nel 2011 decide che il personaggio deve proseguire ancora e sceglie i suoi eredi: Jean-Yves Ferri (sceneggiatura) e Didier Conrad (disegni) che debuttano con Asterix e i Pitti, il 35esimo albo di Asterix apparso nel 2013. E poi l'ultimissima storia, Asterix e la figlia di Vercingetorige, che ha fatto un certo scalpore anche perché la ragazza protagonista a molti ha ricordato Greta Thunberg. Anche se ha predisposto tutto in vita in modo che Asterix potesse andare avanti, Uderzo lascia un vuoto immenso: è un pezzo enorme della storia del fumetto che se ne va. E non ci voleva di questi tempi. Il suo ultimo regalo, però, è che proprio oggi può darci un enorme conforto: leggiamo Asterix da soli o con i nostri figli. Rileggiamolo. Ridiamo. Pensiamo. Andrà tutto bene.

Albert Uderzo morto a 92 anni: era il disegnatore di Asterix. Riccardo Castrichini il 24/03/2020 su Notizie.it. Albert Uderzo, il disegnatore di Asterix, è morto all'età di 92 anni a causa di un infarto. É morto all’età di 92 anni Albert Uderzo, nome d’arte di Alberto Aleandro Uderzo, il primo disegnatore del celebre fumetto Asterix. A dare notizia della sua morte è stata la famiglia che ha sottolineato come questa non sia dipesa in alcun modo dal coronavirus, ma da un infarto improvviso nella notte.

Morto il disegnatore Albert Uderzo. Figlio di genitori italiani, Uderzo ha avuto una brillante carriera di disegnatore in Francia e ha realizzato fumetti avventurosi ed umoristici. Il suo prodotto più conosciuto è stato senza alcun dubbio la serie di Asterix, realizzato insieme a Renè Goscinny. Quando quest’ultimo morì prematuramente nel 1997, Uderzo diventò la figura di riferimento per la realizzazione del fumetto.

Una vita con Asterix. Una passione, quella per i fumetti, che Uderzo ha coltivato fin da piccolissimo. Amava disegnare e ha sconfitto i suoi limiti per poterne fare una lavoro. Non tutti infatti sanno che il disegnatore di Asterix era daltonico, un deficit importante se nella vita vuoi creare immagini visive. Questo lo ha limitato senza dubbio nella pittura, ma non nel disegno di cui ha fatto il suo vero marchio di fabbrica. Quando aveva solo 13 anni viene assunto dalla Société Parisienne d’Édition in qualità di letterista, ritoccatore di fotografie e correttore di bozze. Poi le sue prime invenzioni come Flamberge Gentilhomme Gascon e il soldato con una sola gamba Clopinard. Successivamente l’incontro con Goscinny e la matita di uno che si unisce alla penna dell’altro, nasce così nel 1959 Asterix. Uderzo lascerà il suo fumetto nelle mani di Jean-Yves Ferri (sceneggiatura) e Didier Conrad (disegni) solo nel 2011 pur mantenendo la supervisione sugli albi della saga di Asterix fino all’ultimo, il 38esimo, Asterix e la figlia di Vercingetorige, uscito nello scorso autunno.

·        Morto Luigi Pallaro, "el senador" che affondò Prodi II.

Morto Luigi Pallaro, "el senador" che affondò Prodi II. Originario di San Giorgio in Bosco, in provincia di Padova, giunse in Argentina nel Dopoguerra, diventando uno dei punti di riferimento della grande comunità italiana. La Repubblica il 23 March 2020.  "È morto questa mattina a Buenos Aires Luigi Pallaro, eletto senatore nel 2006, poco prima di compiere 80 anni, dagli italiani che vivono in Sud America con ben 84.507 voti su un totale di 290mila votanti in tutto il continente. La notizia mi giunge dalla sua famiglia". Lo ha annunciato Lucio Malan di Forza Italia. "Fu molto discusso il suo voto decisivo per la nascita del secondo Governo Prodi, e poi quello che tolse alla stessa maggioranza governativa la presidenza della Commissione Industria Commercio e Turismo, a beneficio del senatore torinese Aldo Scarabosio. Pallaro, poi, dal dicembre 2007 non diede più il sostegno al governo contribuendo alla sua caduta". "Originario di San Giorgio in Bosco, in provincia di Padova, giunse in Argentina nel Dopoguerra, diventando uno dei punti di riferimento della grande comunità italiana. Imprenditore di successo in diversi settori industriali, acquistò anche una superficie di terreno incolto pari a più di sei volte la Repubblica di San Marino trasformandola in una straordinaria azienda agricola che esporta carne in tutto il mondo. "Al di là delle posizioni politiche, ha sempre creduto nella possibilità di creare una rete di sinergia dei tanti italiani all'estero con l'Italia, dandone dimostrazione in prima persona.Esprimo alla famiglia e agli italiani in Sud America le mie condoglianze per la dolorosa perdita".

·        E' morto Carlo Casini, fondatore del Movimento per la Vita.

E' morto Carlo Casini, fondatore del Movimento per la Vita. Magistrato, parlamentare Dc e poi europarlamentare è stato l'animatore di tante battaglia contro l'aborto. La Repubblica il 23 Marzo 2020. E' stato il grande nemico della legge sull'aborto, il fondatore del Movimento per la Vita. Carlo Casini aveva 85 anni: è morto nella sua casa romana dopo una lunga malattia. Accanto a lui la moglie e i figli. Fiorentino, cattolico, Casini era stato dal 1963 al 1966 è stato pretore a Empoli (Fi) e dal 1966 al '79 sostituto procuratore a Firenze. Dopo l'impegno come parlamentare, è stato consigliere presso la Corte di Cassazione dal 1999 al 2003. E' stato docente di diritto internazionale, diritti umani e bioetica presso il Pontificio Ateneo Regina Apostolorum di Roma. Carlo Casini cominciò la carriera in politica nelle file della Democrazia Cristiana. Venne eletto alla Camera per la prima volta nel 1979. Dopo lo scioglimento della Dc, aderì al Partito popolare italiano e in seguito passò al Centro Cristiano Democratico (Ccd), per il quale fu ricandidato alle elezioni europee ma non eletto, e successivamente all'Udc. È stato eletto parlamentare europeo nelle elezioni del 1984, del 1989 e del 1994. Ritornò al Parlamento europeo nel maggio 2006, subentrando ad Armando Dionisi. Nel 1975 era un giovane pubblico ministero di Firenze quando, indagando sulla "clinica degli aborti", mise le manette e fece trasferire nel carcere delle Murate il segretario del partito radicale Gianfranco Spadaccia. Qualche anno dopo, nel 1981, si battè per fermare la legge 194 sull'aborto con il referendum abrogativo. E prima di intraprendere la battaglia referendaria, Casini fu tra i fondatori del Movimento per la Vita, nato il 15 gennaio 1980, da cui sono scaturiti i Cav - Centri di aiuto alla Vita, il Progetto Gemma, le case di accoglienza e tante altre iniziative con decine di migliaia di bambini aiutati a venire al mondo. Molti i messaggi di cordoglio, dal modo cattolico e dalla politica, dai vertici dell'Udc,alla Lega, a Forza Italia con Jacopo Cellai, Mara Carfagna. Giorgia Meloni di Fratelli d'Italia ha scritto: "Se ne è andato un uomo straordinario che ha dedicato tutta la sua esistenza alla difesa della vita e ha animato un volontariato appassionato, che in oltre 40 anni di attività ha dimostrato con i fatti che è possibile salvare una vita, offrire un'alternativa all'aborto e aiutare le donne ad affrontare la bellissima avventura della maternità. Casini è stato e sarà un esempio da seguire". 

·        E’ morto Alberto Arbasino.

E’ morto Alberto Arbasino. Aveva compiuto 90 anni lo scorso gennaio. A dare l’annuncio della morte la famiglia spiegando che Arbasino si è spento “serenamente” dopo una lunga malattia.

Aldo Grasso per corriere.it il 24 marzo 2020. Oggi non si può non parlare di Alberto Arbasino, maestro di intelligenza, di stile, di passione letteraria. Lui, soavemente cosmopolita, che ha trattato con la stessa grazia e ironia la vita bassa, il tanga, l’infradito, le sneakers, il leopardato, il loft, il cool, il mansardato e i mostri sacri della letteratura, regalandoci mitici ritratti dal vivo, conversazioni à bâtons rompus, affondi critici (eravamo ancora neorealisti e lui già sbeffeggiava Antonioni e Visconti), perfidie squisite. Oggi non si può non ricordare il programma Match (1977) dove Arbasino, effervescente e impeccabile padrone di casa, invitava nel proprio salotto due personaggi che avevano in comune la professione o l’inclinazione artistica e li metteva a confronto. «La novità saliente del programma (ideato da Arnaldo Bagnasco, ndr) è costituita dal tipo di articolazione del duello vero e proprio: i due antagonisti avranno ciascuno quindici minuti a disposizione per intervistarsi l’un l’altro, ed è perciò alle reciproche domande e risposte che è affidato l’esito in vivacità e interesse di ogni match», scriveva il Radiocorriere. La prima puntata è dedicata al teatro: seduti l’uno di fronte all’altro ci sono Giorgio Albertazzi e Memè Perlini; per la letteratura lo scontro, molto cavalleresco, è tra Alberto Moravia e Edoardo Sanguineti. Arbasino rende affascinante un programma raffinato e approfondito; il conduttore ha inoltre il merito di far discutere in tv di medicina due protagonisti prestigiosi, Paride Stefanini e Albano Del Favero, di cinema Mario Monicelli e Nanni Moretti, di economia Romano Prodi e Francesco Forte, di architettura Paolo Portoghesi e Leonardo Benevolo; personaggi che, senza autopromuoversi con il libro sottobraccio (come diverrà di moda nei salotti tv), parlano del proprio lavoro e delle proprie idee. In dieci puntate Arbasino aveva dimostrato che non era impossibile fare buona tv. 

Paolo Isotta per il “Fatto quotidiano” il 22 aprile 2020. Medén thaumázein, nihil admirari, non stupirsi di nulla. Questa massima della saggezza antica è attribuita da Plutarco a Pitagora: e dovrebb' essere regola di vita. Io sono troppo ingenuo rispetto a Cicerone e Orazio. Quindi, se paragono quel che i giornali scrissero alla morte di Leonardo Sciascia, uno che avrebbe dovuto quanto meno esser pregato di accettare il premio Nobel, a ciò che medio tempore hanno riempito a paginate per la scomparsa di Alberto Arbasino, non riesco a non admirari. (Ben vero, neanche Arbasino lo conseguì: per snobismo non era abbastanza buonista). Qui vorrei dire una mia opinione che cozza contro quella esposta dai più autorevoli. Lessi nel 1967 Fratelli D' Italia, seconda edizione, Me lo volli far piacere a forza: sedicenne, m' attirava un libro dove si parlava con tanta libertà del vincolo omosessuale. Da allora non l' ho più ripreso in mano; me ne resta l' impressione che del lato omosessuale ci sia solo il blaterare di recchie di provincia, dal tono insinuante al gridolino isterico. I presunti romanzi basati su sillogi di articoli di giornale mi hanno sempre ispirato diffidenza. Ma i colti, gl' intelligenti, dicono che non è più possibile raccontare storie, occorre decostruire e perdere il centro. Ciò è verissimo se consideriamo due fra le sommità del Novecento, L'uomo senza qualità di Musil: e quanto a letteratura omosessuale pensiamo solo a I turbamenti del giovane Törless; e La morte di Virgilio di Hermann Broch; Arbasino viene considerato un esponente del romanzo-saggio, ma pensiamo alle due principali opere di Musil e Broch per ammettere che la differenza con lo scrittore di Voghera non è solo di statura, è anche essenzialmente qualitativa. I due buttano tutto se stesso in opere che sono sfida alla letteratura e alla vita, Arbasino butta sì qualcosa, il fumo negli occhi. E pure Sciascia mescola i generi: è il Maestro incontestato della novella-saggio. Pierluigi Battista il tremulo attribuisce al povero Alberto una sterminata conoscenza dei classici greco-latini. Ma andiamo! Da come scriveva, Arbasino avrà al massimo letto il Satyricon, direttamente in italiano, senza testo a fronte. Poi, non lessi molto di altro.

Il SuperEliogabalo: ci cercavo Gibbon, ci trovai Artaud, e tu, Cara Salma, hai voluto metterti in competizione con Artaud. Ero afflitto dal peso degli articoli su Repubblica. Avete idea del cattivo cuoco che mescola e sovrappone ingredienti affinché qualcosa ne esca? Per uno di Napoli, erano soliloqui di recchia, dal genere incerto, costituiti dall' accumulazione di meri fatti o oggetti visti o musica udita. Ovvio, ricordare a chi non l' ha mai ascoltato Il cavaliere della Rosa diretto da Erich Kleiber. Splendidissimo, ma come non l' ho ascoltato io non l' ha ascoltato lui, ché la registrazione fu degli anni Trenta. Quella serie di accumulazioni e citazioni, ossessiva, aveva il bisogno di nascondere il nulla del pensiero; torno al cattivo cuoco che aggiunge, inoltre, la panna. E quella leziosa, interminabile serie di puntini di sospensione. Di musica non capiva niente; era un altro Mario Bortolotto, lo scopo del quale era épater piuttosto che parlare di ciò che è, e il quale al Quartetto op. 132 trova sempre superiore Ein musikalische Spass, e ai Valzer di Strauss antepone la loro trascrizione per armonium e complessino fatta da Schönberg perché anche questo Grande doveva mangiare. L' enumerazione, la digressione, l' accumulazione, vennero inventate da Flaubert, e sono una vera visione del mondo in ogni tipo di opera. Così i discorsi degli imbecilli. Arba arbae si limitava a registrare quel che sentiva nel suo ambiente aggiungendovi, quando non poteva farne a meno, un pizzico di umorismo. Si credeva un elegantissimo, Anche su questo fatela dire a un napoletano. A Roma sarà riuscito a trovare un economico sarto di Voghera o Lodi; e su quelle tristissime colorate pochettes anche i miei occhi fanno scorrere copiose lagrime - perché, in fondo, tra la finta Signorina Snob (Franca Valeri sì ch'è un genio) e io, sono io il meno cattivo.

Antonio Armano per ilsole24ore.com il 18 ottobre 2020. “Dimenticare Voghera? Non è umanamente possibile”. Alberto Arbasino risponde con questa smodata dichiarazione a Giovanni Testori che sul Corriere della sera lo accusa di essere poco provinciale. Cioè di avere dimenticato la città dove è nato e cresciuto per cadere in preda al demone del cosmopolitismo e dell'irrequietezza: “E perché Arbasino pretende di non lasciarci credere che l'estro, la trafelata bellezza e il trafelato, incipriato sudore della sua scrittura sono tali proprio perché il latte che egli succhiò e il sangue che nelle vene gli capitò, per trapianti che tenti e tradimenti che effettui, sono e restano sgangheratamente e smodatamente vogheresi?” Secondo Testori Arbasino doveva pacificarsi con quelle origini strapaesane e soprattutto doveva smetterla di voler rimandare l'incontro che nel perenne moto sembrava voler eludere, la sua fuga dal tempo per dirla con qualcun altro. Siamo nel 1979. Arbasino non aveva neanche cinquant'anni, godeva di ottima salute, se la spassava da oltre venti a Roma e avrà toccato tutto il ferro e tutti gli attributi a portata di mano nel leggere il lugubre monito a non tradire la terra, il latte e il sangue. In un'intervista a Camillo Langone per il Foglio molto tempo dopo avrebbe detto che per essere Arbasino bisogna vivere nella capitale o almeno a Milano. Lo stesso ha detto a Testori: i tempi in cui bastava nascere in un qualunque borgo italiano per dettare legge in Europa erano finiti da un pezzo. Dal Rinascimento l'Italia aveva smesso di essere un paese centrale e restare significava dunque essere doppiamente marginali: come italiani e come provinciali. In fondo, notava rispondendo a Testori, chi non si era mosso da casa che aveva combinato? “Non lo diceva anche Montale? Non è umanamente possibile essere un poeta bulgaro”. Per la serie: se Canetti fosse rimasto a Ruse non avrebbe battuto chiodo, altro che Nobel. Idem Todorov, ma qui entra in ballo il comunismo a voler prendere sul serio la battuta. Rievoco la polemica tra fantasmi italiani ora che Arbasino è tornato a Voghera dopo l'ineludibile incontro di cui Testori ha parlato con un anticipo di quasi mezzo secolo, in modo così esplicito e pubblico.

“Passeggiando con Arbasino”. Il botta e risposta si trova in un bel volume intitolato Passeggiando con Arbasino, pubblicato da Ticinum di Elisabetta Balduzzi, casa editrice della omonima libreria vogherese, e curato dallo scrittore Guido Conti, il quale si è trasferito a Voghera da Parma. Tra i testi inclusi nella raccolta quello del giornalista Gigi Giudice. Giudice ricorda quando Arbasino era ancora per tutti “Nino” e si presentava verso sera in Lambretta per incontrare il fratello, Tino Giudice. Arbasino e Giudice erano amici e quest'ultimo frequentava lingue alla Bocconi ed era l'interlocutore preferito, in riva allo Staffora almeno, il torrente esangue che non passa lontano da quel quartiere dove “quasi tutti votavano Pci”. Voghera era una cittadina vitale in tutti i sensi prima della desertificazione recente e devastante. In realtà qualcuno era rimasto e aveva combinato qualcosa. Per esempio Lucio Mastronardi, autore negli anni '60 del feroce ritratto del boom economico: Il calzolaio di Vigevano, Il maestro di Vigevano e Il meridionale di Vigevano. Ma dopo avere combinato ben più di qualcosa si era buttato nel Ticino anticipando il fatale incontro di cui parla Testori. Arbasino è stato lo scrittore degli anni '60 intesi come decennio di modernizzazione e crescita, anche in provincia: la MG spider che cambia colore da una edizione all'altra di Fratelli d'Italia (da bianco latte a pervinca...), il meccanico “col cazzo sporco” per La bella di Lodi, le corse sulle nuove autostrade, le soste negli autogrill dove invece Scerbanenco ambientava delitti. Riscrivere è dare la vernice al testo e Arbasino stesso aveva una Porsche sulla quale lascerà quasi la pelle in un incidente. Sempre Testori aveva parlato del tentato suicidio di Arbasino in seguito alla scoperta delle proprie inclinazioni omosessuali. Tutt'e due venivano da famiglie ricche e alto-borghesi e in vista ma Testori abitava a Novate, nell'hinterland milanese sempre più anonimo cioè sempre più hinterland, non in una cittadina collegata bene con tutto ma isolata in mezzo ai campi e dove la maggior parte degli italiani sono stati solo per una coincidenza ferroviaria sostando senza uscire dalla stazione. Ricordo ancora gli annunci dei treni, poi sostituiti dalla voce computerizzata e robotica, fatti da un impiegato con intonazione pesantemente vogherese e tendente al prognatismo. Pur conscio che l'italiano pulito sia la lingua dei doppiatori, meno inquietante è il dialetto, ormai sepolto come lingua madre ma rimasto sotto terra come un'energia che affiora in alcune espressioni elencate da Arbasino ricordando le conversazioni con Gadda (L'ingegnere in blu): termini impagabili e insostituibili come “trasudeciùc” per indicare il color violaceo simile al vomito da ubriaco da vino rigorosamente rosso. In un vasto capitolo di Passeggiando con Arbasino li analizza con passione Angelo Vicini.

Il basso serviva per mischiarlo con l'alto. Allo scrittore il basso serviva per mischiarlo con l'alto, la provincia con la metropoli, la casalinga con la marchesa e viceversa naturalmente (“La viceversa” è stato un significativo soprannome arbasiniano). Senza un estremo non poteva esistere l'altro, anche se sarà stato molto più interessante il secondo tenendo ben presente il primo. Arbasino voleva essere una specie di incrocio tra Gadda e Capote e nessuno può negare che ci sia riuscito, pur con tutto quello di penalizzante che una simile contaminazione comporta: Colazione da Tiffany con le note a pie' di pagina? Doveva andarsene per diventarlo e ha avuto anche molta fortuna nel ritrovarsi nella Roma della Dolce Vita invece che in quella della Grande Bellezza. Per lui la vita artistica romana era l'indefesso lavoro diurno – Arbasino genio e secchione - più incontri serali al caffè; e quando gli scrittori hanno smesso di incontrarsi al caffè e hanno iniziato a stare attaccati al monitor come monadi la letteratura italiana ha iniziato a decadere paurosamente, o smesso proprio di esistere. Insomma – insùma, si direbbe a Voghera - senza avere passato le sere con Flaiano, Pasolini, Moravia, Penna e Parise e altri non avrebbe fatto quello che ha fatto. “Lasciatemi divertire” scriveva Palazzeschi e non si capisce perché Arbasino dovesse sempre ricevere rimproveri se voleva godersi la vita a Roma e in giro per il mondo trasformandola in articoli e gli articoli in libri. A Voghera come e più di altrove lo rimproveravano di essere frivolo e nella suddetta raccolta non poteva mancare una recensione - per non dire stroncatura - a La vita bassa: Davide Fiammengo, ex compagno di scuola al liceo classico Grattoni. Fiammengo gli è grato sì perché se li interrogavano insieme in greco prendeva un voto più alto, trainato dal brillantissimo Nino, ma trova che sia finito per girare a vuoto, scrivendo un “divertissement, in cui ci si perde con la testa per aria”. In altre parole: qualcosa di fine a se stesso. Lo stesso pensava la professoressa Emilia Provenzal, figlia del letterato Dino Provenzal, e docente dei due ragazzi. Anche se non arrivava, come Fiammengo, a consigliargli di “buttarsi sulla Bibbia”. Cosa che Testori del resto ha fatto. Arbasino diceva di essere nato a Voghera e rinato a Roma. A Milano ha ambientato L'Anonimo lombardo, il primo romanzo, e a Milano ha posato l'ultimo sguardo sulle cose terrene. Da grande signore, vissuto per molti anni con rendite di famiglia e vitalizio da parlamentare, dunque libero di viaggiare e scrivere senza condizionamenti, si è scelto un panorama finale come la basilica di San Lorenzo. In un coccodrillo sul Manifesto – di gran lunga il più bello dei coccodrilli arbasiniani -, Giovanni Agosti scrive: “Ci ricordavamo tutti e due che Richard Krautheimer, il massimo conoscitore della Roma medioevale e barocca, la considerava la chiesa più bella dell'Occidente: e Alberto la vedeva ormai tutti i giorni dalle finestre della sua stanza, dal suo balcone. In casa erano già stati fatti i lavori per ricavare dal salotto, con le incisioni di Füssli e di Piranesi, uno spazio per una persona che potesse accudirlo; Stefano infatti era gravemente malato e molto provato da una situazione da anni difficile, tanto da avere deciso di fare abbandonare Roma ad Alberto e di tenerlo con sé a Milano”. Stefano era il compagno storico, la cui scomparsa ha accelerato quella di Arbasino: “Stefano il prisonnier degli anni Sessanta – scrive Agosti -, Stefano impeccabile e musone, Stefano con la r, Stefano mangiato con gli occhi in ascensore da Jacqueline Kennedy, Stefano che disegna gli omini intrecciati – quasi dei Keith Haring ante litteram – sulla copertina di Sessanta posizioni: una proiezione di Alberto? O, meglio, una delle grandi storie d'amore dell'altro secolo?” “Caro topo, vecchio topo/ tu non sai cosa vien dopo”: è l'ultima poesia di Rap! e s'intitola “Miao”.

Aurelio Picca per “il Giornale”  il 25 marzo 2020. Il trentenne che girava in Porsche bianca, e poi lo scrittore sempre in cravatta che compilò innumerevoli volte il suo concerto in lettere, Fratelli d' Italia, non è stato un Maestro, né voleva esserlo. Alberto Arbasino credo ambisse alla dicitura di Gran Lombardo. Di lasciare eredi, almeno letterari, se ne è sempre infischiato. E infatti non ci saranno. Lui e Umberto Eco sono stati gli eccelsi della Neoavanguardia (per intenderci facile: il Gruppo '63), ma il primo ne ha fatto un frullatore al proprio servizio bulimico e singolarissimo; il secondo, dopo avere contribuito alla sepoltura del romanzo, scrive Il nome della rosa per trasformarsi in narratore globale. Quando lessi da ragazzo Le piccole vacanze rimasi tutta l' estate avvelenato dall' inquietudine. Non ricordo nulla di quel romanzo, però ne ho dentro lo scavo esistenziale: il classico solco che producono i capolavori. Arbasino ha sempre oscillato tra una coscienza morale (Giuseppe Parini), tenuta nel fondo della sua letteratura quasi a nasconderla per proteggerla, e l'Opera alla Scala che ha tradotto in una maschera (illusoria). In realtà è stato un Andy Warhol della letteratura, un eccentrico con i connotati borghesi (i suoi abiti di Caraceni lo imbustavano), un ironico fisiologico con la sua erre che, quando parlava, faceva da carrucola alle altre lettere spezzate che uscivano dalla gola in un gorgo sintattico, citazionista e battutista. La bella di Lodi è stato il suo romanzo breve paraculo, che sapeva di vaccherie lombarde e grasso di motori. Lo recensii, in ristampa, forse se non sbaglio su queste pagine. E, cosa che non faccio mai, gli inviai il pezzo. Lui era nato nel 1930, poteva essere mio padre. Ma non era nella pattuglia dei Padri letterari che immaginavo o che frequentavo. Non mi aspettavo nulla. Mi inviò una Cartolina con un saluto a mo' di nodo da foulard. Quasi trenta anni fa venni chiamato al telefono da Roberto D' Agostino che mi invitava a casa sua, via Condotti numero 1. Si festeggiava il compleanno di Alberto (fu lui stesso a fornire a Roberto che non conoscevo il mio nome). Faceva caldo di fronte alla finestra con veduta su Trinità dei Monti. Con Arbasino fu naturale darci del tu. E mi venne pure facile raccontare che ero di ritorno dal Getty Museum di Los Angeles. Lui che aveva calcato le sale di migliaia di musei e scalciato pure quadri e pittori o innalzato dipinti a meraviglie (insieme poteva addizionare odori di periferia a Raffaello), mi chiese come fosse il museo perché non c' era mai stato. Gli raccontai che era costruito con il marmo di travertino di Tivoli e che dalla collina si vedeva di fronte la down town della metropoli e intorno il deserto. Intanto cresceva il caldo là sospesi su piazza di Spagna. Allora Alberto tirò fuori il fazzoletto da tasca bianco ben piegato e se lo portò alla fronte tamponando le goccioline di sudore senza strofinare. Pure io mi ritrovai a usare il mio fazzoletto bianco che porto sempre in tasca fin da bambino. Come ci guardammo, senza averlo voluto, con i fazzoletti tra le mani partì un sorriso. Per anni, scherzando, mi sono vantato di usare fazzoletti ricamati a mano. Anzi, aggiungevo: Io e Alberto Arbasino siamo gli unici scrittori che hanno in tasca un fazzoletto di cotone e non di carta (l' altro era Domenico Rea). Ora, caro Alberto, ragazzo di vita e signora mia, sono rimasto l' unico che se non ha impilati almeno trenta fazzoletti nel comò, rischia il panico. Ne comprerò di nuovi anche per te. In tuo onore.

Camillo Langone per “il Giornale” il 25 marzo 2020. Ironico, cosmopolita, esordiente con Italo Calvino, avanguardista con il Gruppo '63, amico di Inge Feltrinelli, collaboratore di Repubblica... A leggere giornali e guardar siti è morto l' ennesimo intellettuale progressista. Invece è morto un raro intellettuale conservatore. Basterebbe leggerlo, Alberto Arbasino, anziché saccheggiare Wikipedia e limitarsi a citare gita a Chiasso e casalinga di Voghera. Alla notizia della sua morte mi sono precipitato allo scaffale della mia libreria che gli compete, ovviamente lo scaffale più alto, fra Giovanni Ansaldo e Pietro Aretino, e purtroppo non ci ho ritrovato Paesaggi italiani con zombi (dove caspita sarà finito?), un titolo del 1998 ahinoi perfetto per questo 2020 di città spettrali. Ho ritrovato invece Un paese senza, edizione del '90. Non me lo ricordavo così destro. «Non solo nel piccolo Libano e nella media Jugoslavia ma nella vasta Unione Sovietica e nell' ampia India tutti i massacri contemporanei scoppiano per conflitti etnici». Trent' anni fa, quando l' Italia era ancora monoetnica e non lo sapevamo, Arbasino già ci metteva in guardia dal multiculturalismo: «Sarete voi i protagonisti dei prossimi conflitti medievali tra Asia e Africa sui marciapiedi ove si beveva gin-and-tonic e adesso ci si accoltella fra le borsette di religioni differenti?». Cosmopolita di notte, nel jet-set, però molto lombardo di giorno, e non solo per la venerazione nei confronti di Gadda, Dossi, Manzoni. Se non si è mai potuto in alcun modo avvicinarlo alla Lega, come invece è accaduto ad altri grandi nordisti quali Giorgio Bocca e Gianni Brera, è più per incompatibilità estetica che politica. In Un paese senza chiama l' immigrazione massiccia di africani e asiatici, spesso musulmani, col suo vero nome, ossia invasione: «I deliri italiani prossimi deriveranno soprattutto (nella nostra Storia è già capitato) dalle invasioni del Paese, e dai conflitti che hanno più volte provocato anche fra i cittadini». Giusto: in Italia gli sbarchi producono soprattutto guerre civili. O quantomeno lotte intestine. Se è vero che i barconi africani in questi giorni non interessano e dunque, pur continuando ad arrivare, hanno smesso temporaneamente di dividere, è anche vero che si è appena formata una fazione filocinese (da Luigi Di Maio in giù), siccome certi connazionali l' invasionismo ce l' hanno nel sangue. «Sono i complessi coloniali / degli italiani eterni provinciali. / / Invocazioni / continue di intromissioni / e invasioni di stranieri / contro i propri avversari / sul territorio...». Sto virgolettando da Rap 2, il secondo dei due piccoli libri datati 2001 e 2002 in cui l' amante della lirica, l' habitué della Scala, il patito di Maria Callas si lancia, piuttosto a sorpresa, nella poesia civile rappata. Il risultato è più Flaiano che Fedez, ovviamente. Ma chi l' ha letto l' Arbasino rap? È l' Arbasino che si scagliava contro i «comunprepotenti», «i pacifiviolenti», i politici di sinistra che straparlavano di un' Italia trasformata nel Cile di Pinochet solo perché Berlusconi aveva vinto le elezioni...Sandro Veronesi adesso si dispiace su Twitter e non ne dubito, vorrei soltanto si sapesse che Arbasino con lui, e con tutti gli altri scrittori firma-manifesti che amano «mostrarsi assolutamente correct / su tutte le cause più select», non c' entrava nulla. Nel mare magnum di Fratelli d' Italia, il lunghissimo romanzo-saggio che ha la statura del capolavoro, ho pescato una sfida alla letteratura impegnata che fa davvero impressione: «Mi arrampico sulle tende, mi attacco ai lampadari, mi prendo a schiaffi dicendomi cattivo! cattivo!» ma per lo svago e il relax preferisco Piccadilly a Buchenwald». A dispetto di qualcuno che esortava così: «Passa un sabbatico a Belsen, non perdere tempo con Salisburgo, dammi retta! Il massacro rende!». Avrà pure fatto parte (brevemente e lateralmente) del Gruppo '63, di sicuro non ha mai fatto parte del Gruppo '68, e una prova consiste nell' incontro a Francoforte con Adorno assediato dalla contestazione universitaria: il giovane intervistatore parteggia per il vecchio filosofo. Il suo pittore novecentesco preferito era Giorgio De Chirico, non certo Emilio Vedova. La sua divisa era il blazer Caraceni, non certo l' eskimo. Le sue messe (vissute da esteta, non da credente) erano in latino o in greco (a Patmos), non certo post-conciliari coi tamburelli e i «preti che sanno tutto sul Vietnam». Il suo autore prediletto era Gadda, non certo Gramsci che sebbene muoia prigioniero si lascia dietro «non un inno alla Libertà come i romantici tedeschi ma il progetto di un apparato di intellettuali conformisti e propagandisti». Da vero conservatore era un pessimista, un realista, un uomo che non nutriva la benché minima fiducia nei giovani (altro che Greta e Sardine), liquidando come «solfe millenaristiche le speranze nelle generazioni future». Fratello Alberto.

Alberto Arbasino e quel suo sorriso canagliesco. Walter Siti de Il Riformista il 24 Marzo 2020. Ieri è morto a novant’anni, “serenamente, dopo una lunga malattia”, Alberto Arbasino. Sembra la sua ultima arguzia, un annuncio così composto e tradizionale in un momento in cui molti novantenni muoiono travolti dalla disordinata tempesta di un virus, nello scomposto cordoglio della politica e dei media. Arbasino si era inventato, fin dalla metà degli anni Cinquanta con Le piccole vacanze, una scrittura bassa e di conversazione che non aveva precedenti in Italia; il modello era inglese, oltre a stili italiani anomali come quelli di Irene Brin o di Isaia Ascoli. Un’apparente svagatezza che era sprezzatura, un umorismo canagliesco e irriverente, un progressivo amore per il camp. La sua frivolezza era una formazione di difesa nei confronti di una ferita narcisistica rintracciabile sia nell’Anonimo lombardo che in Fratelli d’Italia. Quest’ultimo rimane uno dei migliori romanzi italiani della seconda metà del Novecento: epico ritratto dell’Italia del boom, dell’Autostrada del Sole (su cui già correva la spider della Bella di Lodi). La ribalda epigrafe del romanzo, deformando Massimo D’Azeglio («l’Italia è fatta, è ora di farsi gli italiani»), ha aiutato molti giovani omosessuali a venire a patti col proprio senso di colpa. Curioso e snob, ferocemente aggiornato, ha visitato mostre e visto ovunque spettacoli teatrali; ha scritto versi svincolati da qualunque birignao lirico. Nemico della retorica, ha avuto formazione giuridica e di scienze politiche; è stato deputato per una legislatura (per il Partito Repubblicano) ma il suo vero impegno emerge piuttosto da un libro come Un paese senza (1980): irata e ironica requisitoria contro i vizi italiani di sempre, ma anche contro i nuovi miti: quello per esempio della “metallurgia wagnero-mirafior-marxista”, cioè vacuamente operaista, mentre il Pil italiano già poggiava sulle esportazioni dei prodotti di lusso («delle Borsette e dei Golfini»). Un realismo da ultimo erede dell’illuminismo lombardo dei Parini e dei Verri, nascosto sotto una maschera di eleganza e di understatement.

Roberto D’Agostino per Dagospia il 23 marzo 2020. Si hanno in Italia casi frequentissimi, quotidiani, specie in Italia, di sregolatezza senza genio, programmata a tavolino, calcolata in modo furbetto. In Alberto Arbasino, la congiunzione di estri e di astri è naturale, non si neutralizza mai in rappresaglie fatte di piccinerie, meschinità, bassezze firmate - miserie tipiche del nostro Establishment culturale. “Fratelli d’Italia”, "Fantasmi italiani", "Un Paese senza", "Trans-Pacific Express", gli articoli su "la Repubblica", sono stati i miei modelli letterari. L'ho seguito, ammirato, copiato come uno scudiero segue - e pedissequamente mima - il suo cavaliere errante. Arbasino è un cavaliere errante sulla palude italiana, in possesso di una cultura acrobatica che, balzando da un cavallo all'altro, dalla letteratura alla pittura, dal teatro al cinema, percorre territori estrosi e capricciosi, cattura l'improvvisazione con i furori di una mitragliatrice giocattolo. Ecco: l'amore per la parola, la maestria nell'uso della parola; che è sempre sorprendente: piena, intensa, ironica, mai banale. Come Flaubert classificava tutte le somaraggini della sue epoca, Arbasino ha viaggiato attraverso la Sublime Stronzaggine italiana, con le sue costanti ("conformismi e leccaculismi") e le ultime mode ("la bella volgarità"). Attenzione però: non è mai moralisteggiante, col ditino alzato e la puzza sotto il naso. Un artista libero e spontaneo come la verdura, galeotto e crudele come una fiaba scritta da uno Swift. Quindi, senza farti soffrire, a partire da quel capolavoro del secondo ‘900, “Fratelli d’Italia”, ha soffritto il nostro Paese, i tempi, i costumi, le manie, i i tic e gli chic, i vizi e i gusti della bella e brutta gente e di quella così così. Seduto tra Giovenale e Marziale, ironico nella molteplicità del gioco linguistico, lo scrittore di Voghera è l'ultimo dei satiri, prima delle omogeneizzazioni a livello scadente e demente. Per l'erudizione vertiginosa, il carattere sarcastico, la lotta contro la cialtroneria in qualunque sede e aspetto... E' la mirabolante attitudine di un cavaliere errante tra Vaticano dello Spirito e il Vesuvio della carne, in possesso di una cultura acrobatica che, balzando da un cavallo all'altro, dalla letteratura alla pittura, dalla politica al cinema, cattura l'indenti-Kitsch tricolore con il sarcasmo di Longanesi alto come Flaiano. Per me, ogni incontro con Arbasino è stato un incontro con l'intelligenza. Quando penso a quale livello ignobile sono arrivati gli intellettuali che scrivono sui quotidiani o sui settimanali, quando penso alla loro mancanza di esperienza culturale autentica, alla mancanza di viaggi e di visite ai musei e ai luoghi di cultura, Arbasino per me era una sorta di miracolo. Gli devo quasi tutto: idee, forma, stile. Penso che il massimo complimento che qualcuno può farmi, sia di dirmi che sono stato allattato dall'arte di Arbasino.

Malcom Pagani per il “Fatto quotidiano” del 14 luglio 2014. Pur refrattario all’elaborazione di un saggio sul maleducato da carrozza: “Il tempo è prezioso e la tolleranza costa già un notevole sforzo”, Alberto Arbasino soffre treni, scompartimenti e vicini ciarlieri. “Prendere le cosiddette vetture silenziose, che poi tanto silenziose non sono, è un’accortezza inutile”. Parlano tutti ad alta voce: “Dei fatti loro, dell’intimo, del personale”. E il vento caldo delle sue piccole vacanze in Spagna: “Andavamo alle Baleari. Ibiza era meravigliosa e Formentera non era altro che una lingua di sabbia tagliata dal taxi che ci portava da un lato all’altro dell’isola per il pranzo” o “i flautisti da giardino che ascoltavo d’estate dall’ammezzato di una delle mie prime case romane” non tornano a visitare la stagione dei suoi 84 anni. Luglio è quasi a metà, sulla terrazza il fico ha foglie di un verde innaturale e Arbasino indossa la camicia color kaki di chi sa come attraversare il suo deserto: “Di sera esco ancora volentieri, anche se scivolare dalla Via Veneto prefelliniana alla cena in Piazza Navona, non mi accadrà più. Con Ercolino Patti, Sandro De Feo e Cesare Brandi succedeva spesso. Cesare aveva un piccolo pied-à-terre e dopo una giornata di lavoro casalinga non covava il desiderio della minestrina nel tinello. Così si usciva in gruppo e si stava insieme fino alle due di notte. Mi stupivo. Lavoravano come ossessi e scrivevano senza sosta, ma non rinunciavano a vivere. Ridursi male comunque era difficile. Non tralignavamo mai. Un bicchiere, forse due. Si beveva il giusto, con moderazione”. Della grande casa con le sue iniziali sulla porta, conosce oro, incenso e giacimenti. Quando cerca nella biblioteca un volume di De Chirico: “Me lo regalò lui in Via della Vite, in fondo ci sono anche delle note a penna”, insegue un nome sulla Garzantina: “L’editore fiorentino di cui le parlavo era Carocci”, sventa l’attentato dell’ospite superando agile uno zaino sulla moquette o rimpiange con discrezione la mancanza di un computer: “Non lo possiedo, per alfabetizzarsi è tardi, ma ne sento la mancanza”, Arbasino denuncia il perpetuo movimento che dalla fine degli anni 50, immobile non l’ha fatto mai restare. Anche se i baffi di quando intervistava Borges sono un ricordo fotografico, è nell’autoscatto del tempo che fu: “Self-made man di origini decadenti (nato a Voghera nel 1930, rinato a Roma nel 1957) con la tentazione di vivere come se. Cioè come se abitassimo una società civilissima, illuminata e cosmopolita...” e nei versi ancora attualissimi di Super-Eliogabalo: “Senza pietre di paragone/ né pretese di perfezione/ se ragiono/ a tono/ funziono/ a una condizione/ diventare ciò che sono/ non chi impersono” che Arbasino può vantare la curiosità di chi ha guardato il mondo senza curarsi delle “ultime novità”. Lo stile nemico della semplificazione: “Per far contenti tutti e raggiungere le edicole degli areoporti non si può rinunciare all’ambiguità, alla notte, al mistero, all’oscurità”. L’amicizia con Agnelli: “Ci vedevamo spesso, dietro la sua raffinatezza pulsavano frequentazioni e lezioni erudite, Mario Tazzoli, Luigi Carluccio e Franco Antonicelli che alle signore di Voghera consigliava di servire i cioccolatini in coppe di cristallo”. Il mondo dell’avvocato come ouverture per altri 92 splendidi e diseguali Ritratti italiani raccolti per Adelphi. Ironia, affinità elettive, distanze e convergenze di Arbasino con i pensatori del suo tempo si allineano sotto l’ombrello di un illusorio ordine alfabetico. Sono volti, echi e disegni di passato senza data. Incontri con imprenditori, registi e letterati. Quadri non sovrapponibili. Cornici di un’età irripetibile. Sulla parete d’ingresso, nel tratto grasso di un pennarello nero, uno schizzo che Pasolini donò allo scrittore durante un’intervista: “Arbasino, in un atto di industria culturale (abbietto, naturalmente)”. Gli zigomi duri, nota Arbasino: “Sono i suoi” come la freccia che Pasolini indirizza a se stesso: “Io mentre aspetto che scriva le domande a cui nobilmente rispondere”.

Lei arriva a Roma negli anni Cinquanta.

«Avevo poco più di vent’anni e non la pensavo diversamente da Paul Nizan: "Non permetterò a nessuno di dire che è la più bella età della vita". Quando si parla di Arcadia bisognerebbe essere cauti. In Italia la ricostruzione era a buon punto, ma ci sembrava comunque un’epoca noiosissima, una lunga stagione morta».

Sfogandosi con lei, Pasolini parla di un “ridicolo decennio”.

«È un decennio di paradossi e contraddizioni. Di ultimi fuochi, di cambiamenti, di libera sessualità dietro le dune e le pinete e di libri straordinari. Lo osservavo, lo criticavo, lo subìvo il decennio dei ’50, poi adocchiavo la letteratura e mi chiedevo: Come è possibile?. Di mese in mese, anzi di giorno in giorno, in libreria era una festa. Il Pasticciaccio gaddiano, Menzogna e Sortilegio, Il Disprezzo e La noia, gli ultimi due romanzi veramente belli di Moravia».

Glielo disse che erano gli ultimi?

«Con Alberto ce ne facemmo e dicemmo di cotte e di crude. Da ragazzo era antipatico. Da uomo maturo dispettoso, prepotente ed eccessivamente prono al partito. In vecchiaia ci rappattumammo. Non ripeteva più ‘uffa uffa’ con severo cipiglio, ma in trattoria, davanti alle pere cotte, gridava: Semo tutti peracottari. Gli era venuta voglia di ridere. È superfluo dirlo, ma mi manca moltissimo, non solo nell’ultima veste giocosa».

Eravate entrambi permalosi?

«Lui sicuramente. Io mai, altrimenti non sarei arrivato fin qui. Alberto era ispido ed era capace di lunghissimi silenzi. Quando compì settant’anni gli portai 7 fazzolettini da Parigi. Aveva il vezzo di annodarli al collo e mi impegnai nell’acquisto. Li avevo cercati con perizia: grandi marche, colori magnifici, confezione adeguata. Li soppesò e poi disse: Li conosco, a Roma li chiamano strangolini».

Faceva parte degli intellettuali suscettibili?

«Lui no, ma non mancavano. C’erano persone che non tolleravano neanche l’afrore del giudizio critico e si adombravano se non si ragionava delle loro opere dal superlativo in su. In supporto non mancavano mai teorie di corifei. Gente che generosamente si prestava all’equivoco: Chi osa mettersi contro da oggi in poi non è credibile, Chi non capisce è sciocco, Chi non si spella le mani è un buzzurro».

Di Antonioni, incline all’offesa, lei scrive cose non tenere.

«Con intuizione corretta, Antonioni fotografava tedio, imbecillità e incomprensioni sentimentali della società europea sottoposta all’industrializzazione forzata. Metteva sotto la lente quel disagio che i milanesi bramarono di provare nell’istante immediatamente successivo all’edificazione del primo grattacielo cittadino. Ma nel suo cinema, la pretesa letteraria si risolveva in bozzetti incongrui e programmatici. La serietà con cui agghindava i suoi improbabili personaggi, le mezze calzette elevate a paradigma del Paese, involontariamente comica. Passata la sbornia e svanito l’equivoco, in effetti, si rise».

Altro moloch dal carattere puntuto, Luchino Visconti.

«In lui la componente populistica e quella dannunziana convivevano contribuendo all’essenza di un Visconti che nel retropalco e nell’isolamento sembravano esattamente la stessa persona. Uno che ideologicamente pendeva per il proletariato, detestava la classe media e respirava circondato dallo sfarzo. Un signorotto di geniale talento, ben allevato da genitori che lo portarono alla Scala fin da bambino, con una sua corte di zelantissimi sottomessi, affannati nell’eseguirne gli ordini. Frequentarlo annoiava e addolorava. Giovanni Testori, un caro amico, era sfruttato malamente. Sul versante teatrale poi, anche se gli dobbiamo spettacoli sommi come Anna Bolena e La sonnambula, l’elenco di quelli infelici ha voci in quantità. A un certo punto, anche dal loggione, prevalse lo strepito collettivo: Che palle».

In “Ritratti italiani”, parole liete sono riservate a Giorgio De Chirico.

«Era unico. Straordinario. Diverso da chiunque altro. Avvertiva l’estraneità al mondo circostante, viveva al passato remoto, si sentiva inadeguato persino all’allegro, innocuo circo di Piazza di Spagna. De Chirico abitava a pochi passi dalla filiale della Banca Commerciale Italiana e temeva di essere costantemente rapinato da briganti e mascalzoni. Ho paura sia a ritirare che a depositare mi diceva e io: Maestro, perdoni, ma che razza di traffico ha con questa banca?».

Il denaro per lei è stato importante?

«Non troppo, ma ho sempre considerato ovvio essere pagato per scrivere: il mio lavoro. Nel ’67, ai tempi de Il Giorno di Italo Pietra, un ex comandante partigiano che ben conoscevo per antichi vincoli familiari e che dei suoi anni universitari a Pavia amava dire: ‘Ballavamo il Charleston e traducevamo Sofocle meglio degli altri’, mi trasferii in un amen al Corriere Della Sera. A Il Giorno mi pagavano regolarmente, ma da anni collaboravo senza l’ombra di un contratto. All’ennesimo rinvio della questione mi spostai in Via Solferino. Un problema simile lo ebbi anche a Repubblica. Ero stato eletto deputato con il Partito Repubblicano e l’amministrazione del giornale fu laconica: Un contratto con un deputato non si fa».

Divenne deputato nel 1983.

«Me lo chiesero due fior di personaggi come Giovanni Spadolini e Bruno Visentini. Una volta con Visentini si andava a Treviso. Lui si trasformava, parlava in dialetto e diventava incomprensibile. Di preferenza litigava con uno scrittore autoctono che però dal trevigiano si era emancipato. Aveva viaggiato. Quando si incontravano non c’era facezia che non li accendesse in discussioni infinite».

Niente a che vedere con la timidezza di Gadda e Manganelli.

«Manganelli, uno scrittore sublime, era schivo. Lo incontravi al ristorante, in una sala appartata, avviluppato in se stesso. Mandava l’ambasciata di un cameriere per salutarti, poi si raccomandava: Non dire a nessuno che mi hai visto. Gadda era diverso. Me lo ricordo su una mia vecchia spider con Bonsanti sul sedile posteriore. Terrorizzato dalle curve e con la mano sul freno, Gadda era pronto a intervenire. Una sera, tornando dalla proiezione de La Bella di Lodi, chiese di fermarsi all’Hilton di Monte Mario. Si impelagò in un discorso da ingegnere sugli ascensori con un altro ingegnere, il fratello di Fabrizio Clerici. Tecnicismi da ossessi che evaporarono in un istante quando all’orizzonte si scorse la sagoma di un prelato. Gadda, l’uomo che vestiva in blu, non dimenticava mai la camicia bianca e certe discutibili cravatte acquistate in uno spaccio di Via della Mercede, all’improvviso si illuminò: Così dovevo nascere. Essere americano, farmi prete e vivere in un grande albergo bevendo succo d’arancia. Erano anni curiosi. Anni in cui gli uomini non sapevano farsi la barba e Mimì Piovene, di casa a San Giovanni, si lamentava: Sono diventata la barbiera del Laterano».

Di Umberto Eco ha scritto: “Costruiva oggetti complessi che agli incolti mettevano paura”.

«È vero e fu un’operazione di rara intelligenza. Con i libri di Eco, laureati e laureandi scoprivano la complessità dell’esistenza in maniera abbastanza semplice. Il successo fu assoluto. L’attenzione della critica, sacrale. Non a caso, da allora e per sempre, Eco ha fatto il fornitore di oggetti apparentemente complessi».

Le è simpatico?

«Simpaticissimo. Anzi, simpaticissimi. Lui e la moglie».

Il verbo di Eco inizia a imporsi nei ’70.

«Un decennio abbastanza atroce. Si viveva sulla retorica del ’68 rapidamente diventata una retorica tremenda. A San Francisco c’erano i figli dei fiori, in Europa gli assassini. In California, con gli spazi larghi tra i palazzi, i prati e la sensazione di libertà, la spinta a delinquere era anestetizzata dal contesto. Da noi in fondo, in ambiti più asfittici, l’agguato era nell’aria e la storia fosca dei Guelfi e dei Ghibellini, dei Montecchi e dei Capuleti, non faceva altro che ripetersi».

Altra icona dei ’70, Nanni Moretti. Nel suo ritratto si sostiene che il regista sia privo di cinismo.

Il cinico non perde tempo a deplorare il proprio cinismo con malspeso rovello. Moretti è un cuor d’oro sempre animato dal senso civico e dal bisogno di stare dalla parte giusta. Il rischio moralismo, quando si vuole essere educati, corretti e civici, c’è. Il ritratto del perfetto moralista, in certi film in cui il nostro porta in scena se stesso, anche».

Se scrivere è un lavoro, leggere che cos’è?

«È un altro lavoro. Va compensato. Costa fatica. Non a caso non ho letto i libri che partecipavano al premio Strega».

Nessuno?

«Nessuno. Neanche per sogno. Chi mi paga? Nei libri dello Strega di quest’anno non mi viene in mente nulla che valesse l’aggravio della lettura».

Perché?

«Per la stessa identica ragione per la quale se sul giornale vedo gesti normali insigniti delle nove colonne, mamme che mettono lo zucchero nel caffè o profeti che pensano di stupire usando la parola cazzo, giro pagina. Non me ne importa niente. Non mi vien voglia di leggere. Tanti anni fa non si usavano letterariamente gli antichi sapori o le ricette della nonna mescolandole impunemente con le malattie del papà o l’agonia della mamma. C’erano libri diversi. Scrittori migliori. Il proprio minuscolo io o il proprio ombelico non erano ritenuti validi motivi per sbarcare in libreria e anche se le chiese politiche erano più invadenti di oggi, c’era più understatement anche nella presa di posizione. Se si esclude il Pci, non pulsavano le maldestre voglie di appartenenza e la conclamata aderenza al nuovo progetto politico sul tavolo che oggi rendono impossibile qualsiasi sfumatura. C’è una percepibile ansia di salire sul carro. Consiglierei prudenza, magari il carro si rivela meno solido del previsto».

È un problema culturale?

«Ma la cultura è un affare bizzarro. Come ho scritto in Ritratti italiani, di fronte al rotocalchismo, quella vera sparisce. Basta un lieve sospetto e non la si trova più. Pensare che in un’epoca lontana sorridevamo dell’ingenuità di Carlo Ponti, un produttore che a differenza degli epigoni contemporanei, a Milano aveva studiato davvero. Nell’ufficio all’Ara Coeli, oltre il suo tavolo, teneva la Pléiade con la costa della copertina rivolta verso l’interlocutore. Ci chiedevamo: Ma se volesse leggerla lui, che periplo dovrebbe fare per raggiungere il sapere?».

È sparita anche la letteratura italiana?

«Si è deciso a tavolino che i best-seller dovessero essere al livello del fruitore. E così, una volta abbattuto il gusto a colpi di orrori, visto l’apprezzamento per il buco della serratura di stampo familiare, via libera ai sapori, alle ricette della nonna, ai lutti e alle corsie d’ospedale. Vendono moltissimo. Sono un prodotto da banco. Uno shampoo. Un codice in più nello scontrino del supermercato. Forse sono più alternativo, io».

Sull’affezione premiologica della letteratura italiana lei montò uno speciale per la Rai in epoca non sospetta.

«Più della liturgia dello Strega, non ho dimenticato Casa Bellonci. I corridoi strapieni di libri, lo spazio totalmente colonizzato dai volumi, una cosa da restare sbalorditi. Per la Rai in effetti assemblai un’ora e mezza di premi nazionali da Venezia a Firenze. C’era un ritmo serrato e allo spettatore sembrava si trattasse di un unico premio.L’intento era quello. Quando andai da Maria Bellonci spiegandole che non avrebbe potuto parlare per più di 30 secondi quasi mi rise in faccia: Ho bisogno di più tempo. Si cambiò 10 volte, il risultato era inverosimile. Maria vestita da donna, da uomo, a pois. Divertentissimo. Lei lo sapeva. Era una furbona».

È furba anche una letteratura in cui l’intimo dolore sfiora la pornografia?

«Furba sicuramente, pornografica non so, certamente irrilevante. Come può affascinarmi il calvario della prozia? Il sapesse quanto abbiamo sofferto signora mia?. Vabbè, anche se c’è chi non si diverte e gli scrittori danno l’impressione di divertirsi poco, signora mia sarà contentissima».

Morto Alberto Arbasino. Pubblicato lunedì, 23 marzo 2020 su Corriere.it da Antonio Carioti. Era un’esperienza intrigante, ma al tempo stesso sconcertante e comunque sempre impegnativa, misurarsi con la prosa di Alberto Arbasino, scomparso all’età di 90 anni. Intellettuale cosmopolita dall’erudizione sterminata, letterato dallo stile inconfondibile, sapeva rendere con estrema efficacia il linguaggio parlato delle classi istruite o semi-istruite italiane, in buona parte mutuato dai media. E amava scarnificarlo senza pietà, metterne in mostra la pochezza e gli stereotipi, fustigare con perfido sarcasmo i vizi che ne trasparivano. Svariava con naturalezza, nei suoi libri, dal teatro alle varie forme di arte figurativa, dalla musica alla letteratura. Il suo piglio dissacrante poteva risultare quanto mai spassoso, ma anche molesto e saccente, a seconda dei gusti. Di certo bisogna riconoscergli di aver dimostrato un fiuto sopraffino nel captare le trasformazioni del costume e della comunicazione di massa. Nato il 22 gennaio 1930 a Voghera, in provincia di Pavia, da una famiglia di professionisti, lettore instancabile fin da piccolo, Arbasino aveva interrotto gli studi di Medicina per dedicarsi con profitto a quelli giuridici e aveva intrapreso a metà degli anni Cinquanta la carriera accademica, forte anche di proficui soggiorni alla Sorbona di Parigi e all’Accademia di diritto internazionale dell’Aia. Nel 1965 però, deluso, avrebbe lasciato l’università. Nel 1959 si era recato per la prima volta negli Stati Uniti, allo scopo di seguire i corsi di relazioni internazionali tenuti ad Harvard da un giovane professore di origine tedesca destinato a diventare potente e famoso, Henry Kissinger. Da subito Arbasino aveva sviluppato un enorme interesse per la società d’Oltreoceano e la sua vivace produzione culturale, a cui avrebbe dedicato molti anni dopo il volume America, amore (Adelphi, 2011). Nel frattempo aveva cominciato a scrivere su riviste di prestigio: «L’Illustrazione Italiana», «Officina», «Tempo presente», «Il Mondo» di Mario Pannunzio. Reportage dall’estero, interviste, ritratti di scrittori famosi, poi inclusi nel volume Parigi o cara (Feltrinelli, 1960). Ma anche racconti: il primo, intitolato Distesa estate, era uscito su «Paragone» nel 1955. Nel 1957 Arbasino ne pubblicò una raccolta, Le piccole vacanze (Einaudi), i cui testi furono poi riproposti, insieme ad altri, nel successivo volume L’Anonimo Lombardo (Feltrinelli, 1959). Queste iniziali prove narrative misero subito in luce l’autore come una penna estrosa e innovativa, che trattava i suoi personaggi affamati d’amore con un distacco cinico e un po’ cerebrale, non privo di fredda cattiveria. Spiccava tra gli altri il racconto Giorgio contro Luciano, che affrontava il tema della vita sentimentale gay, all’epoca ancora generalmente tabù, con un approccio disinvolto e allusivo senza dubbio originale, ispirato allo stile camp americano, che avrebbe fatto di Arbasino, egli stesso omosessuale dichiarato, un punto di riferimento per quell’ambiente. Bisogna aggiungere peraltro che lo scrittore di Voghera rimase sempre estraneo a una visione militante del problema: avrebbe criticato i cortei, le ostentazioni più vistose e le battaglie per il riconoscimento giuridico delle coppie gay. Nel 1961 uscì sul «Mondo» il racconto La bella di Lodi, magistrale nel rendere il clima del boom economico, dal quale Arbasino trasse poi la sceneggiatura del film omonimo uscito nel 1963 per la regia di Mario Missiroli, con Stefania Sandrelli nel ruolo di Roberta, la disinibita protagonista. Nel 1972 l’autore avrebbe poi riproposto la stessa vicenda con lo stesso titolo in forma di romanzo, uno dei suoi libri di maggior successo. Tra le caratteristiche peculiari di Arbasino spiccava l’abitudine di rielaborare le proprie opere, diverse delle quali furono via via arricchite e modificate in edizioni successive. Il caso più significativo è Fratelli d’Italia, romanzo fluviale, complesso e irriverente, una sorta di odissea picaresca nell’establishment culturale italiano, uscito nel 1963 da Feltrinelli e progressivamente ampliato fino a toccare quasi le 1.400 pagine nell’edizione Adelphi del 1993. Quell’opera segnò la consacrazione definitiva di Arbasino nella galassia della Neoavanguardia: il Gruppo 63, nato a Palermo nell’anno da cui prese il nome, lo vide in prima fila. Si era tra l’altro affermato come l’erede di Carlo Emilio Gadda, di cui si considerava discepolo: i suoi racconti La narcisata e La controra, usciti nel 1964 da Feltrinelli, sono un evidente omaggio al maestro, cui molti più tardi avrebbe dedicato il volume L’ingegnere in blu (Adelphi, 2008). Dopo aver descritto con arguzia e sensibilità l’Italia del miracolo economico, Arbasino seppe fare altrettanto con la contestazione giovanile, messa in scena, come scrisse lui stesso, «in una decadenza romana archetipica, raccontata con gli strumenti delle avanguardie storiche», nel breve romanzo surreale Super-Eliogabalo (Feltrinelli, 1969), apertamente ispirato all’Eliogabalo del francese Antonin Artaud. Affiora in questa come in altre opere di Arbasino (si pensi alla corrosiva commedia musicale Amate sponde!, sfornata per il centenario dell’Unità nazionale nel 1961) un pessimismo di fondo circa «le pulsioni antropologiche profonde e costanti del vivere italiano»: la faciloneria, il sentimentalismo a buon mercato, la superficialità, il provincialismo, che lui esortava a curare, o almeno a lenire, con una salutare «gita a Chiasso», cioè con l’esperienza diretta dei Paesi più civili. Assai critico anche il suo atteggiamento verso la stampa e la tv, impegnate a abbassare il loro standard culturale al livello della proverbiale «casalinga di Voghera», altra espressione frutto della sua vulcanica immaginazione. Collaboratore assiduo dei più importanti quotidiani, dal «Giorno» al «Corriere della Sera» fino al lungo sodalizio con «la Repubblica», dagli anni Settanta Arbasino si era sempre più caratterizzato come saggista e osservatore del costume, caustico censore della tradizione cattolica come del conformismo progressista, pronto anche a biasimare con parole molto severe (forse troppo) le lettere di Aldo Moro dal carcere delle Br nel libro In questo stato (Garzanti, 1978). «La nostra crisi attuale — scrisse — ci appare non tanto un fatto economico quanto anzitutto un disturbo mentale». Era anche approdato in televisione, a Rai Due, dove aveva condotto nel 1977 il programma Match, e nel 1983 era stato eletto alla Camera da indipendente nelle liste del Partito repubblicano. Del 1980 è la prima edizione del suo più importante saggio d’impegno civile, Un Paese senza (Garzanti), raccolta di riflessioni e aforismi sui paradossi di un’epoca farsesca e nel contempo tragica, sommersa da un’alluvione d’inutili chiacchiere nella persistente incapacità della classe dirigente di affrontare i problemi reali. Anche in seguito, dopo il progressivo esaurimento della sua stagione creativa più intensa e vivace, Arbasino era rimasto un protagonista. Viaggiatore infaticabile anche in tarda età, aveva continuato a raccontare il mondo, con titoli come Pensieri selvaggi a Buenos Aires (Adelphi, 2012), a rievocare eventi e personaggi, a divertire e disorientare il lettore con la sua mania per il dettaglio e le smisurate elencazioni grottesche. Per alcuni anni era tornato a scrivere sul «Corriere», raccogliendo impressioni e ricordi, sapientemente miscelati, in una rubrica dall’eloquente titolo «Vintage». Nel 2009 le sue opere erano state raccolte in due volumi nei Meridiani Mondadori: testimonianze essenziali per comprendere le trasformazioni profonde e le robuste persistenze che abbiamo sperimentato nel lungo passaggio tumultuoso dall’Italia rurale degli anni Cinquanta a quella postmoderna e stralunata di oggi.

Morto Alberto Arbasino, avversario del politicamente corretto. Pubblicato lunedì, 23 marzo 2020 su Corriere.it da Aldo Cazzullo. C’erano, in casa di Alberto Arbasino (scomparso lunedì 23 marzo a 90 anni) , una Madonna in calze a rete firmata da Guttuso, un disegno di Mino Maccari con i preti che su ordine di Andreotti mettono i mutandoni alle statue del Foro Italico, lettere di insospettabile cortesia dei grandi con cui aveva polemizzato, da Bassani a Paolo Grassi; tracce di un’avventura intellettuale, Roy Lichtenstein e Toti Scialoja, Giosetta Fioroni e Antonietta Raphael. E c’era un ritratto con dedica — «Arbasino alla macchina da scrivere in un atto di industria culturale, abietto naturalmente. PPP» —, cui Pier Paolo Pasolini aveva prestato i suoi stessi lineamenti e zigomi. Però nei suoi libri gli amori omosessuali erano narrati in chiave lieve, non in quella drammatica di Pasolini. «Anonimo lombardo era un romanzo epistolarfrocesco da far sobbalzare, perché trattava l’omosessualità studentesca come una cosa normale, ovvia, com’era considerata a Oxford e a Cambridge — raccontava Arbasino —. Infatti fui rimproverato, e non per scherzo, da Pier Paolo e da Testori, che criticarono la mia leggerezza, la mia mancanza di sofferenza, di tormento. Non sapevo cosa rispondere. Forse dipendeva dal fatto che loro fossero così cattolici». Un giorno andò a trovare Pasolini su un barcone sul Tevere, sotto il ponte di Castel Sant’Angelo: «Un posto frequentato da ragazzi di vita molto disponibili. Ero a Roma di passaggio, dopo sarei stato al “Mondo”, vestito come si addiceva a un incontro con Pannunzio, Ercolino Patti, Sandro De Feo, che portavano certe grisailles chiare, un po’ meridionali, da avvocato. Mario Ferrara era un avvocato elegantissimo, così come l’avvocato Battaglia: scarpe nere lucidate bene, baffetti bianchi molto curati. Quando arrivai sul Tevere in cravatta, Pasolini mi derise, così come tutti i marchettoni e le marchettine; ma quando videro che sotto avevo un costume hawaiano, con i palmizi e i fiori, fui molto ammirato dai pischelli. Non so come oggi sarebbe considerato Pasolini. Forse un pedofilo. Come Balthus, un altro grande che ho avuto ospite qui in casa. E Degas, con quelle ballerinette quattordicenni? E Cézanne, coi suoi pompieri al bagno? Forse i tempi erano allora più permissivi? Non so». Pasolini l’aveva visto l’ultima volta alla Carbonara, la trattoria di Campo de’ Fiori. «Lui aveva invitato a cena Sandro Penna, certo per fare una buona azione: Penna era lagnoso e querulo, difficile da reggere, sempre a lamentarsi di cani o gatti malati, come del resto la Morante; i gatti della Morante non erano mai in buona salute. Quando Pier Paolo mi vide fu una liberazione: “Alberto, vieni qui…”». E la sua fine? «Non ho mai pensato che se la fosse andata a cercare, come pare abbia commentato Moravia; ma che ci fosse qualcosa sotto. Non un delitto fascista; pensai piuttosto a una banda, di quale tipo non so. Fu una strana imprudenza: nel momento della sua massima visibilità polemica, contro la Dc contro gli americani contro l’Eni, rischiare non una coltellata ma il flash di un paparazzo dietro un cespuglio, con le mutande in mano?». Anticomunista e avversario del politicamente corretto senza essere di destra, antifascista e pronto a intervenire nel dibattito civile senza essere di sinistra, Arbasino ha coltivato una certa idea dell’engagement, dell’impegno. Faceva notare che i padri della Repubblica non erano schierati a priori né di qua né di là, né democristiani né comunisti. «Croce, Einaudi, gli azionisti torinesi: gli uomini della generazione di mio nonno, presidente del partito liberale di Voghera, e di mio padre, che aveva della farmacie e forniva le medicine ai capi partigiani dell’Oltrepo. Anche venendo arrestato. A Voghera lavorava come impiegato in un’azienda elettrica Ferruccio Parri». Rivendicava di non essersi unito a nessun coro: «Su Berlusconi come su Craxi, posso dirmi vergin di servo encomio e di codardo oltraggio. Entrambi hanno inciso sull’economia, anche su quella del fronte avverso: sono stati una fonte di reddito. Con vignette e commenti pro o contro Craxi e Berlusconi, molti hanno guadagnato. Non io. Con il vecchio Brecht dico che quando leggo “il Cavaliere” sento tintinnare il registratore di cassa». Nell’83 Arbasino fu eletto alla Camera nelle liste repubblicane, e fino all’87 fu tra i deputati più presenti. «Legai molto con i miei vicini in commissione: Adolfo Sarti, di Cuneo, ministro importante e uomo coltissimo, e Michele Zolla, che poi lavorò al Quirinale con Scalfaro. Di fronte c’era Natalia Ginzburg, che smistava tutte le carte a me: “Fai tu anche questo…”. Detestavo il Transatlantico, i divani, i baci e abbracci tra panzoni, le passeggiate sottobraccio alla buvette. Con Sarti e Zolla ci facevamo il caffè alla macchinetta. La Iotti era scrupolosissima: ascoltava tutti, anche gli ostruzionisti, senza farsi mai sostituire; contava i minuti, al massimo 45, e al quarantaseiesimo scampanellava. Mi ricordava le presidi della mia infanzia. La direttrice didattica di Voghera». Chi le offrì la candidatura? «Visentini, cui mi legavano l’arte e la musica. E Spadolini, che era stato il mio direttore al “Corriere”. Spadolini era simpaticissimo. Animato da vanità e golosità infantili. Non da sensualità; quella non gli importava, e credo davvero non la praticasse, se in quattro anni di gossip sul direttore al “Corriere” non venne fuori nulla». Arbasino veniva dal «Giorno». «Avevo legato molto con Murialdi, il caporedattore, e con Pietrino Bianchi; non tanto con Bocca, che credo mi considerasse frivolo, e neppure con il direttore Pietra. Era lui il capo partigiano cui mio padre passava le medicine. Conosceva anche mia madre e di fronte ai redattori allibiti, scherzando ma non troppo, mi diceva: “Se usi troppe parole straniere e troppe citazioni, dico alla mia amica Gina che ti prenda a schiaffi!”. Al “Corriere” mi portarono Enrico Emanuelli e Alfio Russo, che mi affidava elzeviri e brevi corsivi contornati, lunghi mezza matita. Per prima cosa Spadolini mi informò che erano aboliti. Quanto agli elzeviri, li avrebbero scritti solo accademici e luminari». Poi venne Ottone. «Con cui mi trovai bene, e mi lasciai ancor meglio quando passai a “Repubblica”: era il Natale del ’75, portai due bottiglie in redazione, e Ottone mi ringraziò: “Finalmente uno che va via dal “Corriere” non a male parole ma offrendo champagne”…L’unico problema era l’America. Vi ero stato la prima volta nell’estate del ’59, a seguire un corso di Kissinger che ai suoi picnic ci portava Eleanor Roosevelt, Riesman, Galbraith e Schlesinger. Ma non potevo tornarci per il “Corriere” perché il grande Stille non voleva che nessun altro scrivesse di America, neppure sulla letteratura o su Broadway, tranne lui. Così andavo per conto mio» (qui il primo articolo di Arbasino per il «Corriere della Sera», nel 1968). Con Bassani era andata peggio. Enzo Siciliano ha raccontato che gli amici di Arbasino alla Feltrinelli dovettero scassinare un cassetto per recuperare il manoscritto di Fratelli d’Italia. Ma lui negava: «Non è così. Io non ero litigioso, e Bassani con me era severo ma simpatico. Tanti altri cercavano di mettere zizzania attorno al Gruppo 63, inventavano voci per creare difficoltà: “Quelli vogliono prenderci tutti i posti”. Come poi nel ’68. L’uscita di Fratelli d’Italia fu preceduta da una campagna preventiva che infastidì molti, compreso me: veniva annunciato un romanzo scandalistico a chiave, con dentro tutti i protagonisti della dolce vita, da Agnelli in giù. Bassani si allarmò. Quando ebbe tra le mani il libro, molto sinceramente mi disse che non corrispondeva alla sua idea del Romanzo. Fu Giangiacomo Feltrinelli a risolvere la questione: Fratelli d’Italia non sarebbe uscito nella collana curata da Bassani accanto a Forster e Lampedusa, ma in un’altra insieme con Pasternak e Grass. La strana storia dei cassetti forzati, che non so se vera, avvenne molto dopo, con l’acuirsi delle rivalità tra le redazioni romana e milanese, quando il mio libro era già uscito». Era già nato il Gruppo 63, con Angelo Guglielmi, Furio Colombo, Edoardo Sanguineti, Giorgio Manganelli e Umberto Eco. Per prendere amichevolmente in giro Eco, diceva: «Non saprei giudicarlo. I suoi libri sono molto lunghi, e sono bestseller. La questione non riguarda Umberto, ma tutti. Ove si tratti di bestseller che muovono denaro, il compenso per ogni ora di lettura di noi addetti ai lavori non andrebbe commisurato alla tiratura e alle vendite, bensì deontologicamente regolato dalle vigenti tariffe degli ordini professionali. Più Iva».

Morto Alberto Arbasino, ha raccontato l'Italia fuori dal conformismo. Nato a Voghera nel 1930 si è spento dopo una lunga malattia. Scrittore prolifico, fu tra i protagonisti del Gruppo 63. Raffaella De Santis il 23 Marzo 2020 su La Repubblica. E' morto il 22 marzo, domenica, Alberto Arbasino, dopo una lunga malattia. La famiglia fa sapere che lo scrittore "si è spento serenamente". Arbasino era nato a Voghera (Pavia) nel 1930, lo scorso gennaio aveva compiuto 90 anni, ed aveva attraversato il Novecento guardandolo con la distanza dell'illuminista che sa mescolare humor e sguardo critico. D'altra parte la sua carriera intellettuale di romanziere, poeta e saggista sui generis segue fin dall'inizio percorsi originali. Uno scrittore appassionato, un giornalista curioso. Sergio Mattarella saluta  Arbasino e ne ricorda la  "passione civile", quella carica che ha spinto lo scrittore a cercare sempre "strumenti utili alla narrazione e alla comprensione dei mutamenti, sociali e di costume". "Arbasino è stato uno scrittore di grandi qualità e creatività - ha sottolineato Mattarella dopo aver appreso la notizia della scomparsa - un romanziere innovatore, un uomo di cultura poliedrico, tra i motori del Gruppo 63". Per poi concludere: "L'Italia si è arricchita del suo talento e la cultura ne farà tesoro". Come era nella sua natura, sofisticata e rap, elegante e camp, funambolica e imprendibile, Arbasino è salutato da tutti come un grande, dai lettori comuni sui social, dai suoi colleghi scrittori e dalle istituzioni. "Autore prolifico, intellettuale anticonformista, scrittore sperimentale", così lo ricorda oggi il ministro per i Beni e le attività culturali Dario Franceschini: "Con il suo genio ha illuminato la cultura italiana e non solo". Sempre in movimento, mai conforme. Da ragazzo dopo essersi iscritto a medicina a Pavia, Arbasino cambia idea e passa a studiare giurisprudenza alla Statale di Milano dove si laurea nel 1955 con il giurista Roberto Ago, del quale per un po' diventa assistente. La carriera universitaria però non è così consona al suo spirito creativo. Arbasino dimostra fin da subito una cultura flessibile, impastata di studi classici e di vita vera, gli piacciono oltre ai libri il teatro e le mostre, gli scambi tra intellettuali, quello che Foscolo chiamava il Gazzettino del Bel Mondo. I primi passi li compie scrivendo su riviste culturali come L'illustrazione italiana, Officina e Paragone e sul Mondo di Pannunzio, fino a quando nel 1963 pubblica Fratelli d'Italia, un romanzo fiume in cui c'è già la consapevolezza dello scrittore maturo e che rimaneggerà in continuazione nel corso del tempo. Il clima era quello della neoavanguardia del Gruppo '63, del quale Arbasino faceva parte, e il romanzo aveva tutta la veemenza sperimentale di quegli anni. Diventerà un classico, riveduto dallo scrittore nel tempo (l'ultima edizione, nel 1993, esce per Adelphi). Il libro narra le vicende estive "on the road" di due giovani omosessuali, Antonio e l'Elefante, che d'estate girano l'Europa. Arbasino amava viaggiare e sembrava un sismografo tanto era in grado di cogliere al volo i cambiamenti sociali e culturali del momento. La trama per lui era solo un pretesto. Nel 1969 esce Super-Eliogabalo, accolto come d'altra parte Fratelli d'Italia tra entusiasmi e polemiche (prima edizione Feltrinelli nel 1969, poi Einaudi e infine Adelphi). Racconta la vita di un moderno imperatore ispirato al  lascivo imperatore romano Eliogabalo, protagonista di un'opera di Antonin Artaud che ne celebrava la biografia piena di contraddizioni ed eccessi. Scrittore, saggista, poeta, giornalista, era sempre un passo avanti. Tra le altre opere da ricordare: Parigi o cara; Un Paese senza; Paesaggi italiani con zombi; La vita bassa, che fin dai titoli hanno il suo tratto. Amava Gadda più di tutti, tanto da dedicargli un libro, L'ingegnere in blu (Adelphi, 2008) Molte le trovate intelligenti e piene di ironia che rimarranno, tra cui "la casalinga di Voghera" e "gita a Chiasso", che aveva usato nel 1963 in un articolo su "Il Giorno" come antidoto al provincialismo culturale italiano. Nel 2009 escono i due volumi dei Meridiani dedicati ad Arbasino, curati da Raffaele Manica, che lo consacrano come uno dei maggiori autori del Novecento. Arbasino è stato un collaboratore di Repubblica fin dal giorno della fondazione, il suo primo articolo, un'intervista a Bernardo Bertolucci, compare nelle pagine culturali del nostro giornale del 14 gennaio 1976. Arbasino è stato uno scrittore sociale, nel senso che seguendo il filo delle sue opere si registrano i cambiamenti del mondo in cui viviamo, le rotte culturali del tempo, i tic di un'epoca che sapeva essere "post", post ideologica e giocosamente confusa. Per questo amava definirsi con ironia scrittore "neo-frugale" o "post-tragico".  Gli anni Cinquanta della Ville Lumière in Parigi o cara (Feltrinelli 1960, poi Adelphi 1995), quando nella capitale francese si aggiravano i mostri sacri della cultura, da Céline a Jean Cocteau, da Raymond Aron a Raymond Queneau, e poi Pierre Klossowski, Alain Robbe-Grillet, Roland Barthes. Li conosceva, ci discuteva, con una capacità unica di farli parlare, incontrandoli nei loro appartamenti lussuosi o ai ricevimenti ufficiali, nei festival, nei teatri o in luoghi più neutri come le case editrici o le redazioni di riviste. In Il ragazzo perduto, poi rititolato Anonimo lombardo (uscito per Feltrinelli prima nel 1959 e poi nel 1966 e in seguito per Einaudi e Adelphi), mette in scena in forma epistolare le ansie di un amore omosessuale nella Milano del boom anni Cinquanta.  Amava la vita cittadina, i bar, le presentazioni, i musei. Era innamorato delle grandi capitali culturali, Parigi, Londra, New York (alla quale dedica America amore, 900 pagine di incontri, pensieri, interviste, scrittori alticci, pubblicato da Adelphi nel 2011), così come dell'America latina, terra di grandi fasti e repentine crisi, a cui ha dedicato "Pensieri selvaggi a Buenos Aires" (Adelphi, 2012). Le sue analisi taglienti non risparmiano mai spigolature fuori dal coro, come in Un Paese senza, saggio pubblicato nel 1980 per Garzanti, dove mette a fuoco l’Italia degli anni Settanta con punte di divertita cattiveria. Ma ce n'è anche per la Dolce Vita di un tempo passato, il chiacchiericcio ai tavoli, i night club, posti in cui anche i piccoli imprenditori parlano d’affari, “con Buscaglione e Carosone sullo sfondo, e la bottiglia di una certa marca di whisky bene in vista sul tavolo, a conferire identità e status”. Sferzanti i commenti contenuti nel libro. Quello su Theodor Adorno, che nel 1969 all’università di Francoforte era stato contestato da tre studentesse a seno nudo, è tranchant. Arbasino, che si è recato a trovarlo a Francoforte, scrive che Adorno “sarebbe morto di lì a poco di contestazione”. Degli anni Settanta e della contestazione ritrae entusiasmi e smanie, come quella del “dibbattito” (scritto con due “b”), che in quegli anni travolgeva ogni cosa, dalla musica alla politica alla famiglia. Arbasino allora affonda il colpo: “Dover prendere partito anche su ‘rock duro contro disco music’, dunque magari battersi per stronzate?”. Negli anni Ottanta avvicina la politica: dal 1983 al 1987 è deputato come indipendente per il partito Repubblicano. Il passaggio al nuovo millennio gli ispira Rap! (Feltrinelli, 2001, poi l'anno dopo Rap 2) dove incurante del politicamente corretto se la prende con i miti e i riti di oggi, le tendenze considerate “must”, la devolution, il G8, il Cavaliere. Tutto a ritmo rap, facendo proprie le inflessioni del gergo contemporaneo. Un libretto, pubblicato nel 2008 per Adelphi, fotografa invece fin dal titolo la nuova moda dei giovani, La vita bassa, i pantaloni dei ragazzotti più trendy che lasciano intravedere le mutande. Un segno antropologico, tribale, della condizione umana ai tempi dei Millennial.  Chi era Arbasino dei tanti personaggi che racchiudeva? Per Roberto Calasso, direttore editoriale Adelphi, Arbasino è stato soprattutto un "grandioso memorialista", uno che sapeva ritrarre gli altri scrittori in modo eccezionale, dotato di una vis polemica che gli ha consentito di "attaccare frontalmente tanti che venivano venerati, ossequiati in ogni modo, di cui si tacevano grossi difetti". Con Arbasino invece, dice Calasso intervenendo a Radio 3, "non passavano indenni certe mediocrità". Arbasino però scherzava anche su di sé, sulla sua condizione di intellettuale. Sapeva di essere diventato un "venerato maestro" ma in fondo non ha mai smesso di essere un ragazzo irriverente. 

Addio ad Alberto Arbasino, l’illuminista che prese in giro il nostro provincialismo. Il Dubbio il 23 marzo 2020. Aveva 90 anni ed è morto a Roma. Raccontò l’Italia e gli italiani da una visuale anticonformista, controcorrente. E’ morto a Roma Alberto Arbasino, aveva 90 anni, è stato uno degli autori capaci di raccontare l’Italia e gli italiani da una visuale anticonformista, controcorrente. Narratore e saggista eclettico, fu protagonista del Gruppo 63, movimento letterario di neoavanguardia formato da giovani intellettuali critici nei confronti delle opere letterarie ancora legate a modelli tradizionali degli anni ’50. Uomo dalla personalità eccentrica, colto, fu cronista della realtà sociale e culturale degli anni ’60 e ’70 ma di tutta la seconda metà del ‘900. Nato a Voghera il 22 gennaio 1930, Nino Alberto Arbasino si laureò in Giurisprudenza, specializzandosi poi in Diritto internazionale all’Università di Milano. Si fece conoscere con alcuni scritti pubblicati su riviste di rilievo come “L’illustrazione italiana”, “Officina” e Paragone. “Esordì come scrittore nel 1957, anno in cui si trasferì a Roma, ed ebbe come editor Italo Calvino. I suoi primi racconti, pubblicati su riviste, furono raccolti in Le piccole vacanze, del 1957, e “L’Anonimo lombardo”, 1959.  Arbasino raccontava la provincia italiana del dopoguerra, chiusa in un mondo ristretto. Tra le opere maggiori c’è Fratelli d’Italia’ romanzo del 1963 che attraverso le vicende estive di due giovani omosessuali in giro per l’Italia e l’Europa raccontava l’ambiente culturale del Paese degli anni ’60. Nel 1965 Arbasino decise di abbandonare la carriera universitaria per dedicarsi a tempo pieno alla scrittura. Nel 1967 iniziò a collaborare con Il Corriere della Sera, dal 1976 con La Repubblica. Tra i primi lavori ci sono anche reportage per il settimanale Il Mondo, scritti da Parigi e da Londra. Si considerava uno scrittore espressionista, e considerava Super Eliogabalo, pubblicato nel 1969, il suo libro più surrealista ed espressionista. Tra il 1983 e il 1987 fu deputato come indipendente per il Partito Repubblicano Italiano. E’ del 1994 Mekong, un ritratto impietoso della societa’ italiana del secondo ‘900. Era un grande estimatore di Carlo Emilio Gadda. E’ considerato erede della tradizione illuministica lombarda che aveva i padri nobili in Carlo Dossi e Gadda. Arbasino fu anche critico teatrale e musicale e autore di libri di viaggio.

Pierluigi Panza per fattoadarte.corriere.it il 24 marzo 2020. Nella biblioteca del teatro di Voghera, dove sono custoditi i libri sui quali studiò il primo Arbasino, mi pare di aver visto molti classici, non molti libretti d’opera. Ma della divorante passione di Arbasino per la lirica abbiamo una prima data certa, il 1953: “Medea” di Cherubini, con la Callas diretta da Bernstein. Arbasino c’è, c’è anche lui nel foyer, e nell’ “Anonimo lombardo” racconta all’amico Emilio di aver visto quel giorno, quella sera, prima dell’inizio di quell’opera, alla Scala “un Giovin di capelli nerissimi”. Lui vorrebbe, sì vorrebbe ma… no, non può resistere alla Callas. Prima c’è l’opera: “Quel coro di Argonauti mi piaceva da matti, me lo sono subito imparato per inserirlo tra le melodrammatiche marce che mi fanno morire”. L’anno successivo, il 14 settembre 1955, è a Venezia per le sue vacanze post-laurea a vedere “L’angelo di fuoco” di Prokoviev, alla prima mondiale alla Fenice. La lirica, soprattutto i giochi di parole dei famigerati libretti – da Busenello a Illica – diventano il vocabolario della sua narrativa. E l’opera il suo amore segreto. I libretti sono un serbatoio di accostamenti da far impazzire Arbasino. Fino al XVIII secolo folleggiano i “disarmati e impotenti amori” di Busenello, il “velenoso amor”, l’“amator malveduto” gli “sciapiti amplessi” che poi diventano, con il Conte di Luna del “Trovatore”, dei giochi di parole trasformati in detti popolari: “Ah, l’amor l’amore ond’ardo” che si trasforma persino nel vogherese in “l’amore è un dardo”. Da impazzire. Ma nella lirica, lui, ci entra davvero, un paio d’anni prima dei pomodori di Capanna alla prima del ’68 alla Scala. Nel 1966 è al Cairo, “in piena età Nasser e in assoluta economia”, e mette in scena una “Traviata”. L’anno dopo, che è l’anno meno uno della Rivoluzione, realizza una “Carmen” per il Teatro Comunale di Bologna. E udite con chi: scene di Vittorio Gregotti – anche lui scomparso una settimana fa - e costumi di Giosetta Fioroni. Dietro le quinte, con funzione di drammaturgo, diciamo, Roland Barthes, quasi al culmine della sua gloria. Al torero Escamillo la Fioroni fa indossare una maglietta con una grande E sul petto, stile rapper odierno. Le sigaraie sono abbindate con palline da ping pong. Escamillo è Superman, sopra una scala d’argento e la Carmen ammanettata è un po’ mignottesca: “a modo suo tentava audacie alla Artaud sopra Don José affondato fra cuscini d’argento entro gradoni da pre-discoteca”, disse Arbasino. Quella “Carmen” era come un gigantesco Happy hour presessantottesco i cui riferimenti –notò Stefano Di Michele anni fa per “il Foglio” – vanno in fondo cercati nella descrizione di Madame Sesostris della “Terra desolata” di T.S.Eliot. Forse gli piaceva anche Stravinskij, forse la musica russa. Recensore di serata, non entrava mai nel tecnico soporifero e inconcludente di certi critici musicali ammazzamusica. Nel marzo del 2007, per la “Fille du Régiment” alla Scala, sentite cosa scrive su “la Repubblica”: “Qui, accanto alla mirabile Anna Proclemer, che rifà le più formidabili Lady Bracknell d'Oscar Wilde, ai tempi illustri e magistrali di Edith Evans, trionfa saltellando e incespicando, trottolino e tombolotto, l’amatissimo Juan Diego Flórez, finto sempliciotto e tipico paraculetto, ninnolo, giuggiola, e biscuit. Su una cabaletta valzerosa come l'antica Sulle, sulle labbra da salotto, squilla note ficcanti e perentorie come quando Rockwell Blake (anche lui a Pesaro) forzava con sicurezza una preoccupante voce di testa; ma rigirandosi poi in un velluto alla Alfredo Kraus, e scatenando battimani e pestoni da Radetzky Marsch nei Capodanni viennesi”. A Vienna, a Salisburgo, ad ascoltare Wagner e alla Scala, forse ancora un paio d’anni fa. Da dopo che scrisse le “Piccole vacanze”, ai conoscenti di lirica mandava – di tanto in tanto – cartoline dai posti dove si trovava o dove aveva assistito a opere. Con qualche gioco di parole incomprensibile, come queste morti.

"L'intellettuale deve sempre dire la sua": addio Alberto Arbasino, protagonista del '900. È morto nella notte lo il giornalista e scrittore. Lo ricordiamo con questo articolo che scrisse sull'Espresso nel 1997. "Chi per mestiere studia e riflette e collega dati e ne scrive fa benissimo a mettere i risultati del suo lavoro a disposizione della società civile". L'Espresso il 23 marzo 2020. È morto nella notte lo scrittore e giornalista Alberto Arbasino, storico collaboratore di Repubblica e L'Espresso. Tra i protagonisti del Gruppo 63, aveva da poco compiuto 90 anni. Ripubblichiamo qui un suo storico articolo uscito sul nostro giornale l'8 maggio 1997 sul ruolo degli intellettuali.

È giusto che gli intellettuali dicano sempre la loro? Sì, anche a nome del Bar Sport. Caro "L'Espresso", i maneggi e i minuetti sul "ruolo dell'intellettuale" alle spalle della collettività sono spesso stati presuntuosi e molesti, nella supponenza mezzacalza. Ma a livello di "basso profitto" realistico e altruistico, le varie esperienze immagazzinate lungo i decenni di lavoro negli studi professionali e nelle frequentazioni specialistiche - onestamente - possono risultare utili per i cittadini che non hanno accumulato altrettanto "know-how". E non sono abituati (o non avevano il tempo, o non ci hanno mai pensato) a riconoscere i corsi e i ricorsi dei fenomeni che si ripresentano identici, a interpretare i nessi fra i precedenti e l'attualità, ad applicare la memoria storica, i saperi, le competenze, il principio che due più due fa quattro e le pie illusioni non fanno bingo. E se questo vale o si usa - con buone accoglienze - con le indicazioni pratiche sulle cure per la depressione o la disintossicazione, i rimedi per i figli e i fiori, e i consigli circa le pizzerie con la ragazza, perché non fornire "expertises" meditate sui fenomeni politici e mentali che sembrano inauditi o insoliti, suscitano emozioni, e sono in realtà vecchie solfe già analizzate e riciclate più volte? E quindi si è già visto come sono andate a finire di solito. L'importante - mi pare - sarà il non soccombere alle tradizionali velleità e meschinità dei letterati provinciali e dei pensatori settoriali che vedono un solo problema alla volta, si infervorano su un'unica loro "causa" senza considerare gli antecedenti e i consensi. E si scalmanano per qualche giorno (e poi più) come quelle signore di mezza età che si agitano solo contro le pellicce o per l'Irlanda o l'Irpinia, senza riguardi per le altre che promuovono iniziative per i montoni sgozzati o per i monumenti in pericolo o per Lotta continua o per l'Aids. E magari chiedono scelte molto esclusive d'azione e di assegni fra Sarajevo, i carcerati, i tumori, gli ex-tossici, l'ultima provocazione censurata dai vescovi. E certo, qui, volendo, possiamo tutti proclamarci albanesi, e comportarci anche di conseguenza sparando per aria e alle parole e alla gente, per regolare vecchi conti fra bande approfittando dei torbidi, o cercando di portare qualche vantaggio a casa: come si vede nei telegiornali ogni sera. Ma al tempo del Vietnam gli americani seri si dichiaravano pro o contro l'intervento militare con una sola frase, un solo slogan. Nel contorsionismo del politicamente corretto all'italiana, invece, fiumi di parole spesso sconclusionate per non dire né sì né no, fra doppiopesismi e doppioscarpismi, «Yankee go home» e «siamo tutti kennediani», sit-in e «chi salta è...». Ma l'intervento militare italiano - in quanto albanesi - sì oppure no? Fondamentale - per una buona efficacia delle nobili cause - parrebbe allora un'astensione rigorosa da rancori e dispetti personali, da pettegolezzi grulli su citazioncine avulse dal loro contesto, dalle esibizioni pubblicitarie, dai neo-bigottismi di demagogia o di regime... Soprattutto, evitare il predicozzo e la lagna, dopo aver lodato le dissacrazioni. E validissimo risulterà - al contrario - un cotante riferimento ai temi di interesse civico generale e non individuale, duraturo e non episodico, approfondito e non effimero. Soprattutto, non trattare soltanto col cuore, con la laringe, coi bronchi, col fegato, con l'utero, le situazioni serie dove i dati e i fatti gravi e obiettivi e basici richiedono specialmente conoscenze giuridiche, economiche, storiche, diplomatiche, strategiche. Occorre sempre ricordarlo? Gli integralismi e i banditismi non si risolvono con un'Avemaria o un reggae, malgrado la bella figura gratuita fra le anime belle. I fondamentalismi e i terrorismi combattono e non conciliano, anche a costo di gravissime perdite suicide: lo insegna la Storia, che non dànno retta ai buoni sentimenti. Sennò, basterebbe far sfoggio del nostro miglior moralismo: non costa niente, e si ottiene un bell'applauso. Dunque, chi per mestiere studia e riflette e collega dati e ne scrive - direi - fa benissimo a mettere i risultati del suo lavoro a disposizione della società civile. Così come dopo una vacanza intelligente può concretamente suggerire il tale formaggio o il tale panorama. E così magari esprime il punto di vista delle più biasimate categorie sociali, la portinaia e la pescivendola? Ma proprio il già stimato e poi snobbato Louis Althusser spiegava che ogni scrittore serio funziona "anche" come portavoce di un qualche gruppo sociale che non ha voce propria. Senza escludere né la "signora mia" né il Bar Sport. Categorie, oltre tutto, che non hanno facili accessi con la scrittura e i media. E dunque, perché non agevolarne le "prese di coscienza", e rappresentarne magari le opinioni (elettorali, poi, alla fine) così come si forniscono gli indirizzi utili ai mercatini dell'usato? Oltre tutto, quando si è ricevuto parecchio dal proprio Paese, e lo si trova indisposto o incerto, diventa un vero dovere pubblico restituirgli non trasgressioni o moralette, ma un pochino di buon senso civico.

Crocifisso Dentello per il “Fatto quotidiano” il 17 gennaio 2020. "La necessità dello scrivere diverso, che alla coerenza del senso preferisce il rumore del mondo". Così Angelo Guglielmi nel rievocare l' esperienza del Gruppo 63, condivisa a suo tempo con Alberto Arbasino. Lo scrittore lombardo compirà 90 anni mercoledì prossimo e Guglielmi - critico letterario che i 90 li ha festeggiati lo scorso aprile - racconta al Fatto la parabola di un amico la cui voce "si è spenta". Arbasino scrisse: "In Italia c' è un momento stregato in cui si passa dalla categoria di giovane promessa a quella di solito stronzo. Soltanto a pochi fortunati l' età concede poi di accedere alla dignità di venerato maestro". Per stare alla sua stessa dissacrante etichetta, il nostro venerato maestro nasce a Voghera nel 1930 e trascorre un' infanzia "di guerra e di merda nelle campagne lombarde" per poi finire col mettere piede in ogni angolo del mondo e diventare un intellettuale cosmopolita. Romano d' adozione, frequenta negli anni 50 e '60 quasi tutte le personalità della cultura e dello spettacolo tanto da ricavarne una sterminata antologia di ritratti, sempre sul filo di uno snobismo sottile. Un letterato tanto atipico e lontano dai clichè che la sua biografia contempla persino la conduzione televisiva. Da ricordare almeno la trasmissione Match nel 1977 e una memorabile puntata che vide contrapposti Monicelli e un giovane Nanni Moretti. Un inclassificabile che ha sempre licenziato opere tanto innovative che persino la critica più militante si è dovuta arrendere, soverchiata dal suo genio di auto-esegeta. Da L' anonimo lombardo, romanzo epistolare con apparato di note, a La bella di Lodi, parodia di una storia da rotocalco da cui il film con protagonista Stefania Sandrelli, a Fratelli d' Italia, romanzo-conversazione che Raffaele Manica ha definito "enciclopedia della modernità", a Super-Eliogabalo, testo surreale e a frammenti con infinite liste nominali su un moderno imperatore. Non c' è nulla nell' opera di Arbasino che vanti una qualche parentela con altri autori di casa nostra. Questa fame di sperimentazione, di sovvertimento dei canoni, di insofferenza per il già visto, non poteva che trovare facile approdo in quella "rivoluzione di carta" che fu il Gruppo 63. È vero che forse si ricorda la neoavanguardia solo per la taccia sprezzante di Liale con la quale bollò Bassani e Cassola, ma tocca riconoscere che da quella stagione di rottura uscirono autori che hanno contrassegnato la nostra storia letteraria, da Eco a Sanguineti, da Manganelli a Balestrini, fino appunto a Arbasino. L' esigenza di un "altrove" è suggellata dall' uscita, proprio quello stesso anno, nel 1963, di Fratelli d' Italia, la cui eredità, puntualizza ancora Guglielmi, "vive in Celati e in Tondelli, che riconobbe di avere tradotto il parlato in letteratura leggendo proprio Arbasino". "Oggi gli scrittori italiani cedono all' autobiografismo che altro non è se non il riparo di chi non sa che cosa sia scrivere" tuona Guglielmi e aggiunge: "È il limite di chi non sa che aggrapparsi alla propria soggettività e raccontarci le proprie vicende private". La singolarità irriducibile di Arbasino resta sempre come scomoda pietra di paragone. "Che dire della celebre Gita a Chiasso?" si interroga Guglielmi e come appunto non ricordare quel celebre articolo in cui Arbasino invitava i nostri intellettuali a fare una gita "a due ore di bicicletta da Milano per sprovincializzarsi". I vizi del letterato italiano medio, sembra suggerire il critico, non sono più ravvisati nemmeno come tali. Se tanti altri scrittori sono immersi in un conformismo di categoria, ecco la battaglia costante di Arbasino contro le ideologie e i tic linguistici, contro la retorica e l' omologazione. Se tanti altri scrittori non osano oltrepassare l' asticella del romanzo canonico, ecco la capacità camaleontica di Arbasino di assorbire tutti i generi e di rielaborarli in uno stile personalissimo e inimitabile. Tutti i materiali - diari lettere conversazioni reportage - toccati dalla penna di Arbasino confluiscono in una "lingua-mondo come oggetto d' arte". Angelo Guglielmi ribadisce: "Fratelli d' Italia e prima ancora i racconti di Le piccole vacanze mostrano una scrittura nuova, precipitosa e anche slabbrata, ricca di odori sgradevoli e di rumori molesti. La natura del romanzo è oggettiva, è parlare di altro e di altri inventando una scrittura". In effetti Arbasino, nipotino di Gadda, dalla lunga frequentazione con l' Ingegnere in blu ha ereditato l' ossessione patologica per la lingua, per una scrittura totalizzante. Arbasino è notoriamente l' autore che ha trasformato la sua bibliografia in un perenne work in progress, macerando le sue pagine di continue aggiunte e di riscritture. Guglielmi ricorda quando taluni detrattori lamentarono l' oscurità dei pezzi di Arbasino su Repubblica. "Scalfari prese le sue difese, asserì che di ciò che scrivono i grandi scrittori gli unici responsabili sono loro stessi". Vero, perché la letteratura di Arbasino "non comunica, esiste. Fa concorrenza al mondo".

Giovanni Agosti per il manifesto il 31 marzo 2020. Come dovesse finire la partita Alberto Arbasino l’aveva ben chiaro: voleva un funerale in Santa Maria del Popolo, a Roma, a pochi passi da casa sua, con una messa celebrata all’altare della cappella Cerasi, lì in fondo, a sinistra del presbiterio, lì dove sulle pareti stanno la Crocifissione di San Pietro e soprattutto la Conversione di Saulo del Caravaggio, lì dove era stato celebrato il funerale di Carlo Emilio Gadda. Aveva chiari anche in testa i pezzi musicali che voleva si ascoltassero durante il rito ed era convinto che sarebbe stato il «morto del rione»: un’espressione che non conoscevo e che mi faceva ridere, mentre spiegava minutamente i dettagli della cerimonia. Non eravamo al Bolognese, dove mi invitava di solito (e dove, per esempio, era scattata la scintilla che aveva portato al ritrovamento del «Dosso di Bombay»), ma a una più semplice trattoria, passato piazzale Flaminio, il cui oste lui chiamava il Socrate romano o qualcosa del genere. Voleva insomma morire da lombardo a Roma, come l’autore della Cognizione del dolore o come l’autore odiato-amato (ma poi soprattutto amato e perdonato) di Senso e di Ossessione. Ora niente di tutto questo è possibile, in mezzo a una peste diversa dall’altra attraverso cui siamo passati quando eravamo giovani e che sembrava colpire, almeno nel mondo occidentale, soprattutto quelli come noi; in più Alberto aveva vissuto la guerra, aveva visto suo padre arrestato dai fascisti: una vicenda che aveva cercato di dimenticare, sigillata dentro di sé. Provo a scegliere qualcuno degli episodi di una lunghissima amicizia che mi sono venuti a visitare questa notte, interrotta solo dai fischi delle autoambulanze. Comincerò dalla fine, cercando di procedere – è una deformazione professionale – in ordine cronologico e andrò avanti fino a che lo spazio concesso dal numero delle battute me lo permette; il resto, come diceva Desideria, sarà, semmai, per un’altra volta. L’ultima occasione d’incontro mi è ben chiara, anche se non sapevo che sarebbe stata tale: al principio del 2018, a casa sua a Milano, in via Molino delle Armi. Era già una stagione in cui la conversazione di Alberto, un tempo fluida e imprevedibile e inarrestabile, si era trasformata in una litania di «grazie, grazie» e «auguri, auguri». C’era in quelle espressioni una sorta di riconoscenza, che gli scappava malgré soi con chiunque. Ma superata la barriera, ormai da qualche tempo rituale, di quelle espressioni, c’era ancora posto per la commozione davanti a un tramonto che incendiava la basilica di San Lorenzo. Ci ricordavamo tutti e due che Richard Krautheimer, il massimo conoscitore della Roma medioevale e barocca, la considerava la chiesa più bella dell’Occidente: e Alberto la vedeva ormai tutti i giorni dalle finestre della sua stanza, dal suo balcone. In casa erano già stati fatti i lavori per ricavare dal salotto, con le incisioni di Füssli e di Piranesi, uno spazio per una persona che potesse accudirlo; Stefano infatti era gravemente malato e molto provato da una situazione da anni difficile, tanto da avere deciso di fare abbandonare Roma ad Alberto e di tenerlo con sé a Milano. Tranne la presenza dei famigliari dell’uno e dell’altro, erano entrambi molto soli; quasi nessuno li andava a trovare, pochi si facevano vivi al telefono. Stefano mediava con il mondo e infatti la notte totale è cominciata quando lui non c’è stato più. Stefano il «prisonnier» degli anni Sessanta, Stefano impeccabile e musone, Stefano con la r, Stefano mangiato con gli occhi in ascensore da Jacqueline Kennedy, Stefano che disegna gli omini intrecciati – quasi dei Keith Haring ante litteram – sulla copertina di Sessanta posizioni: una proiezione di Alberto? O, meglio, una delle grandi storie d’amore dell’altro secolo? Vado all’indietro di un paio d’anni, direi il 2016: Alberto a casa mia, tra il disordine dei volumi, che occupano tutti gli spazi possibili, indica La fine del mondo di Ernesto De Martino, l’esito interrotto di una ricerca sulle apocalissi culturali, che metteva insieme Proust e i movimenti di liberazione del terzo mondo, e dice: «Che grande libro». Mai e poi mai avrei pensato che De Martino potesse stare tra i riferimenti di Alberto. La sua era una cultura solidissima, cementata di nozioni e di erudizione, di genealogie e di conflitti. Ricordava, senza difficoltà alcuna, le coalizioni contro Napoleone o gli intrighi alla corte del Re Sole. Ma l’esibizione di tutte quelle parentele non era fine a sé stessa, come dicevano i suoi detrattori (perché Arbasino ne ha avuti moltissimi, ora apparentemente dissolti come neve al sole). In altre parole, lui aveva ben chiaro che le opzioni della storiografia italiana, mettiamo quella del Cinquecento, non si riducono alla contrapposizione binaria, e manualistica, tra Machiavelli e Guicciardini. Stava, con il suo cuore e la sua testa di lombardo, dalla parte, laterale, di Paolo Giovio. O, spostando la questione in un altro contesto e per renderla appena più facile a cogliersi, da quella di Saint-Simon. Quando gli dicevo di Dionisotti e di quanto quella lezione, tra storia e politica, fosse stata e fosse importante per me, lì mi sfuggiva. Un «non lo conosco abbastanza», «non l’ho mai letto»: e passava via con una boutade, magari un accenno al fatto che la figlia del sommo italianista aveva recitato in Intimacy di Chéreau, il film tratto da un racconto di Kureishi. E via per un altro giro tra gli ottovolanti del gusto. Non è difficile recuperare nella memoria l’ultima notevole uscita pubblica di Arbasino a Milano: erano i giorni d’avvio dell’Esposizione universale, quindi l’inizio di maggio del 2015, e Anna Crespi aveva organizzato, apparentemente senza una ragione, una serata per Alberto agli Amici della Scala, anzi gliel’aveva chiesta lui. C’erano tutti i suoi amici; io e Carlo Feltrinelli riuscivamo ancora, in quel contesto e tra quelle anagrafi, a fare la parte dei giovani: e Alberto ci è venuto incontro pronunciando dei numeri, apparentemente senza senso, ma poi ha preferito altre compagnie. Orsi entrambi, Carlo e io, siamo venuti via quasi subito e sul marciapiede di via dei Giardini ci siamo interrogati, come da ragazzi, sul significato di quelle cifre: quasi contenessero un segreto. Ma quella festa, ce lo siamo detti subito dopo, era un po’ come quella d’addio in Veronika Voss, il penultimo, lampeggiante, film di Fassbinder (che Alberto aveva incontrato, al principio degli anni Settanta, alla Deutsche Asche, a Monaco, avendo immediatamente compreso che si trattava di un genio). E quindi Memories are made of this. Un po’ prima, quando Alberto faceva ancora un po’ di vita sociale a Milano ed erano usciti da poco, da Adelphi, i suoi Ritratti italiani: in sostanza una galleria di congedi. Una colazione a casa di Rosellina Archinto; io arrivo un po’ prima di lui e Rosellina e Inge mi parlano della fotografia di Alberto comparsa, a tutta pagina, sulla copertina del supplemento del Corriere della Sera: un’immagine per loro incomprensibile, per il disordine fisico, dai capelli alla vestaglia, alle rughe esibite, con cui si era presentato davanti all’obiettivo, e, allora, in coro, un: «perché tu, che sei un uomo, non gli dici qualcosa?». Proprio io, la persona meno adatta in quel ramo del reale: Alberto, con quell’immagine, dichiarava che per lui la recita era finita; era in camerino e si stava struccando. Un’altra freccia di stanotte, più antica (ma non certo la più antica), era la visita nel 1994 al Poussin del Grand Palais, a Parigi; io ero con Luciano Bellosi, che non amava il pittore normanno («andrei più volentieri a vedere una mostra di Laurent de La Hyre», mi aveva detto sull’aereo). Incontriamo Alberto tra le sale della mostra e ne guardiamo un pezzo insieme, stupiti dalla luce naturale che insolitamente si rovescia sui dipinti, al posto dei soliti fari e faretti. Alberto, come me, era invece un fanatico di Poussin: il Rinaldo e Armida del Dulwich College era appena finito sulla copertina dei suoi definitivi Fratelli d’Italia; c’era già stato, nella versione Einaudi 1976 di quel capolavoro, il Trionfo di Nettuno di Filadelfia. Luciano era stupito dalla sensibilità per la pittura che Alberto dimostrava in ogni tratto, dal suo senso della qualità. E sì che lui non era mai riuscito a capacitarsi della mia passione per i Fratelli d’Italia: insieme a Petrolio e da prima di Petrolio, il libro della mia vita, quello che mi ha dato un orizzonte, a cui sono ricorso nei momenti belli e brutti, i cui personaggi – perché lì ci sono i personaggi, immortali, proprio come quelli dei Promessi Sposi, anche se Alberto voleva e credeva che fossero solo funzioni – mi stanno di fronte in tante circostanze dell’antropologia quotidiana. Di fronte ai Baccanali e ai Sacramenti Luciano aveva capito che erano entrambi allievi dello stesso maestro, Roberto Longhi, che aveva letto e riletto e corretto la tesi dell’uno e i racconti dell’altro. Ma adesso il tempo è scaduto; ci tocca la prima linea.

Malcom Pagani per il “Fatto quotidiano” del 14 luglio 2014. Pur refrattario all’elaborazione di un saggio sul maleducato da carrozza: “Il tempo è prezioso e la tolleranza costa già un notevole sforzo”, Alberto Arbasino soffre treni, scompartimenti e vicini ciarlieri. “Prendere le cosiddette vetture silenziose, che poi tanto silenziose non sono, è un’accortezza inutile”. Parlano tutti ad alta voce: “Dei fatti loro, dell’intimo, del personale”. E il vento caldo delle sue piccole vacanze in Spagna: “Andavamo alle Baleari. Ibiza era meravigliosa e Formentera non era altro che una lingua di sabbia tagliata dal taxi che ci portava da un lato all’altro dell’isola per il pranzo” o “i flautisti da giardino che ascoltavo d’estate dall’ammezzato di una delle mie prime case romane” non tornano a visitare la stagione dei suoi 84 anni. Luglio è quasi a metà, sulla terrazza il fico ha foglie di un verde innaturale e Arbasino indossa la camicia color kaki di chi sa come attraversare il suo deserto: “Di sera esco ancora volentieri, anche se scivolare dalla Via Veneto prefelliniana alla cena in Piazza Navona, non mi accadrà più. Con Ercolino Patti, Sandro De Feo e Cesare Brandi succedeva spesso. Cesare aveva un piccolo pied-à-terre e dopo una giornata di lavoro casalinga non covava il desiderio della minestrina nel tinello. Così si usciva in gruppo e si stava insieme fino alle due di notte. Mi stupivo. Lavoravano come ossessi e scrivevano senza sosta, ma non rinunciavano a vivere. Ridursi male comunque era difficile. Non tralignavamo mai. Un bicchiere, forse due. Si beveva il giusto, con moderazione”. Della grande casa con le sue iniziali sulla porta, conosce oro, incenso e giacimenti. Quando cerca nella biblioteca un volume di De Chirico: “Me lo regalò lui in Via della Vite, in fondo ci sono anche delle note a penna”, insegue un nome sulla Garzantina: “L’editore fiorentino di cui le parlavo era Carocci”, sventa l’attentato dell’ospite superando agile uno zaino sulla moquette o rimpiange con discrezione la mancanza di un computer: “Non lo possiedo, per alfabetizzarsi è tardi, ma ne sento la mancanza”, Arbasino denuncia il perpetuo movimento che dalla fine degli anni 50, immobile non l’ha fatto mai restare. Anche se i baffi di quando intervistava Borges sono un ricordo fotografico, è nell’autoscatto del tempo che fu: “Self-made man di origini decadenti (nato a Voghera nel 1930, rinato a Roma nel 1957) con la tentazione di vivere come se. Cioè come se abitassimo una società civilissima, illuminata e cosmopolita...” e nei versi ancora attualissimi di Super-Eliogabalo: “Senza pietre di paragone/ né pretese di perfezione/ se ragiono/ a tono/ funziono/ a una condizione/ diventare ciò che sono/ non chi impersono” che Arbasino può vantare la curiosità di chi ha guardato il mondo senza curarsi delle “ultime novità”. Lo stile nemico della semplificazione: “Per far contenti tutti e raggiungere le edicole degli areoporti non si può rinunciare all’ambiguità, alla notte, al mistero, all’oscurità”. L’amicizia con Agnelli: “Ci vedevamo spesso, dietro la sua raffinatezza pulsavano frequentazioni e lezioni erudite, Mario Tazzoli, Luigi Carluccio e Franco Antonicelli che alle signore di Voghera consigliava di servire i cioccolatini in coppe di cristallo”. Il mondo dell’avvocato come ouverture per altri 92 splendidi e diseguali Ritratti italiani raccolti per Adelphi. Ironia, affinità elettive, distanze e convergenze di Arbasino con i pensatori del suo tempo si allineano sotto l’ombrello di un illusorio ordine alfabetico. Sono volti, echi e disegni di passato senza data. Incontri con imprenditori, registi e letterati. Quadri non sovrapponibili. Cornici di un’età irripetibile. Sulla parete d’ingresso, nel tratto grasso di un pennarello nero, uno schizzo che Pasolini donò allo scrittore durante un’intervista: “Arbasino, in un atto di industria culturale (abbietto, naturalmente)”. Gli zigomi duri, nota Arbasino: “Sono i suoi” come la freccia che Pasolini indirizza a se stesso: “Io mentre aspetto che scriva le domande a cui nobilmente rispondere”.

Lei arriva a Roma negli anni Cinquanta.

«Avevo poco più di vent’anni e non la pensavo diversamente da Paul Nizan: "Non permetterò a nessuno di dire che è la più bella età della vita". Quando si parla di Arcadia bisognerebbe essere cauti. In Italia la ricostruzione era a buon punto, ma ci sembrava comunque un’epoca noiosissima, una lunga stagione morta».

Sfogandosi con lei, Pasolini parla di un “ridicolo decennio”.

«È un decennio di paradossi e contraddizioni. Di ultimi fuochi, di cambiamenti, di libera sessualità dietro le dune e le pinete e di libri straordinari. Lo osservavo, lo criticavo, lo subìvo il decennio dei ’50, poi adocchiavo la letteratura e mi chiedevo: ‘Come è possibile?’. Di mese in mese, anzi di giorno in giorno, in libreria era una festa. Il Pasticciaccio gaddiano, Menzogna e Sortilegio, Il Disprezzo e La noia, gli ultimi due romanzi veramente belli di Moravia».

Glielo disse che erano gli ultimi?

«Con Alberto ce ne facemmo e dicemmo di cotte e di crude. Da ragazzo era antipatico. Da uomo maturo dispettoso, prepotente ed eccessivamente prono al partito. In vecchiaia ci rappattumammo. Non ripeteva più ‘uffa uffa’ con severo cipiglio, ma in trattoria, davanti alle pere cotte, gridava: Semo tutti peracottari. Gli era venuta voglia di ridere. È superfluo dirlo, ma mi manca moltissimo, non solo nell’ultima veste giocosa».

Eravate entrambi permalosi?

«Lui sicuramente. Io mai, altrimenti non sarei arrivato fin qui. Alberto era ispido ed era capace di lunghissimi silenzi. Quando compì settant’anni gli portai 7 fazzolettini da Parigi. Aveva il vezzo di annodarli al collo e mi impegnai nell’acquisto. Li avevo cercati con perizia: grandi marche, colori magnifici, confezione adeguata. Li soppesò e poi disse: "Li conosco, a Roma li chiamano strangolini"».

Faceva parte degli intellettuali suscettibili?

«Lui no, ma non mancavano. C’erano persone che non tolleravano neanche l’afrore del giudizio critico e si adombravano se non si ragionava delle loro opere dal superlativo in su. In supporto non mancavano mai teorie di corifei. Gente che generosamente si prestava all’equivoco: Chi osa mettersi contro da oggi in poi non è credibile, Chi non capisce è sciocco, Chi non si spella le mani è un buzzurro».

Di Antonioni, incline all’offesa, lei scrive cose non tenere.

«Con intuizione corretta, Antonioni fotografava tedio, imbecillità e incomprensioni sentimentali della società europea sottoposta all’industrializzazione forzata. Metteva sotto la lente quel disagio che i milanesi bramarono di provare nell’istante immediatamente successivo all’edificazione del primo grattacielo cittadino. Ma nel suo cinema, la pretesa letteraria si risolveva in bozzetti incongrui e programmatici. La serietà con cui agghindava i suoi improbabili personaggi, le mezze calzette elevate a paradigma del Paese, involontariamente comica. Passata la sbornia e svanito l’equivoco, in effetti, si rise».

Altro moloch dal carattere puntuto, Luchino Visconti.

«In lui la componente populistica e quella dannunziana convivevano contribuendo all’essenza di un Visconti che nel retropalco e nell’isolamento sembravano esattamente la stessa persona. Uno che ideologicamente pendeva per il proletariato, detestava la classe media e respirava circondato dallo sfarzo. Un signorotto di geniale talento, ben allevato da genitori che lo portarono alla Scala fin da bambino, con una sua corte di zelantissimi sottomessi, affannati nell’eseguirne gli ordini. Frequentarlo annoiava e addolorava. Giovanni Testori, un caro amico, era sfruttato malamente. Sul versante teatrale poi, anche se gli dobbiamo spettacoli sommi come Anna Bolena e La sonnambula, l’elenco di quelli infelici ha voci in quantità. A un certo punto, anche dal loggione, prevalse lo strepito collettivo: Che palle».

In “Ritratti italiani”, parole liete sono riservate a Giorgio De Chirico.

«Era unico. Straordinario. Diverso da chiunque altro. Avvertiva l’estraneità al mondo circostante, viveva al passato remoto, si sentiva inadeguato persino all’allegro, innocuo circo di Piazza di Spagna. De Chirico abitava a pochi passi dalla filiale della Banca Commerciale Italiana e temeva di essere costantemente rapinato da briganti e mascalzoni. Ho paura sia a ritirare che a depositare mi diceva e io: Maestro, perdoni, ma che razza di traffico ha con questa banca?».

Il denaro per lei è stato importante?

«Non troppo, ma ho sempre considerato ovvio essere pagato per scrivere: il mio lavoro. Nel ’67, ai tempi de Il Giorno di Italo Pietra, un ex comandante partigiano che ben conoscevo per antichi vincoli familiari e che dei suoi anni universitari a Pavia amava dire: ‘Ballavamo il Charleston e traducevamo Sofocle meglio degli altri’, mi trasferii in un amen al Corriere Della Sera. A Il Giorno mi pagavano regolarmente, ma da anni collaboravo senza l’ombra di un contratto. All’ennesimo rinvio della questione mi spostai in Via Solferino. Un problema simile lo ebbi anche a Repubblica. Ero stato eletto deputato con il Partito Repubblicano e l’amministrazione del giornale fu laconica: Un contratto con un deputato non si fa».

Divenne deputato nel 1983.

«Me lo chiesero due fior di personaggi come Giovanni Spadolini e Bruno Visentini. Una volta con Visentini si andava a Treviso. Lui si trasformava, parlava in dialetto e diventava incomprensibile. Di preferenza litigava con uno scrittore autoctono che però dal trevigiano si era emancipato. Aveva viaggiato. Quando si incontravano non c’era facezia che non li accendesse in discussioni infinite».